EL GALLINERO 2)

TOKAREV

Puntuación: 5
Duración: 1 h 38 m 
País: USA / 2014
Dirección: Paco Cabezas

A veces tan solo medio punto puede marcar la diferencia entre aprobar o suspender un examen. En este thriller que roza la serie B, ese medio punto lo aporta Cabezas para superar con dignidad su examen en territorio USA y el comienzo con buen pie, aunque el paso sea corto, con este encargo, en una carrera que se suma al goteo sin prisa pero sin pausa de directores españoles que se están abriendo hueco en la industria norteamericana.

En el agostado campo del género el guión aún es capaz de sacar un mínimo provecho y Cage se esfuerza por añadir volumen a un personaje tantas veces repetido. El problema es que se le nota el esfuerzo y pierde credibilidad.

Cabezas imprime un ritmo acelerado con un montaje muy acertado sobre todo en su primera mitad yendo al grano del asunto con un reparto que desahoga el perenne protagonismo de Cage en este tipo de cintas y sin demasiadas explicaciones ni tiempo para meditar llegamos al final que afortunadamente se sale de los clichés, aunque tampoco es como para tirar cohetes.

En definitiva Tokarev se deja ver si uno quier dejarse llevar un ratito sin tener que pensar lo mal que va el mundo. 

Cabezas ya tiene nuevos proyectos en USA. Suerte y que los disfrutemos.

FOXFIRE: CONFESIONES DE UNA BANDA DE CHICAS.

Puntuación: 6
Duración: 2 h 23 m 
País: Francia / 2012
Dirección: Laurent Cantet

La prolífica escritora Joyce Carol Oates, de 76 años en la actualidad, empezó sus relatos con una máquina de escribir regalo de su abuela , cuando contaba 14 años, es decir en el 52, época en que transcurre esta adaptación de su novela del 93. El personaje de Muddy, también tiene esa edad cuando con otra vieja máquina se convierte en cronista de las "Foxfire", una banda de chicas preadolescentes que han sufrido diferentes abusos y desarraigos familiares en una sociedad donde la felicidad y el confort de una américa impulsada por el desarrollo una vez ganada la contienda mundial, va de la mano de un machismo y una desigualdad social a la altura de su potencia industrial.

Ya hubo una película que tomaba como base la novela de Oates (Foxfire / 1.996 / Anette Haywood-Carter) protagonizada por una veinteañera Angelina Jolie. Al igual que esta tampoco supo mojarse lo suficiente para trasladar a la pantalla la violencia y el desgarro que propone la autora de la novela.

El tibio repaso que hace Cantet, presentándonos a las miembros de la futura banda es tan light que no entendemos como pueden atreverse a dar el paso de emanciparse y rebelarse contra la sociedad en el grado que lo hacen.

El joven reparto voluntarioso de actrices jóvenes no van más allá del estereotipo y su perfil psicológico apenas se esboza cuando no se ignora. La cosa va tirando a impulsos deslabazados y nunca acabamos de empatizar con lo que pasa por la cabeza de estas chicas desarraigadas ni los lazos que las unen, por mucho que verbalicen que están muy unidas.

Canet acaba por perder el rumbo y se limita a filmar sucesos sin profundizar en sus causas. Y no será por falta de tiempo, dos horas y media daban para mucho más. La producción se esfuerza por aportar una imagen más real de esa américa tantas veces vista en la pantalla sin conseguir tampoco arrancarnos los estereotipos tan arraigados.

El texto merece otra adaptación con más "carne" para la pantalla. Directores y actrices jóvenes de talento sobran.

LAS DOS HUÉRFANAS

Puntuación: 10
Duración: 2 h 29 m 
País: USA / 1921
Dirección: D.W. Griffith

En realidad no eran huérfanas, pero supongo que de cara al publico la cosa se vendería mejor. Y aunque se supone que a partir de 1920 Griffit empezó su declive lo cierto es que su apuesta por los dramas o melodramas de corte decimonónico no le fueron mal ni con su anterior film "Las dos tormentas" (1920) ni con este, que fueron un éxito en taquilla. Quizás, eso si el último. 

Vista hoy en día, 99 años después, que se dice pronto, resulta una película "moderna" que aguanta perfectamente sus dos horas y media de metraje y no queda más remedio que darle un 10 de valoración, salvando el melodramático guión y su especial visión de los hechos y personajes históricos de la revolución francesa porque en ella se condensa de manera fluida y precisa todo el cine que vendría inmediatamente después. Su utilización de los diferentes recursos técnicos le confieren un dinamismo y una tensión dramática modélica como lenguaje cinematográfico. Todo lo que en "El nacimiento de una nación" e "Intolerance", entraba en el camino de la innovación y experimentación de recursos no todos inventados por Griffit, aquí, después de 6 años ha quedado depurado y sintetizado para conseguir el máximo potencial al servicio de la historia.

La profundidad de campo con el movimiento de o hacia la cámara, el montaje vertiginoso (fantástico los bailes de los desarrapados o la cabalgada final), los planos detalle, los encuadres y primeros planos, la ambientación, la atmósfera, el vestuario, todo está tan cuidado que no puede menos que asombrarnos.

Las hermanas Gish están en su papel, más mesurada Lilliam al igual que el resto del reparto cuyo tono general toma distancia de la excesiva gestualidad del cine mudo norteamericano. No se olvida Griffith de salpicar con humor tanto melodrama y dar su recadito conservador sobre los peligros del bolchevismo reciente en rusia. Se le olvida sin embargo en los títulos finales decir que no solo Robespierre sino el propio Dantón fue pasado poco después por Madame Guillotine, 

Encomiable la labor de Bitzer y Sartov con la fotografía. En definitiva una clase maestra de, por y para el cine.

MIKE NICHOLS (1931-2014)

A los 83 años ha bajado su propio telón este Berlinés que hizo su carrera como director en los Estados Unidos. Siempre he asociado sus películas con el teatro, genero en el que triunfó y consiguió una reputación antes de estrenar su primera película: ¿Quien teme a Wirginia Woolf? (1.966) con Burton y Taylor dándolo todo. Ahí es na.

Después llegó "El graduado" (1.967) por la que recibió el Oscar. Así pues cada vez que llegaba una nueva entrega, ya fuera drama o comedia firmada por Nichols, uno tenía la seguridad de que el guión y la dirección de actores iba a funcionar. No siempre acertó y tuvo que refugiarse en la televisión en algunas  épocas pero nos dejó un puñado de películas que permanecen en la memoria: "Silkwood", "Armas de mujer", "A propósito de Henry", "La jaula de las locas" o "La guerra de Charlie Wilson". Aplausos Mike.

EL SUEÑO DE ELLIS

Puntuación: 8
Duración: 1 h 57 m 
País: USA / 2013
Dirección: James Gray

Venía apuntando James Gray y al final dio en la diana con la magnífica "Two lovers", así que esperábamos con interés su siguiente trabajo. Buen trabajo.

Drama o melodrama exquisitamente ambientado con un gran diseño artístico y un trío protagonista excelente donde Renner confirma que da mucho más juego que el de simple héroe de acción, Phoenix hace lo que le da la gana y generalmente muy bien y Cotillard está en un gran momento de forma encadenando personajes variados y siempre rayando a gran altura.

El guión con aires teatrales se sustenta en la interpretación de los actores haciendo foco en un triangulo amoroso de inmigrantes que tienen que sobrevivir como pueden en esa tierra de promisión en la que no mana leche y miel y cuyos padres fundadores ya no recuerdan que sus apellidos tienen las mismas raíces que los recién llegados que se agolpan en la isla de Ellis esperando que se abra la rendija de la esperanza después de venir hacinados en un largo viaje de ultramar.

A poco que hubiese perfilado más a los personajes centrales y hurgado en los tejemanejes y corruptelas del departamento de inmigración y su funcionarios Gray se habría llevado el premio Gordo. Nos tenemos que conformar con el segundo que no es moco de pavo.

ELI WALLACE (1915-2014)

Se nos fue, otro de esos actores cuyo adjetivo de "secundario" no hace honor a sus méritos. Nacido en Brooklyn, Nueva York y a pesar de licenciarse en Historia su pasión era la actuación. Y no paró hasta conseguirlo. Estuvo en el mitico Actor Studio codeándose, o ellos con él, con Brando, Marilyn, Clift, Lumet,.... Y como era de los buenos se subió a las tablas del teatro estrenando a Tennesse Williams de la mano de Elia Kazán, por poner solo un ejemplo.

El cine no podía prescindir de su talento y él accedió gustoso aunque siempre priorizando el teatro, llegó a rechazar el papel de Sinatra en "De aquí a la eternidad". Y entre sus amigos valedores estaban tipos com Steve McQueen y Clint Eastwood.

Hombre de una sola mujer toda su vida y muy larga afortunadamente, encarnó a una galería de malvados inolvidables e impagables y en sus más de 150 películas, teatro y televisión cosechó pocos pero selectos premios, entre ellos el Oscar honorífico a toda una vida de profesión. Su mejor premio fue sin duda no parar de trabajar hasta el final de sus días. Le tocó ser Tuco, "El feo" en el film de Sergio Leone, rodado en Almeria. Fue, para mi, el octavo magnifico en la inmortal película de John Sturges por citar dos de sus más populares trabajos. Wallace hizo sin lugar a dudas que fuera como fuesen sus personajes, estos siempre quedarían en nuestra memoria como "bonitos" y "magníficos".

UN CUENTO FRANCÉS

Puntuación: 6
Duración: 1 h 47 m 
País: Francia / 2013
Dirección: Agnes Jaoui

Cuarto film del tandem Jaoui y Bacri como guionistas al alimón bajo la dirección de Jaoui. Es el único de sus trabajos que conozco y parece que en sus dos primera obras empezaron con una fuerza correspondida por premios que ahora ha decaído. Los guiones como en este trabajo, parecen ser su mejor baza donde ofrecen un punto de vista al menos diferente sobre el "cuento" del amor, a través de un puñado de personajes que se encuentran en diferentes estratos de ese estado maravilloso, loco, hormonal, frustrante y apasionado entre otros muchos adjetivos que inmortalizó Lope de Vega en su famoso poema y que no entiende ni de edad ni de clases sociales.

Con una mirada y un ritmo muy atrayente en sus primeros minutos y un buen elenco, el asunto promete, pero desafortunadamente la cosa se va desinflando y el metraje comienza a tomar peso. Al final el cuento acaba siendo simpático con moraleja incluida. 

PUERTAS ADENTRO

Puntuación: 6
Duración: 1 h 19 m 
País: USA / 1920
Dirección: Oscar Micheaux

Considerado el padre del cine afro-americano, Oscar Micheaux, nacido en 1884, nieto de esclavos encontró en el nuevo arte cinematográfico la manera de expresar sus inquietudes contra el racismo predominante en su época, en paralelo con su faceta de escritor que mantuvo hasta el final de sus días en 1951.

Emprendedor formó su propia productora para poder abrir los canales que se le cerraban en la industria de los blancos donde imperaba las leyes del "Jim Crown" de segregación racial vigentes hasta el 64.

Así comenzando en el circuito segregado de las "películas de raza", Micheaux fue abriéndose camino y superando problemas (ausencia de financiación, censura) con un cine absolutamente educativo y social para negros que llegó a alcanzar los circuitos de los teatro de los blancos.

El éxito en la comunidad negra fue aplastante y demostró que el cine es un medio poderoso para influir en las conciencias de las gentes, sobre todo en esos comienzos fascinantes donde el hechizo de la pantalla tenía su máximo poder.

En ese contexto, esta su segunda película de un total de 44 en su carrera es un claro exponente de ese cine que deja de lado el entretenimiento y el desarrollo técnico o artístico para centrarse en el mensaje. Abundan pues los intertítulos y la exposición franca y directa de la injusta situación de discriminación racial que sufría la comunidad negra, abogando por una unión entre las comunidades del norte y el sur. Se la considera también una respuesta al mensaje racista inherente en "El nacimiento de una nación" de D.W. Griffit en 1915.

Es en sus escenas más audaces como el linchamiento o el intento de violación donde la denuncia y el lenguaje  fílmico se aproximan más. Micheaux, utiliza el flashback en un momento avanzado de la narración para descubrir los orígenes del personaje de la protagonista, dando un giro radical al tono discursivo del metraje anterior.

Censurada y prohibida durante un años acabó por ser un éxito que nos ha llegado a nuestro días mutilado en algunas escenas y con un mal estado de la copia, pero suficiente para constituir un testimonio fundamental de un cine de denuncia y de un documento histórico muy valioso.

Así lo ha reconocido la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos para su preservación y Micheaux, hoy casi olvidado, tiene su estrella en el paseo de la fama por su indudable contribución al cine americano.

Los disturbios que se están produciendo en la actualidad por parte de la comunidad negra en Fergusón, Misuri, nos recuerdan que el tema de la desigualdad entre las razas sigue sin tener una respuesta satisfactoria.

TRANSCENDENCE

Puntuación: 6
Duración: 1 h 59 m 
País: USA / 2014
Dirección: Wally Pfister

El tema no es nuevo pero si oportuno en tanto en cuanto vamos siendo conscientes de que la revolución tecnológica, es una autentica revolución y que nuestras vidas ya están cambiando a una velocidad en la que ni siquiera tenemos  claro donde está el limite de riesgo en esa misma velocidad.

Parece que el guión tiene muchos padres y los cuatro firmantes incluido el novel director no acaban de homogeneizar el asunto que promete más en su primera mitad y acaba siendo un producto mainstream bastante corrientito.

Deep se da un pequeño garbeo por la cinta y Freeman asoma su noble y canosa cabeza, poco más. Todo queda en manos de un voluntariosa Rebecca Hall que no puede competir con el sustrato del asunto que a la postre es lo único que permanece. ¿Será la inteligencia artificial (IA) el siguiente paso en la evolución?. Pues vaya ud. a saber. Mientras tanto seguiremos haciendo lo posible por erradicarnos nosotros solitos.

VIOLETTE

Puntuación: 6
Duración: 2 h 12 m 
País: Francia / 2013
Dirección: Martín Provost

!"Liberte, egalité, fraternité"!, gritaban en la Revolución Francesa allá por el 1789, pero no fue hasta la Constitución de 1948 que se asentó el lema en el Título 1, articulo 2 de su carta magna. A excepción de la mujer claro está, porque hasta 1.964. Sí, lo que leen. Hasta 1.964, antesdeayer como aquel que dice, las proclamas de la trascendental revolución pasaron de los derechos de la mujer como pasaron de Olympe de Gouges que ingenuamente redacto los Derechos de la Mujer y de la Ciudadana en 1.791. Hoy en día podemos decir que la cuestión en la práctica..., sigue coleando.

Dos de esas mujeres utilizaron la literatura para dar sonoros aldabonazos sobre el tema. Simón de Beauvoir con su "El segundo sexo" y Violette Leduc con "La Bastarda", como títulos más destacados. A Violette se la tiene olvidada por la gran mayoría y a Simón se la sigue delimitando como la amante de Sartre. El existencialismo estaba en boga después de los dos conflictos mundiales y es en este contexto donde Martín Provost intenta reeditar su éxito del biopic de la pintora Séraphine sin conseguirlo a pesar de que Emmanuelle Devos pone toda la carne en el asador en su brillante composición de la escritora que se pasa media vida buscando que alguien la quiera, arrastrando sus traumas infantiles y sus complejos.

Provost tarda mucho en que nos sintamos participes del alma atormentada de Violette y despues se le va el metraje en escenas donde se repiten los mismos aspectos psicológicos de la protagonista. Es en su tramo final donde todo toma su cauce, aunque quizás demasiado tarde.

Con una dirección artística notable, nos deleitamos en algunos fragmentos leídos de sus obras y descubrimos una porción de historia cercana y una escritora cuya obra merece ser visitada.

SOLO LOS AMANTES SOBREVIVEN

Puntuación: 8
Duración: 2 h 03 m 
País: Reino Unido / 2013
Dirección: Jim Jarmusch

Con el gurú del cine independiente norteamericano Jarmusch, ensalzado y odiado a partes iguales he gozado títulos como "Ghost Dog, el camino del samurai" y me he aburrido con "Flores rotas", por el camino interesantes conversaciones en su serie de "Café y cigarrillos" y westerns atípicos como "Dead man". En definitiva casi como cualquier director. Jarmusch tiene sus  propios códigos e intereses que retoma en esta cinta a sus 61 años para refugiarse en su pasión por la literatura y la música y rendirles un tributo con aquellos que han podido tener una visión general de lo que los "zombies" (entiéndase humanos) han sido capaces de crear, es decir los inmortales vampiros.

No hace falta ser inmortal para hartarse  de los humanos y comprender hasta que punto es deseable recluirse con las cuatro cosas buenas que han producido y si se tiene suerte. con el amor de tu vida. Esto último también escasea lo suyo, aunque sea de siglo en siglo.

Jarmusch nos hipnotiza con una atmósfera decadente y en decadencia, nocturna, con un Detroit fantasmagórico y un Tanger atemporal, en donde imprime su ritmo pausado lleno de diálogos inteligentes y humor ácido, con unas interpretaciones estupendas, en unos personajes que para mi ocuparán lugar privilegiado en la  galería del género.

Filosofía sencilla de entender, amor por la naturaleza y aquello que es construido con amor, e inteligencia.

Al final el amor, el verdadero, puede que tenga que ver con la física cuántica, donde algunas partículas por mucho que se las separe siguen mágicamente conectadas.   

LA MUJER INVISIBLE

Puntuación: 6
Duración: 1 h 51 m 
País: Reino Unido / 2013
Dirección: Ralph Fiennes

Con seguridad no es esta la gran película que aún está por realizarse sobre ese genial monstruo literario que fue Charles Dickens. Su vida digna de una de sus novelas, algunas de tintes autobiográficos, con sus luces y sus sombras, da para al menos una trilogía de películas, que a su vez requeriría una investigación a fondo sobre esas sombras que dado la relevancia artística del autor han permanecido bien guardadas.

Fiennes insiste en su carrera como director y da un paso más mejorando su primer envite  con la adaptación semifallida de "Coriolanus". Apuesta aquí por un cine academicista que le va bien al asunto y una encomiable producción artística sobre la época victoriana en la que la industria británica tiene un curriculum invencible. Pero aparte  de correr tímidamente la cortina y dejar que nos asomemos a un periodo de la vida del autor, no profundiza más allá de los hechos más o menos probados y le falta profundizar en todo lo que se deriva de esos hechos en la vida de unos personajes más próximos a su caracterización externa (fantástico el vestuario) que a su complejidad psicológica.

Supongo que la novela de Claire Tomalín sobre la que se basa aportará algo más que lo que vemos en la pantalla.

Aspectos decisivos del momento que se nos narra y que darían más volumen a la complejidad del personaje y del asunto se soslayan. A saber: la mujer de Dickens (gran trabajo de Joanna Scanlan) era la hija del editor del periódico que publicó sus primeras novelas, no siempre fue tan obesa como aparece y Dickens la dejó embarazada 20 veces en 22 años. La largó del domicilio, se quedó con los hijos (10) la humilló con un muro en su habitación (escena  que pasa de refilón en la cinta) y tuvo que soportar que su hermana se siguiera quedando en la casa de Dickens con los consiguientes rumores que ya venían de antes. Ella no lo denunció y aguantó carros y carretas, renunciando a derechos y a provocar el escándalo.

Poco tiempo antes de conocer a Ellen Ternan, Dickens intentó contactar con su primer amor Maria Beadnell y vino muy frustrado y cambiado de la experiencia..., etc, etc. 

Como se puede ver hay mucha carne en el asador y Fiennes pasa de puntillas, más preocupado de la forma que del fondo, a pesar de las buenas interpretaciones de la pareja protagonista. El episodio del descarrilamiento del tren en el que también viajaba la madre de Ellen dejó una profunda huella en Dickens y probablemente fue mucho más intenso y emocionante que como aparece en la cinta.

Al final la veneración por el escritor como en la vida real adormece y pone sordina a unos hechos donde la frustración y la pasión seguro que tuvieron más juego y tensión que esta correcta puesta en escena.

DÍAS DE VINILO

Puntuación: 8
Duración: 1 h 50 m 
País: Argentina / 2012
Dirección: Gabriel Nesci

"Fresca y divertida" es el tópico para vender las comedias románticas de las últimas décadas. Genero del que parece increíble que aún pueda mantener nuestro interés durante más de una hora. Con algunas  suelo reírme en un par de ocasiones y emocionarme algunos segundos.

"Días de vinilo", me ha conseguido una docena de risas y minutos de emocionada nostalgia sobre lo que pudo ser y no fue, la amistad, y más que amor, cariño por unos personajes a los que les ha llegado la hora de madurar y de coger el tren de las segundas oportunidades o quedarse en el andén de los recuerdos.

Supongo que para los que crecimos con los LP´s, las referencias para hacernos sonreír y sentir, están más claras. Aún así nunca abandona el estereotipo a que nos tiene acostumbrado Hollywood para llegar a todos los públicos, aderezado con la verborrea mordaz, inteligente y psicoanalítica típica argentina y unos actores que siguen, a mi juicio, a la cabeza del oficio de la interpretación. Me encanta Gastón Pauls y la autoparodia de Saraglia es estupenda. El resto no le va a la zaga.

Gabriel Nesci que viene de triunfar con una serie de éxito televisivo, "Todos contra Juan", con Gastón Pauls, recibe merecidamente con su opera prima el Premio especial del jurado en su sección latinoamericana del Festival de cine de Málaga.

Lo dicho: "Días de vinilo" es una película fresca y divertida.

LAS DOS TORMENTAS

Puntuación: 8
Duración: 2 h 25 m (Dos partes) 
País: USA / 1920
Dirección: D.W, Griffith

Cuando Griffith compró los derechos de esta pieza teatral victoriana original de 1898 fue duramente criticado por que los melodramas decimonónicos ya habían caducado.

Una joven con esa belleza inocente insuperable de la Gish maltratada por un malvado galán sin escrúpulos que la pone al borde del abismo, no hay hijo de vecino por mucho que se las de de intelectual que no caiga en sus redes. Y así fue. Un éxito de taquilla.

Pero además Griffith ya tenía muchas tablas y su cine de  más de 500 películas no solo se refleja en "El nacimiento de una nación" e "Intolerance" y aquí se mueve como pez en el agua con esta tragicomedia de mundos e ideas encontradas y feroz crítica a una hipocresía que todavía y salvando las distancias no ha caducado. Hay sobre la pantalla un repaso importante al puritanismo religioso, la concepción de la mujer sometida en todo momento al hombre, la malidicencia y el chismorreo general, la frivolidad y contrates de clases,... pero también hay mucha tensión mantenida, drama sobrecogedor y emoción final. Y todo ello narrado con un lenguaje que se puede seguir sin problemas hoy día. Es cierto que la mezcla de melodrama y comedía cojea sobre todo en esta última parte donde los estereotipos de los personajes están bien definidos pero su humor desentona y carece de brillantez, si bien cumple su función de desahogar la angustia de la trama principal.

La historia la cuentan los vencedores y Griffith no tenia abuela para ensalzarse. Según pasan los años se rebaja o aumenta su influencia e importancia. No cabe duda que la tuvo. Es en su cine más intimo como la poética  "Lirios rotos", o en historias como esta donde más me gusta.

PD: Adoro a Lilian Gish.

TODOS ESTÁN MUERTOS

Puntuación: 6
Duración: 1 h 28 m 
País: España / 2014
Dirección: Beatriz Sanchís

Se incorpora Beatriz Sanchís al ya nutrido panorama de realizadores patrios que paradojicamente aumenta cuanto más crisis y mas difícil se lo ponen al sector. Muchos de ellos les costará continuar en la brecha para seguir contándonos historias como esta de la que también es guionista.

Mucho es lo que quiere abarcar en una propuesta simple aparentemente y eso hace que la fuerza se le vaya por tanta costura. Aún así el tenue toque  de realismo mágico, una buena interpretación de todo el elenco donde da la cara Elena Anaya y destaca la mexicana Angélica Aragón y un cariño por los personajes que traspasa la pantalla hasta el espectador hacen de esta opera prima un cuento agradable e interesante sobre la búsqueda de identidades con aroma pop. 

POST TENEBRAX. LUX.

Puntuación: 6
Duración: 2 h 
País: México / 2012
Dirección: Carlos Reygadas

El cine, como cualquier arte, no avanzaría, no evolucionaría, si no hubiera directores que hicieran aquello que buenamente sienten que les viene en gana y necesitan expresar, experimentar y compartir con el público sin estar condicionados por él. Otra cosa es que hallen quien se lo produzca a sabiendas que no obtendrán rentabilidad económica de ello en un arte que mayoritariamente se concibe como industria de entretenimiento. Aún teniendo algún que otro reconocimiento internacional como la mejor dirección en el festival de Cannes.

Tema aparte también es que el resultado de esa obra que proviene de códigos muy personales y subjetivos no siempre claros para el espectador y tampoco es necesario que se así, provoque un espectro de sentimientos  encontrados desde la fascinación por algunas de las imágenes que a cada cual le llevan por caminos diferente, al hastío de otras. La ruptura de la narración lineal, la mezcla de lo onírico y lo real sin lineas que lo delimiten, las referencias a la brecha social mexicana, literarias, la leve distorsión de la mirada de la cámara o los problemas de convivencia de una pareja, son algunas de las facetas de un collage de tintes sombríos donde la esperanza se refleja en esos niños, hijos del director, aún inmaculados que iluminan con su luz un mundo de tinieblas.  

MALÉFICA

Puntuación: 7 
Duración: 1 h 37 m
País: USA / 2014
Dirección: Robert Stromberg

1.634, 1.697, 1.812 son los años de las versiones más destacadas de una historia que se pierde en los confines de la tradición oral y por supuesto el clásico cinematográfico de la propia Disney en 1959. Ha llovido desde entonces, la sociedad, al menos la occidental, ha cambiado, a la mujer le han devuelto las alas aunque recortadas y después de que el siglo XX y sus maravillas tecnológicas haya pasado por la turmix de dos guerras mundiales, la inocencia, la seguridad de un mundo de buenos y malos, se nos ha venido abajo sobre nuestros cansados hombros de currantes y paganos.

En 1959 la mujer no era nadie si no la salvaba un príncipe. Tuvieron que pasar cinco años más desde el estreno de "La bella durmiente", para que bellas y no bellas despertaran con la ley de derechos civiles que les prometía igualdad laboral. En España ni eso. Y lo que les queda a nivel mundial.

Es loable que sea la propia Disney la que termine con el cuento y con una película típica acabe con el tópico. 

Angelina Joli consigue expresar una gama compleja de sentimientos exclusivamente con sutiles movimientos del rostro. Está estupenda y todo gira en torno a ella. Stromberg firma un blocbuster como si llevara toda su vida en ello y acaba de empezar. Bajo el entretenimiento más comercial posible subyace un mensaje que los adultos entendemos y los niños aprenden subconscientemente como aprendimos nosotros de los cuentos, que nada es blanco ni negro, que la belleza y el amor son conceptos más elevados que lo que nos venden todos los días, que hay que escuchar al otro, porque también tiene sus razones... 

Todo ello sin desmerecer la última producción de Walt que fracasó en taquilla, recibió un Oscar por su banda sonora y como Malefica resurgió de sus cenizas en años posteriores. No hay que compararlas, ni ser puristas con la historia. Simplemente "the  time they are a-changin´" que diría Dylan. Simplemente es otro cuento.  

HERMOSA JUVENTUD

Puntuación: 9 
Duración: 1 h 40 m
País: España / 2014
Dirección: Jaime Rosales

Natalia y Carlos son nuestros hijos. O al menos los hijos de esa mayoría de gentes que constituimos la carne de cañón que necesitan los que crean las batallas para enriquecerse aún más. Una generación, no la primera ni tampoco la última, pero que Rosales inmediatiza en la enésima "crisis" que vivimos en una España que no tiene fondo de armario ni lo ha tenido nunca para hacerle frente. Natalia y Carlos solo tienen una única juventud que se les escurre entre  los dedos de una mano abierta pidiendo un trabajo digno y un cuerpo para vender antes de que se marchite de aburrimiento y depresión, como el de sus padres que a base de dar el callo, milagrosamente aguantan hasta que llegue la caridad en forma de pensión.

Desgarrador y triste relato de nuestros hijos, de nosotros mismos, que no indaga en los culpables, esos "desconocidos" que nunca se reflejan en los bellos ojos tristes de una excelsa Ingrid Garcia. Se hermana Rosales con Marques-Marcet y sus "10.000 Km." en ese nuevo lenguaje que pone de relieve las nuevas tecnologías como medio de expresión y en una historia de amor intenso presionada por el medio en el que le ha tocado existir. No podemos dejar de destacar la solvencia de Carlos Rodriguez y la verdad y experiencia que destila Inma Nieto.

Cine español, europeo, universal, buen cine en la linea de denuncia social y planteamiento artístico de los hermanos Dardenne o el maestro Loach, sin tener nada que envidiarles.

AL FILO DEL MAÑANA

Puntuación: 7 
Duración: 1 h 53 m
País: USA / 2014
Dirección: Doug Liman

Corramos un tupido velo sobre las declaraciones del director publicadas en la rtve.es en la que afirma que la historia de amor de esta cinta le recuerda a "Casablanca". (!?)

A pesar de que debería hacérselo mirar, en este su séptimo film vuelve a encontrar el tono que le hizo despuntar con "El caso Bourne" (2002) y que había extraviado. La adaptación de la novela gráfica (tebeo gordo o cómic extenso) de Hiroshi Sakurazaka con ilustraciones (dibujos) de Yoshitosi Abe, es un "patchwork" (pieza de tejido hecha de retales de otras piezas), hipervitaminado a base una producción millonaria de efectos especiales que da lo que promete, entretenimiento durante dos horas.

El acierto ha sido saber combinar dichos retales para que el conjunto sea lo suficientemente interesante a pesar de que conozcamos cada una de sus piezas. Recuperamos un poquito al Cruise actor en las partes donde aflora la ironía y la comedia ( estupendo Bill Paxton como el sargento Farrel) que los guionistas han sabido insertar, a sabiendas  de que rememorar "Atrapado en el tiempo" (Harold Ramis /1993) era un valor seguro, como también lo es el Cruise madelman que en este caso porta un exoesqueleto militar que lo tenemos ya a la vuelta de la esquina. También sale Emily Blunt que por mucho que nos digan en un cartel enorme que es la heroina, no deja de ser como lamentablemente en la industria de los blockbuster, la chica del prota. Al final pedimos la hora, pero nos vamos contentos. Una vez más hemos ganado los buenos.   

VIVA LA LIBERTÁ

Puntuación: 6 
Duración: 1 h 34 m
País: Italia / 2013
Dirección: Roberto Andó

Este cuento donde la credibilidad deja paso a las buenas intenciones y a la crítica light sobre el agotamiento del mundo de la política, no acaba de mojarse lo suficiente para que el buen trabajo de Servillo y acompañantes deje de ser la mejor baza del asunto.

El jefe del partido de la oposición decide desaparecer para reencontrarse con su pasado y rendirse ante la evidencia de su fracaso personal y político y su hermano gemelo sale del internado psiquiátrico para demostrar que la regeneración de la sociedad necesita de la locura de la  pasión. Suena más bonito escribirlo que el resultado en la pantalla. El cambio en las identidades da poco juego, algunas escenas son de una candidez sonrojante y la dirección se deja ir en una languidez acomodada donde las pequeñas subtramas carecen de fuerza. Al final como en los cuentos: moraleja y esperanza de que las perdices den para todos. Lo dudo.  

SIETE OCASIONES

Puntuación: 10 
Duración: 56 m
País: USA / 1925
Dirección: Buster Keaton

Cuando más control sobre su obra tenía Keaton, su productor Schenk le impuso la adaptación de esta obra teatral de David Belasco. No le hizo gracia. Y sin embargo consiguió a mi juicio uno de sus mejores trabajos donde se adapta al guión en una primera parte llena de declaraciones frustradas y equívocos y una segunda donde el "slapstick" más genuino que dominaba como nadie se desmelena en una de las persecuciones más geniales de la historia del celuloide.

Ha sido otra vez un placer revisitarla después de muchos años y seguir sorprendiéndome por la genialidad de este cómico que a base de darse golpes consiguió la inmortalidad.

Podríamos hablar de la misoginia latente en la cinta de sus escenas premonitorias de otras que llegarían en un cine posterior, de los riesgos que  asumió sin dobles, de su utilización del tiempo...,etc, etc, pero todo ello siempre quedará en un segundo plano gracias a que Keaton no nos cede ni un segundo para dejar de disfrutar. Larga vida.

MADRE E HIJO

Puntuación: 9 
Duración: 1 h. 48 m
País: Rumanía / 2013
Dirección: Calin Peter Netzer

Más que merecido Oso de Oro en la Berlinale 2013, este nuevo acierto del cine rumano. Declara su director que la idea le vino de las relaciones que él mismo tiene con su madre. Confiamos en que no sean tan traumaticas como las que aquí expone y aunque apunta también que el carácter posesivo de esta madre de clase acomodado se da más en los países que han tenido régimen comunista, creo que la situación y los personajes trascienden ese contexto y hablan de sentimientos universales.

¿Hasta donde llegaría una madre para salvar a su hijo de una tragedia? ¿Y por qué no, un padre?. 

La tensión en este bocado de realidad que extrae Netzer para observarlo con lupa de entomólogo es extenuante y nos deja sobrecogidos ante tanta frustración, soledad y amor. También hay egoísmo y mezquindad (impresionante la escena del soborno al otro conductor, testigo del accidente) con un realismo descarnado que no funcionaria si no fuera por la interpretación magistral de Luminita Gheorghiu actriz habitual en el teatro, cine y televisión rumana. La gama  de sentimientos, derivadas morales y preguntas sin respuesta que deja en el espectador su interpretación merecen el premio de mejor actriz de la Berlinale y del cine europeo que sin embargo no consiguió.

A 20 PASOS DE LA FAMA

Puntuación: 8 
Duración: 1 h. 31 m
País: USA / 2013
Dirección: Morgan Neville

Es curioso y no deja de ser sintomático que el cartel promocional, al menos uno de ellos, del documental que se alzó con el Oscar en la pasada edición, cometa los mismos pecados que pretende poner de manifiesto.

Los nombres que figuran son los de las estrellas consagradas y no los de esas otras estrellas que protagonizan dicho documental y cuyo brillo siempre quedó oculto tras los vocalistas a quienes servían contribuyendo, en muchos casos de forma decisiva al éxito de sus temas.

Se dice y no sin razón que cuando tatareamos o recordamos una determinada canción solemos acudir al estribillo y a los coros que marcan la melodía interpretados por las coristas, generalmente mujeres. Neville especializado en documentales sobre el mundo de la música se centra en las mujeres afroamericanas cuyo origen musical mama de la música de respuesta en las iglesias y que se vieron promocionadas durante un par de décadas en los 70 y 80 por el boon de incorporar esos sonidos al mundo del rock.

Estrellas como los  Rolling, Springsteen o Sting con los que colaboraron, entre otros, las alaban durante la proyección que viene a ser más que nada un homenaje a su labor poco reconocida y saca a la luz sus nombres y apellidos y su suerte desigual a la hora de que la vida les haya recompensado con su arte. Sin profundizar demasiado, una banda sonora memorable  y con un archivo de imágenes muy notable que atraviesa el tiempo a la velocidad de la luz para reencontrarnos con el contraste de sus protagonistas en la actualidad, las voces y la música de estas mujeres nos arrebata y no tenemos por menos que aplaudirlas y reconocer su talento. La Academia se ha decantado por el optimismo y seguir la estela musical del pasado año donde otro documental excelente "Searching for sugar men" nos sorprendió a a todos, dejando en la cuneta al sobrecogedor relato del horror en indonesia "The Act of Killing". En cualquier caso estamos viviendo una época dorada del género documental en todas sus variantes. Bienvenido sea.

EL FANTASMA DE LA OPERA

Puntuación: 7 
Duración: 1 h. 32 m
País: USA / 1925
Dirección: Rupert Julian

Trece adaptaciones hasta la fecha de la novela del escritor parisino Gastón Leroux publicada por primera vez por entregas en 1909 basada en un hecho real e inspirada en  la exitosa novela de 1894, "Trilby" del también escritor parisino George du Maurier.

Esta versión de la Universal fue la segunda y no sabemos si su director Rupert Julian había visionado la primera versión de 1916 presumiblemente alemana.

Sabemos que Rupert Julian no hizo gran carrera en el cine, desapareciendo con el sonoro y que su título más significativo fue este en el que su protagonista con el que apenas se hablaba, Lon Chaney se llevó todos los halagos. Por otro lado la película fue rehecha en cuatro ocasiones después de su estreno para adaptarla al gusto de Carl Laenmie jefe de la Universal que no era otro que buscarle el máximo rendimiento comercial. Algunas de las escenas como el baile de máscaras o la persecución final ni siquiera fueron filmadas por Julian. No obstante la mutilación de su trabajo original en uno u otro sentido, Rupert resuelve con dignidad una cinta pionera en el género del terror que vendría después y donde el autentico protagonista, al menos de este trabajo es la Opera de París con sus entresijos misteriosos y laberínticos edificada sobre una laguna subterránea que formaban las filtraciones de agua. Es este marco el que subyuga creando la atmósfera de misterio sobre la que se desarrolla un argumento excesivamente esquemático en relación  con la novela a la que se le despoja de todo sutileza romántica, se cambia el final y el amor no correspondido cede ante el horror del monstruo magistralmente compuesto por "el hombre de las mil caras" con que se apodó a Lon Chaney que consagró y encasilló su carrera en la galería de los monstruos míticos de la pantalla junto con Lugosi y Karloff.

Rodada totalmente en estudio y con un millón de dolares de presupuesto aún hoy en día entretiene gracias a su ajustado metraje y a la fascinación y el encanto que nos producen los monstruos clásicos de una época donde la casquería y el gore aún no se habían asomado a la pantalla.

THE FAKE

Puntuación: 6 
Duración: 1 h. 41 m
País: Corea del sur / 2013
Dirección: Yeon Sang-ho

No parece que Corea del Sur, estado que se declara aconfesional y cuyo 50 % de la población dice no interesarse por ninguna  religión esté muy preocupado por por el lado "business" y sectario de las iglesias, cristianas en este caso. O quizás por esa misma razón y debido al auge que va consiguiendo desde los 80 la  "Iglesia del Evangelio Completo de Yodio" que promete que Dios se encargará no solo de nuestras almas sino también de nuestras finanzas, el animador Yeon Sang-ho se halla animado (perdón por el chiste) ha realizar esta tragedia exacerbada sobre el aprovechamiento de los listos de turno sobre la necesidad que todos tenemos de trascender y si puede ser, de que "el de arriba" también nos eche una manita en las cosas terrenales.

Sorprende tanta crudeza de planteamientos y de violencia en unos "dibujos" a los occidentales pero por la parte de los asiáticos y sobre todo los coreanos, sino hay sangre de por medio la cosa queda sosa.

La cinta invita a la reflexión y deja entrever las distintas motivaciones de cada uno de sus personajes para arrimar su ascua a lo divino, pero en general todo es bastante esquemático y sin apenas evolución de la trama. Al final de la cinta el que esté libre de pecado que tire la primera piedra.

PD. una buena actriz ya mayor y amiga, en uno de nuestros muchos viajes, me comentaba que a su madre un cura avispado le sacó sus ahorros para asegurarle una parcela en el cielo. Bendito se a Dios. 

NUEVA VIDA EN NUEVA YORK

Puntuación: 6 
Duración: 1 h. 57 m
País: Francia / 2013
Dirección: Cédric Klapisch

Una más de las comedias resultonas francesas (y su rey Romain Duris) que están superando la mercancía gastada que nos llega de los USA, aunque sin grandes distancias y heredando sus presupuestos temáticos, si bien esta en concreto venga de lejos cerrando la trilogía que inauguró Klapisch con los mismos personajes allá por el 2002. Los personajes han envejecido y el rompecabezas chino (título original) de la vida, se antoja complicado de ensamblar.

Un Nueva York de azoteas proletarias y descentralizado de las panorámicas habituales pone el marco para las idas y venidas de este hombre que entra en los 40 donde los hijos cambian la perspectiva de todo, pero no por ello hay que olvidarse de la pasión y las relaciones con los amigos.

Situaciones bien llevadas aportan la comicidad necesaria para que un cierto caos narrativo y un ligereza al  pasar por temas de más enjundia se nos hagan entretenidos durante dos horas.

GODZILLA (2014)

Puntuación: 4 
Duración: 2 h. 03 m
País: USA-Japón / 2014
Dirección: Gareth Edwards

Lo primero que debería haber destruido el bueno de Godzilla (interpretación fonética  estadounidense del Gojira nipón) es la primera parte de esta nueva vuelta a la palestra del dinosaurio mix japones fruto de las consecuencias de las bombas atómicas que aniquilaron los sueños imperialistas del sol naciente y de paso a millones de conciudadanos, cuyas almas puede que sean las que mantienen vivo al gorila-ballena que de vez en cuando sale de su lecho marino para salvar Tokio o San Francisco, depende de quien ponga la pasta de producción.

Vuelve aquí a su versión más nipona después de que en el 98 Roland Emmerich le pusiera a destruir Nueva York en una cinta tan desastrosa como esta que nos ocupa.

Después del psudopulpo de colorines en aquella opera prima plagada de carteles y escombros conque se dio a conocer Edwars ya advirtió un servidor de que no dejaran el guión de Godzilla en sus manos. A pesar de ello, ni por esas.

Los muy respetables Binoche, Olsen, Watanabe y Cranston debería pagarse una cena junto y echarse unas risas a costa de la pasta gansa que se han llevado por hacer el ganso unos minutejos.

En otros (minutejos) a Godzilla le dejan trabajar en paz y recuerda sus viejos tiempos de luchador contra los enemigos de turno que le quieren arrebatar el cinturón de rey de los monstruos y como mandan los cánones él no se deja para regocijo de sus fans y su prestigio que está muy por encima de aquellos que narran sus historias. エンド

10.000 Km.

Puntuación: 8 
Duración: 1 h. 38 m
País: España / 2014
Dirección: Carlos Marqués-Marcet

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Este "montador de películas", Carlos M-M (abreviando), como el mismo se define ha parido una historia junto con Clara Roquet muy oportuna, que no oportunista, en este mundo ultra comunicado que nos está tocando vivir y que paradójicamente nos hace dudar si aquello que tecnológicamente nos une, no acaba por aislarnos más y a pesar de que trata de llegar directamente a esa generación joven no muy adicta al cine y menos al patrio, habla de lo de siempre, de lo eterno, de que las relaciones en común son un tira y afloja de intereses personales, a veces egoístas, donde alguien siempre acaba sacrificado o insatisfecho mezclado todo ello con un sentimiento primario, físico y un deseo de no estar solo. La cosa huele a vivido por parte del director pero sorprende la madurez conque lo expresa junto a una Clara Roquet, guionista muy prometedora que habrá que seguirle la pista.

El añadido de la comunicación a distancia, pone de relieve que los 10.000 Km no los marca la distancia geográfica y que lo que vemos por Street view de Google o por Skipe, es solo un fragmento de una realidad mucho más compleja llamada vida.

Los actores lo bordan, sobre todo Natalia Tena, una londinense de familia española que a poco que la dejen libre la va a armar.

Cine bueno, bonito y "barato" nacional que no reventará taquillas pero que deja huella perenne en su brillo fugaz.

EL LADRÓN DE BAGDAD

Puntuación: 7 
Duración: 2 h. 29 m
País: USA / 1924
Dirección: Raul Walsh

Una película de...: DOUGLAS FAIRBANKS. Actor y productor a través de su compañía la United Artists junto con su esposa Mary Pickford y Chaplin. Pero sobre todo estrella. En la década de los 20 ya tenía más de 30 films a sus espaldas y como galán aventurero atlético y saltimbanqui, rol por el que pasó a la historia nos había deleitado con el  Zorro, D´Artagnan y Robin Hood. El cine ya llevaba más de un cuarto de siglo y el respetable, sobre todo en los USA, quería más espectáculo y más derroche, propio de un país que despegaba como un cohete después de la primera guerra mundial. Fairbanks ya sabía lo que era rondar los dos millones de dólares de producción y sacar beneficios, así es que se fue a por las "mil y una noches" y uno de sus magníficos e inmortales cuentos.

Pero en realidad está fantasía no habría sido posible solo con las piruetas, las muecas burlonas y los aspavientos del bueno de Douglas en la pantalla. Fairbanks sabía elegir a su equipo y "El ladrón de Bagdag", es más que nada el impresionante trabajo de diseño de producción de William Camerón Menzies, puesto que se inventó por su trabajo, con unas escenografías y un vestuario alejado de la realidad y evocador de los dibujos que ilustran los cuentos exóticos, mágicos y misteriosos de los niños. Eso si, influenciado todo ello por los trabajos que se venían haciendo en Alemania de puesta en escena. Y la segunda madre del cordero o del Ladrón fue Raul Walsh que se vio eclipsado o desaparecido mágicamente por el poder de Fairbanks pero que estaba ahí, a los mandos, llevando con un ritmo trepidante el timón de una de aventuras preludio de tantas otras en su carrera posterior. 

A mi juicio y sin datos sobre las opiniones de su estreno, más allá de que fue un éxito de taquilla, funciona mejor en su primer tercio cuando Fairbanks deambula como un ladrón descarado por un Bagdag de altos muros y bellas estancias, escalando en cuerdas mágicas y enamorándose de la utópica princesa. Después la trama del cuento se apodera del asunto, y una tanda de efectos especiales más cercana a Mellies nos hace sonreír hoy día y digan lo que digan supongo que también en su momento, aunque quedan redimidos por ese vuelo en alfombra final que queda como icono inmortal.

Destacar la taimada composición de Anna May Wong una californiana de padres inmigrantes chinos que fue pionera de las actrices asiáticas en la gran pantalla.

Como pionero fue este cuento del gran cine de entretenimiento y fantasía como solo Hollywood podría hacerlo.

UNA NOCHE EN EL VIEJO MÉXICO

Puntuación: 4 
Duración: 1 h. 43 m
País: USA / 2013
Dirección: Emilio Aragón

Uno no puede dejar de sorprenderse como se puede hacer una película tan mediocre con un guión tan infumable partiendo de un material que lo tiene todo. Tirando de videoclub Aragón sale airoso en la primera media hora donde la trama promete. A partir de ahí el guionista D. Wittliff y el director se dedican a romper el asunto con un homenaje folclórico a Duvall que hace que se divierte bailando en una fiestorra mex y trasegando cerveza. Pasado el bochorno, aparece la chica en una de las incorporaciones a la trama más torpes e increíbles que recuerdo. A partir de aquí los personajes nos cuentan lo que sienten una y otra vez y la cosa va cayendo en barrena hasta un final de sainete. Menos mal que durante unos minutos, pocos, Joaquin Cosío compone un malo de esos que, si no fuera por Wittliff y cia, dejarían huella.

Supongo que Emilio Aragón estará encantado de su experiencia americana y de codearse con una leyenda como Duvall, que no se merecía a sus años esta tontería.  

THE MACHINE

Puntuación: 6
Duración: 1 h. 30 m
País: Reino Unido  / 2013
Dirección: Caradog W. James

Bien podría pasar por su interés y escaso presupuesto por  un episodio alargado de la exitosa serie de televisión británica "Black Mirror" cuyo denominador común es la influencia de la revolución tecnológica en el futuro de la humanidad.

Plagada de referencias, desde "Metrópolis" a "Robocop" o "Her" pasando por "Blade Runner", Caradog, consigue poner sobre la mesa de nuevo, después de una primera media hora titubeante, algo que se nos viene encima no tardando mucho: Inteligencia Artificial autoconsciente. Y por mucho que no lo consideremos vida biológica será otro tipo de vida que por similitud con nuestros defectos o por superación de ellos puede que nos releguen a un paso más en la evolución a su favor.

Con momentos realmente inquietantes y hermosos, le falta a Caradog y a su máquina un hervor cinematográfico y algunas especias presupuestarias, aunque el plato al menos huele bien.

Caity Lotz consigue sorprendernos con su composición del personaje aprovechando sus dotes de bailarina y artes marciales.

Lo dicho a no tardar, puede que quien pulse reinicio no seamos nosotros.

SNOWPIERCE (ROMPENIEVES)

Puntuación: 6
Duración: 2 h. 06 m
País: Corea del Sur  / 2013
Dirección: Bong Joon-ho

En esta adaptación del cómic francés "Le Transpercenaige" se nos narra una historia postapocalíptica en un futuro distópico en el que una vez más la humanidad a acabado de pifiarla y los escasos supervivientes no paran de dar vueltas a la noria del planeta en un tren arca donde se reproduce el mismo sistema social que les llevó y seguro nos llevará al caos y del  que parece no queremos o no sabemos desprendernos jamás. Todo ello con vocación de blockbuster con un buen diseño de producción, efectos apañaditos y un reparto internacional de nombres con estrella.

Prueba superada. Las dos horas con acción sangrienta a la coreana y unos personajes más sobados que la biblia de un predicador con dimensiones casi tan planas como los dibujos del cómic, donde la credibilidad cede ante la metáfora, nos entretienen, hacen pensar a aquellos que todavía no se hayan enterado de la estructura piramidal del mundo mundial y nos dejan algunas escenas, no muchas, muy curradas.

Boong  Joon-ho  a mi juicio es un director interesante pero sobrevalorado. No me convenció la ensalzada "The Host" (2.006) y tampoco este "Rompenieves". Aunque con el nivel de "Oblivion" y "Elysium", el tuerto, o mejor dicho el manco es el rey.

EN UN LUGAR SIN LEY

Puntuación: 8
Duración: 1 h. 45 m
País: USA  / 2013
Dirección: David Lowery

La cosa ya empieza enredándose con el título, que deliberadamente no quiere hacer alusión a la trama sino que intenta que la película recuerde a alguna canción popular antigua country de la que para más inri a confundido la letra. El resultado, al menos en esta parte del muno es tan estrambotico como desafortunado el pueril apaño nacional por no hablar de la cursi solución francesa de "Los amantes de Texas". Mal empezamos.

Sin embargo la sorpresa salta cuando Lowery, tejano para más señas, en su segundo largo consigue una cinta que durante buena parte de su metraje huele a clásico por los cuatro costados si no fuera por que el muy digno Casey Affleck no es Henry Fonda. La atmósfera de western poético por momentos es épica y la tensión y la belleza se dan la mano hasta que el guión del propio Lowery empieza a traspapelarsele  en el peor momento con un tramo final que no está a la altura de lo que nos venia proponiendo, aunque antes del "The end" salve los muebles con dignidad.

Estupenda Rooney Mara en esa chica provinciana que se aferra al primer y único amor de su vida aunque la venza el cansancio y estupendo también Ben Foster como el agente de la ley, enamorado en la sombra que tiene que hilar fino para cumplir con su deber y no destrozar a la persona que quiere.

Los campos, los cielos tejanos, las cartas durante cuatro años, las viejas camionetas, todo rezuma una poesía trágica que a poco que se vaya puliendo Lowery puede darnos grandes alegrías. 

THE LUNCHBOX

Puntuación: 8
Duración: 1 h. 40 m
País: India  / 2013
Dirección: Ritesh Batra

En India parece que existe y ha existido cine aparte de Bollywood, aunque para enterarnos tengamos que esperar a la consabida cinta premiada en algún certamen internacional como es el caso.

La historia de amor a distancia con la consiguiente angustia del espectador por "empujar" para que se encuentren no es nueva, a la mente me viene "Tu y yo" (Leo McCarey /1939) y su respectivas secuelas, según van pasando los años. Y ya sabemos que funciona.

Otra cosa es el mimo y el cariño, la melancolía y el respeto conque este debutante trata a sus personajes, respeto muy por encima como se ha escrito de los deseos del espectador, dándoles todo el tiempo que necesiten para asumir y digerir sus propios sentimientos. Agridulce y bien especiada como las comidas que prepara Ila su protagonista en un Mumbay abigarrado donde parecen desaparecer las historias de cada cual perdidas entre la multitud. Batra nos recuerda que sigue existiendo una vida única e irrepetible detrás de cada uno de ellos y que cualquier tren en cualquier momento aunque sea equivocado puede llevarnos a una estación correcta.

Estupendos los interpretes, principales y secundarios, la aparente sencillez narrativa, el manejo al limite del tempo y el respetuoso y valiente final en el que Ila toma sus propias decisiones asumiendo el riesgo futuro y apostando por la vida para ella y su hija en un país donde los derechos de las mujeres indias aún tienen que recorrer un larguísimo camino.

Un hallazgo el personaje de la tía de Ila que nunca aparece pero siempre está presente. La tartera o fiambrera o caja del almuerzo de Ritesh Batra esta llena de delicias.

ESPOSAS FRÍVOLAS

Puntuación: 7
Duración: 2 h. 23 m
País: USA  / 1922
Dirección: Erich von Stroheim

Cuando Stroheim "salió por patas" de la Academia militar austriaca y emigro a los USA, decidió que era para quedarse a costa de lo que fuera. Como hacerse pasar por oficial del ejercito imperial y ser de familia de aristocrática. Este hijo de un sombrerero supo buscarse la vida actuando en papeles de malvado militar, que le dieron fama, aprovechando el conflicto de la gran guerra y asesorando sobre aspectos castrenses europeos. Terminado el filón bélico, convenció a Carl Laemmle fundador de la Universal, de filmar un guión suyo, que por supuesto tenía que dirigir él con un presupuesto de cinco mil dólares. Y a partir de aquí surgió la leyenda. 

La cosa se llamaba "Maridos ciegos" (1919), iba sobre deslices de mujeres casadas, que estaban de moda con las películas de De Mille, con exteriores en paisajes de montaña y no lo debió hacer mal porque fue el mayor éxito de la Universal, aunque acabará costando no cinco sino cien mil dólares.

La crítica lo encumbró, él se auto confirmó como un genio y tras "La ganzua del diablo" (1920), hoy perdida, se planteó darle otra vuelta de tuerca al tema de las casadas seducidas, ahora en Montecarlo, con "Mujeres frívolas", título que hace alusión a la novela que está leyendo la protagonista.

El divismo de Stroheim estaba en su cima y decidió rodar una cinta de 8 horas. Sus extravagantes exigencias de rodaje, su perfeccionismo patológico, los fastuosos decorados (la plaza del Casino de Montecarlo enterita), que en parte se destruyeron y hubo que volver a construirlos,  partitura especial para el estreno por Sigmund Romberg, etc, etc elevó la factura a más de un millón de dólares de la época.

Tuvo que venir el nuevo ayudante de Laemmle, un tal Irving Thalberg, que también comenzaba aquí su leyenda, a leerle la cartilla y como no pudo despedirle, utilizó el elevado presupuesto para promocionar la película y se la recortó dejándosela en "solo" cinco horas. Por varios problemas como la muerte del actor que encarnaba al marido a mitad de película y tijeretazos en la sala de montaje la cosa se quedó en tres horas y media para el estreno y una vez vista la reacción del público acabó en torno a las dos horas.

Con tantas mutilaciones, apenas nos podemos hacer una idea de si el genio de Stroheim podía ser mayor de lo que nos ha llegado hoy día una vez recuperado parte de lo censurado con dos horas y veintitrés minutos. Aún así la cinta es mas visible y coherente que la posterior "La Reina Kelly" (1929) cuyo destrozo la dejó convertida en apenas unas piezas de un puzzle.

La cosa va de unos estafadores que se hacen pasar por un conde militar y unas princesas rusas, dedicándose ellas a pasar dinero falso  en el casino y él a seducir a la mujer del embajador americano, entre otras (en versión posterior se cambió lo de embajador por empresario), resaltando el cinismo y la maldad del falso conde interpretado por el mismo Stroheim, en un personaje con algo de opereta inspirado probablemente en las obras del autor teatral Schnitzler.

Aparte del folletín se puede intuir la diferencia entre el mundo moribundo europeo de apariencias después de la primera guerra mundial y el nuevo mundo "inocente" y prometedor personificado en el matrimonio norteamericano, ideas de contrastes que huelen a Henry James.

Stroheim acabó renegando del resultado final lógicamente y que en la versión actual termina precipitadamente debido a los recortes. Aún le quedaba fuelle a este singular director para seguir creando trabajos tan memorables, en otras compañías como  "Avaricia" (1924) a pesar de que la tijera siguiera devorándole el celuloide.

LA HUELGA

Puntuación: 6
Duración: 1 h. 35 m
País: URSS  / 1925
Dirección: Sergei M. Eisenstein

Con 27 años Eisenstein decidió cambiar el teatro por el nuevo arte cinematográfico. Esta su primera obra dio mucho más de lo que se podía esperar de un principiante y esta cargada de una energía plasmada en un montaje vertiginoso y nuevo que abriría muchas puertas a cineastas posteriores. Es cierto que su sobrealimentado simbolismo y un comunismo doctrinario y propagandístico hoy pesan mucho más de lo que en su día y en su contexto pudieron hacerlo. Así muchas analogías pasados noventa años nos pueden parecer pueriles y arrastra aún, reconocido por el propio director. una carga teatral que no acaba de encajar con el cine que quería y  que cuajó en su segunda película y obra primordial "El acorazado Potemkin.  Así pues hay como dos películas en una, dos formas diferentes de abordar el mismo tema social. Cuenta al mismo tiempo con actores de teatro y con masas no profesionales y nos ofrece un repertorio de posibilidades con escasos medios que nos dejan imágenes y secuencias difíciles de olvidar.  

EL GRAN CUADERNO

Puntuación: 6
Duración: 1 h. 49 m
País: Hungria  / 2013
Dirección: János Szász

Siempre he tenido claro que una cosa es la literatura y otra el cine, pero nunca me había pasado que una obra literaria me impactara tanto desde la primera página para rechazar de inmediato y sin concesiones su paso a la pantalla si no me provocaba los mismos sentimientos. Y esta más que digna película no me los provoca. Su director, húngaro como la autora y sensible al tema y el conflicto, ha narrado de forma lineal y académica la historia, pero más allá de ella lo que la hace única es la forma en que Agota Kristof, la escribió, donde cada hecho es una patada en el estomago, una cuchillada en el pecho, tan rápido que no te enteras ni por donde te ha venido, con un ritmo exhaustivo, ultraconciso con las imágenes justas y la atmósfera  tan irreal, tan de cuento que es la única forma que nos creamos que ha sido vivida y sufrida por estos dos gemelos cuyo misterio se agranda en las dos siguientes partes de la trilogía, que por su escasa comercialidad no creo que se adapten. Habría que haber arriesgado más, aún a costa de hacerla más hermética para provocar uno solo de los sentimientos que el texto provoca. Me la lean, porfa.

3 DÍAS PARA MATAR

Puntuación: 6
Duración: 1 h. 53 m
País: USA  / 2014
Dirección: McG

Este panaché de géneros cocinado por Besson es tan absurdo e increíble que acaba por ser un todo a 100 entretenido gracias sobre todo a un Kevin Costner que parece estar haciendo un casting y aprobando con nota los diferentes roles que tiene que ejercer su personaje como asesino de la cia, padre de familia, galan enamorado, enfermo terminal y gracioso ocasional.

McG se maneja con soltura en estos thrillers de accion socarrones y no podía faltar en París una buena persecución de coches (el bueno lleva coche francés por supuesto) marca de Luc Besson.  Añadaselé un buen chorro de violencia y sirvasé mezclado y agitado.

DIVERGENTE

Puntuación: 6
Duración: 2 h. 20 m
País: USA  / 2014
Dirección: Neil Burger

Soy un inmaduro. Lo sé. Durante dos horas he pasado un rato entretenido con el inicio de esta nueva saga juvenil, que a mi juicio empieza dos peldaños por encima de los fiascos infumables de vampiros y sinsajos.

Harry Potter, enseñó a los estudios donde se encontraba El Dorado de las sagas juveniles y depuesto el principito de los magos había que seguir alimentando la caldera con las novelas de éxito juvenil que hubiera y si no crearlas.

El éxito de Victoria Roth y su saga "Divergente" imita los pasos, tres años después, del boom de "Los juegos del hambre" y por su temática y protagonista si no son hermanas por lo menos primas.

Lo que ocurre es que aquí el resultado fílmico es más entretenido, con una Shailene Woodley esplendorosa, sin menospreciar a Jennifer Lawrence, que se hace entrañable con ese aire  de niña desvalida que consigue superarse  a base de tesón y esfuerzo. Alguna escena espectacular, un guión trillado y una buena factura por parte de Burger, han conseguido que el injustificado metraje no se hiciera notar hasta pasados 120 minutos. Es en la última media hora cuando se produce el bajón y la original carroza se vuelve vulgar calabaza. La segunda entrega cambia de director y el "merchandaising" está ya que hecha humo. ¿Tu que facción eliges tio/a?

CARMINA Y AMÉN

Puntuación: 7
Duración: 1 h. 40 m
País: España  / 2014
Dirección: Paco León

Decía Carlos Iglesias en una entrevista reciente que el cine magistral de Berlanga o Bardem con los guiones de Azcona contaba con la ventaja de solo tener que salir a rodar a la calle porque la gente era en la realidad como en las películas. Evidentemente no es tan fácil.

Ese cine de aroma entre neorrealista, absurdo, costumbrista y preñado de humor negro es patrimonio nacional y parecía ya extinguido. Paco León lo recupera, lo hace contemporáneo sin estridencias, sin ñoñerias, saliendo a la calle y mezclándose con la gente de a pie. Gente, que no hay más que salir y airearse por esta España maltratada de hoy y encontrárselos a puñaos.

Afloran los grandes actores secundarios que tejían y tejen el entramado y con cuatro euros (es un decir) nos ponen al descubierto el forro de como somos.

Cierra el ciclo de Carmina brillantemente y se queda huérfano de esa madre-actriz que puede ella sola con el metraje que la echen. Deseamos y confiamos que siga saliendo a la calle y manteniendo la antorcha de aquellos cineasta únicos y hasta ahora irrepetibles.  

APRENDIZ DE GIGOLÓ

Puntuación: 7
Duración: 1 h. 30 m
País: USA  / 2013
Dirección: Philippe Le Guay

Turturro dirige de forma "balsamica", si es que eso fuera posible. La cinta es como sentarse plácidamente a tomar un café o un vino agradable en compañía de buenos amigos y buena música, en un Nueva York (aquí se ve la diferencia en la mirada con cintas como la de Torregrossa), donde se habla de cosas trascendentes o intrascendentes y donde siempre salta la broma y el chascarrillo que nos hace sonreír aunque sea para comentar que es muy malo.

La dirección artística, el diseño de vestuario y la fotografía se unen con acierto a la reunión.

La extraña pareja con un Allen y un Turturro encantadores, funciona acompañados  de un elenco de mujeres que no le van a la zaga. Alguna subtrama se pierde y divaga pero el resultado general es tan agradable como para que todos queramos pagar la cuenta de la velada.

MOLIERE EN BICICLETA

Puntuación: 6
Duración: 1 h. 44 m
País: Francia  / 2013
Dirección: Philippe Le Guay

Le Guay debió quedar impresionado cuando estudiaba literatura con esta gran obra tardía de Moliére, "El Misántropo" (1666),  que escribió enfermo y cabreado por su separación de su mujer Armande.

Traspone el personaje en un actor "retirado" en la isla de Re, celoso de su individualidad y amante de su arte que no de su profesión. Medio este donde los egos, las envidias, traiciones, hipocresías y demás defectos humanos se reflejan tanto en las tablas como detrás de ellas.

Un "compañero" de éxito televisivo quiere redimirse artisticamente proponiendole que le acompañe al escenario para representar alternativamente a Alcestes, protagonista  de "El Misántropo".

Con este interesante punto de partida Le Guay construye una comedia desigual, que acerca al espectador al mundo de la farándula con algunas escenas geniales al respecto como cuando la joven e inexperta actriz porno vecina del pueblo toca el delicado tema de si el actor nace o se hace. 

El falso ermitaño se ve tentado por volver a su pasión e incluso se plantea volver al mundo que desprecia cuando surge el amor. Al final todo se vuelve más prosaico y Moliére vuelve a triunfar muy por encima de este simpático sucedáneo de su obra. 

LA VIDA INESPERADA

Puntuación: 6
Duración: 1 h. 45 m
País: España  / 2014
Dirección: Jorge Torregrossa

Elvira Lindo que lleva lo suyo viviendo en la ciudad de los rascacielos, escribe un guión hermoso sobre la ciudad que te ofrece todo y no te promete nada. Donde solo los valientes, los que sueñan y sobre todo los que aguantan, puede y solo puede que encuentren su camino de baldosas amarillas.

Torregrossa intentan con mayor o menor acierto plagado de referencias comunes llevarlo a buen termino apoyado por un reparto encomiable donde Cámara pelea con buen hacer actoral por su personaje aún a sabiendas que su físico le va en contra y que algunas escenas le vienen grandes. Al menos aquellas en que Torregrossa imita a la comedia americana  de género. Raúl Arevalo anda algo zombie y cabizbajo con otro estupendo personaje al que él o su director tampoco acaban de sacarle todo el partido que merece.

Irregular resultado a la postre con momentos muy emotivos, que nos deja un sabor agridulce y que nos hace fantasear en un remake americano con otros rostros y otros directores.

EL VIENTO SE LEVANTA

Puntuación: 6
Duración: 2 h. 05 m
País: Japón  / 2013
Dirección: Hayao Miyazaki

El prestigio de los afamados estudios de animación nipones Ghibli y que puede ser el testamento  fílmico, veremos, del consagrado Hayao Miyazaki precede y condiciona la visión de este biopic acaramelado y tramposillo del ingeniero de los famosos cazas Zero japoneses, Jirö Horikoshi, en la segunda guerra mundial.

Adaptación del propio cómic de Miyazaki sobre la novela de Tatsuo Hori, nos narra la pasión por los aviones desde jovencito de este ingeniero prodigio miope que nos recuerda a Harry Potter, por los aviones y por su mujer enferma de tuberculosis.  En la realidad no enfermó de tuberculosis y el matrimonio tuvo cuatro hijos.

Así pues el director no ha tenido empacho en inventarse la vida privada de Horikoshi para que el melodrama enjuague alguna lagrimita y uno tenga la sensación por momentos de que "Heidi" o "Marco" van a aparecer en cualquier momento.

La poética de muchas de sus bellas escenas, ya el título augura por donde va la cosa con el verso de Paul Valery de su poema "El cementerio marino", no impiden al protagonista ficticio consentir que su mujer no se recupere en un sanatorio de alta montaña para que el pueda trabajar tranquilo en sus aviones.

Se habla de las guerras emprendidas por Japón con frivolidad y se augura que no se ganarán, no porque puedan ser injustas sino porque el enemigo tiene más potencia industrial.

Pues eso, que no entiendo al final que es lo que nos quiere contar en definitiva Miyakazi más allá de trasponer en imágenes su manga durante dos horas.

La pasión por construir máquinas voladoras eficientes y bellas y que estas sean utilizadas para esparcir muerte desde los cielos daba para menos florituras animadas y más enjundia moral.

Parece que en la vida real el ingeniero apuntaba más por ahí que por la versión que nos ocupa.

BRICK MANSIONS (LA FORTALEZA)

Puntuación: 3
Duración: 1 h. 30 m
País: Francia  / 2014
Dirección: Camille Delamarre

Luc Besson guioniza el remake de la cinta "Distrito 13" que él mismo produjo en 2004 y que en su particular estilo de acción y persecuciones espectaculares hizo muy buena caja en taquilla. El único motivo por el cual se me ocurre volver sobre los mismo. También repite David Bella un "saltimbanqui" líder del movimiento "parkour" (desplazarse salvando los obstáculos urbanos de forma intuitiva a base de una forma física excelente). Una gozada contemplar esta exhibición circense de este impresionante atleta. Pero ya no hay sorpresa, el "parkour" lo habíamos visto y con mejores resultados en "Yamakasi" (Ariel Zeitoun / 2001) con el grupo del mismo nombre que también lidero Bella y cuyo guionista fue...., !Luc Besson".

Oportunidad por otro lado de despedirnos del malogrado Paul Walker  antes de fallecer en accidente de tráfico.

Del guión, si existiera o cualquier atisbo de credibilidad o cualquier otra cosa que pudiera dignificar al cine no he encontrado nada.

  

EL MODERNO SHERLOCK HOLMES

Puntuación: 8
Duración: 45 m
País: USA  / 1924
Dirección: Buster Keaton

1924. Hace tan solo un año que Keaton ha empezado a rodar largos, aunque este apenas dure 45 minutos. Está instalado en el éxito y sus producciones son muy caras y le permiten experimentar con las últimas técnicas fílmicas.

"Sherlock Jr.", quizás se resiente de un guión a tres bandas donde la genialidad de hacer que el protagonista se introduzca dentro de la proyección de una película en un alarde surrealista acaba con una serie de acrobacias en el más puro "slapstick" de las películas de dos rollos.

Ni que decir tiene que en ambas situaciones Buster está genial, jugandose el tipo como siempre, ya que no aceptaba dobles y lesionándose en el cuello en una de las escenas de riesgo.

Acción trepidante, cine dentro del cine, amor por el mismo, escenas imborrables como la entrega del anillo que han sido precursoras e influyentes en el cine posterior y un guiño final donde la vida acaba imitando al cine y no al contrario.

EL PASADO

Puntuación: 10
Duración: 2 h 10 m
País: Francia  / 2013
Dirección: Asghard Fahari

!Toma ya!. Un melodrama familiar, de atmósfera casi teatral, siempre al borde del precipicio emocional facilón y encima de más de dos horas..., y este señor dotado de la gracia divina de los Lumiere lo convierte en una historia apasionante, donde el tiempo es manejado con precisión milimétrica de relojero suizo, y la tensión es de infarto durante todo el metraje en un juego de matriuskas demoledor servido por un elenco actoral  que encaja a la perfección.

Nadie es inocente en las relaciones humanas y los damnificados suelen ser los niños y los adolescentes que intentan entender el laberinto de pasiones, egos, venganzas y demás miserias de la convivencia en común una vez que pasa el temporal de eso que llamamos amor. El continuo batir de la marejada de los adultos acaba provocando tsunamis en las playas donde solo se quiere jugar y disfrutar de los niños se refleja en esta obra de forma magistral y ninguna escena tiene desperdicio. Fahari nos hace morder el anzuelo desde el primer momento y con la suavidad y la paciencia de su mirada nos da todo el carrete necesario para que nos olvidemos de él y solo tengamos la atención ante lo que nos presenta. Al final acabamos encantados de que nos devoré uno de los mejores directores contemporáneos.

MIEL

Puntuación: 6
Duración: 1 h 36 m
País: Italia  / 2013
Dirección: Valeria Godino

La prolífica actriz Valeria Golino, que fue la novia del personaje de Tom Cruise en "Rain Man" (Barry Levinson / 1988), nos sorprende con una gran calidad fílmica en este su primer largo. A un excelente montaje añade una mirada elegante, con cuidadas composiciones de planos y una dirección de fotografía a cargo de Gergely Pohárnok muy destacable. No transmite en ningún momento la sensación de ser una principiante.

Y dicho esto el guión a tres manos que adapta la novela de Mauro Covacich pone sobre la mesa el tema de la eutanasia que hacen casar de forma algo forzada con la relación que surge entre la protagonista, una estupenda Jasmine Trinca y un hombre profesional acomodado que decide dejar esta vida sin tener por ello que estar en estado terminal.

Golino no se oculta ante la dureza de algunas escenas y deja en el espectador la valoración de esta formula de último recurso de dignidad humana, que como todo, desgraciadamente es motivo también de especulación económica. Solos los pudientes pueden elegir su final.

Habrá que estar atentos a futuros trabajos de Golino.

EL ÚLTIMO

Puntuación: 10
Duración: 1 h 14 m
País: Alemania  / 1924
Dirección: F.W. Murnau

Se la considera la segunda mejor película de la historia del cine. Nunca me han convencido las etiquetas  ni ordenar lo que es subjetivo y sometido a muchos factores y mucho menos las simplificaciones generalistas, pero probablemente sea una de las mejores de su época y una de las grandes de todos los tiempos. Cuando el cine apenas llevaba un par de décadas da envidia ver como ciertos directores y sus equipos jugaban con el nuevo arte e inventaban y descubrían nuevas posibilidades.

La película parece ser que fue muy pensada y trabajada y Murnau comandó un equipo fantástico, empezando por el "enorme" Jannings, en todos los sentidos, su director de fotografía Karl Freund y su guionista Carl Mayer y un abultado presupuesto de un millón de marcos. Aunque Jannings se llevó el sesenta por ciento, Mornau pude poner en práctica su talento y las enseñanzas expresionista de su maestro Max Reinhardt.

El director consigue abstraer la esencia de lo que nos quiere contar, simplificando al máximo los elementos y experimentando con la cámara a la que dota por primera  vez de libertad de movimientos (cámara desencadenada). Cada secuencia, cada plano está mimado al detalle y sobrecoge su poder de comunicación con el espectador que asiste a la caída de este portero de hotel, anciano que ya no sirve para su trabajo y es relegado a una baja posición de señor de los lavabos que no le permite seguir aparentando ante su entorno  gracias a un historiado uniforme de corte militar, una posición de tuerto en el país de los ciegos.

Crítica a la Alemania que perdió la primera guerra mundial, al mundo loco de los  años 20 donde las apariencias importan  más que la realidad, y a la crueldad social de aquellos que le ensalzan por envidia y que no tardan ni un segundo en marginarle, burlarse de su desgracia y condenarle irremisiblemente. 

La lista de hallazgos seria muy extensa, desde la utilización de la luz, la manipulación de la escenografía, la supresión de intertitulos innecesarios, la claridad expositiva, los efectos especiales que nos hacen sentir lo que siente, lo que sueña o lo que padece el protagonista, hasta el sonido de una trompeta, etc, etc.

Y el final. O mejor dicho los dos magistrales finales. El primero coherente con la propuesta y la realidad. Y el segundo impuesto por la productora al que Mayer da la vuelta utilizándolo con maestría para afianzarse en su idea original y burlarse de las imposiciones, dejando clara la diferencia entre un cine espejo, con todas las deformaciones que se quiera, del mundo real, y los cuentos de hadas.

LA IMAGEN PERDIDA

Puntuación: 9
Duración: 1 h 30 m
País: Camboya  / 2013
Dirección: Rithy Panh

Una página más de ese libro que el ser ¿humano? escribe con sangre a lo largo de su historia. Cuatro años de horror en una parte del mundo ancestral, olvidada para occidente en tanto en cuanto no sea colonia o no esté en juego intereses comerciales de cualquier tipo. Eso  que llaman la comunidad internacional con mayúsculas miró para otro lado mientras que un grupo asesinos de masas, exterminaba a millones de ciudadanos con la excusa de una utopía comunista, que encandilaba a progresistas de la acomodada Europa. En nombre de Dios y de Marx se han cometido los mayores crímenes de la historia.

Con sutileza, con originalidad, buen gusto fílmico y con un profundo y sosegado dolor Rithy Panh afronta sus  recuerdos de su infancia, como terapia personal y exposición universal de lo que no debe olvidarse a pesar de que no queden imágenes. Esos muñecos están tan vivos quizás animados por los espíritus de aquellos a los que encarnan y que descansan en fosas comunes, iguales a otras que agujerean el planeta como un gran gruyere  

EL CULO DEL MUNDO

Puntuación: 6
Duración: 1 h 20 m
País: España  / 2014
Dirección: Andreu Buenafuente

Se dice en varias ocasiones en este documental que Buenafuente tiene un gran ego. Prueba de ello sería el propio documental que si bien recalca una serie de obviedades del mundo de la farándula en general y del cómico en particular, no deja de ser un "striptis" controlado del propio director.

Se le ve jodido por perder su programa de televisión y quiere que se note. También descubrimos parte de su intimidad y de sus amigos que le ensalzan y otras facetas artísticas aparte  de showman. Autocritica más bien poca. Todo ello contado con eficacia y buen ritmo narrativo. Buenafuente me caía bien como profesional y me sigue cayendo bien. Su vida privada no me interesa.

ANOCHECE EN LA INDIA

Puntuación: 5
Duración: 1 h 34 m
País: España  / 2014
Dirección: Chema Gutierrez

El batacazo del documentalista Chema Rodriguez en este su primer largo de ficción es monumental. Y lo es porque el material con el que cuenta a priori tanto en la historia como en sus interpreta daba para una gran película que Rodriguez y sus guionistas no han sabido escribir para el celuloide. Basada en una historia real, dos seres quebrados por la vida se agarran desesperadamente el uno al otro en un viaje donde la inmensa distancia es equiparable a la redención que buscan.

Mis comentarios o críticas o lo que sean tienden a la síntesis y poco puedo decir sino estar de acuerdo y resumir con su permiso la más extensa valoración que hace "Juanma" en Filmaffinity. A saber: Chema Gutierrez arranca bien y luego abandona el viaje. Inserta una historia en Rumanía que destroza al personaje femenino y hecha un jarro de agua fría a la trama. No acierta a empatizar con las tomas de carretera propias de las road movies. Son pocas y bastante sosas. Introduce personajes secundarios que no aportan absolutamente nada ni es capaz de darles dimensión. Los protagonistas están mal dibujados. Se sostiene por el digno montaje y las interpretaciones de Clara Voda y Juan Diego. Este último se ve obligado a rozar la sobreactuación para compensar sus carencias sobre el papel.

Lo dicho. Punto y amén.

9 MESES... DE CONDENA.

Puntuación: 4
Duración: 1 h 25 m
País: Francia  / 2013
Dirección: Albert Dupontel

Que en los últimos premios Cesar la triunfadora haya sido "Guilleume y los chicos, !a la mesa!" y que el mejor guión original se lo haya llevado está tontería mediocre, me hace pensar que la buena salud del cine galo no se corresponde con la de los miembros de su academia.

Sandrine Kiberlain se merece, eso si, el Cesar por aguantar en pie un personaje increíble en el peor sentido, en una comedieta de humor ni siquiera grueso sino ni siquiera humor donde Dupontel dirije y coprotagoniza para mayor gloria de los dos millones de espectadores que han pasado por taquilla.

Es el momento en el que el Julio Cesar de Astérix debería devolverles la frase y exclamar aquello de: "están locos estos  galos". 

LA LEY DE LA HOSPITALIDAD

Puntuación: 10
Duración: 1 h 13 m
País: USA  / 1923
Dirección: Buster Keaton

Parafraseando a Forrest: los genios hacen genialidades. Esta es otra de este "pequeño gran hombre" que entendía el cine como nadie. Tomando como inspiración el odio generacional de las familias de origen irlandés (los McCoy en Kentcky) e inglés (los Hatfield en Virginia) que se estuvieron matando durante 36 años desde 1865, Keaton nos regala otra "slapstick" de ritmo envidiable, acrobacias sorprendentes y un recadito sobre el odio, la intolerancia e incluso el maltrato femenino en esa américa sureña donde la alta estima del honor no impedía tener esclavos o zurrarle a la mujer.

Las ambientaciones de época de las producciones de Keaton ya las quisieran algunos. Ese tren tranvía preludio de "La general" es una maravilla a la que Buster exprime en gags durante medio metraje. Estamos en su época dorada, donde los cortos dejan paso a proyectos de más enjundia técnica que Keaton aprende y desarrolla tan rápido como sus piruetas con resultados sorprendentes antes de la bajada a los infiernos que nos privó de saber hasta cuando duraría su estado de gracia artístico . Aquí comparte pareja con su primera mujer Natalie Talmadge, lejós aún de su desastrosa separación y con su padre Joe Keaton.

Una autentica gozada. 

RIO 2

Puntuación: 6
Duración: 1 h 41 m
País: USA  / 2014
Dirección: Carlos Saldanha

Repite Saldanha el mismo éxito en segundas partes de una franquicia a la sombra de sus hermanos mayores de Ice Age. Es cierto que parece que últimamente las cintas de animación han dado con el algoritmo, con la formula, con la máquina de churros (personajes, guiones, canciones) y que solo tienen que aplicarla una vez más y sorprendentemente funciona.

La familia de Blue se va a la amazonia a continuar con su mensaje ecologista que buena falta nos hace y el trío de villanos marca la diferencia arrancándonos sonrisas en un puñado de escenas. Estos de Blue Sky son capaces de colarnos una tercera parte y que nos guste.

JACKIE

Puntuación: 7
Duración: 1 h 36 m
País: Holanda  / 2012
Dirección: Antoniette Beumer

Agradable sorpresa la del encuentro con esta directora holandesa multipremiada y con esta simpática y amable comedia dramática, road movie que ofrece más de lo que parece ante una situación forzada y muchos lugares comunes que cobran sentido cuando la directora descubre que nos ha hecho trampas y nos ha ganado la partida y además no nos enfadamos con ella.

Las hermanas van Houten están encantadoras, y Carice está demostrando con su rol en "Juego de tronos" que es una actriz con la que hay que contar más a menudo y darle más cancha.

Holly Hunter, saca petroleo de su aspecto de bruja piruja y sus escaso diálogos, recordándonos que no tiene a estas alturas nada que demostrar.

Por lo demás a los centro europeos les dio en el 2012 por el viejo oeste (Alaba Monroe)  y su folcklore musical. Pues que bien. A disfrutar. 

FRANCES HA

Puntuación: 8
Duración: 1 h 26 m
País: USA  / 2012
Dirección: Noah Baumbach

Greta Gerwig, al igual que su personaje Frances ha conseguido su propósito en la treintena. Ya lo venía puliendo con un personaje que se iba repitiendo en cada cinta más o menos"mumblecore" y por fin su pareja y director de esta comedia agridulce le ha regalado todo su saber fílmico para que ese patito feo, esa desgarbada Mary Santpere (¿alguien se acuerda de ella?) californiana, encuentre su rincón en el mundo neoyorkino y en una vida que solo aspira  a encontrar esa mirada cómplice que solo te puede dar en el momento más inesperado aquel que te quiere de verdad. 

Un cuento en blanco y negro con momentos realmente brillantes donde Baumbach es capaz de emocionarnos y contarnos toda una historia con apenas un montaje rápido de media docena de fotogramas (!como me recordaba a Up!) en la magistral visita en Navidades a Sacramento donde viven los padres de Frances y donde nació Gerwig. La ifluencia de Allen entre otros está presente casi de forma inevitable y aunque el guión en el que participa la propia Gerwig no está a la altura del maestro se reconoce como alumno aplicado. Muy acertada la selección musical, me encantó "Every 1´s a winner" (Hot Chocolat/ 1978)

Tiene sus baches y dulcifica con humor como en el último trabajo de los Coen, la derrota vital (nunca vi un paseo por el romántico París tan triste) e injusta de muchos que se quedan en el camino, pero al final la esperanza nos deja su domicilio por si queremos ir a visitarla.

CRÓNICAS DIPLOMÁTICAS

Puntuación: 6
Duración: 1 h 53 m
País: Francia  / 2013
Dirección: Bertrand Tavernier

De este afamado director francés de 73 años y su extensa carrera solo he visionado tres títulos incluido este: "Alrededor de la medianoche" (1986) y "En el centro de la tormenta" (2009). Dos etapas distanciadas en el tiempo que vienen a corroborar según dicen  una cierta decadencia en sus últimos trabajos sin perder del todo su sello personal.

Aquí nos moveríamos en un terreno intermedio, con la adaptación de la novela gráfica de Lanzac y Blain, que en tono de caricatura y sátira pone de vuelta y media a los políticos franceses de turno (Villepin en 2004, bajo el gobierno de Chirac) sin hacer sangre sobre las funestas consecuencias para el ciudadano que supone estar regidos por semejantes personajes, sus desmedidos egos y sus luchas internas por sentarse en el mejor sillón.

La veda sobre estos funcionarios públicos ya se abrió recientemente con cintas sobre Chirac o Sakorzy, en un sano ejercicio de reírse de y con los que se ríen de nosotros.

Tavernier dirige con soltura apoyado en un elenco muy acertado y la cosa se ve con agrado aunque a la hora el pescado este ya todo vendido  y el resto del metraje sea innecesario.  

NOÉ

Puntuación: 7
Duración: 2 h 18 m
País: USA  / 2014
Dirección: Darren Arofnosky

La biblia, al margen de sus connotaciones religiosas y concretamente el antiguo testamento es un best-seller de historias y leyendas que ya las quisieran muchos autores.

Si ademas hay catástrofes espectaculares como el "diluvio universal", pues mejor para la taquilla.

El acierto de Arofnosky, director del que solo aprecio "El luchador" (2008) es que ha sabido mesurarse con la tentación de caer en un show de efectos especiales y a apostado por equilibrar la balanza de un guión estándar con la diatriba existencial de un hombre ante su corazón y sus creencias. El siguiente acierto es cargar dicha responsabilidad a Connelly y Crowe, que dan el do de pecho.

Aparte de esto un par de jóvenes y famosas promesas y ya tenemos el taquillazo asegurado.

Lo de la evolución, el creacionismo y los fenómenos físicos que pudieron conducir a la gran inundación de esa parte del mundo que muchas culturas reflejan, es otra historia. 

UPSTREAM COLOR

Puntuación: 5
Duración: 1 h 36 m
País: USA  / 2013
Dirección: Shane Carruth

Carruth nos sorprendió en 2004 con su opera prima "Primer", con una cinta original y rarita que acabó convirtiéndose en eso que llaman "de culto" y donde nos narraba una historia interesante de ciencia ficción y en la que aplicaba sus conocimientos de licenciado en matemáticas al asunto.

Después de nueve años de silencio y parece que cabreado por no conseguir presupuesto para su siguiente proyecto "A Topiary", decide invertir la mínima cantidad de 7.000 dolares y cual Juan Palomo, yo me lo guiso yo me lo como, rodar esta empanada mental pseudofilosófica, a mi juicio sobrevalorada a la que añade dosis de buen hacer fílmico, experimentación y un pretendido hermetismo a la que a la postre y por  enrevesado que parezca el asunto y por mucho que revuelva las piezas del puzzle, se le ve el cartón Croneberg-Mallick, ciclo de la vida, predestinación contra libre albedrío y todo el bla, bla, bla que cada cual quiera aportar.

La critica especializada la ha subido a los altares. Acabo de ver "Enemy" e "Ida" y me niego a adjudicarle  a los mismos adjetivos elogiosos, sobre todo de la segunda.

Me aburrí, me desesperé. No necesito que me la expliquen. Me  da igual que mi vida dependa de un gusano o un porquero omniscente y al final todos seamos orquídeas o cardos. Mientras haya cine. 

IDA

Puntuación: 9
Duración: 1 h 20 m
País: Polonia  / 2013
Dirección: Pawel Pawlikowski

Probablemente si hubiera que resumir o poner un ejemplo de lo que ha sido el arte cinematográfico desde sus inicios hasta ahora, "Ida" en un 90% sería una muestra excelente.

Todo en ella es exquisito. Dice su director que no planifica, que va descubriendo la película según la va rodando y que ni siquiera se considera un director de cine. Pues a lo mejor ese es el truco, dejarse llevar por la pasión y que lo absorbido profundamente, aquí hay muchas influencias, salga a la superficie casi inconscientemente y se obre el milagro.

En ida se da un prodigio de síntesis narrativa. Todo se nos cuenta en menos de hora y media con una belleza tan cruda como la historia. Una mirada critica a esa Polonia maltratada por la historia pero no exenta de sus propios pecados. Esa Polonia donde el catolicismo forma parte de la bandera nacional y donde la fé se le supone al individuo como el valor en la cartilla militar en contraposición a años de posguerra bajo el yugo comunista de Moscú.

Dos actrices representando lo enseñado y lo aprendido, lo ideal y lo real, lo espiritual y lo terrenal. Las dos estupendas, las dos conviven con un espantoso pasado común y cada una afronta el futuro de forma diferente. Solo queda respetar sus decisiones sin juzgarlas.

Cada plano es cine en estado puro con una excelsa fotografía y como se ha escrito con un aroma a tiempos pasados donde el cine nos sorprendía con la belleza, el amor, el humor o el dolor del poeta que estaba al otro lado de la cámara.

GUILLAUME Y LOS CHICOS !A LA MESA!

Puntuación: 5
Duración: 1 h 25 m
País: Francia  / 2013
Dirección: Guillaume Galliene

Si uno se acercase  sin ningún tipo de referencias a esta cinta, probablemente la consideraría una más del montón de comedietas con protagonista patético con traumas  infantiles. Quizá alguna de las situaciones provocará alguna sonrisa (lo dudo) y se olvidaría nada más levantarse de la butaca. Aún reconociendo cierta originalidad  en el planteamiento, valorando el mensaje de respeto a las diferencias de cada cual y la habilidad actoral del protagonista para desdoblar su personaje en madre e hijo.

Después el estupor es mayúsculo cuando alguna reseña la tilda de obra maestra y descubre que la Academía Francesa le ha convertido en su particular Benigni otorgándole nada menos que cinco Césares en su última edición.

Ya la obra del propio Guilleueme del mismo título que la cinta en 2008 se llevó, varios premios Moliere. Y el curriculum de este actor, guionista y director, irrelevante para un servidor hasta la fecha, no es nada desdeñable como actor.

Aquí se estrena con el éxito pleno antes citado con un ajuste de cuentas psicológico consigo mismo y sus traumas de infancia para desnudarse en todos los sentidos delante del espectador y decirnos que lo que nos cuenta es verdad. Que lo jura por su mama a la que quiere en igual medida que culpa de sus males.

Vale, te creemos Guillaume. Otra cosa es que no hayas conseguido hacerme reír ni emocionarme.

LA RUEDA

Puntuación: 8
Duración: 4 h 21 m
País: Francia  / 1923
Dirección: Abel Gance

Parece ser que el director parisiense consagró su vida al arte cinematográfico con una larga carrera de 60 años que comenzó como actor y guionista cuando apenas cumplia los 20.

Tuvo la suerte de contar con su propia compañía y obtener un gran éxito internacional con su quinta película "Yo acuso" (1919) que le permitió embarcarse en el ambicioso proyecto de "La rueda" de 9 horas de duración que al final se quedaron en 4 y 21 minutos, en dos partes y exhibida en tres sesiones.

A falta de mayor documentación uno intuye que con la treintena cumplida, una amplia cultura, apasionado por su profesión y su arte y aupado por la crítica internacional, echó el resto en este melodrama plagado de citas literarias, referencias al mundo clásico y con una gran carga poética, consciente de que estaba o quería hacer algo grande. Y lo hizo.

 

Tachado de pedante, grandilocuente y melodramático, lo era en la misma medida que genial, ambicioso, apasionado y perfeccionista. Lo del melodrama va implícito en la historia en la que a veces es cierto que se le va la mano y en  otras sublima la tragedia con escenas de gran impacto emocional.

No sé si llegó a innovar o nada más y nada menos que  perfeccionar y experimentar  con los recurso relativamente limitados que técnicamente existían, pero los exprime al máximo consiguiendo clímax trepidantes, atmósferas envolventes, mucha fuerza  visual en sus personajes, y un lenguaje fílmico al servicio de sus intereses, poéticos, narrativos o metafóricos, apabullante. Tan apabullante  que no se corta en repetirlos cuantas veces considera necesario.

Su equipo de fotografía lo borda y la abundancia de primeros planos de los personajes así como el tratamiento de los entornos resaltan la dureza o la belleza que sean necesarios.

Y además es una historia pasional, trágica, costumbrista, plagada de trenes que van y vienen movidos por sus ruedas que giran sin parar por las vías de un destino predeterminado que  hay que aceptar con resignación.  

La película tiene recursos para  dar y tomar con una gran gama de escenas y posibilidades sugerentes. No es de extrañar que influyera en otros cineastas destacados posteriores como Kurosawa o Coppola y seguro que muchos más.

Desde los cuidados y estudiados encuadres hasta la utilización de los intertitulos como parte  activa de la dramatización, modificando las letras o haciéndolas aparecer según la intensidad de lo que quieren transmitir, todo es de una ambición artística desbordante, dando un resultado brillante a pesar de sus imperfecciones.

A Gance se le recuerda por su obra posterior "Napoleón", otro proyecto monumental que no pudo terminarse como a él le hubiera  gustado y es que el hambre de cine de Gance parecía no tener limites.

ENEMY

Puntuación: 6
Duración: 1 h 31 m
País: Canadá  / 2013
Dirección: Denis Villenueve

Personal por partida casi cuádruple, autor, director, guionista y actor con lo que ello conlleva de paradójico en una película donde la paradoja es su razón de ser. No he leído "El hombre duplicado" novela de Saramago en la que se basa. Pilar del Rio su viuda dice que le encantó la película aún distanciándose de la novela.  Un misterio más para un cinta misteriosa que te puede parecer  desde una tomadura de pelo a una gran obra.

Villenueve además aceptó el encargo de los productores de otra novela de Saramago, "Ensayo sobre la ceguera" y contrataron a un guionista, Javier Gullón, que ni siquiera conocía a Villenueve. Al final y tras un encuentro entre ambos donde vuelve a aflorar el misterio (articulo de Esteban Ramón para Rtve.es), deciden embarcarse en el proyecto con Gyllemhal con quien apenas había terminado de rodar "Prisioneros".

El resultado es una película absorbente donde dirección, fotografía y música crean la atmósfera imprescindible para  que no podamos desenredarnos de una trama inquietante de thriller psicológico que esconde reflexiones mucho más profundas sobre la identidad del ser humano, la crisis del varón adulto que no afronta sus responsabilidades, la frustración de lo que se es y de lo que se quisiera ser o vaya ud. a saber las conclusiones de cada cual. Ese es uno de sus grandes aciertos y a la vez de la gran decepción que puede provocar.

Difícil de calificar, el termino medio equilibra con justicia a admiradores y detractores. Puedo decir que me atrapó su atmósfera, me intrigó y me dejó tan descolocado como a cualquiera.

Invita a visionarla de nuevo, a investigar sobre ella y a descubrir las claves si la hubiera del misterio o el engaño que encierra. Cosa que no se puede decir de muchas películas. Villenueve es un tipo "serio" con su trabajo más que acreditado y no apuesto por el engaño, aunque el hermetismo de esas claves puede ser rechazado por el gran público.

Dicen que quien sueña con una araña peluda, tiene un problema que el subconsciente le pide resolver. Queda dicho.

THE EXAM

Puntuación: 7
Duración: 1 h 29 m
País: Hungría  / 2011
Dirección: Peter Bergendy

No confundir con "EXAM" (Stuart Hazeldine / Reino Unido / 2009). Dicho esto, nos llega con tres  añitos  de retraso esta estupenda propuesta de corte teatral, sobre la paranoia que se desató en la Hungría inmediatamente posterior a la fallida revuelta en contra del régimen prosovietico en 1956 y que los mismos soviéticos se encargaron de cortar de raíz vía tanques y represión.

Juego de matrioskas, para mayor inri, rusas, donde los espías son espiados en un laberinto kafkiano (Kafka pertenecía al imperio austrohúngaro), con buenos interpretes desconocidos por estos lares al igual que su director en su segundo trabajo que sabe dotar al relato de un ritmo adecuado, manejar con acierto su bajo presupuesto y atraparnos en una historia que engancha desde el primer momento. Humor sutil y una mirada compasiva a la vez que descarnada sobre esos individuos que viven su vida en función de las otras vidas que espían, como bien reflejó Florian Henckel en "La vida de los otros" (2006).  Ello no quita que por el bien de la intriga se permita alguna que otra "trampilla". Probable e injustamente pasará desapercibida en las carteleras, siendo como es una de las mejores  sorpresas del año. 

LOS CANALLAS

Puntuación: 4
Duración: 1 h 40 m
País: Francia  / 2013
Dirección: Claire Denis

Claire Denis, tiene ya una edad y un estatus profesional reconocido que le permite pasar de todo y hacer lo que le viene en gana. Ese ansia de experimentación siempre es loable lo cual no quiere decir que el resultado sea acertado y mucho menos brillante. Personalmente este trabajo me parece fallido. La importancia de lo que nos cuenta, subrayado ya desde el principio con ese título, "Los hijos de puta" que aquí se ha suavizado, queda enterrada por un ejercicio de estilo formal, sobrealimentado de elipses marca de la casa, que ocultan deliberadamente los entresijos de unos personajes a los que exigimos explicaciones y que la directora y guionista nos escamotea en beneficio de su propio protagonismo como realizadora.

Denis deja poco margen a los actores para expresarse y es una pena que la estupenda Lola Creton y su personaje queden relegados a un simple desnudo ambulante. Vincent Lindon, otro excelente actor intenta zafarse de la estricta planificación sin conseguirlo. El asunto es previsible desde el primer momento y el enigma si esa fuera una baza, queda descartado. Al final el proceso de destilación fílmica  ha hecho que se evapore el amargo licor que condensaba el asunto.

JIMMY P.

Puntuación: 5
Duración: 2 h
País: Francia  / 2013
Dirección: Arnoaud Desplechin

La película es aburrida. Mejor decirlo al principio para que nadie se lleve a engaño. Y eso no es lo peor. La película no es mala, es una propuesta fallida sobre un momento de la historia americana, de la psiquiatría y de las naciones indígenas norteamericanas que daba para muchísimo más, aún ciñéndose al caso concreto contado por el propio Georges Deveroux, interpretado por Amalric, en su libro: "Realidad y sueño: psicoterapia de un indio de la planicie".

Película de intuiciones. Intuimos que los nativos americanos pagaron su cuota de sangre con la patria y sufrieron el general abandono social de esa misma patria arrastrando su secuelas físicas y mentales, probablemente agravadas por su procedencia étnica. Intuimos  el etnopsicoanalisis propuesto como novedad por Deveroux. Aquel que aplica en general las teorías de Freud a los condicionantes culturales de cada etnia. Intuimos el estado precarios de la psicología en la américa del 45. Intuimos poco y de forma desordenada algo de la vida privada de Devoroux que poco o nada aporta a la trama. Y se nos cuenta el drama personal de este indio pies negros que sumado a una fractura craneal le produce un cierto desorden físico y mental por el cual es ingresado en un centro de "enfermos del alma", preciosa metáfora, de la Armada estadounidense. Centro del que también intuimos que funciona con determinadas aptitudes racistas y escaso bagaje médico para los enfermos de los que se hace cargo.

Y si uno no abandona tanta intuición antes de que transcurran las dos horas de metraje es gracias a Benicio del Toro que de forma mesurada carga sobre sus anchos hombros y su mirada llena de matices toda la resignación y frustración contenida de esos pueblos a los que les robaron la tierra y el alma y que buscan nuevo acomodo en un mundo diferente al de sus ancestros. Destaco la sutil atmósfera creada por la dirección artística que nos traslada a ese rincón de Kansas, sin grandes alardes pero de forma muy evocadora y efectiva. (Los suelos del hospital, el tren...,etc)

Nominada a los Césares, novena entrega de un director desconocido para un servidor y que dicen quienes saben, que es de los mejores del cine francés. Pues eso.

NANOOK EL ESQUIMAL

Puntuación: 8
Duración: 1 h 19 m.
País: USA  / 1922
Dirección: Robert J. Flaherty

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El gran oso polar Nanook venerado como un dios por los cazadores inuit (esquimales del norte de América y Groenlandia) y que el protagonista Allakariallak de este documental madre de documentales, lleva por apodo, no le debió ser muy propicio pues parece que el buen inuit murió de inanición dos años después del film, en una de sus batidas para obtener caza con la que alimentarse.

El caso es que el ingeniero de minas norteamericano que parece que nunca fue antropólogo, al menos de carrera como se escribe por ahí, aprovechó su trabajo como cartógrafo para explorar territorios y conocer nuevas gentes y culturas. Animado por su jefe empezó a grabar, a documentar...., y así nació esta docuficción, considerada el primer documental con sello de autor y en un momento determinado (1964), el mejor de la historia.

Flaherty vivió dos años con estas gentes antes de plantearse su guión, método que utilizaría en toda su obra posterior, y después se puso manos a la obra representando aquello que le interesaba contar, con los propios interesados que ejercieron de actores de sus propias peripecias vitales vistas por los ojos de un extranjero. Que mucho de lo rodado no ocurría en ese momento de verdad o que los parentescos no eran reales era lo de menos en aras de acercar al resto  del mundo "civilizado" a los "salvajes" de tierras inhóspitas que a la postre no lo eran tanto. 

Con escasos recursos el director se convierte en autor y aplica una narrativa dramática jugando con variedad de planos, encuadres y aporta un montaje subjetivo, poético y personal de lo que está rodando, dosificando con acierto, el drama con el humor y la etnográfia.

Así aprendemos muchas cosas, antes de que el Discovery y la National Geographic, o Felix Rodriguez nos las enseñaran y todos tienen una deuda impagable con Nanook del Norte.

El mundo gracias al cine se empieza a hacer más cercano en su grandeza. A los compatriotas de la industria americana en principio no les interesó mucho la cosa y tuvo que ser la Pathé francesa  y el público europeo quien pusiera en valor el género. Luego vendrían la Paramount y luego la MGM, que eligirían de lo rodado  por Flaherty aquellos "bocados" que fueran más comerciales para el gran público llegando incluso, con el consiguiente cabreo del director, a destruir tomas de indudable valor etnográfico.

Al final me quedo con esa imagen de los Huskys soportando el frio, fuera del iglú y comiendo las sobras de los humanos. Todavía faltaba tiempo para que les tocará su propio documental

NON-STOP

Puntuación: 5
Duración: 1 h 46 m.
País: USA  / 2014
Dirección: Jaume Colet-Serra

Colet-Serra le ha cogido el truco. Posee más que sobrada solvencia para lidiar con presupuesto elevados y vender a todos los públicos productos entretenidos cuyos argumentos sobados e inverosímiles como este quedan enmascarados con esos actores que son capaces de resucitar guiones en estado de coma.

La formula sigue funcionando y el planteamiento siempre dura lo suyo para que uno tenga la esperanza de un nudo y desenlace brillante cosa que casi nunca ocurre y se sustituyen por escenas de acción y espectáculo en las que Colet-Serra está muy suelto.

Ha dicho que querían crear una atmósfera de Agatha Christie. Sin comentarios. Que se lean "Muerte en las nubes" y aprendan. Mientras tanto el director catalán sigue haciendo las américas con éxito (taquillero).                      

HOTEL BUDAPEST

Puntuación: 8
Duración: 1 h 39 m.
País: USA  / 2014
Dirección: Wes Anderson

Wes a sus 45 años sigue jugando con sus "casitas de muñecas" donde cada detalle esta cuidadosamente mimado y coloreado ya sean trenes en la india, submarinos, campamentos u hoteles. Su cine más estético que otra cosa, es siempre sugerente y divertido y la verdad es que uno no puede dejar de gozar con cada una de su "viñetas" de mundos donde la realidad y la fantasía se mezclan en un collage embriagador. Además dirige muy bien, con un sentido del ritmo, de los encuadres, del montaje abrumador. Es un grande con su propio y personal estilo. Pero...

En sus "guisos" coloristas y espectacularmente presentados falta "sustancia" y no dejan de ser entretenidos pasatiempos para mayor gloria de él y sus fans incondicionales.

Hay en el gran hotel Budapest un cierto aroma de nostalgia por un mundo kitsch, decadente, lleno de principios y valores, de grandezas en declive,  aún preservados en naftalina, que se asomó dando sus últimas bocanadas vitales en el periodo de entreguerras del pasado siglo. Es un aroma inconfundible al perfume, "L´air de Panache" del que no puede desprenderse el personaje que encarna fantásticamente  Fiennes. Además la galería de nombres de prestigio que deambulan por el hotel transmiten que les encanta jugar con Anderson.

Junto con "Fantástico sr. Fox" (2009) es uno de sus mejores trabajos. Que no decaiga. 

BYZANTIUM

Puntuación: 7
Duración: 1 h 48 m.
País: Irlanda  / 2012
Dirección: Neil Jordam

Alguien debía a los sufridos espectadores y a los propios vampiros resarcirnos del empacho de bollería industrial crepuscular y darle al tema la dignidad que se merece.

Jordan más o menos lo consiguió con "Entrevista con el vampiro" hace la friolera ya de 20 años. De este director irlandés siempre hay que esperar buen cine aunque como a casi todos a veces eche un borrón.

La verdad es que el guión de Moira Buffini sobre su propia obra de teatro hace aguas por bastantes sitios, dejándose personajes medio crudos cuando no inverosímiles, como el propietario del hotel que da título al film y alguna que otra escena previsible y algo "kitsch".

Pero Jordan sabe donde agarrarse y rueda con maestría y delicadeza la parte más poética de la historia apoyándose en ese prodigio de actriz juvenil que es Saoirse Ronan y la entrega de Gemma Aterton,  además de exprimir al máximo los espacios donde transcurre las acciones. Con diferentes cambios de rumbos, mantiene el interés y el conjunto se disfruta a pesar de sus imperfecciones.

UNA VIDA EN TRES DÍAS

Puntuación: 7
Duración: 1 h 41 m.
País: USA  / 2013
Dirección: Jason Reitman

"Labor Day", día del trabajo, título original de la película y del libro en el que se basa, de la escritora estadounidense Joyce Maynard, es una película floja en la carrera interesante de Reitman, con estupendas obras como "Juno" (2007) y "Up in the air" (2009). Aquí cambia de registro y se sumerge en un cuento romántico intimista, irreal y emotivo a partes iguales y que no funciona como debiera por esos flashback a destiempo y poco acertados, por esa subtrama poco afortunada del hijo con su nueva amiga, por ese contraste entre la tensión real en una historia increíble y previsible...

Y sin embargo se convierte en una buena película desde el momento en que nos hace pasar por el aro, nos encariñamos con los personajes, el mimo con los personajes y los detalles y porque la ilusión de que cuando todo parece perdido nos puede tocar la lotería del amor y comer perdices la tenemos todos. Winslet y Brolin no tienen que esforzarse mucho para transmitirnos ese ansia de encontrar la felicidad y remendar las cicatrices de la vida. El chaval tampoco desentona y el aroma a cine antiguo nos invita a intercambiar los rostros actuales por otros como Newman y Woodward y se nos viene la nostalgia de golpe y queremos que las mentiras se hagan realidad.  

OCHO APELLIDOS VASCOS

Puntuación: 5
Duración: 1 h 38 m.
País: España  / 2014
Dirección: Emilio Martinez Lázaro

Repite Martinez Lázaro el pelotazo de aquellas comedias sobre los lados de la cama del 2002 y 2005, imitaciones patrias, quiero y no puedos de ideas foráneas a años luz y que reventaron taquillas igual que esta comedia que parece sacada de una dimensión paralela, donde  existiera una España irreal, infantil donde viven unos ciudadanos típico-tópicos, que se expresan según la Real Academia del Club de la Comedia.

Que películas como la que nos ocupa junto con la saga de Torrente hagan que se llenen nuestras salas daría y da para una tesis doctoral  de psiquiatría sobre el homo iberico.

Y dicho esto, el reparto saca las castañas del fuego, con Elejalde y Lago a la cabeza.

Por momentos afloran las sonrisas y eso es mucho más de lo que puede ofrecer.

DALLAS BUYER CLUB

Puntuación: 8
Duración: 1 h 47 m.
País: USA  / 2013
Dirección: Jean-Marc Vallée

 

Desde el 92 en que fallece el auténtico Ron Woodrof el proyecto iba dando vueltas por ahí con distintos protagonistas, Pitt, Goslin, Harrelson, incluso a Leto le llegó el guión que ni siquiera leyó.

Jean-Marc Vallée viene demostrando en sus cuatro títulos de carrera que puede tocar todos los palos con nota, si además le toca el gordo, o mejor dicho los " flacos" de estos dos actores en estado de gracia pues la cosa acaba con un rosario de premios que han disparado la carrera americana de Vallée.

El pretendido biopic, se toma todas las licencias que le viene en gana para que el melodrama y la lucha social hagan de la terrible plaga un producto más llevadero. Woodrof tenia una hermana y un hijo y el personaje de Leto, como tal, nunca  existió. Pero todo ello carece de importancia ante el recital de McConaughey, que lleva un tiempo destapando el tarro de las esencias gracias a su talento y a un nuevo representante que ha sabido orientar su carrera mucho más allá del guapo y musculoso madelman que venía interpretando. Nos alegramos por ello.

El cowboy prototipo de machista recalcitrante, drogadicto y bravucón, descubre la vida cuando el sida hace tabla rasa de todos sus prejuicios y comienza una lucha personal que acabará dándole objetivos sociales y destapando las miserias de gobernantes y gobernados. De aquellos que reaccionan tarde y mal ante los desastres, presionados por quienes realmente se lucran a costa de lo que sea con las desgracias humanas como las poderosas farmacéuticas cuyas cuentas de resultados no entienden de nombres y apellidos de las personas sino del poder adquisitivo de las mismas. El propio Woodrof, al menos en la ficción, también cae en ello y no es hasta que le roza en lo personal cuando rectifica su actitud.

Ahora que el Ébola nos anda rondando en nuestra propia casa no viene mal acordarnos que el VIH sigue causando estragos en los más desfavorecidos. Y que la historia está condenada a repetirse.

OH BOY

Puntuación: 8
Duración: 1 h 23 m.
País: Alemania  / 2012
Dirección: Jan Ole Gerster

Termino la visión de esta película, opera prima de su director y multipremiada en su Alemania natal, algo desconcertado. Con un sabor agridulce, como ese café que el protagonista intenta tomarse durante su deambular por un Berlin actual teñido de un blanco y negro melancólico a ritmo de jazz.

Según pasan los minutos el poso que ha dejado en mi subconsciente hace que aumente la puntuación que pensaba darle. Este "joven" treintañero bien interpretado por Tom Schilling, está probablemente en ese momento en el que el fiel de la balanza vital empieza a decantarse para uno u otro lado. Vive en un país y una ciudad llena de oportunidades, locomotora de progreso mundial y caldo de cultivo de artistas y sin embargo no encuentra su camino. En su peregrinar encuentra demasiadas gentes que arrastran sus decepciones y traumas y buscan sus lugares, tan perdidos como él. ¿Quizás la felicidad se encuentre en las cosas sencillas como tomarse un café a solas contemplando la vida a través de un cristal?. Y sin embargo la sociedad nos ofrece placeres  más complicados y nunca al alcance de todos (magnifica escena con la dependienta del establecimiento de café).

Dice su director que se ha inspirado en su propia llegada a Berlín buscando su propio camino y que de alguna manera quiere representar a su propia generación, pero la piedra que ha tirado en el estanque va generando ondas en cada espectador llenas de diferentes metáforas y significados. La visión de Jaime Fa de Lucas en la revista digital "Culturamas" sobre la ruptura con el pasado en la Alemania actual y su esperanzado futuro es muy interesante. Esto ocurre con las buenas películas y "Oh boy" lo es, preñada de muchas influencias de otros directores bien digeridas por Jan Ole al que seguiremos con atención.

JOVEN Y BONITA

Puntuación: 7
Duración: 1 h 34 m.
País: Francia  / 2013
Dirección: François Ozon

Parece que Ozon está en racha en su irregular carrera y después de "En la casa", vuelve a acertar con esta propuesta, aunque aquí el guión que él mismo firma no esté a la altura del que se basa en la obra de Juan Mayorga. "Nadie es serio a los 17" escribía el gran poeta, rebelde e inconformista Rimbaud, cuando a esa edad deambulaba por Paris transgrediendo todas las normas. Y creo que por ahí va Ozon y no por el sobado tema de la prostitución consentida del cual ya tenemos variados ejemplos siendo el más destacado "Belle de jour" de Buñuel.

El despertar sexual, la búsqueda de la propia identidad, la experiencia de padres separados, el hastío de una juventud pequeño burguesa occidental  que tiene casi de todo sin el esfuerzo de haber tenido que ganárselo y mil cosas más que nunca llegaremos a entender que se mezclan y explotan en la cabeza cuando pasamos de la infancia a la adolescencia.

 A Isabelle le da por prostituirse, como a otros les da por irse de misioneros, reventar el sistema, enchufarse a los videojuego o chupar bombillas, vaya ud. a saber.  Y lo mejor que hace Ozon  es observar con una mirada de terciopelo los ojos de Isabelle / Marine y dejarse hipnotizar e hipnotizarnos por ellos olvidándonos de los porqués y de las soluciones a preguntas que o no tienen respuesta o son tan fugaces como la propia juventud.

Marine Vacth se apunta un tanto en el comienzo de su carrera aguantando el tirón a base de su experiencia como modelo que le va muy bien para ese aire siempre ausente de aquel que está buscando y no sabe muy bien el qué.

Puede que se desdramatice en exceso algunos aspectos de los riesgos que conlleva la elección de Isabelle, pero sigo pensando que los tiros no van por ahí.

EMPERADOR

Puntuación: 6
Duración: 1 h 38 m.
País: USA  / 2012
Dirección: Peter Webber

Voy a mojarme y romper una lanza por el trabajo, primer rol como protagonista absoluto, de Mattew Fox, entre otras cosas mucho más atractivo que el autentico general de brigada Bonner Fellers que encarna. La crítica no ha sido justa, a mi juicio con la buena labor de Fox y prefiere resaltar al siempre eficiente Tommy Lee Jones en un secundario de lujo que consigue más que parecerse  a MacArthur que MacArthur se parezca a él.

Y dicho lo cual ¿a cuento de qué, venía abordar a estas alturas de la película un tema tan interesante sin escarbar lo más mínimo en los entresijos del asunto?. Inventarse una bonita historia amorosa con muchas probabilidades de ser irreal que pudo condicionar un hecho histórico nada desdeñable como exonerar al emperador Hirohito de su casi segura participación en sustentar y dirigir a su pueblo en una guerra imperialista con millones de muertos, no parece justificarse a no ser que la ficción sea de rompe y rasga. Y no lo es. Es más bien un producto amable y bien facturado exento de toda critica hacía ambos bandos.

Probablemente Hirohito, como los científicos alemanes que participaron en la carrera espacial con oscuros pasado y otros personajes que por una u otra razón podían ser más útiles  para los vencedores vivos y trabajando que muertos o condenados, fue utilizado por una realpolitk que les ofrecía salvar el pellejo.

La historia romántica que nos cuenta "Emperador" con el simpático cascarrabias de Tommy Lee Jons y el íntegro Fox es mucho más digerible para nuestras saturadas tragaderas.

DOG POUND (LA PERRERA)

Puntuación: 6
Duración: 1 h 30 m.
País: Canadá  / 2010
Dirección: Kim Chapiron

Una vez más se repite la historia. Cuando el prometedor director franco vietnamita de 34 años acaba de estrenar su tercer trabajo "La creme de la creme" nos llega el segundo realizado en el 2010. País.

Anda rondando Chapiron que también guioniza esa obra que le confirme por encima de la media, pero todavía no acaba de cuajar. En este drama carcelario juvenil intenta huir de los tópicos del genero para a la postre caer en ellos y si bien filma con soltura y nervio, el guión no va más allá de apuntar que los correccionales como las cárceles por muy buenas intenciones que se tengan son siempre una olla donde se cuecen muchas frustraciones a los dos lados de la reja y la finalidad de rehabilitación no deja de ser una más de las utopías del ser humano.

Los actores juveniles cumplen con su cometido dentro de unos personajes en que no se ha podido o no se ha querido profundizar dado que representan a un colectivo general.  

300: EL ORIGEN DE UN IMPERIO

Puntuación: 5
Duración: 1 h 42 m.
País: USA  / 2014
Dirección: Noam Murro

"Business is business" (el negocio es el negocio) y como tal, sin más y sin menos Zack Snyder, director de 300 escribe y produce la previsible secuela dejando la dirección a un Noam Murro director israelí que firma aquí su segundo trabajo de forma aplicada y sin salirse del guión y la estética preestablecida por Snyder y Miller, este último por cierto que al estreno de la cinta aún no había publicado posiblemente ni terminado el cómic en el que también supuestamente se basa: "Xerxes".

Si uno acepta pulpo como animal de compañía no le importará que el rigor histórico de la película roce el despropósito cuando no la mentira más descarada. Algunas generaciones gracias al cine durante nuestra infancia y juventud pensamos que los "romanos" y los "indios americanos" eran tal y como salían en la pantalla, espero que a estas alturas los espectadores de "300 el nacimiento de un imperio", no solo pasen un rato entretenido con esta aceptable cinta de acción sino que les entre el interés por saber quien eran estos personajes y cual fue su realidad.

A lo mejor es mucho pedir. Mientras tanto la taquilla hizo una buena caja y Eva Green se curra el personaje. 

DR. MABUSE, EL JUGADOR.

Puntuación: 6
Duración: 4 h 53 m. en dos partes.
País: Alemania  / 1922
Dirección: Fritz Lang

Uno tiene que armarse de paciencia como el santo Job para meterse entre pecho y butaca la primera (El gran jugador) y la segunda parte (Infierno) de esta adaptación de Thea von Harbou partenaire de Lang de la novela de igual título del Luxemburgués Norbert Jaques publicada un año antes de la cinta. La novela que había pasado sin pena ni gloria se convirtió en un best-seller a raíz de la gran acogida que tuvo la película.

Siguiendo la estela del personaje "Fantomas" llevado a la pantalla por el francés Feuillade hacía una década y que Lang seguramente había visto, se nos presenta otra variante más del genio criminal dispuesto a sojuzgar al mundo. En este caso ayudado por sus dotes de hipnotista y su facilidad, esto si que es común a todos, para disfrazarse.

El argumento que Feuillade podría habérselo zampado con gracia y  soltura en 50 minutos, Lang lo estira casi cinco horas y si bien el expresionismo luce sus atributos, llegado al cine una vez superado su corriente artística de la mano del teatro y Lang deja su sello con sus variadas técnica fílmicas, la cosa aburre lo suyo y se antoja más vieja que su fecha de estreno lastrada por interminables intertítulos y personajes sobreactuados que no acaban de desengancharse del mundo teatral. Vease "Los Vampiros" de Feuille siete años anterior y salvando las distancias de presupuesto y creatividad, parece más fresca y actual.

El personaje interpretado por Rudolf Klein-Rogge, habitual en la filmografía de Lang de la época, cuajó y tuvo muchas secuelas, dos de ellas del propio Lang. Una de ellas fue su último film en 1960.

Algo de la crítica social presente en la novela aún perdura en la película con esa élite adinerada que derrocha los dineros de club en club, en juego, drogas y placer mientras la clase media de la república de Weimar estaba en bancarrota y no hablemos ya de la clase obrera.

Tiempos donde el cine y otras artes proliferaron como medio de evadirse de lo que pasaba, olvidar lo que había pasado en el 14 y exprimir el tiempo antes del horror que vendría después.

Lo esotérico, lo mágico, lo truculento, lo fantasioso florecia sobre las cenizas de la gran guerra.

PHILOMENA

Puntuación: 9
Duración: 1 h 38 m.
País: Reino Unido  / 2013
Dirección: Stephen Frears

Steve Coogan está en racha. A su faceta de cómico reconocido, está dando en el clavo en otras de sus facetas, como son la actuación y la escritura de guiones. Me gustó en sus últimos trabajos, "The Tryp" y en "Que hacemos con Meisie", y vuelve a conseguirlo con "Philomena". Además ha tenido el buen ojo de producir la adaptación del libro de Martín Sixsmisth basada en uno de tantos hechos reales de mujeres que fueron  desposeídas de sus hijos gracias a la presión religiosa que en ciertos países ultracatolicos como Irlanda (por aquí tampoco nos ha sido desconocida la cosa) se ejerció sobre la base social más desfavorecida e ilustrada, atemorizandola con la amenaza de la exclusión social  a través del siempre socorrido recurso del pecado y la condenación eterna. Más allá de casos particulares el trasfondo como casi siempre es el lucro personal, los niños eran vendidos, sumado a los desequilibrios mentales que no me cabe duda provoca en el ser humano el llevar la religión a su faceta más extrema. La iglesia como estamento aún tiene que saldar muchas deudas con estos y otros casos de uso y abuso de sus caritativos ideales.

Y además, Coogan, acierta al elegir a Frears como director, con una estupenda carrera y a la gran Judi Dench. Una actriz que cuando el cine empezó a hacerla famosa ya lo había hecho casi todo sobre las tablas del teatro. Una gran dama de la escena.

Frears realiza uno de sus mejores trabajos y consigue un notable equilibrio entre drama y humor, esquivando muy bien como se ha escrito el melodrama al que la terrible historia se prestaba. Los Oscars, se han quedado solo en nominaciones. Pero por encima de ellos esta el respetable público que sabe distinguir una joya bien labrada como esta de falsos oropeles.

THE MONUMENTS MEN

Puntuación: 5
Duración: 1 h 58 m.
País: USA  / 2014
Dirección: George Clooney

Dicen los grandes actores y actrices que no existe el papel pequeño o malo, sino buenas o malas actuaciones. Que se lo digan a Cate Blanchett, que borda una interpretación magnìfica en un personaje secundario de una película olvidable. Ella es el auténtico monumento que afortunadamente no tiene que ser salvada por nadie.

A lo mejor por lo redondo que le quedó su anterior trabajo, "Los idus de  Marzo", Clooney se precipita con este proyecto que se nota que  le apetece y del que debemos estar agradecidos por sacar a la luz popular a este pequeño grupo de hombres que en medio de la batalla, aunque fuera en sus  últimos tramos, se  esforzaron con pocos medios y alguno con su propia vida por revertir el expolio que los nazis hicieron de las obras de arte europeas. A pesar de su éxito, muchas quedaron "olvidadas" y a pesar de que el "americano bueno" las devolviera a sus lugares de origen, otros americanos no tan buenos hicieron ganancia de pescadores en el río revuelto de la contienda. Los amigos rusos no se andaron con contemplaciones y aplicaron aquello de: "el que se lo encuentre pa el".

El caso es que si uno supera la muy mediocre primera hora puede que disfrute algo de la segunda, donde Clooney empieza a centrarse gracias a Damon y Blanchett, y se informe de donde y como se descubrieron los escondites de lo robado.

Clooney asegura que no ha querido ser trascendente sino entretener a modo y manera de películas míticas como "Doce del patíbulo" (Robert Aldrich / 1967) o "Los violentos de Kelly" (Brian G. Hutton / 1970). Por un lado no es cierto y aunque los horrores de la guerra los toca poco y mal si que  pretende ponerse trascendente con unos personajes que a poco que hubiera meditado sobre los films de referencia necesitan de una buena presentación individual. Parece que el director  ha confiado en que el nombre de cada uno de los actores sería suficiente, pero poco han podido hacer Murray y cía con un guión bajo mínimos en cuanto al dibujo de sus perfiles como personajes. Por otro lado las escenas pretendidamente dramáticas están desarrollada con una falta de imaginación o dejadez preocupante y luego se quiere sacar rédito emocional de las mismas.  Siempre  recordaremos al gran Donald Sutherland en ambas películas cuando todavía no era tan grande o a Telly Savallas. El trabajo de los actores de "The monuments men" se  olvidará a los cinco minutos, sino antes, de salir del cine. Clooney quería hacer inolvidables a los auténticos protagonistas y lamentablemente ha fracasado.

LOS VAMPIROS

Puntuación: 6
Duración: 10 episodios de 44 m. aprox.
País: Francia  / 1915
Dirección: Louis Feuillade

En las diferentes ediciones del popular libro "1001 películas que hay que ver antes de morir", coordinado por Steven Jay algunos films se van cayendo según pasan los años para dejar hueco a otros, pero la serie de 10 películas realizadas por el prolífico (más de 600 títulos) Louis Feuillade en plena primera guerra mundial, permanece inalterable.

Lo primero que hay que decir de ella es que nada tiene que ver con los famosos chupadores de sangre parientes del Conde Drácula y si más bien con otro personaje de ficción de novelas policíacas, Fantomas, creado en 1911 por Marcel Allain y Pierre Souvestre. Fue precisamente Feuillade quien lo trasladó por primera vez al cine en los dos años anteriores a esta saga que nos ocupa. Fantomas, mente criminal y su banda son sustituidos aquí por "El gran vampiro" y su banda "Los vampiros".

La novedad que aporta Feuillade el la serialización. Cada capitulo es independiente pero mantiene el argumento general y a sus principales protagonistas y antagonistas. La idea ha ido apareciendo y desapareciendo  en el cine según las épocas y encontró su lugar  en el mundo de la televisión.

La cosa curiosamente aún se deja ver, con actuaciones mesuradas para la época, espectacularidad según los cánones del momento, mayoritariamente rodado en exteriores en París y personajes entrañables en uno y otro bando donde se hizo famosa la actriz de nombre artístico Musidora apadrinada por el movimiento surrealista, que aquí encarna a la malvada Irma Vep. (anagrama de vampire)

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El periodista que va resolviendo los misterios se ve acompañado por el amigo socio, que se encarga de poner el contrapunto humorístico a los improvisados guiones, condicionados por el desarrollos de la contienda mundial, que no aparece reflejada por ningún lado a pesar de que la serie se realizo entre 1915 y 16. El objetivo no era otro que entretener al respetable siguiendo la estela de los folletines detectivescos por entregas del siglo anterior.

La puesta en escena de los malvados con monos negros, encapuchados, adoptando diferentes personalidades y disfraces, trucos escapistas, acrobacias y sus recurso pseudocientificos (venenos, gases, cañones portátiles) inaugurarán una tradición en la pantalla, que van desde un puñado de remakes de Fantomas hasta las películas de James Bond.

Y es que por mucho que el cine nos de arte, no hay nada como villanos misteriosos con nombres sugerentes amenazando el orden mundial con sus pintorescos artilugios.

LA MUJER DEL CHATARRERO

Puntuación: 7
Duración: 1 h. 15 m.
País: Bosnia-Hezegorvina  / 2013
Dirección: Danis Tanovic

Este pequeño cuento real, interpretado en forma de documental por sus auténticos protagonistas no transcurre en un país muy muy lejano, de hecho está ocurriendo ahora mismo o a punto de ocurrir mucho más cerca de lo que imaginamos.

El autentico cuento es el que los políticos de turno nos vienen contando de que caminamos hacia una sociedad más justa y mejor y que para ello tenemos que apretarnos aún más ese cinturón del que la mayoría carece. La exclusión social cada día es mayor y me temo que las gentes no adoptarán el victimismo y la resignación de esta familia que se juega la vida cada día en un alarde de supervivencia. Apuesta Tanovic por la solidaridad entre los parias de la tierra, esos vecinos que comparten lo poco que tienen sin hacer preguntas.

Tanovic abandona momentáneamente su temática de la guerra de los Balcanes y apuesta por un cine social que no entiende de presupuestos para ser grande. El guión no necesita de añadidos al hecho escueto del incidente en el que todo va implícito.

El estado del bienestar se ha trocado en el bienestar del Estado por encima de sus ciudadanos.

HER

Puntuación: 8
Duración: 2 h. 06 m.
País: USA  / 2013
Dirección: Spike Jonze

Cuarta entrega de este director de culto, cuyo trabajo hasta la fecha me parece interesante, pero con el que no acabo de identificarme satisfactoriamente. Dotado de una sensibilidad y un universo personal su cine entra dentro de una poética subjetiva atrayente y una pretendida originalidad que a la postre y como casi todo no lo es tanto.

Se estrena como guionista en solitario y lo hace de forma notable con un guión astuto que sabe sacarle mucha punta a las comedias románticas tradicionales. Su formato no es otra cosa que eso. Pero la reflexión que siempre provoca y cada día más nuestra relación de dependencia a todos los niveles de las nuevas tecnologías le da una actualidad inquietante donde se despliega una abanico de preguntas que no tardarán mucho en responderse.

Tierna, emotiva, divertida, todo por momentos, he de reconocer que me ha pesado su metraje, a mi juicio excesivo y también por momentos reiterativo y eso que Phoenix, uno de los mejores actores de los últimos años, omnipresente nos apabulla con una interpretación de quitarse el sombrero. La voz en off de Scarlett y mi adorada Amy Adans completan con sobresaliente el reparto principal. El diseño de producción esta muy cuidado y los apuntes musicales exquisitos, creando una atmósfera melancólica para este hombre sensible que no sabe donde refugiarse  de si mismo ante el fracaso de su matrimonio y acaba encontrándose en el espejo que le proporciona un sistema operativo capaz de evolucionar de consejero ayudante y sucedáneo de pareja a una autoconciencia más allá de la humanidad en unión de otros semejantes y cuyas consecuencias para el genero humano son inquietantes e imprevisibles. Así pues me decanto más por el aspecto social de ciencia ficción futurible que por la historia de amor. Vernon Vinge y su teoría de "La singularidad", ya puso el dedo en la llaga sobre este asunto. El cine normalmente ha sido pesimista con estas inteligencias artificiales convirtiéndolas a imagen y semejanza de sus creadores en potenciales dominadores del mundo y considerándonos un producto bioquímico  inferior. Aquí Spike Jonze apuesta por una visión más romántica. Veremos, que dijo un ciego.  

LA SEGUNDA MUJER

Puntuación: 7
Duración: 1 h. 33 m.
País: Austria  / 2012
Dirección: Umut Dag

Cuando acaba de estrenarse  el segundo trabajo de Umut Dag, director austriaco de origen turco, nos llega con dos años de retraso su ópera prima gracias como siempre a su mayor o menor cosecha de premios en festivales internacionales.

Alumno de Haneken y fogueado como asistente de producción en diversos trabajos para cine y televisión, nos ofrece una historia de cosecha propia que si bien parte del hecho de la figura de las segundas mujeres arraigada en la tradición turca va más allá, desojando temas y proponiendo reflexiones muy de actualidad.

Comienza dándole la vuelta al asunto ya que quien es el valedor de estas segundas mujeres es el hombre y aquí es otra mujer para salvaguardar el núcleo familiar. Ello da pie a que sea la mujer árabe en general en sus diferente generaciones las autenticas protagonistas. La madre, pionera en abandonar su tierra natal con la familia para establecerse en otro país con otras leyes  y costumbres, la hija primogénita que sigue atrapada bajo el yugo de la tradición machista, la hija más joven que probablemente acabará integrándose en su nueva sociedad y en medio de todo Ayse quien ha sido literalmente vendida desde su Turquía natal y cuya juventud hace que choquen violentamente tradición y modernidad.

Otros temas se apuntan someramente como la homosexualidad o los conflictos propios de las relaciones familiares.

El estilo de Umut Dag también conlleva modernidad y tradición con elipses a base de fundidos a negro solventando con eficacia y cariño el colarse en un mundo de puertas adentro que probablemente conoce más que de oídas. El final queda abierto con un cierto toque de esperanza.

Destacar la buena labor de interpretación general que justifica situaciones que a veces pueden parecer demasiado forzadas. 

CUANDO TODO ESTÁ PERDIDO

Puntuación: 6
Duración: 1 h. 46 m.
País: USA  / 2013
Dirección: J.C. Chandor

Sorprendente cambio de rumbo de J.C. Chandor después de su anterior y notable trabajo sobre la crisis económica actual, "Margin call". Supongo que su relación con Sundance ha servido para "liar" al mito con este proyecto "outsider" que tanto uno como otro resuelven con eficacia. Chandor se maneja casi con la misma naturalidad con la cámara con que Redford aborda su estoico personaje.
No sabemos quien es este hombre ni de donde viene ni a donde va, ni si tiene familia, ni si nadie conoce su situación ni sus intenciones. Uno no tiene por menos que asumirlo como una metáfora de la vida. En el fondo siempre estamos solos con nosotros mismos y nuestras circunstancias. La existencia nos va poniendo pruebas y somos capaces de articular medios para superarlas. El protagonista despliega todo una arsenal de recursos manufacturados que a la larga no le salvarán de lo inevitable. Por otro lado es nuestra propia aceptación de los hechos y nuestra voluntad de superar las dificultades las que nos hace "durar" más o menos con nuestros aciertos y errores. Al final el destino común es inevitable y la mano salvadora se parece mucho al fresco de la capilla sixtina.
Por lo tanto y como dicha metáfora a un servidor el asunto le sirve y le conmueve.
Otra cosa es que aquello  dure casi dos horas con un Redford omnipresente, cuya sola presencia alcanza a mantener  vivo el asunto pero su abanico de registros expresivos está excesivamente contenido, a veces casi mecánico y corremos el riesgo de ser meros espectadores de un "reality" morboso de un "Murphy" al que se le aplica constantemente su propia ley.
Prefiero la metáfora. 

ALABAMA MONROE

Puntuación: 9
Duración: 1 h. 42 m.
País: Bélgica  / 2012
Dirección: Felix Van Groeningen

Una de las más hermosas y desgarradoras historia de amor de los últimos años. Actores magníficos entregados en cuerpo y alma a un puzzle de emociones, es cierto que a veces se le va la mano emotiva a Van Groeningen, que se van recomponiendo mediante un encadenado de flashback que me recuerda a "21 gramos", entreverado todo ello con una estupenda banda sonora de bluegrass.

La pasión por este tipo de música y su entorno americano, casi como un anacronismo en el corazón de Bélgica, une a dos seres pasionales de cuyo fruto nace una hija que les ofrecerá las dos caras de la vida, poniendo a prueba su concepción de la misma. Bella, trágica, basada en el libro que escribió el actor principal en colaboración con la actriz Mieke Dobbels no puede menos que emocionarnos, hacernos reflexionar sobre la fragilidad de la existencia, agarrarnos desesperadamente a los momentos de felicidad y saber que la música es un refugio permanente del alma. 

ROBOCOP 2014

Puntuación: 6
Duración: 1 h. 58 m.
País: USA / 2014
Dirección: José Padilha

Como thriller de ciencia ficción es bastante apañadito a pesar del guión clonado y mil veces exprimido. Ello se debe a que hay actores de la talla de Oldman y Keaton que suben el nivel de sus gastados personajes. La colaboración de Samuel L. Jackson también ayuda y Padilha la dirige con la eficacia y el brío que ya acreditó en "Tropa de élite" (2007). 

La comparación con la primera versión de Verhoeven del 87 no ha lugar para épocas y directores con propósitos y estilos  diferentes. Cada una tiene sus luces y sus sombras.

Pero por encima de todo esta puesta al día de Robocop vuelve a poner sobre la mesa un tema que ya no es un futurible. Las máquinas, empezando por los drones, exoesqueletos para los soldados y vehículos de combate no tripulados ya están llamando a la puerta cuando no en activo. Ayer mismo se publicaba un articulo en el diario El País, sobre el libro del siquiatra, sociólogoy filósofo alemán Dr. Spitfer en el que advierte de las consecuencias negativas que produce el dejar "casi todo" en manos de la tecnología. Por no hablar de las aplicaciones en medicina que fusionan a hombre y máquina convertiendonos en Cyborg  no ya solo para solucionar problemas sino para elevar el nivel físico y mental del ser humano. Las consecuencias de todas estas maravillas cientificas serán como siempre en beneficio de unos pocos y en detrimento de muchos. Mientras tanto Robocop y el Juez Dredd pronto serán una app más.

NEBRASKA

Puntuación: 10
Duración: 1 h. 55 m.
País: USA / 2013
Dirección: Alexander Payne

Uno se preguntaba si Payne, que casualmente nació en el estado de Nebraska, volvería a sorprendernos con otra maravilla equivalente a "Entre copas" (2004). Ha tenido que pasar un década y un trabajo intermedio para volver a dejarnos otro trabajo inolvidable. La espera ha merecido la pena.

La entrega de la última edición de los Oscars ha dejado claro por que caminos va la industria, premiando la realización técnica de "Gravity y dejando en la cuneta esta joya.

Todo el equipo está en estado de gracia, cada una de las secciones encaja perfectamente y no solo empujan en la misma dirección sino que añaden su grano de arte al proyecto común.

Bob Nelson se estrena con un guión aparentemente sencillo que va destilando esencias a varios niveles y Payne mima a sus actores principales y secundarios, fantásticos todos y los acompaña en la singularidad  de cada uno con una fotografía en un blanco y negro cargado de nostalgia  de una américa vieja, de gentes alejadas de la marea de las costas y que han formado los cimientos bastos y simples de una nación poderosa. La brecha generacional, la dispersión endémica de la familia americana, las miserias de gente sobreviviente que ahoga su monótona vida en el alcohol y la televisión, y a las que aún les queda una chispa de alma, gente que se merece que le devuelvan un segundo de gloria a cambio de una vida gris. Todo ello y más esta en "Nebraska" aderezado con un humor sin aditivos. El drama y la comedía hacen su propio viaje juntos en esta road movie donde un padre y un hijo van en busca de un tesoro de mentira y encuentran uno de verdad.

PUSSY RIOT: UNA PLEGARIA PUNK

Puntuación: 7
Duración: 1 h. 28 m.
País: Rusia / 2013
Dirección: Mike Lerner y Maxin Pozdorovkin

Desde que el mundo es mundo el líder de la manada acaba generalmente corrompido por su propio poder que inexorablemente acaba beneficiando de manera desproporcionada a él mismo y sus acólitos en detrimento del colectivo que dirige o gobierna. Su liderazgo se sustenta básicamente en la fuerza que posee que le hace superior a los demás y le permite ofrecer protección ante peligros exteriores y represión ante aquellos que no estén de acuerdo con sus normas o que simplemente quieran ocupar su "sillón". El miedo a lo desconocido, a lo que no se puede golpear ni vencer es mejor ponerlo de nuestro lado, etiquetarlo como sagrado, culpar de sus consecuencias negativas a no respetar unas leyes que nos inventamos y por supuesto ser los únicos que podemos comunicarnos y aplacar sus "iras" mediante aquellos que  poseen el don de comunicarse con tales fuerzas y sirven de intercesores entre ellas, a las que llamamos dioses y nosotros. La unión entre el líder de la manada y el intermediario espiritual cierra el circulo para que el rebaño nunca se salga del redil.

Y dicho esto, a través de la historia algunos miembros de dicho rebaño sobre todo los más jóvenes y fogosos han protestado de múltiples maneras ante este  sistema que ha ido evolucionando para que nada cambie y reprimiendo o absorbiendo dichas protestas con mayor o menor virulencia. Desgraciadamente cuando algunos en muy contadas ocasiones han destronado dicho sistema han impuesto otro de iguales o peores consecuencias.

Las Pussy Riot son una gota más en la eterna y cíclica lucha entre el poder y sus sistemas y la ilusión de algunos jóvenes por cambiar y poder expresar lo que sienten.

El documental narra de forma sencilla y tratando de ser imparcial el juicio que se derivó de su performance en el 2012 en la Catedral del Cristo Salvador de Moscú, para denunciar la eterna asociación entre religiones y estados, por mucho que algunos se definan como laicos. No hay que irse a Rusia para comprobar que cerca están unos de otros.

En la mayoría de los casos acaba con la radicalización de unos y otros elementos del redil que se sacrifican entre ellos ante la complacencia de los Jefes y Chamanes de turno.

LOS HEREJES DE OXFORD
S. J. Parris (2010)
Edit. Grijalbo. (2011) 
455 págs.

Enésimo thriller con base histórica. Genero que asombrosamente sigue funcionando con mayor o menor acierto desde el romanticismo del siglo XIX. Y es que ahora que se cumple el 75 aniversario de "Diez negritos" de la sin par Agatha Christie, seguimos sin poder resistirnos a un buen puñado de cadáveres asesinados en circunstancias misteriosas y si de paso el autor, como es el caso, lo adereza con un entorno histórico riguroso, pues vamos aprendiendo a la vez que seguimos la intriga.

La autora es una periodista inglesa habitual del The Observer y The Guardiam que a sus cuarenta años ya lleva siete novelas desde el 2002, cuatro de ellas dedicada a las peripecias ficticias del astrónomo, filosofo y poeta italiano Giordano Bruno allá por la década de los 80 del siglo XVI, pocos años antes de que fuera quemado en la hoguera en 1.600 por hereje por nuestra siempre tolerante y nunca bien ponderada iglesia católica.

Eran otros tiempos, dicen ellos. Tiempos en que las teorías copernicanas que descentraban a nuestro planeta como epicentro del universo no casaban con las ideas teológicas de ninguna de las religiones y la ciencia aún se consideraba magia, cuando no brujería. Bruno fue capaz de imaginar mucho más allá de las estrechas concepciones de su tiempo y lo pago con su vida.

Mientras tanto, aquí lo tenemos deambulando por Europa, dando conferencias, excomulgado por unos y despreciado por otros y desentrañando misterios bajo la protección de Enrique III de Francia. Amigo de Philip Sidney, sobrino del Conde de Leicester y esposo de la hija del secretario principal y jefe  de espías de Isabel I, Francis  Walsingham, a las ordenes del cual se pone nuestro protagonista. Parris le confiere un carácter bastante alejado de la prepotencia de otros famosos detectives, haciéndolo muy humano, vulnerable, lleno de dudas y miedos que va desentrañando el misterio con tesón y sentido común.

El ambiente de Oxford y su colegios universitarios está bien documentado y aunque la prosa y el estilo de Parris no pasará a la historia de la literatura si toma  distancia de ese estilo de guión cinematográfico al que últimamente nos tienen acostumbrados los "herederos" del "Codigo Da Vinci".

Lo mejor a mi juicio es el ambiente que se respiraba en la Inglaterra de la época en que la batalla  entre protestantes y católicos era una lucha soterrada y cruel en el que la fe cumplía a la perfección su misión de martillo de herejes en una orgía de brutalidad al servicio de los poderosos de turno. Pasados los siglos la religión sigue siendo la excusa perfecta para seguir en las mismas.      

LA LEGO PELÍCULA

Puntuación: 8
Duración: 1 h. 40 m.
País: USA / 2014
Dirección: Philip Lord y Chris Miller

El modesto carpintero danés Olek Kirk Christiansen alucinaría en colores si pudiera ver hasta donde han llegado sus juguetes de bloques de construcción cuyo nombre LEGO (leg godt / juega bien) nació a comienzos de los años 30 del pasado siglo.

Hoy en día casi todo puede construirse con bloques de lego y sus figuritas son un icono mundial. Godtfred hijo de Olek supo adaptarse a cada década posterior y encumbrar a LEGO como una de las más importantes compañías de juguetes del mundo. La competencia con las nuevas tecnologías y el mundo de los videojuegos hace que LEGO salte a la gran pantalla de la mano del dúo de moda Lord-Miller que desde su "Lluvia de albóndigas", no paran de cosechar éxitos no solo en la animación, con un humor ácido e inteligente, más que aceptable en los tiempos que corren.

Esta cinta, en 3D exprime todo el jugo al mundo LEGO no solo con un apabullante despliegue técnico sino con un acertado equilibrio entre la cinta blockbuster de acción trepidante y unos diálogos cargados de guiños que abarcan a todos los públicos. Por momentos mareante ante tantas piezas que se ensamblan y se destruyen constantemente en explosiones de color, sabe conjugar con habilidad diferentes estilos narrativos para que el sobado argumento y la duración estandard de la cinta no pesen. Todo ello rematado con un mensaje que aboga por la fusión, la mezcolanza y la creatividad en base a la imaginación de cada cual que nos hace a todos y a cada uno especiales, como también lo es esta invasión, divertida y descarada del planeta LEGO que ya cuenta con segundas partes. Bienvenidos.

  

A CUALQUIER PRECIO

Puntuación: 4
Duración: 1 h. 45 m.
País: USA / 2013
Dirección: Ramín Bahrani

Tremenda decepción esta cuarta entrega del muy prometedor hasta la fecha director Rami Bahrani, que no hay que confundir con el afamado pianista y compositor Rami Bahrami.

El buen sabor de boca que nos dejo la esplendida "Goodby solo" (2008) nos las prometía muy felices, pero  no ha sido así.

El guión da para hacer un drama antológico de reminiscencias del cine clásico americano plagado de personajes para la posteridad. No es difícil imaginarse nombres como Charlton Hestón, James Dean, Montgomery Clift, u otros parecidos en este drama del medio oeste americano, en Iowa tierra de campos de maíz en los que el progreso tecnológico industrial va cambiando la imagen del sufrido granjero de peto vaquero sin que se aminore la lucha por la competencia de la producción de las tierras cada día mas sofisticadamente dura. Añadaselé el eterno problema generacional y el fatal y caprichoso destino y ya tenemos la tragedia montada.

Pero todo es tan mediocre en esta propuesta que acaba convirtiéndose en un telefilm de sobremesa, plagado de pretenciosas escenas llenas de clichés y actuaciones que a unos le vienen grandes (Efron) y otros dibujan una caricatura de su personaje (Quaid). Que necesidad tenía el estupendo Dennis a sus 60 tacos de querer hacer la interpretación de su vida a base de caras estreñidas y miradas de bobo simplón. Todos parecen actuar sabiendo que aquello es importante y acaban por que no nos creamos nada. La dirección de Bahrani es tan corta de miras y a la vez pretenciosa, la fotografía tan sosa, la interesante música tan por encima de lo que estamos viendo.

En fin. Sr. Bahrani no se puede vivir de las rentas "a cualquier precio".  

LA VENUS DE LAS PIELES

Puntuación: 7
Duración: 1 h. 22 m.
País: Canadá / 2013
Dirección: Eric Crosland y Dave Mossop

Datos: En 1870 el escritor austriaco Leopold van Sacher-Masoch escribe la novela original como parte de una saga "El legado de Caín", de la que solo terminó dos de las seis que componían la saga. Basada en su propias experiencias fue un éxito escandaloso en su momento y asoció de por vida su apellido a la práctica del masoquismo, eclipsando el resto de su prolífica obra.

Ha tenido múltiples adaptaciones al cine. En el 2010 el dramaturgo neoyorkino David Ives escribe la obra teatral del mismo título basándose en la novela y gana dos Tonys, representandose hasta la actualidad.

A las naves del Español llega en Mayo de este año la versión española.

Es la adaptación de la obra teatral lo que Polansky lleva a la pantalla como ya hizo en su anterior trabajo con "Un dios salvaje".

El maestro pone de manifiesto su saber para rodar con suma sencillez la complejidad que es llevar la atmósfera teatral al espectador de cine y vuelve a demostrar que sabe manejarse y muy bien con pocos personajes y en espacios limitados.

Obra para lucimiento de actores, teatro dentro del teatro visto por los ojos del cine. Seigner esposa de Polansky se luce y se adueña de la escena como ya lo hizo Nina Arianda en las tablas de Nueva York. Amalric no aguanta tanto el mano a mano sobre todo en la segunda parte, siempre dentro de una buena interpretación.

Obra que merece segundas visiones, en principio me ha parecido que funciona mejor cuando el autor se maneja en el doble juego de realidad y fantasía dentro del ambiente de guiños teatrales creando un juego dramático divertido y sorprendente. En la segunda parte se pone serio y algo reiterativo ya sin el elemento sorpresa dejando abierto a múltiples interpretaciones por parte del espectador las implicaciones del juego de poder que se está representando.

Es este carácter abierto su virtud y su defecto ya que puede desorientar al espectador que debe esperar a que "caiga el telón" para reordenar sus impresiones y emitir un veredicto.

Por otro lado no acaba Polansky de sacar todo el partido a los detalles fetichistas que lastran el ritmo en la parte final.

Una acierto que la escenografía abandonada en el viejo teatro, al menos en la película, corresponda al farwest. Todo un guiño. 

INTO THE MIND

Puntuación: 6
Duración: 1 h. 22 m.
País: Canadá / 2013
Dirección: Eric Crosland y Dave Mossop

Si uno es fan del esquí de alta montaña, puede que llegue al orgasmo con este documental o puede que descubra carencias que  los profanos en la materia no llegamos a vislumbrar. Como no es el caso, uno se queda maravillado ante tales proezas del ser humano, la belleza general de las imágenes y el asombro ante técnicas fotográficas y narrativas más o menos novedosas.

Otra cosa es que en este segundo documental de estos dos canadienses con su productora Sherpha Cinema nos llegue el pretendido rollo metafísico filosófico implícito, las analogías de los deportistas aventureros con el mundo animal y no acabemos algo rayados entre tanto vaivén de imágenes y música (sobretodo en la primera mitad) no apta para todos los oídos.

En definitiva el resultado parece orientado a complacerse a ellos mismos conocedores de sus claves y no tanto al público en general.

LA GRAN ESTAFA AMERICANA

Puntuación: 6
Duración: 2 h. 18 m.
País: USA / 2013
Dirección: David O. Russell

El título ya previene una cierta sobrevaloración de lo que vamos a ver. Es lógico cuando su director, a mi juicio, también está sobrevalorado, empezando por si mismo, con un cine que afortunadamente pretende ser diferente, personal, rompedor y que a la postre se queda a medio camino de todo eso.

El caso Abscam, donde se pilló a unos cuantos políticos corruptos a finales de los 70 gracias a una estafa del FBI, coordinada por un estafador de medio pelo más listo de lo normal, ahora parece un juego de niños a tenor de los tiempos que corren y de lo que se destapa cada día en el propio solar patrio.

El caso es que los 70 aunque sean sus últimos coletazos da para mucha horterada no solo en la ropa y Russell lo aprovecha para que el metamorfo (y buen actor) Bale componga una especie de primo lejano de Torrente y arrastre a todos sus compañeros en un guion no muy alejado de las tramas Marbellies, situaciones casposas, y mujeres estupendas luciendo atributos, de nuestro siempre entrañable Santiago Segura.

Salvando las diferencias, claro está, de presupuesto y de dos actrices que sacan petroleo y piedras preciosas de sus erráticos personajes. Porque al final no sabemos bien por lo que apuesta Russel. La trama no posee la suficiente fuerza para que nos la tomemos en serio y la  relación  del triangulo  o cuarteto amoroso, amén de reiterativa tampoco es capaz de hacer sangre y solo nos deja un colorido rasguño.

Diez nominaciones a los Oscars. Ninguna estatuilla. Y es  que "La gran estafa", entre un puñado de escenas destacables en un metraje excesivo, no deja de ser mas que un golpe de poca monta.

AL ENCUENTRO DE Mr. BANKS

Puntuación: 7
Duración: 2 h. 5 m.
País: USA / 2013
Dirección: John Lee Hancokc

Aprovechando la racha de los estudios por contarnos qué sucedió, durante el  rodaje de tal o cual película con personajes famosos (Marilyn,  Hitchcock), sumado al cincuenta aniversario del estreno cinematográfico de "Mary Poppins", la Walt Disney Pictures homenajea a su creador desvelándonos parte de la compleja personalidad de la autora de la inigualable institutriz y su reticencia a que su afamado personaje cayera  en las manos del almibarado, genial y controvertido padre o padrastro del ratón Mickey. Walt ya había "compensado la realidad", en palabras de Hanks-Disney con la Alicia de Carroll y con Peter Pan de Barrie, y a esta australiana polifacética (actriz, mística, escritora, periodista) no le hacía gracia que sus demonios internos volcados en las historias de su institutriz se banalizaran por showmans nuevos ricos.

Así intuimos que la Poppins original no era tan dulce, guapa, mágica y cantarina como la Andrews  y que el señor Banks es el epicentro de todo el cotarro.

La película dirigida por un J.L. Hancokc que se prodiga poco en la dirección hace que funcione el presupuesto con una factura artística currada, un guión que se sustenta en la añoranza de la famosa película (lo confieso, la adoro) y en la actuación siempre eficiente de Emma Thompson, acompañada por rostros ilustres en roles secundarios. A la postre producto de la factoría Disney con sus luces y sus sombras. El padre fundador apenas se marca un "speech" emotivo biográfico para ablandar a la intransigente autora.

Al igual que la versión edulcorada y oscarizada de Mary Poppins, puede que estos sucesores de Disney también estén compensando la realidad, dejándose en el tintero el lado canalla de sus protagonistas y el peso real del talón y los beneficios que a la autora en horas bajas le permitió hacerse rica y a Walt salirse, una vez más con la suya. Nunca lo sabremos.

El caso es que en definitiva uno comparte la idea de que el mundo ya posee demasiadas historias tristemente reales, incluidos los cuentos plagados de crueldad para que nos pongamos estupendos y puristas cuando a un señor  se le ocurrió compensarlo con un poco o mucho de azúcar para que la píldora de la existencia pase mejor. Previo paso por taquilla por supuesto.

PD. Siempre quise ser Dick Van Dyke en su inmortal personaje.

FRINGE (5ª Temporada. Final)

Puntuación: 7
Duración: 13 episodios de 41 m. aprox.
País: USA / 2012-13
Creadores: J.J. Abrams / Alex Kurtzman / Roberto Orci

La última temporada de Fringe se me había quedado descolgada. Ya hace un año que la serie de J.J. Abrams, que comenzó emulando a Espediente-X, terminó en otra cosa bastante diferente y más parecida a Lost, aunque sin tantas pretensiones y mucho más coherente, si aceptamos el laberinto de realidades alternativas y demás universos paralelos como coherente.

Es cierto que a la postre la buena actuación de su elenco principal y sus relaciones amoroso-paterno-filiales, han hecho que nos encariñemos con los personajes a pesar de la reiteración, uso y abuso de los guionistas, sobre  todo en esta última entrega de la lágrima fácil.

Si bien el entorno en el que se desarrollan estos últimos capítulos es otra vuelta de tuerca al tema multisobado de la resistencia ante los invasores, Abrams y su equipo van cerrando puertas, recogiendo flecos y atando cabos para ofrecer un final digno y apañado a una serie que ante todo ha sido muy entretenida y sin ser una de las grandes se ha hecho un hueco cariñoso en nuestra memoria televisiva.

Alguien a no tardar, reabrirá la división Fringe con nombre y caras nuevas. No hay que ser un Observador para adivinar este  futuro.

JACK RYAN: OPERACIÓN SOMBRA

Puntuación: 6
Duración: 1 h. 45 m.
País: USA / 2014
Dirección: Kenneth Branagh

Paramount y Skydance podrían haberse  ahorrado sin ningún problema el sueldo de la pareja de guionistas. Este puzzle de situaciones manidas ya han pasado mil veces por la pantalla. El personaje creado por Ton Clancy en el 84 y sus diferencias con otros antihéroes que acaban recurriendo a la acción no se merecía un relanzamiento donde la imagen del personaje, (Chris Pine vende), fuera más importante que el personaje en sí. No obstante han tenido el buen gusto de encargarle la cosa a un señor que desde hace 8 años atrás y obviando su fiasco con el remake de la inmortal"La Huella" (J. Mankiewicz / 1972) ha demostrado con creces que sabe de que va esto del cine y la actuación.
La factura por lo tanto es impecable con bellas imágenes de Moscú, un bonito homenaje a Bond en la llegada de Ryan al hotel y una cena entre Branagh y Knightley que aportan esencias interpretativas. Acción palomitera y a otra cosa mariposa, que supongo que se dirá el bueno de Kenneth con estos últimos encargos de su carrera, que espero sean para acumular pasta y seguir regalándonos el cine que mejor sabe hacer.

¿QUÉ HACEMOS CON MAISIE?

Puntuación: 8
Duración: 1 h. 39 m.
País: USA / 2012
Dirección: Scott McGehee / David Siegel

En 1879 el escritor nacido en Nueva York, Henry James escribió "Lo que Maisie sabía", otra de sus novelas de mundos antagónicos, en este caso el de la niñez con el de los adultos. La versión actual de McGehee y Siegel, binomio artístico que hasta la fecha llevan con este cinco films sin demasiado eco. Puede que con esta adaptación la cosa cambie.

El buen gusto y la delicadeza dominan la mirada de la cámara con una esplendida fotografía, sin embargo nada oculta el trauma por el que Maisie está pasando y a la postre sus propios padres, cuyo perfil monolítico tiene las suficientes fisuras merced al impresionante trabajo de la Moore y la solvencia de Coogan. Pero sobre todo, el prodigio de este nuevo "Kramer vs. Kramer", está en la seña  de identidad  de Henry James y es: el punto de vista especial, en este caso de la niña Onata April /Maisie cuyo trabajo actoral y su relación con la cámara es apabullante. Es cierto que sustentar todo el entramado en una niña de seis años era un gran riego que afortunadamente ha salido bien.

Alexander Skargard y Joanna Vanderham destacan en sus composiciones y su relación con Maisie a pesar de que sus perfiles y motivaciones quedan enterradas al servicio del desamparo emocional de Maisie. Una niña a la que no le falta un detalle material pero carece del cariño verdadero, aquello que como decía la canción, ni se  compra ni se vende.

ROBERTO CAIRO (1963-2014)

No tuve el gusto de conocerle ni a él ni a su obra, como a tantos actores que luchan y viven por y para esta profesión y cuya valía no llega a ser reconocida sino es por la popularidad que te da un personaje en televisión. Roberto lo había conseguido a base de currárselo y había entrado sin alboroto por la puerta de nuestros  hogares para quedarse. El director del Gran Teatro ha decidido que abandone pronto la escena no sin recibir un fuerte aplauso.

PERET (1935-2014)

Algo debía de tener este gitano catalán para que a un chaval a comienzos de los 70 y con su primer disco de los Rolling en la mano siguiese dejando hueco a "Una lágrima", de la que no se me olvida la letra. El caso es que Peret tenia ritmo, marcha, caía simpático y sobre todo transmitía ganas de vivir. Se nos ha ido con una carrera plagada de éxitos y con el don de hacernos bailar y movernos y sonreír con cualquiera de sus canciones por muy heavys, rockeros, folck o lo que fuéramos cada uno. Ya lo dijo él: "Canta y sé felíz". 

RICHARD ATTEMBOROUGH (1923-2014)

A Richard le nombraron Sir, por sus éxitos en su profesión, pero ya era Lord y Barón, nacido en Cambridge su padre fue director de la University College Leicester y sus dos hermanos, un naturalista famoso y un director de Alfa Romeo.

Vamos que la tradición de infancia triste llena de penurias hasta conseguir que descubrieran su talento Attemborough se lo ahorró pero bien.

El caso es que su carrera como actor en películas inglesas importantes me es desconocida y tendré que revisar. Es en la década de los 60 con Richard ya en la cuarentena cuando su rostro ovalado y de aspecto bondadoso pero transmisor de sapiencia y seguridad se me aparece con esa gorra de aviador que utilizó en varios papeles, en "La gran evasión" (John Sturges / 1963) y a pesar de ser un personaje secundario, su careto y buen hacer ya siempre fueron reconocibles en cada uno de los films en los que participó.

Pero el bueno de R.A. que se hizo famoso en sus principios como taimado cobarde, dulce pero peligroso, no se conformaba  con actuar (78 películas) así es que se puso a producir y dirigir y nos dejó para la historia "Ghandi", "A Chorus Line", "Grita Libertad", entre otras.

Toda una vida dedicada al celuloide con valía,  y tesón paseando su rectitud británica por el mundo.

A pesar de que se marcha con avanzada edad,  su obra siempre remontará como "el vuelo del Fénix" a pesar del tiempo y las modas gracias a su fé en el séptimo arte.

20 AÑOS NO IMPORTAN

Puntuación: 6
Duración: 1 h. 32 m.
País: Francia / 2013
Dirección: David Moreau

Hace ya unos años que "la france" le viene robando la merienda de la comedia romántica al gigante americano. Aunque la cosa no sea como para tirar cohetes, las comedias como esta son ágiles, frescas o calientes como se prefiera y sobre todo la tan sobada química entre los protagonistas funciona.

Aquí se juega la baza de la diferencia de edad en contra de la mujer o a favor, según se mire, tema de actualidad y que da para reflexionar un poco sobre la hipocresía social machista al respecto. Tranquilos, porque Morau tampoco se extiende mucho sobre ello y desaprovecha la ocasión en beneficio de un puñado de situaciones simpáticas apoyadas en el buen hacer de sus actores, principales y secundarios, en el marco siempre a favor del París romántico.

GUARDIANES DE LA GALAXIA

Puntuación: 7
Duración: 2 h.
País: USA / 2014
Dirección: James Gunn

Bueno, la cosa va a más. Sobre todo con la pasta de Disney detrás de esta  Marvel que se empeñó y esta consiguiendo que volvamos a disfrutar de los tebeos o cómics, ahora en la pantalla. Dado la crisis en el sector, este tipo de films de evasión espectaculares son un buen reclamo para optar por la pantalla grande y no el home cinema casero.

"Los guardianes", que a lo largo de la historia de Marvel han tenido un par de versiones, no han formado parte de mis cómics de referencia y están algo al margen de los iconos clásicos de la casa de las ideas. Hasta ahora por supuesto, dado el éxito de la cinta. Para saber de donde vienen y quien son en origen y sus diferencias casi inevitables con la adaptación a la pantalla recomiendo pasarse por comicritico.blogspot.com, con un excelente post al respecto.

La peli, es entretenida, simpática, con un apabullante diseño artístico,( por fin el color de los cómics se refleja en la pantalla), y una producción de lujo. Los personajes protagonistas caen bien y empatizamos con este grupo de perdedores que la lían saliendo adelante a base de improvisar con ingenio y valor. Al casi desconocido James Gunn le ha venido dios (Marvel) a ver a sus 44 años y lo ha aprovechado dándole ritmo a la cosa y manteniendola engrasada a cada momento.

En el aspecto menos positivo, se sigue abusando de explosiones y tracas (las escenas con grandes naves que caen parecen de uso obligado), de un tono familiar, no olvidemos que Disney está detrás, que nos deja algo insatisfechos a los que crecimos con Marvel y nos gustaría que los personajes también crecieran con nosotros con un tono más adulto, ausencia de grandes antagonistas (Thanos y Ronan dan para mucho más que un buen diseño artístico) y unos cuantos flecos puntillosos que no hubiera costado mucho corregir:¿Todos en la Galaxia hablan el mismo idioma?, ¿Si la gema del infinito es tan poderosa, por qué se esconde Thanos en su nave para después cargarse a la flota de Nova de un plumazo? No sé si los extraterrestres como Gamora o medio extraterrestres como Quill aguantan tanto tiempo en el espacio exterior sin protección. La nave de Thanos ¿no debería dejar un cráter del copón cuando cae?. ¿Eran necesarias las ridículas escenas del pueblo evacuado de Nova haciendo coro al final o ver como el gran C. Reilly da besitos a su familia?. En fin, pelillos al hiperespacio y a esperar las nuevas andanzas de estos desvergonzados guardianes de la galaxia.  

PRESENTIMIENTOS

Puntuación: 4
Duración: 1 h. 40 m.
País: España / 2013
Dirección: Santiago Tabernero

La verdad es que la historia promete y supongo que la novela de Clara Sanchez, autora que cuenta con un Nadal y un Planeta merecerá la pena. Pero el caso es que a los 45 m. me rendí. La dirección rala y simplona de Taberneiro, en algunas escenas hasta casposa, un Noriega al que no se le puede dejar suelto con mucho texto a no ser que tenga un buen director de actores detrás, que no parece el caso (El maestro Dennis Raffter que hace un secundario ridículo podría haberle echado una mano), una Marta Etura que tampoco  anda muy fina, forzada y poco creíble, sobre todo en las primeras escenas, la música que no acaba de empastar, la ñoñeria añadida de  Russian  Red y algún que otro secundario poco agraciado en sus escenas, componen  un todo que supera mi curiosidad por el desarrollo y desenlace de la trama. Acudiré al libro.

Al menos a uno le viene la ilusión cuando ve en los ojos de Irene Escolar arder la llama  de Irene y Julia Gutierrez Caba. 

NYMPHOMANIAC. VOL.2

Puntuación: 7
Duración: 2 h. 4 m.
País: Dinamarca / 2013
Dirección: Lars von Trier

Esta segunda entrega de un todo dividido por motivos comerciales, sigue en la misma linea, divagando con mayor o menor acierto sobre las pulsiones sexuales en general, de la mujer en particular y todas sus variantes estigmatizadas socialmente y que forman parte de la naturaleza intrincada del ser humano. Las imágenes de sexo o de la violencia como medio para estimular la libido son más explicitas. En el tintero aún quedan otras muchas que la "moral" no permitiría proyectar. Se reflexiona sobre ello y se dicen cosas que invitan a preguntas con diferentes respuestas.

Alabo la valentía de Trier de poner sobre la mesa sin tapujos esta parte importantisima del ser humano generalmente hipocritamente reprimida.

En la medida que pueda escandalizar, aburrir, parecer genial o todo junto, será un buen termómetro, una buena estadística por sectores sociales, países, etc para descubrir el grado de madurez de los espectadores y su visión sobre que faceta del cine prefieren. 

EL CANTOR DE JAZZ

Puntuación: 4
Duración: 1 h. 89 m.
País: USA / 1927
Dirección: Aland Crosland

El éxito en su estreno de El Cantor de Jazz, es innegable. No solo recaudó tres millones y medio de  dolares de la época por ser la primera película en que aparecían mínimos diálogos sincronizados con una técnica que Warner no tardaría en abandonar a favor del sistema de la Fox que  sincronizaba en los mismos fotogramas, sino porque el argumento era muy asequible y emotivo, por no decir  sentimentaloide y se basaba en la vida y canciones del propio Al Jonson, un cantante que hoy puede producirnos sonrojo por sus maneras artísticas pero muy popular y reconocido en su profesión en sus días. Además ya había tenido éxito la obra de teatro homónima y parecía un valor seguro para llevarla a la pantalla.

El sonoro ya venía asomando la cabeza, en cortos y alguna película de la propia Warner como "Don Juan" un año antes también dirigida por Alan Crosland, debido a que las grandes salas de exhibición boicoteaban a Warner y este aceptó como salvación el incipiente recurso de la música sincronizada apoyado por las pequeñas salas que veían más rentable invertir en aparatos de sonido que en mantener las orquestas que conllevaba todo cinematógrafo que se preciara.

Así quedó mucho músico en paro pero abrió la puerta a otros muchos profesionales que traerían los nuevos tiempos. El sonido, que aún tardo en afianzarse un tiempo, era ya imparable.

Pero el caso es que, se mire como se mire, "El Cantor de Jazz" a pesar de sus ternuras y moralejas generacionales,el apoyo judio, la correcta dirección de Crosland y la apañada fotografía de Hal Mohr es bastante flojita, o mediocre como se prefiera ya para los tiempos que corrían por el 27. Repásese la cinemateca y se encontrarán un buen puñado de obras de arte y de películas estupendas con las que El Cantor..., no puede competir.

Hoy día el paso del tiempo, a pesar de tenerla remasterizada y ser un icono del cine, no eleva su calidad, más bien al contrario y es de visionado obligado para cinéfilos y pocos más.

MINDSCAPE (ANNA)

Puntuación: 6
Duración: 1 h. 35 m.
País: USA /  España / 2013
Dirección: Jorge Dorado

Esta opera prima del madrileño Jorge Dorado consigue a priori que no te despegues de la pantalla durante todo el metraje. Otra cosa es que al final dudes de si ello a merecido o no la pena. Jugando con el tema de la película, una vez terminada uno inmediatamente empieza a recordarla y descubre que los recuerdos por muy interesantes que sean pueden no ser verdad y el guión de Guy y Martha Holmes se antoja un fuego de artificio lleno de trampas y con demasiados cabos sueltos. Claro que ahí están Strong y Taissa Famirga para vendernos la moto como los mejores, con un excelente trabajo actoral.

Después del desembarco de unos contados pioneros actores en la meca de Hollywood, ahora parece que toca a "jovenes directores". La punta de lanza es Ombra Films, productora al mando de otro director español Jaume Collet-Serra que está intentando y consiguiendo al otro lado del Atlántico hacerse un hueco en la industria que no existe en su país, apadrinando nuevos talentos patrios.

Quizás porque Jorge Dorado no ha querido desaprovechar la oportunidad se ha conformado con un planteamiento muy conservador, tirando de planos mil veces eficaces y no nos ha dejado ver hasta donde llega su sello personal que supongo tendrá. El resultado ha sido más eficaz que otra cosa. Lo suficiente para segundas oportunidades que espero mejoren el asunto.

EL CAMERAMAN

Puntuación: 8
Duración: 1 h. 9 m.
País: USA  / 1928
Dirección: Edwuard Sedgwick

Del 23 al 28 el gran Buster Keaton rodó 10 películas, sus mejores éxitos, con control absoluto sobre  ellas y pasándose tres pueblos y medio con el presupuesto. Ahí quedan para la historia irrepetible  de un genio. Pero el cuento siempre tiene un final y no siempre comieron perdices. A finales de los 20 empezaron a correr malos tiempos financieros y su productor y medio pariente (casado con la hermana de su mujer), Joseph M. Schenck que años atras le había dado la oportunidad en la Paramount de sustituir al caído en desgracia Fatty Aburckle, decidió realquilarle a la M.G.M. que le ató en corto, le impuso directores y decidió qué era lo mejor que podía rodar y como. La consecuencia fue la destrucción de Keaton que cayó en barrena dándose a la bebida y desapareciendo hasta su rehabilitación poco antes de su muerte. La crítica tampoco nunca le fue favorable, siempre rendida ante Chaplin.

El Cameraman fue la última de las buenas películas y la primera  de las malas y la dirección compartida aunque no acreditada hace que flojee por momentos. Aún así estaba entre las preferidas del propio Keaton.

Aquí consigue enternecernos con la historia de amor del muchacho poco agraciado y sin fortuna que está dispuesto a todo por su amada, en una primera parte donde  el humor deja paso a la ternura, pero como no podía ser de otra manera el slapstick acude a su cita inevitable y los gags se suceden con algunos de ellos memorables como el de la cabina del vestuario que bien pudo inspirar la del camarote de los Hermanos Marx en "Una noche en la ópera" (1935), película en la que el propio Keaton participó escribiendo gags.

  

La cinta se perdió durante muchos años, restandole  protagonismo hasta el 68 y el 91 en que aparecieron copias para poder restaurarla en la versión que nos ha llegado.

Una buena despedida del maestro, aunque en este caso su ausencia perenne de sonrisa fuera augurio de los malos tiempos que estaban por venir.

APLAUSO

Puntuación: 8
Duración: 1 h. 20 m.
País: USA  / 1929
Dirección: Rouben Mamoulian

Y llegó el sonoro. Películas con canciones y musicales a tutiplen donde las historias eran lo de menos, porque además los diálogos suponían un follón y la cámara se veía limitada por la dictadura del micrófono.

La Paramount, llamó a Mamoulian, un director teatral de origen armenio de prestigio que a sus 30 años había dirigido nada menos que la opera "Porgy and Bess" de George Gershwin. Así es que dos años después debutó en el cine con esta adaptación de la obra de Beth Brown sobre el mundo de la farándula que el director conocía de sobra y se nota.

Y aunque el mundo del burlesque tiene su gracia la cosa va de drama más o menos trágico, así que el marketing lanzó carteles promocionales con la imagen de una Helen Morgan estilizada y atractiva sobre fondo de music-hall. La Helen debido a sus adiciones alcohólicas y a la decadencia implicita en su personaje era otra cosa, en el fondo mejor que lo que prometía el cartel. A sus 29 años su aspecto le permitió hacer de madre de Joan Peers que contaba tan solo con 9 menos.

Momoulian se lo tomó con ganas y tarjeta de presentación e innovó, soluciono problemas con la concepción del sonoro que abrirían muchas puertas posteriores y se gustó hasta la pedantería con un recital de planos mamados del cine alemán y ruso de la época.

El resultado no fue bien en taquilla. La crisis del 29 tampoco ayudó. Pero quedó un film para la historia más allá de sus resoluciones técnicas. Una historia de cómicos y su mundo entre bambalinas, un reflejo de la ciudad y sus sinfonías de sonidos (la llegada de April a la ciudad es memorable) y una historia de amores generacionales. Mamoulian siguió insistiendo en dejarnos buenas películas, aunque eso sea otra historia.

MANDELA. DEL MITO AL HOMBRE.

Puntuación: 6
Duración: 2 h. 20 m.
País: Reino Unido  / 2013
Dirección: Justin Chadwick

Si no fuera por Idris Elba, el albun de cromos de cuidada edición que es la primera parte de este biopic oficial basado en el libro de memorias del propio Mandela, nos invitaría a abandonar la sala.

Gracias a la mirada de este actor que se destapó en la estupenda serie de la HBO "The Wire", por donde mana todo el sentimiento y la vida interior de sus personajes, la cosa va tomando forma y la emotividad de algunos de los hechos cronológicos de la vida de Madiba mejoran el asunto sin llegar nunca a mojarse en los recovecos sociales, políticos y humanos que tuvo que afrontar este abogado, calificado de terrorista, que hipotecó su vida y decidió jugarse la baza del perdón por la de la venganza en una partida a la postre imposible de ganar. Sobre el tema ha habido propuestas mejores como "Grita Libertad" (R.Attenborough / 1987) y sobre Nelsón Mandela deben llegar. El hombre y el personaje lo merece.

EL LOBO DE WALL STREET

Puntuación: 8
Duración: 3 h.
País: USA  / 2013
Dirección: Martin Scorsese

Esta desmesura de 3 horas es lo más parecido a un buen "tiro" de coca de la mejor calidad que te mantiene excitado y despierto durante el excesivo y no justificado metraje. Todo ello gracias a un director y un actor principal geniales.

Huele a Ciudadano Kane contemporáneo pero sale perdiendo en la comparación, porque al guiso se le ha ido la mano con la comedia, en algunos momentos  muy cercana a la factoría Apatow, y las dosis de drama, que lo tiene y mucho, se han quedado en dosis mínimas o enterradas entre tanto desbarre.

La primera hora  es sencillamente magistral, (grande McConaghey) las dos siguiente son una montaña rusa con bajadas importantes y tramos que podían tranquilamente suprimirse.

El drama de los estafados por este  señor, Jordan Belfort, en que se basa la historia y que sigue por ahí ganando pasta, se esconde en la pantalla sobre  kilos de carne femenina en muy buen estado que seguro que hacen subir...., la taquilla.

En cualquier caso queda patente que hoy en día el dinero se hace a base de saber vender una y otra  vez el mismo humo sin producir nada tangible, en beneficio de unos pocos que cuando se dan el batacazo, siempre son  rescatados por los que cogemos el metro.

3 CORTOS DE ANIMACIÓN:

LA LUNA (EE.UU. / DISNEY PIXAR / 2011)

EL VENDEDOR DE HUMO (ESPAÑA / PRIMER FRAME / 2012)

Dividido CEREBRO (EE.UU. / Ringling College / 2013)

Simplemente disfrútenlos.





VIAJE A LA LUNA

Puntuación: s.c.
Duración: 12 m
País: Francia  / 1902
Dirección: Georges Méliés

Uno no puede imaginar lo suficiente lo que debió sentir Méliés, cuando en la mitad de su vida asistió invitado a la proyección de los hermanos Lumiére. Aquel hombre que había invertido el patrimonio heredado de la fábrica de zapatos de su padre, en el volátil mundo del teatro y del ilusionismo.

El nuevo invento, aún limitado en sus primeros pasos, habría una puerta, ya imposible de cerrar a su imaginación y a la de todos nosotros. Aplicó lo que ya sabía e inventó nuevas técnicas, creando los primeros "estudios" y se lanzó a producir un sin fin de ilusiones, está vez sobre una pantalla.

Y uno no puede menos que encariñarse con estos sabios de opereta pasado más de un siglo que inspirados en Wells y Verne se dan un garbeo por la luna en la primera película de ciencia ficción. Es imposible calificarla, es  inevitable tratarla con el respeto y la admiración que se merece, junto con tantas otras que debieron dejar pasmados a muchos espectadores, asustándoles o haciéndoles reir según fuera el tema a tratar.

"El viaje a la Luna" es un monumento perenne de lo que llegó y está por llegar cuando la técnica, el amor y la imaginación hace que los hombres sigan siendo niños y jueguen con las luces y las sombras.

EL GRANDMASTHER

Puntuación: 8
Duración: 2 h
País: Hong Kong / 2013
Dirección: Wong Kar-Wai

La extensa obra de Kar-wai, puede no acabar de cuajar en cada una de sus personales y fascinantes propuestas, pero el poder de seducción de sus imágenes, su estilización, buen gusto y artística mirada allá donde posa la cámara le hacen estar en la lista de mis directores favoritos. Por no hablar de su proverbial gusto por el color y sus montajes y fotografía exquisitos.

Me sorprendió que asumiera una película de genero. En este caso sobre las artes marciales. No le pegaba nada. Pero el zorro, con perdón, ha utilizado la presunta biografía parcial del maestro del Kung Fu Ip Man, popularmente conocido por haber tenido entre sus alumnos a Bruce Lee para contarnos una vez más otra historia peculiar de amor. De las que le gustan, mimando los rostros de los personajes y enmarcándolos en atmósferas y encuadres marca de la casa.

Eso sí, si alguien no conoce su cine y se ve atraído por las siempre espectaculares, escenas de lucha del género, Kar-Wai las dignifica elevándolas a coreografías operísticas haciéndonos disfrutar con minuciosidad de ellas hasta decir basta.

En el camino se quedan personajes, subtramas, rigor biográfico...., le da igual. Se gusta a si mismo y nos lo hace notar.  

AGOSTO

Puntuación: 8
Duración: 2 h
País: USA / 2013
Dirección: Jhon Wells

Las miserias familiares han dado siempre para mucho, desde Chejov, Prestley, pasando por Bergman, Tenesse Williams (Violet se llama también la matriarca en "De repente el último verano"), hasta Woody Allen ("Septiembre", "Interiores"). ¿ Se habrá inspirado Tracy Letts en está última?. El caso es que en los USA ha dado siempre mucho juego. El país es enorme y la concepción de lo que es una familia difiere mucho en función de credos y lugares. Otra gran familia creada por Steimbeck en "Las uvas de la ira" también en Oklahoma como esta ofrece el reverso de la moneda que aquí se nos presenta.

En medio de la nada, en un medio oeste provinciano donde imperan las grandes llanuras, alejado y equidistante de las dos costas que centran el foco mundial sobre los USA, se cuecen y recalientan en los áridos veranos y fríos inviernos, soledades y frustraciones que siempre acaban estallando. Ansias de huir hacia el horizonte que promete la libertad. Tracy Letts ha sabido plasmarlo en un texto teatral excepcional y ha sido premiado por ello. La versión española recientemente estrenada contaba en su papel principal con la gran Amparo Baró.

Ahora se ha llevado a la meca del cine con un reparto de quitar el hipo que cumplen a la perfección su cometido. Meryl Streep hace años que está por encima del bien y del mal, la Roberts se reivindica una vez más en su faceta dramática y el resto no les va a la zaga. Cada uno de ellos merecería un comentario aparte.

Sin embargo al director Jhon Wells como ya le paso con "The Company men", le viene grande y se limita salvo alguna ocasión (inborrable la secuencia de la Streep corriendo por los campos perdida en su mundo interior y perseguida por su hija) en servir con dignidad el texto olvidándose o no sabiendo introducir dos factores importantes. Uno figura en el propio título y es determinante, es la olla donde se cuecen los protagonistas: el condado de Osage. Una reserva india en Oklahoma donde el pueblo Osage se vió relegado tras invadir sus tierras los colonos después de la guerra de secesión. Falta más presencia de sus llanuras, de la tensión claustrofóbica que provoca en su gentes esos espacios sin fin que parecen inmensas prisiones sin barrotes, limitados a una agricultura siempre inestable. Y falta, otra de las palabras del título: Agosto. Ese calor sofocante del que se habla pero no se ve. Ese calor que exaspera los nervios, incomoda las conciencias y levanta pasiones. Esas manchas de sudor en la piel y el alma que a la cámara de Wells se le escapan entre las lineas del texto.

El polémico final, diferente del original teatral supongo que es una concesión del propio Letts de cara al público generalista. A parte de innecesario y que desvirtúa el potente final de la obra es otra oportunidad perdida para que el rostro y los ojos ajados de la Robert miren el extenso horizonte y no encuentren la salida.

Es una buena película con grandes interpretaciones, podría haber sido una obra maestra.   

AMOR Y GOLPES

Puntuación: 5
Duración: 1 h. 40 m.
País: Francia / China / 2011
Dirección: Lou Ye

Todo un lujo la banda sonora del compositor y pianista iraní Peyman Yazdanian para esta confuso retrato del amor en su faceta más áspera y controvertida, vamos, los efectos secundarios de esa panacea universal apadrinada por San Valentín. Lou Ye, joven director chino con problemas de exhibición en su país,  le debe todo a Peyman para que los muchos minutos en los que los personajes deambulan por un París nada romántico seguidos cámara en mano por el director con un buen montaje, sean llevaderos. Pocos diálogos entre el "bruto" y la intelectual cuyo denominador común parece ser el refugio que cada uno de ellos encuentra en el sexo, que redime todo un collage caótico de relaciones, egoísmos, maltratos, carencias, e incógnitas que Lou Ye no se molesta en descifrar. Ni tan incomoda como nos la vende la publicidad, ni tan transgresora, los actores aportan lo suyo para interiorizar aquello que no acaba de salir a la luz y que nos deja una cierta sensación de la cosa no ha cuajado como debiera.

Lauren Bacall (1924-2014)

"La flaca", a sus quince añitos trabajó de acomodadora de cine para pagarse sus estudios de interpretación. A los 17 apareció como modelo en la revista de moda Harper´s Bazaar y Howard Hawks tres años después la localizó para protagonizar junto con Bogart "Tener y no tener". A partir de ahí, la leyenda.

No solo conquistó al director y al público sino también a Bogart con quien se casó, tuvo dos hijos y le acompañó a pesar de sus diferencias, en luchas sociales y  en otro puñado de películas en los 40, para la historia, "El sueño eterno", "Cayo Largo", "La senda tenebrosa", hasta la muerte del actor en el 57.

Demostró que no era ni quería ser solo la señora jovencita de la estrella y su carrera individual en cine y teatro empezó a cosechar éxitos y premios.

A pesar de ser considerada ya una leyenda de la época dorada a sus 50 no dejó nunca de trabajar hasta el final de sus días siendo recompensada con más premios (nominación al Oscar en el 96, Premio Donostia, Oscar por su carrera) y homenajes con un total de 46 films en su curriculum.

El cine es sobre todo imagen, la cámara te tiene que querer y Lauren enamoraba con su marcados pómulos y su belleza misteriosa y perturbadora, si además como era su caso, se es buen actriz, mejor. Con ella se va uno más de los escasos testigos de una época irrepetible donde la pantalla no solo nos hacía soñar sino que marcaba nuestro comportamiento con sus clichés de ilusión. Pero no nos pongamos tristes Lauren Bacall siempre estará con nosotros, si la necesitamos lo único que tenemos que hacer es silbar.

EN SOLITARIO

Puntuación: 6
Duración: 1 h. 40 m.
País: Francia / 2013
Director: Cristophe Offenstein

 Si uno analiza las lineas maestras de esta propuesta, a saber: viaje épico y relaciones humanas entre personas y sociedades diferentes, la verdad es que se queda muy, muy cortita. Y sin embargo casi incomprensiblemente algo nos engancha durante todo su metraje y damos por bueno el precio de la entrada. Puede que sea la fascinación del mar, el resultado incierto de la carrera, la estupenda fotografía o el acierto con que el director aborda el rodaje en el siempre difícil y complicado espacio limitado y en movimiento de un barco, emulando la clase magistral que dio Polansky con "El cuchillo en el agua", allá por el 62. Pero a la postre acabo convenciéndome que es este actor francés sosias de Dustin Hoffman, de probada reputación quien consigue con escuetos gestos y miradas mantener a flote y nunca mejor dicho, toda la historia, al parecer basada en hechos reales. Su actuación limitada por movimientos mecánicos y repetitivos conjuga sutiles estratos del personaje: profesionalidad, deseo de dejar de ser el segundo de abordo, amor por su familia, y mantenerse íntegro por encima de todo cuando debe elegir entre el podio y su conciencia.

Curioso como con poquita cosa se llega a buen puerto. 

ROBIN WILLIAMS (1951-2014)

No hay nada más triste que cuando nos dice adiós un niño o un payaso. Robin siempre fue las dos cosas. Al final pudo más la tristeza que siempre oculta el clown, ayudada por las resacas de esos sucedáneos que nos hacen creer que la vida se puede soportar con otras cosas que no sean la sonrisa que él siempre nos regaló.

Le costó su primer cuarto de siglo decidir que cambiaba sus estudios de política por la actuación y como no era lo que se dice un galán aprendió a enamorarnos a base de muecas y de hacernos reír que es como de verdad se enamora uno. La televisión le abrió sus puertas en el 78 "Mork & Mindy" con notable éxito que le permitió probar fortuna en el cine donde películas mediocres no impidieron que él destacara ("Popeye").

Hasta que nos dio los buenos días en Vietnan de forma inolvidable y comenzó la leyenda de este hombre campechano que sabía tocarnos el corazón y travestirse de lo que hiciera falta para emocionarnos y tirar de la comisura de nuestros labios hacia arriba, cuando no la carcajada.

Premios (Oscar, Globos...,etc), cariño popular y una vida familiar que no le devolvía el amor que repartía en la pantalla.

Si uno busca los títulos de sus películas, inmediatamente un buen puñado de ellas las recordaremos con felicidad. Películas donde él era la estrella innegable donde orbitaban todos los demás.

"La jaula de las locas", "Sra. Doubtfire", "El Club de los poetas muertos", "El indomable Will Hunting", doblajes geniales como el del genio de "Aladín"...., etc, etc, etc,.

En los últimos tiempos, el genero de la comedia no ha estado a su altura y sus problemas personales le hicieron ocupar un segundo plano cuando no desaparecer de las tablas.

La última vez que le vi en la pantalla fue en "La mirada del amor" (Arie Posín / 2013) , junto con los grandes Anette Bening y Ed Harris. Componía un secundario magistral con muy pocos minutos y que llamaba poderosamente la atención por su sobriedad actoral, alejado de sus geniales muecas destilando una melancolía impresionante. Pensé que estaba en la brecha y reclamaba con éxito el hueco que le correspondía en el gran circo. Ahora se me antoja como un regalo de despedida de un gran payaso triste. Gracias por todo Robín.

EN LA FLOR DE LA VIDA

Puntuación: 4
Duración: 1 h. 20 m.
País: Francia / 2011
Dirección: Nick Quinn

Después de tres años de su estreno nos llega, supongo que por aquello de las cuotas de exhibición esta comedia incolora, inodora y mayormente insípida sobre un hijo de 63 años y su padre de edad indefinida pero protestón y pinturero que se redescubren a si mismos y entre ellos para aguantar con dignidad el último tramo de la vida. Dicho así es mucho más de lo que ofrece. Todo ello gracias a una nueva versión de Mary Poppins para la tercera edad que los enamora y se enamora en un triangulo poco creíble que pretende emocionarnos y divertirnos con un trabajo correcto de sus protagonistas.

En mi caso no lo ha conseguido.

PD: La imagen friki de los asistentes sociales que se da en la cinta es injusta con un colectivo indispensable y en la mayoría de los casos muy sacrificados y mal pagados.

MAD MEN (Temporada 7)

Puntuación: 8
Duración: 7 episodios de 45 m. aprox.
País: USA / 2014
Creador: Matthew Weiner / AMC

Don Draper y sus "Bob Esponja boys" (por el whisky que trasiegan sin parar), se están despidiendo en su última temporada y de momento esta primera parte del adiós de 7 capítulos sigue manteniendo el listón como para dejar la década de los 60 y entrar en los 70 con fuerza. No será así y han preferido marcharse con las copas en alto. En espera de lo que nos deparará el nuevo futuro de la agencia, hemos asistido a la extraña mezcolanza entre el Power Flower, el amor libre y la llegada de HAL (2001 se estrenó en el 68), ordenador cuyo nombre lo componían las letras inmediatamente anteriores a IBM. Nuevos tiempo y nuevos horizontes para la publicidad que sigue vendiéndonos aquello por lo que estaríamos dispuestos a pagar y acabamos descubriendo que es un sucedáneo de aquello que nos haría realmente felices y que como bien dice el númerito musical del último episodio, siempre es gratis.

EL ALAMBRE (5ª Temporada)

Puntuación: 9
Duración: 12 episodios de 58 m. aprox.
País: EE.UU. / 2006-07
Creador: David Simón / HBO

No firmaría como se ha dicho que "The Whire" fue la mejor serie de la historia de la televisión, pero en mi memoria quedará entre las cinco primeras. Todo termina y las andanzas de los políticos, policías, periodistas, marginados, educadores y hampa de Baltimore, acaban de forma brillante cerrando cinco temporadas con un nutrido reparto de personajes geniales, algunos de ellos como Omar, para el recuerdo.

Esta última sesión cierra todos los flecos y se centra principalmente en la prensa, poder importantísimo de cualquier comunidad que pone de manifiesto sus luces y sus demasiadas sombras. Al final cada personaje se encuentra a si mismo en el camino que eligió desde el principio en el laberinto, injusto, cruel y despiadado de la vida que le ha tocado vivir. Gran serie. 

EL HOMBRE DE LA CÁMARA

Puntuación: 9 
Duración: 1 h 7 m.
País: U.R.R.S / 1929
Dirección: Dziga Vertov

Deziga Vertov (Gira Peonza) fue el seudónimo del ruso-polaco 

Denís Abrámovich Káufman nacido en la Rusia zarista en 1896.

Medio músico, medio medico, medio poeta y novelista a partir de la revolución soviética del 18 empezó a trabajar como montador cinematográfico de noticieros. Seguidor de los movimientos de vanguardia como el constructivismo y el futurismo los llevó a la práctica en su obra de tono experimental cuyos postulados figuran en la creación junto con su mujer y otros creadores del movimiento Cine-Ojo, que rechazaba los convencionalismos del cine de la época. El compendio de su legado queda plasmado en esta su obra emblemática a la que se añade una visión marxista de la sociedad y del arte.

El resultado es una obra de corte documental sobre la vida en una ciudad soviética que algunos ubican como San Petesburgo, excusa a la postre para dar un recital de las posibilidades de un arte nacido apenas 34 años antes. Moderna aún hoy, debe, si no lo es, ser de visionado obligado para los profesionales del cine y de todo aquel buen amante de este arte. Cine dentro del cine, poética, propagandística, trepidante, vertiginosa, agota casi todos los recurso existentes de montaje y edición hasta la fecha en una sinfonía que pone broche de oro al final del cine mudo, deja un testimonio social y técnico imborrable y abre las puertas a un futuro, hoy incierto, donde el límite es la imaginación del creador.

Estremece pensar lo que hubiera realizado Vertov con las nuevas tecnologías.

A la postre el régimen que le permitió realizar esta obra maestra acabó condenándole en plena madurez a terminar sus días realizando noticiarios convencionales. Godard retomó su legado en la Francia del 68. 

"El hombre de la cámara" es un homenaje al cine en todo su proceso de creación desde el espectador, los autores, los operarios y aquello que se filma. Aquí esta todo para quien quiera hacer buen uso y disfrute de sus enseñanzas.

EL EUNUCO

Puntuación: 6 
Duración: 2 h
País: España / 2014
Dirección: Pep Anton Gómez

Ayer día 6 asistí en compañía de buenas gentes, a la 60 edición del Festival de Teatro Clásico de Mérida, que este año dirige con el acierto que le caracteriza en todo lo que emprende Jesús Cimarro. La obra en cuestión era "El Eunuco" del autor latino Terencio (194 ? - 150 a.c.). Bueno, eso de que era "El Eunuco" es un decir porque la libre adaptación de su director y de Jordi Sanchez acabó siendo no libre sino libérrima. Con todo y con eso es de lo que más me gustó, con un lenguaje brillantemente actualizado y un encaje de vodevil que respeta el espíritu y el aroma de lo que pretendía el teatro, fracasado en su época de Terencio, que a su vez copiaba al griego Menandro y su Comedia Nueva de corte doméstico y lo sirve en bandeja popular y comercial para hacer caja y tener contento al personal poco exigente que vio como el precio de su entrada quedaba justificado con un buen rato de risas y enredo.

El elenco, 9 personajes de los 18 de la comedia original, se lo curraron y demostraron que hacer "teatro fácil", no es tan fácil y requiere un saber en el que Anabel Alonso y Pepón Nieto se lucieron y el resto estuvo a la altura, destacando la menos conocida Maria Ordoñez que al final se lleva el gato o el eunuco al agua.

Sé que ponerle peros, al innegable éxito que supuso la obra a la que le auguro un buen recorrido comercial, es nadar contra corriente pero, la deformación profesional me obliga a ello con el debido respeto.

El collage que Pep Antón Gómez plantea en la puesta en escena no funciona como debiera y los distintos elementos, iluminación (señor Camacho, curreselo más si le dejan) , escenografía (buena idea que aporta poco, mal iluminada y mareantemente utilizada como recurso facilón y previsible que a la postre se desaprovecha y poco aporta a las escenas que defienden por si solos los actores, obligados a ejercer de maquinistas improvisados), el movimiento escénico tampoco es como para tirar cohetes, con salidas y entradas por los vomitorios, bajadas al público, estatismos y carreras...,etc. Recursos una vez más facilones para el nivel que sería deseable en espectáculos que llegan a un nivel como el de Mérida). Lo del humo en las canciones es de instituto. Canciones bien resueltas, encajadas con algo de calzador en el ritmo de la trama coreografiadas con la sonrojante simpleza de unos actores patrios profesionales que no están muy formados en las diferente disciplinas que exige este tipo de show. No hay más que ver el ridículo de las coreografías de cada edición de los Max o los Goyas.

Los arquetipos representados a través del vestuario correcto de Cornejo, personalmente tampoco me convencieron en su anárquico y desigual empaste.

Pues eso, que pasamos un rato agradable, afloraron las sonrisas y disfrutamos de la noche. ¿Se puede pedir más?: Sí, por supuesto.

EL ÚNICO SUPERVIVIENTE

Puntuación: 6 
Duración: 2 h
País: USA / 2013
Dirección: Peter Berg

Siempre he tenido respeto y admiración por aquellos hombres y mujeres que se juegan la vida para defender la nuestra. Dicho esto, y dado que la supresión de los ejércitos es desgraciadamente una utopía, todo lo que conlleva este mundo y sus particulares códigos, métodos y demás dejan una balanza donde los desequilibrios de todo tipo dejan bastante que desear. Peter Berg, no habla de nada de esto ni le interesa. Berg, basándose en la experiencia real del libro del soldado Marcus Luttrell que sobrevivió a esta misión fallida, juega  su particular paintball. Y lo hace muy bien, creando la atmósfera y la tensión inicial en la primera media hora y desarrollando una brillante dirección en las escenas de  acción de los siguientes 30 minutos.

Utiliza en este periodo con mesura la carta chauvinista y se centra en narrar con precisión un combate entre dos fuerzas opuestas en un terreno abrupto que toma su propio protagonismo. Los especialistas se lucen y se miman los detalles de armamento y equipación, algunos de ellos anacrónicos y no muy exactos, si nos ponemos puntillosos.

Los actores  se limitan a expresar con caras de dolor el marrón en el que se meten por una decisión que a mi juicio podría haberse resuelto mejor. 

Una vez que todo esto ocurre uno mira el reló y descubre que todavía  queda una hora. Todo se vuelve entonces convencional hasta el homenaje final a los auténticos protagonistas del suceso real y sus familias.

Queda en el aire porqué y quienes son los culpables en ultima instancia de que se sacrifiquen tantas vidas en los "juegos de guerra" de la humanidad.

El esforzado Wahlberg da la cara una vez más, supliendo sus limitaciones actorales a base de producirse a si mismo y brilla la camaradería sobre la sangre de los caídos.    

Conociendo LLEWIN DAVIS

Puntuación: 9 
Duración: 1 h 45 m.
País: USA / 2013
Dirección: Ethan y Joel Coen

Pocos son los elegidos que solo con su apellido y añadir su parentesco les sirve para que sean mundialmente reconocidos y valorados (Warner Brothers, Allman Brothers,...). En el mundo del cine ocupan podio por derecho propio los Coen Brothers. Ya han pasado, se dice pronto, treinta años desde que nos deslumbraran con su descarada opera prima "Sangre fácil" y desde entonces hasta hoy nos han dejado una amplia 

cosecha de buen cine.

Ahora, cercanos a la sesentena siguen en lo más alto con esta joya tragicómica en las que seguimos las andanzas de un artista al que los dioses se empeñan en no sonreír, un bocado amargo del American Pay, en un tiempo en que podías aún hacer auto stop y soñar con el amor libre y darle la vuelta a la tortilla del mundo sin que te quemara el Napalm de Vietnan.

Un estudio de personajes fantástico, una atmósfera de época acertada con una fotografía sucia y gris abrumadora, un humor ácido marca de la casa y un amor por el personaje que traspasa la pantalla con un Oscar Isaac que marca un punto de inflexión en los buenos trabajos secundarios que venia realizando.

Adoro a Carey Mulligan y a Jhon Goodman, magistrales ambos sacandole todo el jugo a sus textos y sus personajes y emotivo el repaso musical a las viejas canciones folk USA.

En algún momento de la última media hora, el ritmo decae y parece que la cosa no da más de si. Los Coen lo saben y hacen mutis por el foro recibiendo una vez más nuestro aplauso.  

JOVENCITA MAMONA. Vol. 1

Puntuación: 6 
Duración: 1 h 57 m.
País: Dinamarca / 2013
Dirección: Lars von Trier

Dado que curiosamente a servidor también le tocó, salvando las distancias, ejercer de escuchante-confesor de una ninfómana, me es más fácil empatizar con la última propuesta de uno de mis directores preferidos. Eso no quita para que durante la primera hora me aburriera soberanamente con las evidentes metáforas, y la historia de los inicios sexuales de Joe. Trier, encumbrado como autor, de momento hace lo que quiere y ahora le ha dado por filosofar sobre el sexo de forma algo errática. Así pues tiene momentos de su mejor cine y otros olvidables. El conjunto, al menos en esta primera parte  en que por motivos comerciales ha tenido que dividir su obra, es irregular y a mi juicio por debajo de sus mejores  films.

Claro que como otros  directores y autores geniales, incluso lo peor da para mucho. Es en su segunda hora donde afloran los hallazgos de dirección y saltan chispazos como la escena de una Uma Thurman genial.

El sexo más o menos explicito y la colección de fotogramas de penes son anecdóticos y solo sirven como provocación de gentes poco "viajadas", prensa generalista o el clan de los retrógrados de siempre. Lo malo es que poco aportan a la cinta. Con la segunda parte podremos hacernos una idea general de la propuesta y en que medida, volviendo al sexo, nos produce placer discontinuo, orgasmo cinéfilo o gatillazo autoral.

LA VIDA SECRETA DE WALTER MITTY

Puntuación: 4
Duración: 1 h 54 m.
País: USA / 2013
Dirección: Ben Stiller

Los dos o tres minutos que dura la única escena donde aparece Sean Penn, resumen magistralmente el espíritu del relato corto que escribió James Thurber, en el 42. La vida hay que vivirla y no imaginarla. Claro que la mayoría de la población no puede viajar al himalaya en busca de panteras fantasmas, ni recorrer el mundo como el Mitty que encarna Stiller. Pero como metáfora vale y además siempre nos quedará la National Geographic.

El caso es que todo lo demás sobra en esta segunda adaptación (la primera fue la de Danny Kaye en el 47). Stiller, no es Kaye desafortunadamente y se apoya en la nostalgia del título para hacer lo que sabe hacer y casi siempre hace, comedia pseudoromántica basada en su careto de perdedor que al final se lleva a la chica.

Y que conste que no me cae mal el tipo y valoro sus esfuerzos para salirse del patrón que él mismo ha creado.

Se nota la pasta en producción con bonitas imágenes de "Stillers por el mundo" y al final juega la baza emotiva de la carta que  todos sabíamos  marcada desde el principio: la desaparición en papel de LIFE.

Voy a ver si  reviso la versión del 47 para quitarme el regusto a mediocridad. 

ISMAEL

Puntuación: 5
Duración: 1 h 46 m.
País: España / 2013
Dirección: Marcelo Piñeyro

El director argentino Piñeyro sigue, alejado de sus mejores días ("Plata quemada"," Kamchatka"), en esta difícil profesión, aunque sea a costa de productos edulcorados, como esta bienintencionada cinta, que consigue mantenerse a flote gracias al buen hacer profesional  de sus interpretes que tienen que lidiar con diálogos imposibles perpetrados por sus tres guionistas incluido el director.

Trabajar con niños, siempre es  complicado pero hacer que el simpático chaval Larsson do amaral diga lo que dice es utilizar un calzador para meter un pie 42 en un zapato 38.

La cosa se  deja ver si uno no es diabetico. Belén Rueda demuestra afortunadamente que puede hacer mucho más que recibir sustos y Sergi López siempre es un lujo. Juan Diego Botto se llevó un Goya, quizá porque es el que menos texto tiene y puede reflejar lo que siente sin tener que recitar sentencias. Seguro que con el material inicial, Mercero, lo hubiera bordado.

AVARICIA

Puntuación: 9
Duración: 3 h 50 m.
País: USA / 1924
Dirección: Erich von Stroheim

El periodista y escritor estadounidense Frank Norris (1870-1902), publicó en 1899 su novela "McTeague", segunda de las 8 que conforman su obra. Siguiendo los pasos del francés Zola, apostó por un naturalismo descarnado en contraposición a la moral y la estética victoriana que predominaba en su época para contar la peripecia vital de este, minero paleto de buen corazón que aprende oficio de dentistas, conoce el amor, sucumbe al deseo y acaba trágicamente a  manos de los pecados inherentes al ser humano como la envida y la codicia. Su novela fue criticada y censurada en su  momento. 

Se sabe que en 1916 se realizó una primera versión cinematográfica hoy desaparecida y en el 24 Stroheim decidió, para la MGM, realizar el remake. 

Claro que tratándose del vienes Stroheim no podía ser cualquier cosa. Llegado a los USA sin un centavo en 1906 se buscó la vida como actor y "asesor" en temas militares de la vieja europa arguyendo un pasado en el ejercito inexistente. Burla, burlando consiguió que la Universal le produje su primer film, "Maridos ciegos" (1919) sobre un presupuesto de cinco mil dolares que acabaron siendo cien mil. Presagio de sus desfases presupuestarios posteriores. El éxito de la cinta y la buena acogida de la crítica le hicieron dispararse como un cohete pagado de si mismo y de su valía como artista en el nuevo séptimo arte. 

Su genialidad tuvo carta blanca con su siguiente película "Esposas frívolas" (1922) pasada tres pueblos de metraje y presupuesto. Todo esto se acabo cuando chocó con la historia. Un tal Irving Thalberg, madre de todos los productores posteriores, decidió que el arte estaba muy bien pero siempre que el culo del espectador pudiera aguantar en la butaca y sus monedas fueran las suficientes como para poder seguir haciendo más arte, aunque durase menos. Así es que con el siguiente proyecto del vienes lo puso de patitas en la calle.

Y aquí llega "Avaricia", avaricioso proyecto que Stroheim le cuela a Goldwyn y que consiste en llevar a la pantalla la novela de Norrris, con un guión con más páginas que la propia novela.

Quiso el destino que Goldwyn se asociara con la Metro y el "taimado" Thalberg apareció de nuevo. De las 9 horas iniciales, Stroheim tuvo que recortarlas a 4 y Thalberg acabó metiendo la tijera y las dejó en dos y media.

Este choque entre Stroheim y Thalberg se viene utilizando como el choque entre la libertad creadora del autor director y el mercantilismo de la industria en manos del productor insensible. Tachar a Thalberg de esto último es no saber quien es y que hizo por el cine este señor.

En cualquier caso lo que queda de todo lo que rodó Stroheim en cualquiera de sus versiones nos muestra que se lo tenía muy creído y con razón. Desde la forma de abordar el trabajo (seria muy extenso contarlo), hasta el recital de montaje, secuencias, planos y lenguaje narrativo, no todo original por supuesto, pero si compendio y avance de todo el cine posterior en decadas. Diez según Billy Willder y veinte según el propio Stroheim. Hay que quitarse el sombrero.

Lo mejor que se puede decir es que si uno puede parar la cinta para ir al baño o aguantarse lo suficiente, la película no solo es un prodigio técnico sino que interesa, conmueve, aterroriza, etc, etc, pasados 90 años.

Como documento histórico  de la vida común de su época es impagable. Fue un fracaso comercial en su momento. La cantidad de comentarios y propuestas que suscita su argumento y los personajes, da para un libro. Ármense de paciencia y las casi cuatro horas de cine mudo nos hablarán de muchas cosas, buenas y malas de nosotros mismos. 

SHERLOCK (Temporada 3)

Puntuación: 8
Duración: 3 episodios de 1 h 25 m. aprox.
País: Reino Unido / 2014
Creador Mark Gattis / Steven Moffat / BBC

Sherlock, como no podía ser menos a vuelto a sorprendernos y a desconcertarnos de la mano de sus creadores y de un Stephen Thomson que se luce con el guión  del segundo episodio. Sherlock vuelve con un montaje vertiginoso, alocado, onírico en su mayor parte e incluso mareante por momentos. El humor y las relaciones entre el inmortal  dúo marcan esta última temporada, con un último episodio más "conservador". La acogida ha sido desigual.  Personalmente y una vez superado el citado desconcierto, me ha vuelto a enganchar y la he disfrutado.

Sherlock aparece con cuentagotas y tendremos que esperar a finales del 2015, para, seguramente, volver a sorprendernos.

Cumberbatch y Freeman ya forman parte de la piel del legado de Doyle para el siglo XXI. Larga vida a sus aventuras. 

LA LEYENDA DEL SAMURAI (47 RONIN)

Puntuación: 5
Duración: 2 h
País: USA / 2013
Dirección: Carl Erik Rinsch

La verdad es que uno puede coleccionar hermosos cromos con los fotogramas  de esta película. Claro, juntarlos todos y hacer buen cine  es otra cosa, que el novato director Rinsch debe aprender rápido. 

La mezcla de historia y leyenda japonesa de los 47 ronin que se sigue recordando como muestra de honor y fidelidad a los principios samurais, sean estos discutibles o no, seguro que da para mucho más en las tres adaptaciones anteriores para el cine y televisión que este  pastiche con pretensiones épicas que provoca tanta desgana como la actuación de Keanu Reeves que lleva una década buscando acomodo en una industria que tampoco le importa mucho.

La Universal con el duo Amini y Morgan han pasado de la historia original tomando un finísimo hilo argumental para convertirlo en un espectáculo "mainstream" (para todos los públicos" que tampoco funciona. La taquilla le ha dado la espalda. La zumbona y trasnochada música del oscarizado Ilan Eskheri se esfuerza machaconamente en subrayar que la cosa es trascendente y Penny Rose saca partido al vestuario.

Afloran bostezos y pasa el tiempo (!2 horas!) 

EL MÉDICO

Puntuación: 6
Duración: 2 h 30 m.
País: Alemania / 2013
Dirección: Philipp Stöizl

Algunos críticos la comparan con las películas americanas de los años cincuenta y sesenta, cuyo único objetivo era entretener y correr aventuras en marcos épicos y legendarios y éxoticos con algún personaje histórico merodeando por la trama. Ideales para cines de barrio de sesión doble, para ir con la merienda y soñar otra realidad mejor que la que tocaba vivir. Y sí, es verdad que esta adaptación del best-seller del mismo título escrito por el estadounidense Noah Gordon cuyo origen judio tiene bastante peso  en sus obras, goza de las virtudes  de  dicho cine, pero tambien de sus defectos: nulo rigor histórico, manipulación maniquea de las partes en conflicto, personaje más bien planos y escasa credibiidad en muchas de sus escenas. Eso si al final hay beso, o casi y el bien triunfa sobre el mal.

La producción, muy cuidada, la fotografía de bellos rincones y la utilización moderada y con gusto de la infografía la hacen más llevadera de lo que se merece en su abultado metraje.

Su primera media hora promete, como el barbero que va recorriendo los caminos excelencias que nunca se olvidarán, a la postre es a este charlatán, bien interpretado por Skargard, al único que recordaremos de esta historia donde el propio Gordon no ha tenido reparos en quitar de aquí y de allá para que su novela intente vender tanto como su libro.

EL ALAMBRE (4ª Temporada)

Puntuación: 10
Duración: 12 episodios de 58 m. aprox.
País: EE.UU. / 2005-06
Creador: David Simón / HBO

Como reza el cartel, esta sesión es realmente brillante y probablemente es aquí donde The Wire se hace sobresaliente e imborrable en la memoria de las series televisivas.

El equipo paradojicamente se ha disgregado y no hay ni una sola escucha. Los problemas "domésticos" de los miembros protagonistas de lado de la ley también han desaparecido y los guionistas se centran casi exclusivamente en el problema de la educación y en la tragedia de esos miles de chavales negros que están condenados a no poder salir de las esquinas de la droga dado que el sistema público está colapsado económica y administrativamente, a parte de mal gestionado con un profesorado que oscila entre  el heroísmo personal y la rendición generalizada, mal pagado y peor considerado.

Estupendo trabajo actoral de los chavales y un prodigio de equilibrio dramático al repartir las diferentes subtramas entre todos y cada uno de los capítulos.

XVII PREMIO UPC
Novela corta de ciencia ficción.
Varios Autores / 2008
Editorial Ediciones B NOVA
377 pgs.

Periódicamente acudo a la cita de los prestigiosos premios de la Universidad Politécnica de Cataluña que edita Miquel Barceló desde 1991. Y más cuando pasados unos años encuentras estos magníficos relatos a un precio de saldo: menos de cuatro euros.

En esta edición son cuatro los relatos seleccionados y premiados y todos me han gustado en su estilo y variedad  temática.

El primero "Belcebú en llamas" es una vuelta de tuerca más al "Corazón de las tinieblas" de Conrad, con un mundo, Belcebú, experimental lleno de criaturas barrocas y experimentales que  conforman distintos tipos de sociedades de marcado carácter religioso, en los que un mercenario es encargado por los creadores de este mundo de acabar con una de las figuras claves de la herejía predominante. A destacar la atmosfera que es capaz de crear su autor el argentino Carlos Gardini.

"En defensa del Elíseo", es el segundo relato del estadounidense Brandon Sanderson. Relato de corte policial donde la diplomacia con civilizaciones extraterrestres se mezcla, con secretos tecnológicos, y un asesinato. Todo ello se le viene encima a un agente especial enviado a la estación espacial más allá de Urano.

Joan Baptista Fonollosa, barcelonés, nos  regala probablemente el mejor de los cuatro: "TRICORDIO", donde tres subtramas aparentemente independientes confluyen en una reinterpretacion ingeniosa de nuestro pasado y de nuestro futuro.

Y por último, "Recuerdos de otra vida", de el leridano Jorge Guardia. También de corte policial plantea la inquietante pregunta de ¿donde reside la esencia de lo que somos", cuando la tecnología consiga reemplazar cualquiera de nuestras partes biológicas.

En definitiva, entretenido, bien escrito e instructivo. Como toda buena ciencia ficción plantea más preguntas que lo que propone.  

UNA VIDA SENCILLA

Puntuación: 6
Duración: 1 h 56 m.
País: Hong Kong / 2011
Dirección: Ann Hui

La directora Ann Hui pensó poner fin a su carrera como cineasta reconocida y premiada en su país, con esta bienintencionada cinta sobre la responsabilidad de devolver a nuestros mayores en su tramo final de la vida todo el amor y el cuidado que ellos nos han dado. En el caso de que esto haya sido así. El sorprendente éxito más allá de sus fronteras con la Copa Volpi veneciana le han hecho replantearse su futuro y seguir adelante.

Basada en un hecho real, deja claro que desgraciadamente el comportamiento del protagonista con su criada de toda la vida no es habitual, ni siquiera con familiares directos y la mayoría de los ancianos se ven aparcados en residencias hasta su inevitable final.

Es curioso que el espacio que ocupa la anciana (de aspecto inmejorable) en la residencia, es casi de un hacinamiento que parece no llamar la atención de nadie y considerarlo normal.

El metraje excesivo camina de forma lineal y poco atractiva en la sucesión de cuidados e integración  en la familia que le dispensan a la abnegada "tata", un Andy Lau cuya evolución de su implicación con quien le ha cuidado toda la vida peca de una frialdad oriental, rara por estos lares.

Lo mejor es el ambiente de la residencia y sus integrantes, augurio triste de los que nos espera a casi todos, la interpretación de Deanie Ip y el mensaje de esperanza para que no nos olvidemos de nuestros mayores con un final que busca la complicidad del espectador.

SOBRAN LAS PALABRAS

Puntuación: 7
Duración: 1 h 32 m
País: USA / 2013
Dirección: Nicole Holofcener

Impresiona volver a encontrarse con Gandolfini sabiendo que ya no está con nosotros. Una vez más volvemos a admirarlo con  un cambio de registro al que nos tenía acostumbrados.

Para un actor hacer de "normal", de un personaje sin grandes aristas, pero que como todo el mundo porta un vida interior y sufre y ama como los demás, es lo más difícil. El, nos lo regala como despedida en una comedia inteligente, sin estridencias, divertida sin aspavientos, entre dos maduros padres que acceden a una segunda oportunidad. Julia Louis-Dreyfus, autentica protagonista está estupenda y la química entre ambos funciona. El enredo, que lo hay, es  eficiente y su directora, rezuma su experiencia  acumulada a las ordenes de Woody Allen y demuestra que conoce y le interesa la mujer media burguesa americana.

Se digiere como un plato ligero, bien cocinado y que nos deja satisfechos sin sensación de estar llenos.

ADO MUCHO SOBRE NADA

Puntuación: 5
Duración: 1 h 48 m.
País: USA / 2012
Dirección: Joss Whedom

Mi respeto por Whedom viene de mi etapa de fan de cómics como guionista destacado. Respeto que se tornó en admiración cuando consiguió plasmar, por fin, todo el espíritu de la mejor  Marvel en la impresionante "Avengers". Dicho esto y en ese mismo año, realizó con su productora independiente esta nueva transposición de la comedia de Shakespeare a la gran pantalla. El bardo ya ha demostrado sobradamente que sus textos son y serán universales y atemporales y el cine y el teatro ya lo han probado.

Esta nueva versión, unánimemente alabada por la crítica como fresca y divertida he de confesar que me ha aburrido soberanamente y dado que adoro el original y que una y otra vez viene a mi memoria la joyita de adaptación que hizo Kennet Branagh en el 93 con un reparto en estado de gracia, sobre todo Michael Keaton, pues eso, que a los 25 minutos he dicho basta.

Por lo tanto mi comentario es incompleto y parcial. No creo que el blanco y negro  aporte nada al texto ni la trama, al contrario creo que a la chispa y la mordacidad del original le van bien los colores vivos y pasionales. El ambiente "cool" donde no seria extraño ver a parecer el logo de Martini en cualquier momento crea un empaste general donde es difícil reconocer a los personajes cuyo tono medio general tiende también a unificarse en un run run monótono.

El carisma de los actores, seguramente prometedores, brilla por su ausencia en una interpretación donde las acciones se repiten en exceso y las bufonadas no encajan con la atmósfera, sin que, por lo menos a un servidor, le valga el recurso  del absurdo.

En fin, como decía el anuncio famoso de detergentes, véanla, comparen con la del 92 y decidan. 

EL ALAMBRE  (3ª Temporada)

Puntuación: 8
Duración: 12 episodios de 58 m. aprox.
País: USA / 2004
Creador: David Simón / HBO

The Wire, siguió en su tercera temporada sin bajar el listón. Si acaso lo subió en cuanto a que valientemente puso encima de la mesa del televidente la legalización de las drogas. Algo impensable en tanto en cuanto una parte de la sociedad no lo admite en sus conciencias llenas de prejuicios y el poder necesita siempre chivos expiatorios para justificar el mismo cuando no, aprovecharse o corromperse con ello.

Aún así sigue pecando, a mi juicio, de lentitud en los capítulos iniciales, algunos cambios de actitud de los personajes no muy bien justificados, repeticiones en conductas que ya sabemos (todos  beben y fracasan en sus relaciones sentimentales) y el "equipo" se mantiene en un segundo plano cuando aparecen los personajes verdaderamente interesantes que son los del otro lado de la ley.

Lo mejor sigue  siendo el tono realista empastado con una ciudad de Baltimore cuyos dirigentes políticos y policiales no salen muy bien parados.

   

MI TIERRA

Puntuación: 5
Duración: 1 h 27 m.
País: Francia / 2013
Dirección: Mohamed Hamidi

 A Mohamed Hamidi, profesor universitario metido a labores sociales, le ha salido en su debut una cosa muy blandita, un quiero y no puedo, una comedia dramática que no funciona más que ligeramente como denuncia de la situación del subdesarrollo argelino, una Argelia que sigue enquistada con amor y odio  en su pasado colonial francés.

El protagonista un francés de origen argelino toma conciencia de su país de origen familiar tanto para lo bueno como para lo malo. Al final el innecesario subrayado de la moraleja no casa bien con la decisión que en última instancia toma el personaje principal. Quiere abarcar mucho y pasa de puntillas por todo. El aspecto costumbrista tampoco llega a cuajar y su poder de narración ante la cámara aún tiene mucho camino que recorrer. Prescindible trabajo en definitiva que no molesta pero que nos remite a cintas como "Welcome" (Philippe Lioret / 2009) con mayor enjundia en todo lo que aquí se propone. 

LLUVIA DE albondigas 2

Puntuación: 6
Duración: 1 h 35 m.
País: USA / 2013
Dirección: Cody Cameron / Kris Pearn

La chavalada puede estar de enhorabuena, sobre todo los más peques y sus papis a la hora de incluir una salida al cine dentro de sus ratos de ocio. La animación sigue siendo un filón y da pingües beneficios como esta segunda parte colorista e imaginativa orientada al público antes referido.

Si bien el guión es bastante simplón y está muy alejada de las obras de arte periódicas a que nos viene mal acostumbrando Pixar y cía, se deja ver con simpatía, en un remedo de Parque Jurásico alimenticio, con un buen mensaje de respeto por la vida animal por una lado y por otro con un ojo puesto en el merchadaising. 

EL ALAMBRE (2ª Temporada)

Puntuación: 8
Duración: 12 episodios de 58 m. aprox.
País: USA / 2003
Creador: David Simón / HBO

Reconozco que la serie tiene carisma y que engancha. La diversidad de personajes es impresionante y la trama se mantiene los doce episodios (en este caso se traslada a los muelles de Baltimore)...., pero, no acaba de convencerme como para darle el sobresaliente. Es excesivamente lenta, tarda casi cinco episodios en coger el ritmo y en formar otra vez al equipo, algo que es lógicamente evidente, las subtramas personales de los personajes principales son muy repetitivas y al final siempre se las arreglan en los dos últimos episodios para que nos quedemos con la sensación de que hemos visto algo grande, cuando lo mejor han sido esos últimos episodios precisamente. La galería de "malos", con estupendas composiciones, gana con margen al equipo de los "buenos".

En fin que seguiremos "la escucha" de esta serie tan interesante como pelín sobrevalorada. Hasta la fecha.

GENTE EN SITIOS

Puntuación: 8
Duración: 1 h 17 m.
País: España / 2013
Dirección: Juan Cavestany

Cavestany, autor siempre interesante, vuelve a tirar de handycam y con lo mínimo y buena ayuda de la flor y nata del actoraje patrio, continua en la estela teatral de "Dispongo de barcos", para hablarnos de lo absurdo con el absurdo. Genero este que debe ser patrimonio nacional, desde "La Cabina", pasando por Berlanga, hasta Cuerda.

La fauna que habitamos este mundo incomprensible, sus problemas y sus traumas, lo mágico, lo cómico, lo grotesco, la poesía, los miedos, lo imprevisible..., todo asoma y rezuma con desigual  acierto, por los rincones más cotidianos, en un día a día de unos personajes que no saben de donde vienen ni a donde van, pero que desesperadamente están. Tu y yo. Nosotros y ellos. Me encantó el episodio de Coque Malla buscando en el desguace una pieza para regalársela a su amor. 

FUTBOLÍN

Puntuación: 6
Duración: 1 h 46 m.
País: Argentina / 2013
Dirección: Juan José Campanella

Lo primero es la sorpresa del cambio de registro de Campanella después de su oscarizado último trabajo "El secreto de sus ojos". ¿Por que no?. 

Esta adaptación del cuento de Roberto Fontanarrosa "Memorias de un wing derecho", cae, pretendiendo ser original, en parte lo es, en demasiados lugares comunes del boon que vive desde hace ya tiempo la animación.

Con una tecnología de primera linea su estilo gráfico parece un remix entre "Lluvia de albóndigas" y "Gru" con mezclas de videojuego. El escaso tirón del desangelado protagonista, la sobada historia y la gastada acción hacen cansino el metraje.

Tiene sus momentos y un final emotivo pero en el fondo da mucho menos de lo que prometía.

La coproducción Argentino-española ha recuperado la inversión por los  pelos y se ha llevado un Goya. Suficiente para segundas partes que esperemos pulan y mejoren el asunto. Mientras tanto alabemos el intento de competir contra las estrellas USA.

EL ALAMBRE (1ª Temporada)

Puntuación: 8
Duración: 13 episodios de 55 m. aprox.
País: USA / 2002
Creador: David Simón / HBO

The Wire (La escucha) se emitió entre el 2002 y el 2008. Ni me enteré. No solo de series vive el hombre. Últimamente no hago más que encontrarme comentarios del tipo de: "la mejor serie de la historia de la televisión". Así que me acabo de zampar la primera temporada.

La verdad es que si uno no tiene referencias la cosa tarda en enganchar y la primera impresión es que es una más de policías en la calle luchando contra el narcotrafico. Por mucho que su creador se base en experiencias reales, que la ciudad de Baltimore sea protagonista...,etc, etc. la cosa huele a ya visto y además no contiene un reparto de figuras conocidas.

Pero...., precisamente a pesar de eso y sobre todo por eso goza de una rara libertad de movimientos, de una credibilidad que te va atrapando capitulo a capitulo y de un elenco extenso con el que te identificas para bien o para mal como de la familia (televisiva se entiende).

La trama ocupa toda la temporada de forma lineal, sin capítulos sueltos y en ella asistimos a la precariedad conque se enfrentan los diferentes departamentos de homicidios y narcóticos en la ciudad de Baltimore en Maryland, las presiones políticas a las que se ven sometidos, la burocracia, luchas de poder y falta de recursos para poder ejercer su trabajo más allá de arañar la superficie sin poder profundizar en los últimos responsables.

Al final como a muchos de sus protagonistas nos vamos dando cuenta de que la cosa es mucho más seria de lo que parece y que efectivamente puede que sea una de las mejores series de tv.

ALEX Angulo (1953-2014)

Fiel a la tradición patria, Angulo mantenía viva la antorcha de los grandes actores "secundarios" españoles, aquellos sin los cuales y gracias a sus esplendidos  trabajos las ficciones tomaban cuerpo haciéndonos reír o llorar. Una curva del camino, siempre itinerante de los actores se lo ha llevado pronto, cortando una carrera ya de por si muy larga y fructífera que supongo le habrá compensado ese viaje en el que a parte de cobrar como mandan los cánones para poder vivir de su pasión, disfrutar con ella.

Más de 50 películas, teatro, televisión. Un todo terreno  que saltó al estrellato de la mano de Alex de la Iglesia (probablemente lo mejor que ha dado Alex) con el sacerdote Angel Berriatúa de "El día de la bestia" y que entró en nuestros hogares como el redactor jefe Blas de la serie de tv "Periodistas". Por citar solo los más populares.

Sin avisar a este vizcaino le han bajado el telón. Vengan ahora por parte nuestra y una vez más sus merecidos aplausos.

James Garner (1928-2014)

Cuando uno entraba en la adolescencia y la sesión doble de uno de tantos cines de barrio (en el mio en Madrid había 5), las películas te atraían aparte de por el género por la cabecera de cartel y todos nos sabíamos los nombres de los más importantes actores y actrices. Pero algunos de ellos casi siempre aparecían como secundarios. Era su carisma y su buen hacer, el que les daba un protagonismo paralelo y nos hacía también recordar sus nombres. Entre ellos estaba James Garner.

A pesar de sus cuarenta films con papeles inolvidables en muchos de ellos, fue la televisión y sus tres años como protagonista de la serie del oeste "Maverick", el que le dio la popularidad y la fama. Este personaje no le abandonaría a lo largo de su carrera volviéndolo a encarnar en una nueva serie en la que Maverick se reencarnó en un detective privado contemporáneo y en el 94 acompañó a Mel Gibson en el remake de la serie para la gran pantalla.

Garner era un tipo grande, de buena planta, bien parecido que con su carácter socarrón acababa cayéndote siempre simpático aunque no fuera el bueno de la película.

Escasamente premiado para sus méritos, siempre le recordaré como el teniente de vuelo estadounidense Robert Hendley uno de los prisioneros en la mítica "La gran evasión" de John Sturges en el 62. Allí su personaje era el que se las ingeniaba para conseguir todo aquello que fuera necesario para la fuga. Igualmente en la ficción James Scott Bumgarner nacido en Oklahoma se las arreglaba para hacernos creer en sus personajes.  

ERNEST Y CELESTINE

Puntuación: 8
Duración: 1 h 19 m.
País: Francia / 2012
Dirección: Benjamin Renner / Stéphane Aubier / Vincent Patar

Gabrielle Vincent (1928-2000) fue una escritora y dibujante belga que a partir de 1980 creó utilizando su faceta de acuarelista la serie de las aventuras del oso Ernest y la ratita Celestine, donde el arte y la ternura se dan la mano.

Entrañables y divertidos sus peripecias pasan ahora a la pantalla con una cinta aparentemente sencilla  que transmite todo el encanto de los personajes y propone recuperar las sensaciones infantiles de las que la animación actual tan preocupada hoy día por contentar tanto al público adulto como al infantil ha dejado un poco de lado.

Se agradecen las alternativa animadas al margen de Pixar y cia. Sin que unas quiten merito a las otras y como Ernest y Celestine sean capaces de convivir en armonía. 

LORE

Puntuación: 10
Duración: 1 h 48 m.
País: Alemania / Australia / 2012
Dirección: Cate Shortland

 Es incomprensible que una cinta de la calidad de la que nos ocupa haya tardado dos años en llegar a nuestras salas. La directora australiana Cate Shortland firma la que probablemente sea una de las mejores películas sobre la postguerra de la última contienda mundial.

Abordada desde el punto de vista de los hijos de los vencidos, de esa generación que tuvo que afrontar el horror de sus padres con el temor de preguntar, de saber (Lore, el nombre de la protagonista, significa saber) lo que realmente ocurrio y por qué. El viaje que Lore y sus hermanos desde la Selva Negra a casa de su abuela de 900 Km, es el viaje brutal y doloroso de la inocencia a la madurez, de la mentira a la realidad.

En el camino la firma visual poética de la dirección, cuya influencia de Terrence Malik es evidente se mezcla con el desasosiego permanente y vital de Von Trier para conformar unas señas de identidad propias que habrá que seguir en un futuro. Esperemos que no tarde tanto en llegarnos sus próximos trabajos. Fue la cinta nominada a los Oscars por Australia pero no llegó a pasar el corte. Ni falta que le hace.

Adaptación de uno de los tres relatos que componen la novela "The Dark room" de la inglesa Rachel Seiffert de origen alemán y australiano. Gran trabajo de los actores.

El relato parece que deja más claro el papel de Thomas el chico que les acompaña y les ayuda en su viaje y que porta documentación como judio liberado de un campo de concentración. Otro superviviente cuyo punto de vista daría para otro relato independiente.

Al final la elección entre acogerse a las mentiras para sobrevivir y olvidar o afrontar la verdad es una elección que muchos tuvieron que decidir y que aquellos que no nos ha tocado el horror de cerca no podemos meter en un mismo saco. Desgraciadamente la historia humana está condenada a repetirse

 

EL HOBBIT: LA DESOLACIÓN DE SMAUG

Puntuación: 10
Duración: 2 h 40 m
País: USA / 2013
Dirección: Peter Jackson

 "EN UN AGUJERO EN EL SUELO, VIVIA UN HOBBIT..." No tengo más que agradecimiento a Jackson, su equipo en todas las disciplinas y sus productores por dejar para la historia la obra de Tolkien en tan fantásticas, bellas y emotivas imagenes. Claro, para aquellos que amamos su obra. Que cada cual quitaría o pondría de aquí y de allá es inevitable, pero el conjunto es épico y grandioso. Y creo que el maestro se quedaria impresionado favorablemente. Merecia la pena esperar tres cuartos de siglo para que el cine pudiera acercarse con diginidad a su obra.

Uno puede estar saturado de trasgos, trolls, enanos, elfos y demás fauna del universo Tolkien pero al final su magia nos atrapa y el cuento infantil que se desarrolló en una decada, de 1920 a 1930, ha tomado forma y Smaug, originalmente llamado Pryftan se ha podido asomar a la pantalla con la espeluznante voz (en original) de Cumberbatch. La obra fue cambiando a medida que el texto paso de ser infantil a adecuarse al mundo de "El señor de los anillos".

Como obra de género (casi en extinción) de aventuras es impecable, con escenas de acción trepidantes, increibles en todos los sentidos propios de mundos de ficción, con una producción modélica y con un resultado en taquilla que ha triplicado su presupuesto.

El poder del cine para denunciar la realidad, para ser arte y para hacernos soñar que seguimos siendo niños no tiene porque estar reñido.

Al leerla C.S. Lewis, profetizó que "El Hobbit", llegaria a ser un clásico. Afortunadamente no se equivocó.

 

12 AÑOS DE ESCLAVITUD

Puntuación: 8
Duración: 2 h 14 m.
País: USA / 2013
Dirección: Steve McQueen

En la galeria de los horrores que conforman el curriculum de la especie humana la esclavitud forma parte destacada por derecho propio. No en vano las grandes civilizaciones se han sustentado y lo siguen haciendo sobre ella en sus diferentes formas y matices.

Steve McQueen, adapta a la pantalla la historia de uno de tantos esclavos y una de tantas civilizaciones. En este caso la de los afroamericanos en el desarrollo de los USA. Apenas 150 años, antesdeayer como aquel que dice y la cosa no ha terminado.

Solomon Northup fue un hombre libre que fue secuestrado y paso doce años de esclavitud en diferentes lugares de Lousiana. Narró su experiencia en un libro del mismo título un año despues de conseguir su libertad (y no de ganarsela como figura en la wikipedia). 

 McQueen no nos ahorra el horror mezclandolo, fiel a su estilo con una estética bella, a veces relamida, donde el paisaje del sur resplandece en una fotografía limpia y preciosista. Que a nadie le quepa duda que la realidad fue mucho peor.

Grandes actuaciones, sobre todo de secundarios (Giamatti, Dano, Nyong´o,...) y un Fassbinder que se pasa brillantemente al lado oscuro. 

Brillante y emotiva por momentos, peca como todo lo visto de McQueen hasta el momento de una cierta frialdad de una concepción excesivamente estética que no acaba de convencerme como para pasar del notable al sobresaliente.

Fue una de las ganadoras de los Oscars de este año con tres estatuillas, película, guión y actriz secundaria. 

LE FIN DE SEMANA

Puntuación: 7
Duración: 1 h 33 m.
País: Reino Unido / 2013
Dirección: Roger Micheli

 "Siempre nos quedará París". Esta podría ser la frase en la que se ha inspirado Hanif Kureishi para narrarnos con su guión este fin de semana crepuscular, en el que un matrimonio burgues, intelectual, intenta mantener a flote los restos de un naufragio matrimonial, donde el amor, herido por el tiempo se agarra a los recuerdos no siempre placenteros de una relación de treinta años. Lo que fue, lo que pudo haber sido y lo que es, se entremezclan entre las calles de un París que parece entender y dar cobijo a todos los que una vez se amaron.

La mágnifica interpretación del duo protagonista, sobre todo ella y la siempre bien recibida intervención de Godblun van dibujando un mapa complicado, enrevesado a veces, dificil de desplegar en otras, elegante, con un tempo irregular de un director como Micheli, ecléctico en su obra cuya coincidencia en edad con los personajes centrales le hace condescendiente con sus miserias, frustraciones y esperanzas.

Cada uno de ellos hace balance de las renuncias, los sacrificios y los buenos momentos compartidos y las preguntas quedan en el aire: ¿mereció la pena? ¿Aún hay tiempo para rectificar? 

EL JUEGO DE CAIN
César Mallorquí / 2008
Edit. Espasa / 264 págs.

 

En cuanto a las excelencias de Mallorquí como narrador me remito a mi articulo anterior sobre su novela "El juego de los herejes". Fue precisamente esta novela, la segunda de la entrega de la detective Carmen Hidalgo, la que me enganchó para leer el comienzo de lo que espero sea una fructifera saga.

La prosa clara y directa de Mallorquí, simpre trufada de humor le va bien a estos personajes urbanitas, muy cercanos con los cuales el autor da rienda suelta a su fertil imaginación. En este caso el mundo del futbol sirve de marco para la trama. El toque misterioso del sicario Angel me trae reminiscencias de su etapa como novelista de ciencia ficción. 

Me gustó más la segunda entrega donde los protagonistas van evolucionando. Lectura facil de novela negra que invade y conquista las eternas horas de estio hasta que la noche refresque nuestras conciencias dormidas.

JUEGO DE TRONOS (4ª Temporada)


Puntuación:9
Duración: 10 episodios de 53 m. aprox.
País: USA / 2014
Creador:  David Benioff / DB Weiss / HBO

 La serie ha ido evolucionando desde un nivel inicial notable al actual sobresaliente de esta cuarta temporada (de momento se preveen dos más) con un entramado y una riqueza de personajes espectacular.

A R.R. Martín no le tiembla el puso cuando aplica con sabia dosificación la máxima "Valar Morghulis" (Todo hombre debe morir) y personajes impagables van sucumbiendo a medida que avanza la trama para dejar el hueco a lo imprevisible y a otros que rapidamente ocuparán su lugar.

Probablemente una de las mejores series de televisión en su genero con un abundante presupuesto que de momento se ve reflejado en la calidad de su puesta en escena y el buen hacer de sus interpretes. La audiencia cada vez más fiel, estamos ya impacientes por que las puertas de ese mundo cruel y fantastico se vuelvan a abrir en la próxima primavera cuando comenzará la quinta sesión. Y ya se sabe que no hay quinto malo.

 EL ALA OESTE DE LA CASA BLANCA (7ª Temporada)

Puntuación: 9
Duración: 22 episodios de 42 m. aprox.
País: EE.UU. / 2005-06
Creador: Aaron Sorkin

 Se acabó. Siete temporadas, 164 episodios y muchas horas pegados a la pantalla con este grupo de excelentes actores que bajo la supervisión de Aaron Sorkin nos han dejado una de las mejores series de la historia de la televisión.

Lógicamente cuando la cosa se acaba la emotividad manda, pero Sorkin ha sabido contenerla sabiamente y nos ha dado las dosis justas para un final brillante y mesurado.

Hemos aprendido mucho de como funciona el sistema político norteamericano que queramos o no, todavía son los que cortan el bacalao en este mundo global. La nueva Roma donde los modernos césares y su corte viven el el Ala Oeste de la Casa Blanca.  Han pasado 8 años desde su final, si aún no la vieron, les envidio.

AL FINAL DEL ARCO IRIS
Vernor Vinge / 2006
Edit. Nova. / 2008/417 págs. 

 Antes de cualquier otra consideración. El diseño de portada que ha elegido Nova y el título que le ha puesto el autor son espantosos y poco o nada tienen que ver con la trama. Al menos la edición en inglés tiene una portada decente.

Dicho esto, el que espere de este libro acción y aventura que se olvide del tema. Vernor Vinge a sus 70 años empieza su brillante curriculum como novelista de ciencia ficción en el 2000. Con solo tres novelas desde entonces, las tres han alcanzado el máximo galardón de la ciencia ficción.

La mayor virtud de este escritor y de este libro es la capacidad que tiene de enseñarnos un futuro muy cercano y muy creible apoyado en las técnologias existentes y su previsible desarrollo y hacerlo de una manera natural, como cosa hecha.

En este caso son las posibilidades de la comunicación y las redes que crearánn una revolución, ya lo están haciendo, en lo que nada de lo que nos rodea seguirá siendo igual.

En este sentido el libro es más que interesante, pero la complejidad de lo que describe, considerado ciencia ficción "hard", requiere de un lector "puesto al día" tecnológicamente, para poder vislumbar y entender lo que nos cuenta el autor.

Todo ello sobre una trama algo farragosa y poco climática donde un endeble thriller se mezcla con los conflictos personales del personaje central, un afamado poeta, que recuperado fisica y mentalmente de su ancianidad y de alzheimer intenta encajar en este nuevo mundo donde ha perdido su capacidad para crear. No consigue Vinge que empaticemos con dicho personaje y su problematica y como ya hemos dicho todo, que no es poco, se reduce a contemplar un mundo que llegará en "dos días" y cambiará nuestra forma de vida radicalmente.

Vinge por otro lado es conocido por su teoría de la singularidad, en la que advierte que muy pronto, si no lo remediamos, las inteligencias artificiales estarán capacitadas para dar un salto hacia adelante distanciandose de los seres humanos sin que pueda haber camino de retorno.

LA JAULA DE ORO

Puntuación: 10
País: México / 2013
Duración: 1 h. 45 m.
Dirección: Diego Quemada-Díez

Opera prima del burgalés Quemada-Díez afincado en México y cuyo curriculum profesional abultado se nutre de haber trabajado a las ordenes de Iñárritu, Oliver Stone, Mierelles, Coixet, Spike Lee o Ken Loach, del que se considera deudor en cuanto a sus visión de un cine social que pueda poner de relieve mediante la ficción la crudeza de la realidad que nos rodea.

En este caso, una vuelta de tuerca más al problema de buena parte de los países suramericanos cuya población más desfavorecida ven en el camino del norte la única posibilidad de alcanzar una vida más digna y porque no sus sueños. Ese norte que a la postre a alimentado la miseria de sus pueblos en beneficio propio En el viaje estos tres adolescentes descubrirán cosas mucho más importantes que el bienestar económico: el amor, la amistad, el engaño, la crueldad, el honor...

Quemada ha seleccionado bien al trío protagonista no profesional del que es imposible no hacerles un hueco en nuestro recuerdo. Actores no profesionales, rodeados de auténticos emigrantes contratados para el film.

El director y co-guionista narra con fluidez una historia emotiva que apenas necesita palabras ni explicaciones. Durante años ha convivido y escuchado a aquellos que saben de primera mano todo lo que se narra en la cinta.

Película cruda, hermosa, sorprendente, cuyos galardones acumulados espero muevan conciencias, de quienes levantan muros, físicos o no, de los que se aprovechan de ello y de los que no entienden que los sueños no tienen barreras.

LA GRAN BELLEZA

Puntuación: 10
Duración: 2 h 20 m.
País: Italia / 2013
Dirección: Paolo Sorrentino

Sorrentino a sus 44 años ha hecho la película de su vida y no me refiero a biográfica por supuesto. Posee los suficientes valores técnicos y artísticos (brillante dirección, fotografía, montaje, actores, música...,etc.) como para justificar el sobresaliente. Pero el 10 o considerarla obra maestra depende siempre de la subjetividad de cada uno, en definitiva del poso que acabe dejando en nuestra alma en función de la vida que se haya vivido. A servidor se lo ha dejado y por eso el 10.

Como las cebollas posee muchas capas, desde el mero gozo visual, hasta la reflexión  filosófica, pasando por la caricatura y el esperpento de una parte de la sociedad constituida  en feria de vanidades, amor por su país y por Roma en particular, belleza "per se" en sus imágenes y sobre todo un paseo delicioso sin prisas y sin pausas por la vida en busca de una belleza, un por qué, un segundo que justifique el truco mágico que es la existencia, donde aparecemos y desaparecemos sin apenas dejar huella.

Es una película para revisitarla periódicamente dejándose llevar por ese nuevo Marcello/Mastroianni, que al final de su existencia comprende que la nada solo es soportable cuando nos vemos reflejados en unos ojos que nos miran con amor. 

CARRIE (2013)

Puntuación: 6
Duración: 1 h 40 m.
País: USA / 2013
Dirección: Kimberley Peirce

!Ah! Que tiempos aquellos del 76. Cuando Stephen King era el amo de los best-sellers de terror y misterio y Brian De Palma acababa de deslumbrarnos con "El fantasma del Paraiso" y se consagraba a nivel mundial con la primera versión de "Carrie". El llamado nuevo Hitchcock al final acabó repartiendo éxitos y fracasos a partes iguales.

También se consagró con 27 años una excelente actriz, Sissy Sapacek. Dar un repaso al reparto de la Carrie de aquel año es una mirada nostálgica a nombres muy reconocibles.

¿Tenia sentido un remake adaptado a la estética de hoy? Probablemente no, pero el trabajo de su directora es lo suficientemente  digno como para dejar atrás las comparaciones.

La imparable estrella Chloë Grace Moretz sale viva del personaje protagonista, mejorando según progresa la cinta, al que accede con 16 años y con un currículum de actriz juvenil envidiable. La siempre eficiente Julian Moore, compone un atormentado personaje al que los guionistas podían haber sacado más partido.

El acoso escolar es su baza más fuerte, dado a la altura que estamos hoy en efectos especiales y que muchos nos sabemos el final de la historia. 

3 BODAS DE MÁS

Puntuación: 5
Duración: 1 h 34 m.
País: España / 2013
Dirección: Javier Ruiz Caldera

Se dice y con razón que es mucho más difícil hacer reír que llorar. Reconozco que servidor es muy exigente o personal con el humor y este tipo de comedias de "garrafón", donde el chiste sexual es la base de la sonrisa o puede que la carcajada dado su éxito en taquilla, no le pone a mis neuronas en absoluto. También reconozco que a los 45 minutos empecé a pasar el vídeo y a la hora abandoné el asunto.

Inma Cuesta, excelente actriz, demuestra que también esta dotada para la comedia. Espero verla en otras mejores que esta. No es que sea mala, el problema es que no es buena, que se queda en un limbo anodino de serie de televisión estandar sugiriendo referentes cinematográficos como "Briget Jones" de los que está muy alejada.

Los secundarios cumplen con su rol y en el fondo hay que agradecerle a la producción que suba la taquilla nacional. 

Sus 7 nominaciones a los Goya era evidente que no tenían oportunidades ante "Vivir es fácil con los ojos cerrados" o "La gran familia española" donde también nos reímos, pero no tan fácilmente.  

MIS DÍAS FELICES

Puntuación: 6
Duración: 1 h 30 m.
País: Francia / 2013
Dirección: Marion Vernaux

Quien pudiera llegar a los 60 con el tipazo y las condiciones económicas de esta señora. Pero cuando vislumbramos el cartel de la meta final y los amigos empiezan a marcharse para no volver, intentamos sustituirlos por sucedáneos (clases de esto y aquello), que nunca se podrán comparar con volver a sentir pasión en la piel.

Si uno tiene la suerte o la desgracia de volver a encontrarse con esa pasión, chocará brutalmente con un montón de problemas familiares, sociales, etc y más vale tener el coco bien amueblado para salir indemne del asunto. Aunque como decía el otro, "que me quiten lo bailao".

Marion Vernaux nos habla de todo esto en un ejercicio de estilo arriesgado, provocador e interesante que a la postre funciona llevado de la mano de una mirada elegante y de buen gusto. El problema aquí no lo es tanto y sí más bien un aviso para caminantes de que no hay que perder las esperanzas para poder regalarnos o acoger algunos "días felices" tanto dentro como fuera de nuestro entorno. 

JUEGO DE TRONOS (3ª Temporada)

Puntuación: 8
Duración: 10 episodios de 53 m. aprox.
País: USA / 2013
Creador:  David Benioff / DB Weiss / HBO

No es que a uno no le gusten los culos bonitos, pero en esta temporada hay "overbooking". Supongo que para algunos será un aliciente añadido a esta estupenda serie. Personalmente creo que cortan el ritmo a la sucesión de los hechos y que en general y dado que ya ha quedado claro que sexo y violencia formaban parte, como hoy en día, de la sustancia del asunto, no son necesarios en tal medida, por gratificante que esto sea. El sexo, no la violencia claro.

Por lo demás la historia no pierde su interés, y las subtramas, con mayor o mejor acierto siguen tirando del carro, dando a elegir a cada cual su familia preferida o sus personajes favoritos. Algunos capítulos superan la media dramática aunque son los menos y nuevas piezas van ocupando las casillas de aquellos que por los azares del juego, pierden su cabeza. Se agradece que cada una de estas piezas no sea del todo ni blanca ni negra. 

JAPPELOUP: DE PADRE A HIJO

Puntuación: 5
Duración: 2 h 9 m.
País: Francia / 2013
Dirección: Christian Duguay

Este biopic sobre el jinete Pierre Duran y el caballo de salto de obstáculos que le hizo famoso, peca de una dirección muy anodina, sin brio, con una factura muy televisiva en el peor de los sentidos.

El foco de atención en este tipo de películas donde un animal tiene una importancia protagonista es aquí desplazado sobre el jinete quitándole gran parte de la empatia que el propio animal provoca sobre el espectador. Empatia que tampoco consigue Canet con la interpretación de su personaje ni el entorno que le rodea. 

Lo normal es que la emoción y la lagrima fácil surjan como recurso más elemental  en estos géneros, pero ni eso. Las dos horas son bastante planas y lineales con el problema añadido de que ya sabemos como acaba el asunto.

Probablemente  el chauvinismo francés hizo que fuera un gran éxito de taquilla en su propio país.

JUEGO DE TRONOS (2ª Temporada)

Puntuación: 7
Duración: 10 episodios de 53 m. aprox.
País: USA / 2012
Creador:  David Benioff / DB Weiss / HBO

  

Superado el factor sorpresa que supuso la calidad de la adaptación de la primera novela "Juego de tronos" perteneciente a la saga de "Canción de hielo y fuego" de George R. R. Martin, esta segunda entrega correspondiente a la novela "Choque de reyes" se me ha hecho un poquito "pesada" con tanto ir y venir de un reino a otro en una guerra civil en el fondo más convencional de lo que parece.

Los esplendidos personajes tienen que repartirse más el protagonismo y afloran algunos clichés repetitivos de sexo y crueldad más propios de una novela de Peter Berling, autor que no es santo de mi devoción. Quizá por ello los premios que cosechó ese año se decantarón más por el gran trabajo de ambientación, vestuario, efectos, etc. que las interpretaciones de una trama que aún tuvo fuerzas para compartir el premio a mejor serie dramática junto con "Breaking Bad".

La incursión del aspecto de la magia que sabiamente dosifica el autor promete entretenimiento y fantasía, aunque las hordas de zombies helados con que termina esta sesión espero que no nos lleven a un Walking dead 2.

Personalmente me sigo quedando con el personaje y la actuación de Peter Dinclage ese enano pragmático y cínico que intenta sobrevivir a base de ser más inteligente que los demás, riéndose de si mismo y aceptando sus miserias con la mayor dignidad posible.  

THE WALKING DEAD (4ª Temporada)

Puntuación: 7
Duración: 15 episodios de 43 m. aprox.
País: EE.UU. / 2013-14
Creador: Frank Darabont / AMC

La tercera sesión nos dejó un prometedor final que no empieza a tomar cuerpo en esta cuarta entrega hasta el sexto episodio. A partir de ese momento algunos de los capítulos están llevados a un límite trágico realmente tenso con algunas situaciones donde los dilemas morales alcanzan gran relevancia y la serie gana muchos enteros.

Algunos planteamientos dejan en el aire un cierto maniqueísmo que parece sugerir una solución a favor de la violencia y el pesimismo generalizado. Estaría bien que en este tipo de series de gran respuesta popular tuviera cabida algo más de fe en alternativas más positivas. 

Por otro lado y como no podía ser de otra manera se produce un cambio argumental donde las historias se diversifican para concluir en otro final abierto, que en base a la fidelidad de la audiencia nos traerá una quinta entrega.

Personajes nuevos y la ración gore habitual.

EL ALA OESTE DE LA CASA BLANCA (6ª Temporada)

Puntuación: 9
Duración: 22 episodios de 42 m. aprox.
País: EE.UU. / 2004-05
Creador: Aaron Sorkin

Es increible que después de cinco temporadas Aaron Sorkin y su equipo de guionistas sean capaces de reinventarse y marcarse una sexta temporada fantástica, que si bien perdió apoyo popular en beneficio de otras series que venian presionando se gano a pulso renovar por una temporada más, aunque esta fuera la última.

El truco ha sido que a mitad de la serie el argumento se ha centrado en la lucha por las nuevas candidaturas, para las próximas elecciones dado que la administración Bartlet entra en su último año.

La incorporación de Alan Alda como aspirante republicano y Jimmy Smits como el democrata trasunto de ficción de Obama, han sido un acierto. La acción ha salido de los pasillos de la sala oeste, sin olvidar momentos muy emotivos marca Sorkin y el buen hacer del elenco habitual.

La verdad es que pasados 9 años la he disfrutado mucho.

CABIRIA

Puntuación: 7
Duración: 2 h 6 m.
País: Italia / 1914
Dirección: John Pastrone

Aunque el poder de Hollywood y de la industria cinematográfica USA nos pueda inducir a pensar que  el cine tal y como lo conocemos es invención suya, evidentemente  no es así y padres  del cine como Griffit, tuvieron otros padres y abuelos que influyeron en su obra en un tiempo donde la primera guerra mundial cercenó a los grandes estudios europeos beneficiándose de ello al otro lado del atlántico norte.

A los pioneros del cine italiano les dio por la cosa histórica y crearon el género colosal o peplum que no es otra cosa que aventuras con fondo histórico greco-latino. Y una vez visto que aquello funcionaba los estudios Italia films se gastaron un millón doscientas mil liras, al cambio 210.000 dólares USA en esta, una de las primeras superproducciones fieles a la corriente "Film dárt" nacida en Francia y que queria demostrar a las clases más altas que el cine podía ser arte y no solo "entretenimiento popular".

La premisa pues era basarse en obras  reconocidas de la literatura y Cabiria bebió de diversas fuentes en este sentido, reforzando el asunto con la incorporación al guión del famoso escritor Gabrielle D´Anunncio al que se utilizó como mascaron de proa del proyecto y cuya colaboración a la postre fue poco más que marketing.

El que cortaba el bacalao en segundo plano era el director y productor Pastrani secundado por un segundo al mando de las birguerias técnicas, el español hoy prácticamente olvidado, Segundo de Chomón, turolense  para más  señas y que no tenia nada que envidiar al propio Melies en esto de los efectos especiales.
Nos situamos en la Segunda Guerra Púnica entre Roma y Cartago. Cabiaria niña de una familia patricia romana, personaje excusa que apenas tiene protagonismo, es raptada de niña cuando huyen de la enésima explosión del Etna.

Y aquí comienza la aventura de su rescate por otro noble romano cuyo criado es Maciste, ese  forzudo representado aquí por un estibador genovés, que haría carrera como personaje recurrente en infinidad de peplums a lo largo de la historia del cine. Entre col y col, batallas y personajes históricos, destacando a Sofonisba, hija de Asdrubal que fue pasando de mano en mano hasta que se cansó de ello y se suicidó. Aquí representada por la diva teatral Italia Almirante que se consagró en el cine con este papel y su actuación a lo Sarah Bernard.
El caso es que Pastrani se tomó muy en serio la producción artística y las escenografías, el vestuario, la luz, los efectos, los exteriores y vamos casi todo va de lujo (de la época claro) y asombró a propios y foráneos, sobre todo a Griffit que tomo buena nota.
Según las fuentes dicen que duraba cuatro, tres, dos horas y media...., la que ha visto servidor apenas pasa de las dos horas, con un ritmo repleto de tropezones de intertitulos larguitos y a la postre narrando una de aventuras normalita que era lo que menos le importaba a Pastrani. 

 FUE un gran éxito, digno de ver, ofrecen innovaciones técnicas, ya que "Carello" viajar incipiente  alcalde que dio impulso a la acción, mejorada paisaje y sirvió a acercar ya Italia que comenzaba su carrera en el cebador do le Guerra Mundial vino Muy bien al mundo para recordar que una vez llevaban todos los caminos a Roma.

ENIGMAS Y SECRETOS DE HOLLYWOOD
Justino Balboa
Edit. Alba libros s.l. / 2014
190 pgs.

Encontrar la portada de este libro o cualquier referencia sobre su autor, Justino Balboa, me ha sido imposible, a parte de corroborar que tiene otros libros publicados también en la linea de: "Los secretos de....., los misterios de......., las anécdotas de....". Todos ellos publicados en la editorial Alba donde también figura Gregorio Doval, otro misterioso "autor" que también firma libros de igual temática.

En cualquier caso son libros de bajo precio, 10 € que van directamente a los kioscos de prensa. Eso no quiere decir que su edición no sea aceptable y su contenido interesante.

Básicamente es una recopilación ordenada cronológicamente de datos copiados de diferentes fuentes sin mucho rigor a la hora de editarlas. Se repiten en muchas ocasiones datos prácticamente iguales que ya se han comentado en párrafos anteriores dentro del mismo tema.

Asi pues parece que sus enigmáticos autores se limitan a cortar y pegar artículos publicados o republicados en otros lares.

Con todo y con eso vale la pena dado el precio y la edición, como recopilación bastante exhaustiva de los trapos sucios y las leyendas que el mitificado Hollywood ha ido acumulando a lo largo de su historia.

Aquellos que en la pantalla  encarnaron ideales y prototipos de conducta no dejaban de ser y son bajo su oropel seres humanos con sus miserias como todo hijo de vecino. En una época donde los grandes estudios ocultaban si no falseaban la vida privada  de dichos personajes y donde los rumores y las leyendas servían para  vender más y mejor el producto.

Muchas de los artículos, son de sobra conocidos por el aficionado cinematográfico pero es una buena oportunidad para tenerlos recopilados o que aquellos que no estén muy duchos se acerquen a un mundo donde los grandes sueños eran a menudo en realidad grandes pesadillas. 

JUEGO DE TRONOS (1ª Temporada)

Puntuación: 9
Duración: 10 episodios de 55 m. aprox.
País: USA / 2011
Creador: David Benioff / DB Weiss

Si todavía queda alguien que vaya tan retrasado como yo y no haya visto esta serie, está de enhorabuena porque tiene por delante cuatro temporadas que a tenor de lo visto en la primera prometen muchas horas de entretenimiento de calidad. HBO sigue a la cabeza con esta adaptación fiel a la saga de libros de George R. R. Martin, "Cancion de hielo y fuego" de 1996.

Martin ya era un afamado escritor de ciencia ficción, fantasía y terror en los70 y tras un discreto paso por Hollywood parió esta saga de fantasía medieval de gran éxito por la que ha apostado HBO con un alto presupuesto.

En ella se dilucidan las luchas dinásticas de varias casas o familias en un entorno de reminiscencias tolkianas, pero dosificando con mesura su lado mágico y apostando más por la tradición medieval europea donde Shekaspeare estaría a sus anchas.

Un buen y nutrido plantel de actores, directores sobradamente curtidos y eficientes y guiones fieles al original con la supervisión del autor para enredarnos en una maraña de intrigas de las que te tienen pegado a la pantalla para no perderte ni una coma o no sabrás quien es el hijo bastardo de quien o a que familia pertenece este o aquel personaje.

La televisión de calidad ha demostrado que es el mejor formato para la adaptación de obras literarias que no pueden tener el desarrollo que se merecen en el metraje de la gran pantalla.

ASALTO Y ROBO A TREN ONU. (EL ROBO DE TREN GRAN).

Puntuación: 9
Duración: 10 m. 25 sg.
País: USA / 1903
Dirección: Edwin S. Porter

En poco más de diez minutos y 8 secuencias Porter director de los estudios de películas de Edison, demostró que los USA podían competir en este nuevo arte  sin tener que pagar derechos a los franceses de Mélies y copiandoles sus técnicas parieron la primera película con un argumento dinámico y una coherencia visual asombrosa dado que han pasado 111 años. 

Cómo no, tenía que ser un western, el primero de los infinitos que vendrían después. La variedad de tomas y el realismo  de las mismas debieron impactar en el público de la época aunque ahora nos parezcan simplonas. Casi documental, sin protagonistas y con una manejo de los escasos efectos existentes en esa época de forma acertada sin excesivas teatralizaciones. Planos generales, variedad de escenarios y puntos de vista, y un actor "Bronco Billy" que le cogió el gustillo a esto del cine y del western y se convirtió en una de las primeras estrellas, con 400 cortos fundando la productora Essanay donde un tal Chaplin hizo catorce películas.

El tren que puso en marcha Porter en 1903 puede que esté en horas bajas pero sigue humeando. 

AMANECER

Puntuación: 9
Duración: 1 h 34 m.
País: USA / 1927
Dirección: F.W. Murnau

Uno no tiene más remedio que quedarse alelado y con la boca abierta ante la modernidad  de esta película, que se adelante  en décadas al cine que vendría después con un Murnau tocado por los dioses  de la dirección si no es que es uno de ellos. Casi toda su carrera la desarrolló en Alemania pero cuatro antes de darse un galletón automovilístico que acabo con su vida en Santa Monica, hizo cuatro películas en los USA y en la primera de ellas en 1927, esta de la que hablamos, Fox le dio lo que quiso y Murnau lo aprovechó dejándonos esta obra maestra, que nace de un guión mediocre y melodramático pero que en manos de una dirección brillante la convirtieron en una joya irrepetible.

A ver, porque no se ni por donde empezar. Son como tres películas en una. Vamos como Dios y la Santisima Trinidad, tres cosas distintas pero indisolubles.  Al principio nos da un recital expresionista lleno de lirismo, angustia e intriga, con unos movimientos de cámara de esos que llevan el sello de: "no me lo puedo creer" en el 27.

Después se marca una comedia realista, que es como un jarro de agua fría cuando estamos sudando. De un triller pasamos a "los paletos se van a la ciudad", y de estar acojonados a reírnos con algunas de las situaciones. La utilización de los espacios, la ciudad, la barberia, el estudio fotografico es impresionante. A mi juicio y con la perspectiva actual le sobran algunos minutos a algunas escenas de esta parte central. Eso y el tono general moralizante hacen que le ponga un 9 en vez del 12 que se merece.

Pero es que el maestro aún nos guarda una tercera parte a la que nos lleva como borreguitos hipnotizados para volver a meternos en otro ambiente donde la tragedia aflora para que se nos vuelva a encoger el alma pillándonos desprevenidos. El tratamiento de los efectos especiales al servicio de la psicología de los personajes, sobre todo de las transparencias inventadas por Fritz Lang tardarán muchos años en volverse a utilizar con tanto acierto. Y por si fuera poco los actores estan convincentes y la fotografía..., Charles Rosher y Karl Struss se llevaron un Oscar por ella en la primera edición de los mismos. Se merecían tres por lo menos.

La película se llevó otros dos a la mejor actriz para Janet Gaynor, aunque en aquella ocasión no se lo dieron solo por esta cinta sino por su labor en otras dos más y Mornau recogió el de mejor contribución artística.

El mejor premio e inigualable es que pasados 87 años nos siga dejando alelados y con la boca abierta una de las últimas películas mudas a la que le sobran las palabras.

Easy Street

Puntuación: 8
Duración: 24 m.
País: USA / 1917
Dirección: Charles Chaplin

Hace un siglo las películas de dos rollos apenas se rodaban en tres semanas. Esta tuvo seis. Y es que la dirigía para la Mutual un joven ingles proveniente del voudeville de 28 años que se había ganado el favor del publico apenas cuatro años atrás y cuya popularidad le llevaba a ganar en ese año de 1917 unos 8.300 dólares al mes en esta su tercera compañía que no tardaría en abandonar por la First Nacional.

El personaje de Charlot ya había sido creado y  acompañado de su pareja sentimental del momento Edna Purviance y su amigo Eric Campell, fallecido en ese mismo año, rodó esta pieza de 24 minutos que funciona como un relój bien engrasado y donde el vagabundo se convierte en policía para poner orden en una calle problemática llena de delincuencia.

El resultado es una delicia fresca y divertida donde Chaplin se tomó su tiempo para madurar como director y pulir el ritmo y las intenciones de sus gags. Director, guionista, montador y actor, el genio, ejercía de tal.

CIVILIZATIÓN

Puntuación: 6
Duración: 1 h 26 m.
País: USA / 1916
Dirección: Tomas H. Ince / Reginald Barker / Raymond B. West

Este rollo macabeo de proporciones bíblicas y nunca mejor dicho hay que, lógicamente contextualizarlo en el momento de su estreno hace ya casi cien años.

El contenido es una alegoría alegato propagandística a favor de la paz recurriendo a todos los tópicos emotivos al efecto y utilizando a Cristo-Dios, que aunque está en todas partes, no había salido  aún en pantalla,   emulando al fantasma (visualmente hablando) de Cuento de Navidad de Dickens, para enseñarle al insensible monarca de un país imaginario los desastres que conlleva cualquier conflicto armado y decrete la paz entre los hombres de buena voluntad. Sin personajes protagonistas  excepto el comandante del submarino en el que se traspone Jesús para predicar su mensaje. La cosa hoy día es para sonrojarse del guión que se le "reveló" a C. Gardner Sullivan el primer domingo de pascua de 1915.

Es comprensible que con la matanza que se estaba llevando a cabo en Europa, el hombre de a pie se las viera venir y acogiera esta cinta con agrado, amén de sus esplendidas escenas de batallas en todos los ámbitos, compitiendo con "El nacimiento de una nación" de Griffit. Su narrativa equilibrada, a la vez pausada en sus escenas y ágil en su desarrollo, también ayudó lo suyo.

Al presidente Woodrod Wilson, le vino de perlas como propaganda para su reelección ya que su lema era "el hombre que nos sacó de la guerra" e inmediatamente después de ser elegido dejar de distribuir la cinta y meter a los USA de lleno en el conflicto. Supongo que la cosa fue bien pues repitieron en la segunda guerra para beneficio de sus empresas y colateralmente del mundo libre, democrático, capitalista, etc, etc. No sé que opinarán  los millones de muertos al respecto, pero volviendo al tema, la cosa es que "Civilitazión" fue todo un éxito gracias básicamente a su productor ejecutivo padre de dicha profesión que sentó la bases de como hay que rodar las películas para que todo  funcione como Dios manda y el presupuesto de 1.000.000 de dólares de sus réditos.

La contribución a la industria cinematográfica de Ince está más clara que  el agua clara, otra cosa son los guiones de sus películas y su propia muerte que dio para un thriller que a él mismo le hubiera encantado producir.  

Justified (Temporada 5)

Puntuación: 8
Duración: 13 episodios de 45 m. aprox.
País: USA / 2014
Creador: Grahan Yost

La noticia buena: habrá un sexta temporada. La mala: sera la última. Cuando eso ocurra y sin dudar de que será otra buena temporada como las cinco anteriores, vamos a echar de menos todo este microcosmos de Kentucky en el condado de Harlam, donde en cada episodio alguien se apuesta su miserable vida en un juego sin fin para salir con el mayor trozo de carroña que pueda coger.

Raylan Gives sabe de ello. También proviene del fango. No juzga ni prejuzga, solo intenta imponer algo de cordura dando un sentido a su vida y a la de los demás, combatiendo el fuego con el fuego.

Si Justified admite descripciones más o menos poéticas es porque no es como pueda parecer un western de acción. Es un western contemporáneo donde el espíritu de Elmore Leonard sigue vigente. Los guionistas siguen acertando en las enrevesadas tramas con gotas de humor ácido, brillantes diálogos y, una vez más, acierto con los secundarios que se van incorporando. Por otro lado Timothy Olyphant sigue siendo tan inteligente como para repartir el protagonismo.

Una gran serie tapada, que forma parte de mis favoritas.    

EL CONSEJERO

Puntuación: 6
Duración: 1 h 53 m.
País: USA / 2013
Dirección: Riddley Scott

Casi cuarenta años después Corman Mc Carthy le da por escribir otro guión original para la pantalla. El primero fue en el 77 "El hijo del jardinero" para televisión. 

La cosa es interesante pero el espectador necesitaría de otro consejero para entender la filosofía existencial que el reputado autor de 80 años deja caer en los personajes a ritmo de thriller. Estos narcos que aparecen y los personajes que los acompañan parece difícil creer que la filosofía sea su prioridad cuando hablan de "sus cosas". Hay buenos actores que lo hacen bien con dúos verbales en los que se lucen, hay una buena factura de Ridley Scott, que parece no haberse atrevido a enmendarle la plana al premio pulitzer marcándole las diferencias entre un guión y una novela y hay mucho Mc Carthy del de siempre, duro con los personajes, violento, sin concesiones con la codicia y nunca mejor dicho, del género humano.

  

THE WALKING DEAD (3ª Temporada)

Puntuación: 7
Duración: 16 episodios de 43 m. aprox.
País: EE.UU. / 2012-13
Creador: Frank Darabont / AMC

Los caminantes no paran y siguen su ruta ascendente. El cómic original todavía guardaba nuevos personajes  en la manga que a la postre y tras una sabia elección para elegir a los actores que la encarnan ha subido la calidad del asunto notablemente a pesar de que la audiencia ya estaba entregada. Pocos como David Morrissey, actor "shekasperiano" para interpretar a personajes atormentados interiormente, véanle, en la serie "Nuestro amigo común" de la BBC sobre la obra de Dickens. Su encarnación del "Gobernador" es el autentico eje central sobre el que basculan los guiones, repartiendo a los demás interpretes una función más coral. Hay acción, intriga, y por supuesto la dosis habitual de escabechina zombie.

En esta sesión el grupo se asienta en una prisión. Esta junto con el pueblo de Woodbury ponen el marco a 16 episodios muy equilibrados. Algunos de los personajes protagonistas y secundarios caerán en el camino. Es el precio para que los walking sigan adelante.  

DIAMANTES NEGROS

Puntuación: 7
Duración: 1 h 40 m.
País: España / 2013
Dirección: Miguel Alcantud

Alcantud y D´Ursi, director y actor y productor el segundo se la juegan en proyectos como este. Es la otra cara del cine, esa que está alejada años luz de las estrellas de Hollywood y que juega en un sistema patrio de regional y no preferente.

Cine social sobre la problemática de los chavales africanos (20.000 en Europa) que son engañados, ellos y sus familias con promesas de contratos futbolísticos por estafadores  sin escrúpulos que los mal venden en el mejor de los casos o los dejan tirados en la mayoría de ellos, sin posibilidad de regresar  a su país por carecer de medios o por no asumir el fracaso ante su entorno.

Cine que verán muy pocos, recaudará menos en taquilla y engrosará la lista  de ese cine español de "baja calidad", del que abominan aquellos que no lo ven.

Alcantud dirige con la fluidez necesaria para que el tono documental se mezcle adecuadamente con la ficción, los actores encajan en sus roles y sus imperfecciones, que las tiene, pasan  inadvertidas, ante una narración bien construida que mantiene el interés sobre lo que estamos viendo.

En la versión que yo vi no se traducen los diálogos en francés ni  supongo que en bambara lengua mayoritaria de Mali y aunque ello no impide el seguimiento de la trama si resta perfil a los personajes.

Esperemos que hasta donde pueda llegar esta cinta sirva para remover conciencias.  

DE TAL PADRE TAL HIJO

Puntuación: 6
Duración: 2 h.
País: Japón / 2013
Dirección: Hirozaku Kore-eda

Cada nueva entrega de Kore-eda puede ser una obra maestra. No es el caso de esta última a pesar del premio del jurado de Cannes y del publico de San Sebastian. El tema es tan espinoso (dos niños son intercambiados entre dos familias de distinta clase social, enterándose estos, pasados 6 años) como a la postre de lógica y sentido común la solución: sumar en vez  de dividir.

La mirada Zen despojada de emotividad adicional y todo artificio con la que filma Kore-eda acaba por jugar en contra según pasan los minutos. Otro inconveniente como apunta Jordi Costa es que se centra demasiado en uno de los padres y su trauma personal y deja a la otra familia en un estado pasivo y acomodaticio impropio del drama del que se nos está hablando.

La reflexión sobre  la paternidad esta garantizada pero los detalles con que este maestro da sus pinceladas, esta vez no han traspasado el lienzo de la pantalla. 

X-MEN. DÍAS DEL FUTURO PASADO.

Puntuación: 9
Duración: 2 h 10 m.
País: USA / 2014
Dirección: Bryan Singer

en

A mi juicio la mejor de toda la franquicia. Singer que la consolidó con las dos primeras entregas a acabado de rebote haciéndose cargo de  esta quinta para volver a poner a los x-men en lo más alto sin tener que recurrir a volver a empezar como sucede con otros héroes de la casa Marvel.

Siempre aposté por que se recurriera a arcos argumentales de los propios cómics, que los hay muy buenos como este del año 81 de Chris Claremont para que la cosa no fuese  solo presentar personajes atropelladamente en batallas para la galería. Esperemos que marque tendencia.

Al final con las adaptaciones y variables necesarias que impone la puesta al día (diseño de los Centinelas) y las exigencias del reparto (interesa más comercialmente que sea Lobezno-Jackman quien regresa  al pasado que no Kitty-Page. Siendo la Page mejor actriz que Jackman actor.)

La incorporación del "villano" Peter Dinklage ha sido todo un acierto al igual que la aparición de "Mercurio" o "Quicksilver" como prefieran y en general es el alto nivel interpretativo de los actores principales (mención especial para McAvoy) el que eleva el listón a un circo visual muy bien montado, con un tono adulto sin olvidar guiños con humor, diseño de producción ejemplar y  un argumento que aún siendo previsible  te mantiene pegado  a la butaca sin mirar  el reló.

Como friki sigue sin convencerme el  tratamiento del personaje de "Bestia" ni el actor que lo encarna.

X-Men son la alternativa a Avengers y la lucha no ha hecho, dada la taquilla, más que empezar. Larga vida.

THE AMAZING SPIDERMAN 2: EL PODER DE ELECTRO.

Puntuación: 7
Duración: 2 h 22 m.
País: USA / 2014
Dirección: Mark Webb

Segunda entrega de Webb en este nuevo lanzamiento del hombre araña. La verdad es que a pesar de que  Andrew Garfield se ha hecho con el personaje la cosa no acaba  de cuajar en general. A la postre lo mejor que le funciona al director es la historia de amor entre Peter y Gwen (Enma Stone ayuda mucho) y lo demás se diluye en demasiadas subtramas que según van pasando los minutos se centran en las consabidas batallas y arrinconan a los personajes desaprovechando a actores de la talla de Fox. En el último tramo ya ni se preocupan de la lógica más elemental. (Harry descubre el equipamiento del duende verde e inmediatamente domina el aerodeslizador y los gadgets).

Personalmente me cansa la moda de hacer pasar a todos los supervillanos por un revestimento tecnológico y uniformarlos en la medida de lo posible con el mono negro de batalla que da mejor en cámara. No pido licra de colores pero algo más de imaginación...

Los efectos digitales van funcionando mejor y aunque miré la hora en varias ocasiones un tebeo de superhéroes siempre mola.

METRÓPOLIS

Puntuación: 8
Duración: 2 h 30 m.
País: Alemania / 1927
Dirección: Fritz Lang

Lang en el 27 ya estaba embalao. Despues de "Dr. Mabuse der Spieler" (1922) y "Die Nibelungen" (1924). El público y la critica les fueron favorables, a él y a su guionista y esposa Thea von Harbou.  Sus metrajes eternos le animaron con las 3 hora y 30 minutos del estreno original de "Metrópolis". En la actualidad y gracias a unas recuperaciones actuales la cosa se ha quedado en una horita menos. Lo que falta se recortó para su venta exterior y acabó por perderse.

Paradojicamente aquí el público le fué infiel y a la UFA no le debieron salir las cuentas con los, entre 2 y 7 millones de marcos, según las fuentes, que costó la cosa.

El guión era un batiburrillo donde se mezclaba de todo un poco, distopia social, religión, ocultismo,  melodrama amoroso, ciencia ficción,...,etc y que bebía tanto de fuentes literarias como H.G. Wells o Julio Verne, como cinematográficas anteriores, "Los cuatro jinetes del Apocalipsis" o "El jorobado de Notre Dame" (más que evidente en el tramo final de la cinta), amén de las nuevas ideas sociales nacional socialistas a las que era afín  la señora Harbou.

Parece ser y a la vista queda que a Lang poco le importaba todo esto y se soltó la melena con un derroche de dirección donde dio rienda suelta al expresionismo arquitectónico que llevaba dentro (se inspiró en su viaje a Manhattan) y a una gama de recursos técnicos apabullantes al servicio de una superproducción donde la forma importaba más que el fondo.

El resultado es una galería de imágenes memorables con un gran trabajo fotográfico que justifican por si solas el lugar que ocupa en la historia del cine esta película a la que H.G. Well  llamó: "la película más tonta", palabras que suscribió el propio Lang y que tan influyente ha sido en el cine posterior.

   

A tenor de su estilo grandilocuente, el partido nazi le hizo una oferta que no podía rechazar y que automáticamente rechazó exilándose, primero a Francia y luego a los USA dejando a la Harbou, donde contribuyó a la grandeza del cine negro para terminar volviendo a una Alemania ya dividida reencontrándose con el Dr. Mabuse y sus crímenes, su última película.

Murió en Los Angeles en el 76 encumbrado por una "nueva ola" de directores franceses que venían empujando fuerte. Ahí sigue aupado en el pedestal de su película más recordada. 

BIENVENIDOS AL FIN DEL MUNDO.

Puntuación: 7
Duración: 1 h 49 m.
País: Reino Unido / 2013
Dirección: Edgar Wright

Me lo pasé en grande con "Scott Pilgrim contra el mundo" (2010), un original y fresco divertimento sobre el universo de los videojuegos. Fue un acertado paréntesis en la filmografía de Wright para volverse a reunir con sus amigotes Pegg y Frost y poner fin a la trilogía que comenzó con "Zombies party" (2004) y "Arma fatal" (2007). El broche ha merecido la pena y durante la primera hora Wright y Pegg, se han puesto las pilas con una comedia no tan gamberra como parece, con un punto de originalidad y nostalgia nada desdeñable y sobre todo con unos diálogos y una verborrea verbal endiablada en estado de gracia al servicio de un grupo de amigos que se reencuentran con su pasado capitaneados por Pegg como Gary King, personaje para el recuerdo, bebedor, fracasado y libre por encima de todo, incluso de el mismo.

Le sobran 15 minutos de metraje donde la cosa se deja ir pero ya es tarde para que nos desenganchemos. Y es que los humanos no tenemos solución.

EL JUEGO DE LOS HEREJES
César Mallorquí 
Editar. Espasa Narrativa / 2010
507 pgs.

Andaba uno buscando esa novela bien narrada al margen de la historia de la literatura universal, que hace que te enganches menos de una semana y disfrutes del invierno o el verano refugiado o solazandote entre unas páginas preñadas de personajes entrañables, para incorporarlos a tu familia narrativa. 
Y mira por donde me encontré con César Mallorquí un viejo y querido amigo literario con el que había disfrutado un par de novelas suyas estupendas y premiadas por la UPC en el campo de la ciencia ficción.
No lo dude y me dispuse a ver que era de su vida en esta nueva faceta, iniciada con un título anterior "El juego de Caín", que ya estoy tardando en buscar.
Mallorquí narra muy bien, construye personajes firmes, inquietantes, divertidos..., y aunque está en la linea de esos  autores que parece que escriben con cultura más cinematográfica que literaria y en esta nueva etapa revolotea en torno a misterios bíblicos que huelen a sobados, lo hace muy bien marcando la diferencia en un género muy explotado.
La trama algo rocambolesca es lo de menos, lo importante son la galería de personajes que se ven atrapados en la historia. Personajes que a la postre no te gustaría perderlos de vista. 
Mallorquí tiene 21 novelas, muchos premios y su padre creó el personaje de "El Coyote". Como dato. 

CUENTOS DE TOKYO

Puntuación: 8
Duración: 2 h 19 m.
País: Japón / 1953
Dirección: Yasujiro Ozu

Cuando uno entiende el cine como arte y no solo entretenimiento, Yasujiro Ozu (1903-1963) ocupa uno de los lugares de la élite. Esto lo sabía servidor por los libros de historia pero hasta la fecha no había tenido el placer de contemplar nada de su filmografia.

Ozu no obstante no salió a la luz occidental hasta después de su muerte a mediados de los 60 y ya entrados los 70 en España. Su cine que en su momento fue considerado demasiado nipón habla de temas universales como la familia y la soledad.

Es cierto que ambientado en un Japón de posguerra cada vez más occidentalizado donde el progreso corre paralelo a la perdida de sus valores tradicionales. Por otro lado su solitaria existencia, nunca llegó a casarse, vivía con su madre, cuya muerte no pudo superar y sus problemas con el alcohol impregnan, no sé si buena parte de su segundo periodo fílmico pero si desde luego esta  cinta.

Su perfección formal, en contraposición al cine americano de quien se vio influido en su primer periodo creativo, marcan las señas de identidad que confieren a su mirada esa genialidad que equilibra la balanza con el cine de otro genio como Wells. En definitiva y en palabras del propio Ozu: no hay reglas a seguir. Las películas extraordinarias siguen sus propias reglas.

Él que no se consideraba un cineasta, marcó un estilo que ha tenido una gran influencia posterior.

La serenidad de sus imágenes, el tempo que fluye sin prisa pero sin pausa, los encuadres milimétricos y el alma de sus personajes y sus historias, escritas al limón con su inseparable guionista Kogo Noda dejan  un poso de reflexión serena sobre la nada de la que venimos y hacia la que vamos como el "mu" que figura en su lápida, palabra japonesa de la filosofía zen que refleja la impotencia ante ciertas preguntas que no tienen respuesta.

Vista con la perspectiva actual, sigue conservando su áurea de obra maestra aunque el excesivo metraje y ciertos subrayados  en su tramo final innecesarios, le restan algunos puntitos.   

PLAN EN LAS VEGAS

Puntuación: 5
Duración: 1 h 45.
País: USA / 2013
Dirección: Jon Turteltaub

Turteltaub tiene un currículum de cintas entretenidas y alguna que otra interesante. Con esta no aumentará su prestigio.

Si uno tiene ya una edad, ver a estas vacas sagradas de edades comprendidas entre los 66 de Klane y los 77 de Freeman, hace que te pongas nostálgico y recuerdes que toda película tiene su The End.

El asunto se sostiene durante los primeros 45 minutos, después nada tiene sentido, a no ser por  Mary Steenburger, la más jovencita con unos 61 muy bien llevados. Ella les roba el protagonismo con su papel secundario a los otros cuatro que se ven lastrados por el endeble guión. Parece que se lo pasan bien, se ríen de si mismos y muestran un palmito inmejorable que les proporciona sus saneadas cuentas corrientes.

Uno hecha de menos que rebajen sus cachés para que los  jovenes directores les devuelvan al lugar que se merecen.

HELI

Puntuación: 6
Duración: 1 h 45 m.
País: México / 2013
Dirección: Amat Escalante

La corrupción, la pobreza, el trafico de drogas y sobre todo la violencia que impera  no solo en México sino en buena parte del continente sudamericano, tiene antecedentes y culpables. Escalante no entra en ello sino que de forma aséptica extrae una muestra y nos la enseña con crudeza, con una cotidianidad espantosa. Los personajes lo asumen con sus propios códigos y sus propios remedios. Todo ello contado con un ritmo aletargado, a veces anodino como si estuvieran  todos cansados de contar siempre lo mismo.

El espectador acaba contagiándose de la desidia ante el horror.

LOS JUEGOS DEL HAMBRE. EN LLAMAS

Puntuación: 3
Duración: 2 h 23 m.
País: USA / 2013
Dirección: Francis Lawrence

 

La solvencia profesional de los dos Lawrence, director y actriz y la mejora en la producción hacen que esta segunda entrega se distancie considerablemente del bodrio de la primera y casi se pueda aguantar en su disparatado metraje.

La base de todo son estas novelitas de nivel de instituto que al calor del tirón de las sagas para jóvenes supieron explotar los espabilados de la editorial que se las encargaron a una Suzann Collins que prolongó a expensas de un buen talón la primera de ellas copia descarada del libro "Battle Royal" (Koushum Takami / 1999), y rancias referencias mitológicas.

En la primera hora hora marean la perdiz (menos mal que Tucci anima el cotarro) para decirnos que todo vuelve a empezar con otra sesión de una lucha a muerte digna de telecinco.  En la hora y media siguiente la acción y la aventura entre la Diana cazadora Jennifer y sus compañeros-enemigos de encefalograma plano se ve aderezada por una niebla muy Lost y unos monos de relleno. Triste despedida del gran Seymour Hoffman

Que me disculpen los fans de crepúsculos, hambres y demás. Donde esté mi Harry Potter... 

LA POR (EL MIEDO)

Puntuación: 9
Duración: 1 h 13 m
País: España / 2013
Dirección: Jordi Cadena

Apenas necesita Jordi Cadenas unos minutos iniciales para meternos el miedo en el cuerpo y ni una hora y cuarto para noquearnos totalmente, con un poso difícil de olvidar.

Después de "Elisa K" (2010) en colaboración con Judith Collel, vuelve a adaptar otra novela (M) de la mejicana de origen catalán Lolita Bosch. Y vuelve a golpearnos con otra lacra social, de esas que llaman nuestra atención unos segundo en los periódicos o la televisión para inmediatamente pasar a la estadística cruel de un mundo cruel.

Cadena le pone rostro y silencio, sobran las palabras y nos enseña que los monstruos viven también en lugares apacibles, escondidos bajo el miedo que provocan en aquellos que les temen. Pero además lo hace bien, rodando con sobriedad encuadrando con inteligencia, situaciones y personajes  que se alejan difuminándose como en el presagio de un mal sueño.   

HERMANA

Puntuación: 9
Duración: 1 h 37 m
País: Suiza / 2012
Dirección: Ursula Meier

El drama social y familiar va directo al corazón a través de un chaval en estado de gracia, Kacey Mottet Klein y la consagrada pese a su juventud Léa Seydoux. Sus personajes, su historia, son de las que dejan huella y no se olvidan.

Elegancia y sutileza con que la directora narra su existencia con una esplendida y luminosa fotografía que no esconde nada y hace patente y sangrante la diferencia de mundos, pegaditos el uno al otro y terriblemente  distantes, tanto en lo material como en lo espiritual.

El desgarro anímico de este niño que se resiste a dejar de serlo, luchando con todo el ingenio que posee para sustentar aquello que le ha sido negado por el destino y la sociedad, es impresionante. Leia Sydoux contiene con sabiduría actoral la bomba de frustración y el anhelo de huida con el que carga su personaje. Deja Meier que los sentimientos vayan revelando todo lo que no dice explícitamente, para que el espectador despeje los interrogantes que esconden estos "hermanos" que se buscan, se aman y se necesitan en un desencuentro permanente. Todo ello sin subrayados, con una música incidental apropiada y un dominio de los tiempos muy ajustado. Gran trabajo.  

RETORNADOS

Puntuación: 7
Duración: 1 h 38 m.
País: España / 2013
Dirección: Manuel Carballo

La cosa va de zombies, pero casi sin zombies. Carballo en su tercer largo y sin lugar a dudas el mejor, se ha marcado en coproducción con Canadá una cinta muy solvente, bien interpretada y mimada en el aspecto formal.

Aunque nos lo vendan como terror por aquello de hacer taquilla se trata de otro tipo de terror, un drama que salpica nuestras conciencias y que no está muy alejado de una realidad mas cercana de lo que parece donde la exclusión y el abandono social de aquellos que por cualquier motivo son diferentes dista de ser una ficción.

Es cierto que debería trabajar más las elipses (demasiados planos de gente conduciendo) y la coda final desvirtúa un poco la seriedad del asunto, pero el conjunto merece la pena.

LA HUIDA (DEADFALL)

Puntuación: 5
Duración: 1 h 34 m.
País: USA / 2012
Dirección: Stefan Ruzowitzky

Sorprende que después del Oscar de "Los falsificadores" (2007) bajo bandera austriaca, Ruzowitzky, aparezca a los dos años con una cinta infantil, "Kika superbruja" y dos años más tarde desembarque en USA con este thriller noir de aroma clásico. Parece que el hombre no acaba de encontrar su camino.

Aquí la nieve pone el marco apropiado para contar esta historia de perdedores que uno se imagina con otros actores de épocas pasadas y sobre todo con otro guionista al que no se le escapara tan buen material. Situaciones forzadas, personajes a medio cocer, y demasiadas pretensiones que no se ven a la postre reflejadas con un Eric Banna que no da la talla de un personaje complejo rodeado de personajes complejos desaprovechados. La gran Sissy Spacek, hubiera bordado el personaje principal si este hubiera sido mujer pero ya se sabe que en Hollywood la actrices en general son arrinconadas en la mente de los guionistas si pasan de cierta edad.

Entretiene en el nivel inmediatamente superior al telefilm de sobremesa. Pienso que Ruzowitzky puede y debe hacerlo mejor.  

BLUE Jazmin

Puntuación: 9
Duración: 1 h 38 m.
País: USA / 2013
Dirección: Woody Allen

El maestro ha vuelto a hacerlo. A los 78 años Woody tiene muy claro de lo que está hablando. El amor, la muerte, la soledad. Todo ello agitado con humor. Un cocktail que con sus correspondiente altibajos lleva funcionando en la friolera de 45 películas en 48 años. Todo un récord para alguien que no se consideraba capacitado para la dirección y que ya no puede vivir sin hacerlo.

Aquí la formula se ofrece más amarga, aderezada con una estupenda fotografía de otro maestro, el español Aguirresarobe. Y por supuesto una inmensa Cate Blanchet a la que se lo ha puesto a huevo el impecable guión de Allen que revisita los clásicos ("Un tranvía llamado deseo" / Elia Kazan /1951). Curioso la similitud del apellido del personaje protagonista, Blanchet)
Todo esta inventado pero como dijo el gran  escultor Rodin: "Yo no invento nada, redescubro".

Aunque algunos momentos estén algo forzados y la subtrama del novio de la hermana podría haberse recortado, la disección que abre las tripas al desamor, al engaño, a las diferencias sociales, al egoísmo, a la huida desesperada ante la soledad, a no poder volver atrás en la vida, a la locura de no ser amado, es tan sutil como brutal el resultado.

Impagable escena final. El maestro ha vuelto a hacerlo.

UN CERDO EN GAZA

Puntuación: 5
Duración: 1 h  39 m.
País: Francia / 2011
Dirección: Sylvain Estibal

Estibal ya puede darse con un canto en los dientes, con el Cesar a la mejor opera prima por esta blandengue y bienintencionada comedia o sátira o lo que sea que quiere nadar y guardar la ropa, contentar a todos  y en definitiva después de un prometedor planteamiento y un actor muy aprovechable, termina dando tumbos sin saber que hacer con el cerdo.

Este material en manos de los Monty Phiton, hubiera sido la bomba. El guión del propio Estibal, tiene algún que  otro momento, pasando de lo entrañable al absurdo, de la critica  social al humor localista descafeinado, rematando todo ello con una moraleja que apela al sentimentalismo, excesivamente subrallado para salvar los muebles.

Si Palestinos e Israelies se sentaran en torno a una buena ración de pata negra otro gallo les cantara.  

LA FICHA DE BERLÍN

Puntuación: 6
Duración: 2 h.
País: Corea del Sur / 2013
Dirección: Ryoo Seung-wan

El cine surcoreano es sin lugar a dudas un ejemplo a seguir, maestros de la copia, han sabido crear una potente industria que se alimenta del consumo propio, llega a exportar, gana festivales  y copia de los USA para que los USA acaben copiandolos. Apuestan por los jóvenes directores, tocan todos los palos, aunque son las cintas de acción como esta las que rompen la taquilla y tienen mejor salida por estos lares.

Inolvidables como "Hierro 3" o "Poesía" se abren hueco entre tiros, carreras y peleas técnicamente impecables, con sobreabundancia de violencia gore. En esta linea me quedo con "El hombre sin pasado" (Lee Jeong-beom / 2010).

La que aquí nos ocupa no pasará a la historia. Lejano remedo del genero de espías de la guerra fría no deja de ser una escusa para un puñado de escenas de acción marca de la casa que hacen que las dos horas (metraje mínimo surcoreano) se sobrelleven. La falta de empatia con los personajes principales y la simpleza de la trama hacen que el épico final pierda fuerza. La coda final augura segunda parte. No la espero ansioso.

ESTOCOLMO

Puntuación: 7
Duración: 1 h 30 m.
País: España / 2013
Dirección: Rodrigo Sorogoyen

Formalmente uno tiene la sensación de estar ante un ejercicio de final de curso de escuela de cinematografía, con un director y unos actores más que aplicados, en un corto estirado y de muy bajo presupuesto.

Según van avanzando los minutos, el guión te atrapa sin casi darte  cuenta como un anzuelo aparentemente inocuo que acaba clavándose en tu interés. Y así, despacio, segundo a segundo Sorogoyen va soltando un hilo muy solido conformado por dos actores que nos regalan lo mejor de si mismos. Ya no podemos escapar. 

Hemos asistido a una partida, donde la verdad y la mentira forman las piezas,  a un juego que por habitual y repetido,    casi siempre pone en jaque a los sentimientos, las tablas son escasas y alguien siempre acaba perdiendo. 

LA CABAÑA EN EL BOSQUE

Puntuación: 7
Duración: 1 h 45 m.
País: USA / 2011
Dirección: Drew Goddard

Un año antes del bombazo de "Vengadores", Whedon firma en compañía de Goddar este original guión donde entran cual elefante en la cacharreria del género del terror. Pero en el aparente desaguisado que montan, saben perfectamente lo que están haciendo y se retroalimentan de todo lo que destruyen, parodian, homenajean o critican. El resultado es una cinta entretenida y divertida, dirigida con brío y eficacia por Goddar, guionista y productor televisivo que apunta maneras en este debut y que esperemos se confirme con su segunda cinta "Los seis siniestros", spin-offs sobre el mundo de Spiderman. Aunque dado el camino que Disney esta imponiendo en los encargados de seguir desarrollando los proyectos de Marvel, veremos.

"La cabaña..." no da miedo, algún que otro susto y una deliciosa, inquietante e impagable  escena (ver foto) que te hace agarrarte a la butaca. Los actores cumplen sus roles. Entrañables Jenkins y Whitford. El final le encantaría a Lovecraft, que por fin vería liberados a sus "hijos". Este pasaje del terror merece esperar la cola para entrar. 

EL JUEGO DE ENDER

Puntuación: 6
Duración: 1 h 44 m
País: USA / 2013
Dirección: Gavin Hood

Este tipo de adaptaciones conlleva un alto riesgo de que la mayoría de espectadores que pudieran estar interesado en leer la novela de Orson Scott Card premiada con los más prestigiosos premios de ciencia ficción  Nébula y Hugo, en el 85 y 86,  no lo hagan.

Esta apañadita versión, supervisada por el propio Orson llega tarde a las pantallas para sorprendernos en sus aspectos más visuales y se queda muy cortita en las reflexiones que el autor plantea ya en el relato corto que da origen a la novela, allá por el 77. Todo es un poquito sosito, las aportaciones de Kingsley y Ford testimoniales al igual que los secundarios y el joven actor ingles Asa Butterfield (campo de mantequilla) se esfuerza solo ante el peligro.  La cosa nos evoca demasiado a historias de internado juvenil y por ahí no van los tiros. No se si porque la empresa de efectos digitales "Digital Domain" entró en bancarrota en la posproducción, pero se nota una cierta escasez de medios o imaginación en la realización de los entornos.

Gavin Hood ha tenido la valentía de intentar filmar algo muy complejo y aunque su acierto haya sido más que relativo, abre la puerta para que otros lo intenten con mejor fortuna si el autor les deja.   

VIVIR ES FÁCIL CON LOS OJOS CERRADOS.

Puntuación: 8
Duración: 1 h 48 m
País: España / 2013
Dirección: David Trueba

Con 6 Goyas en la pasada edición, confirmó el magnífico momento creativo por el que atraviesa David Trueba. Sus virtudes como guionista de altura suplen la falta de recursos de producción, casi en peligro de extinción. Apoyado en una gran dirección de actores o una sabia elección de los mismos, se constituye últimamente en un Sorín patrio cuyas historias mínimas justifican generosamente el precio de la entrada.

Como a Boyero, a servidor Javier Cámara nunca me ha hecho mucha gracia. Empezó a convencerme con su aportación en "Una pistola en cada mano" (Cesc Gay / 2012) y aquí hay que reconocer que está inmenso.

Se adentra Trueba sin tapujos en el complicado terreno de la España subdesarrollada de finales de los 60, cargada de tópicos y sale airoso con sobriedad y ternura por sus personajes sin renunciar a la denuncia social. Bella historia de gentes que nunca cierran los ojos para vivir mejor, por mucho que escueza y sueñan que con una pequeña "help" de sus amigos pueden encontrar sus "strawerry fields for ever". 

EL ALA OESTE DE LA CASA BLANCA (5ª Temporada)

Puntuación: 8
Duración: 22 episodios de 42 m. aprox.
País: EE.UU. / 2003-04
Creador: Aaron Sorkin

Continuando con mi "tour de force" me acabo de meter entre pecho y espalda los 22 episodios de la quinta temporada. Esta sesión es menos emotiva que las anteriores y las tintas se cargan más en los tejemanejes políticos. Lógicamente cansa más verla de un tirón. En estos años siguieron cosechando premios y manteniendo la audiencia. El personaje de Rob Lowe, San Seabor, subdirector de comunicaciones, a pesar de su indudable carisma se cayó de la serie, y Janel Moloney continua su carrera ascendente. Aprendemos una vez mas  que el gobierno por y para el pueblo, suele contar solo puntualmente con el pueblo en una versión contemporánea del despotismo ilustrado. 

THOR: EL MUNDO OSCURO

Puntuación: 5
Duración: 1 h 52 m.
País: USA / 2013
Dirección: Alan Taylor

A servidor que descubrió el mítico mundo de Asgard y sus dioses nórdicos allá por los 70 en las primeras entregas de las chapuceras Ediciones Vertice, este apaño tecno-mitológico no acaba de convencerme. Aunque supongo que si los guiones fueran dignos, la cosa daría igual, tampoco hay que ser puristas. Pasado ya el subidón de ver en el séptimo arte a nuestros superhéroes preferidos de la casa de las ideas (la cosa empezó con "Blade" en el 98 y desde el 2008 ya con productora propia, "Iron Man"), uno se va volviendo más exigente.

Me he aburrido con esta segunda entrega del dios del trueno. Se agradece la pasta en producción y Alan Taylor, forjado en mil y un capítulos televisivos rueda con dignidad, pero la cosa es muy flojita y parece que la alineación de los mundos y su "gruyere" espacial a afectado a los cinco guionistas que van cada uno por su lado batallando o haciendo chistes según convenga, sin importarles unificar el tono del asunto. Los diálogos apenas merecen categoría de tal, los personajes incluido Thor tienen menos chicha que la Portman, la épica y la historia de amor dan encefalograma plano y alguien que entrara tarde al cine podría pensar que se ha equivocado y que está viendo algo de Star treck, o la enésima versión de "Independence day". La cuadrilla de compañeros de aventuras del hijo de Odín más valdría reservarlos en el cajón que no desdibujarlos así. Afortunadamente, el éxito de taquilla permite nuevas oportunidades y en definitiva siempre nos quedará Tom Hiddleston.   

PACTO DE SILENCIO

Puntuación: 5
Duración: 2 h 5 m.
País: USA / 2012
Dirección: Robert Redford

Desde el título en español, pasando por el cartel todo lleva a convertir en mediocre, comercial y anodino la primera novela publicada en España del escritor y periodista Neil Gordon,  "The company you keep", (me la lean) algo así como la primer parte del refrán "dime con quien andas...".
Lo que plantea Gordon va mucho más allá de la pobre adaptación que ha perpetrado Lem Dobbs con el beneplácito de Redford, a quien podría aplicarsele la cuestión que nos deja Gordon con sus personajes y que Sabina recoge en una de sus estrofas: "Lo que pudo ser y la mierda que ha sido". En otra canta: "querían comerse la vida y vino la vida y se los comió".
De todo esto, de como el paso del tiempo, los hijos y la cercanía de la muerte influyen en aquello ideales por los que estuvimos dispuestos a morir, poquito nos deja ver esta versión (excepto ese final sin palabras) que apuesta más por el falso thriller y un reparto de ilustres (que grande Nolte) que fijan y dan lustre a una desvaída dirección de un Redford que nos llena de nostalgia y nos recuerda que todos fuimos jóvenes. Algunos incluso guapos.   

CLAUS Y LUCAS
Agota Kristof
El Aleph Editores / 2007
444 pgs.

Mi bibliotecaria de oficio me recomienda este libro cuyo comentario de contraportada probablemente no llamaría mi atención y cuya autora, Agota Kristof (1935-2011) engrosaba las listas de mi desconocimiento e incultura literaria.

Se trata de una trilogía promovida por la editorial, sin que la autora la considere como tal. "El gran cuaderno" (1986), "La prueba" (1988) y "La tercera mentira" (1991).

Kristof, húngara exiliada en Suiza y ampliamente reconocida y premiada las escribió en un francés que apenas dominaba. Esto y sus primeros pasos como escritora teatral confirieron a su obra un estilo tan rápido, austero, brutal y directo como una bala disparada a quemarropa, cuya máxima expresión se da en la primera de ellas.

Cuando uno empieza a leer, en la segunda página se da cuenta de que aquello es especial, único, singular, una obra que justifica a un autor como "Pedro páramo" a Juan Rulfo. Afortunadamente Kristof, siguió escribiendo, aunque poco.

Dice ella de su estilo que no le interesa "hacer literatura". Considerado como un estilo "cruel", Kristof narra una historia de supervivencia de dos hermanos en un país, probablemente Hungría, bajo la dominación extranjera. Tiempos de guerra, tiempos crueles. Cada página y media Kristof compone un relato en si mismo. La suma de todos un cuento hipnótico que nos atrapa en una espiral descendente arrastrándonos y despojándonos de todo artificio para acabar en manos de la puta verdad donde no cabe el sentimiento ni la esperanza. Donde cada día es un triunfo seguir vivos.

Las otras  dos, son deconstrucciones de la primera, un volver sobre unos personajes para ofrecerles otras vidas, para librarles del encasillamiento de una gran novela, para que busquen ellos solos sus identidades. El estilo se vuelve más denso y el laberinto de vueltas y revuelta puede agotar al lector menos predispuesto.

El año pasado se estrenó una versión cinematográfica de "El gran cuaderno" dirigida por el también húngaro János Szász. Habrá que verla.  

HOJAS DE HIERBA

Puntuación: 4
Duración: 1 h 44 m
País: USA / 2009
Dirección: Tim Blake Nelson

No he visto los dos trabajos anteriores de este actor secundario y director, pero sabiendo que nació en Tulsa, Oklahoma, lugar donde transcurre la acción, que trabajó con los Coen, (de ahí su "estilo") y que según estos últimos le gustan los clásicos griegos (uno de los gemelos es profesor de filosofía), no es de extrañar que si también es amigo de la marihuana, con uno de esos porros haya escrito este guión de profundo significado vital y cuya relación esotérica con el libro de poesías de Walt Whitman del que lleva su título, seguro que es trascendente.

A los que somos paletos del sur profundo europeo estas exquisiteces no acabamos de entenderlas.

Sale Norton, Dreyfuss y hasta Susan Sarandon. Por algo será. Me lo expliquen.

THE WALKING DEAD (2 ª Temporada)

Puntuación: 6
Duración: 13 episodios de 42 m. aprox.
País: EE.UU. / 2011-12
Creador: Frank Darabont (sobre el cómic de Robert Kirkman)

La verdad es que si bien la audiencia consolidó con esta segunda temporada la serie, las opiniones son para todos los gustos. Personalmente la primera mitad de esta sesión no me entusiasmó lo más mínimo. Fue a partir del episodio 7 cuando la cosa comenzó a plantear situaciones donde los personajes se enfrentaban no solo a caminantes sino a dilemas morales y situaciones que invitaban a una reflexión mas profunda que acertar en la cabeza al zombie de turno.

La acción y el drama, a veces dramón, se equilibraron y gozó de una recta final digna y apañada a pesar de algunos diálogos sobre la condición de la mujer bastantes machistas en alguno de los capítulos y vaivenes poco justificados en la actitud defendida por algunos personajes.

Dicen quienes lo han leído que el cómic es mejor y que la serie se aleja de la linea argumental de este. En cualquier caso es interesante ver como afrontan los seres humanos las reglas del juego que nos hemos dado cuando todo se viene abajo y el mundo vuelve literalmente a el patrón de comer o ser  comido.

EL ALA OESTE DE LA CASA BLANCA (4ª Temporada)

Puntuación: 8
Duración: 22 episodios de 42 m. aprox.
País: EE.UU. / 2002-03
Creador: Aaron Sorkin

904 m aproximadamente, algo mas de 15 h que en dos días consecutivos me han ayudado a sobrellevar esos momentos en que el viento sopla en contra. La verborrea política habitual mientras los protagonistas hacen kilómetros por los pasillos del ala oeste de la Casablanca, con ese humor inteligente de caras serias, puede tumbar a cualquiera si lo ingiere de golpe. En mi caso ha sido positivo, pero no se lo recomiendo a cualquiera.

El presidente Bartlet y su equipo sigue funcionando a pleno rendimiento de la mano de Sorkin y su equipo de guionistas. No importa que algunos de los que por allí deambulan desaparezcan misteriosamente o tengan apariciones más que fugaces. El núcleo principal tira del carro sin problemas. En esta temporada la ayudante de Josh Lyman, Donna Moss está presente en casi todas las batallas, en su ascendente carrera como personaje ficticio y como Janel Moloney, actriz.  

EL ALA OESTE DE LA CASA BLANCA (3ª Temporada)

THE WALKING DEAD (1 ª Temporada)

Aprovecho unos días de descanso cinematográfico para ponerme al día con algunas series que tenía aparcadas o me faltaba completarlas, como es el caso de la tercera sesión del "Ala Oeste..." allá por el 2001-02. !Como pasa el tiempo.! Lo mejor que se puede decir de ella es que funcionaria igual de bien si la estrenaran ahora. En cualquier caso es una de las series imprescindibles de la historia de la televisión.

Los seis primeros capítulos que duró la primera temporada se emitieron en el 2010. La serie fue anunciada a bombo y platillo y cosechó una gran audiencia. Alguien debería hacer un estudio sobre la fascinación que ejercen los zombies en las masas populares. Basada en la serie de cómics de Robert Kirkman, esta media docena de episodios iniciales está llena de lugares y situaciones comunes ya vistos y revistos anteriormente. La producción es aceptable y la formula funciona como entretenimiento estandar. Dicen que las siguientes temporadas mejora. Veremos.  

PATRIA (Temporada 3)

Puntuación: 7
Duración: 12 episodios de 50 m. aprox.
País: USA / 2013
Creador: Gideon Raff / Howard Gordon / Alex Cansa

Desde la mitad de su primera temporada me asombró la capacidad de sus guionistas para reinventarse constantemente y mantener un estado adrenalítico coherente que consiguió una notable serie sobre la nueva guerra fría en que nos hayamos. En esta tercera temporada la cosa se ha serenado y los dos protagonistas han cedido mucho espacio al personaje de David Harewood, con una trama más lineal pero siempre interesante y bien interpretada. El perfil psicológico de los personajes sin embargo ha caído respecto a las temporadas anteriores y la visión light de una CIA donde el fin, siempre honorable, justifica los medios, es algo que hay que tragarse en bien de la ficción. Por lo demás la productora sabía que el argumento original ya no daría para más y emulando la inteligencia de la Agencia de Inteligencia, sacrifica los peones apropiados para que la cuarta temporada siga produciendo réditos.

Tampoco han sabido aprovechar un final, que ya puestos daba para mucho más. El reto para la próxima sesión esta servido.

  

DON JON

Puntuación: 6
Duración: 1 h 28 m.
País: USA / 2013
Dirección: Joseph Gordon-Levitt

En su debut como realizador Gordon-Levitt comienza en sus primeros minutos esta cinta de forma fresca y electrizante, en tono de comedia que va dejando un rastro de inquietantes preguntas sobre las posibilidades que nos ofrece las nuevas tecnologías para volvernos vitalmente más comodones aún e ir directamente a por el entretenimiento o el placer sin movernos del sillón y sin aguantar al prójimo y no tener que pasar por protocolos sociales hipócritas. El reverso de la moneda es un peligroso enroque que no augura nada bueno.

Las interpretaciones son buenas, Scarlett cada día con el listón más alto y la cosa se resquebraja con un guión del propio Levitt que no acierta a encontrar una salida digna a lo que plantea y se abandona a un final de compromiso y moralista.

Lo de las confesiones tiene gracia y mala baba. 

BLACKFISH

Puntuación: 8
Duración: 1 h 23 m.
País: USA / 2013
Dirección: Gabriela Cowperthwaite

"The cove", "Proyecto Nim" y ahora "Blackfish". El más animal (en el peor sentido), de todos los animales, sigue explotando y masacrando a sus compañeros de viaje, sin entender que formamos parte de un todo indisoluble, o entendiéndolo y forrándose sin importarle un pimiento. A vivir que son dos días. El resto, dirigentes y pueblo soberano y aborregado mirando para otro lado, cuando no jaleando el espectáculo y  enseñando a nuestros hijos que somos la especie superior a la que todo le está permitido.

No tengo palabras para expresar el sufrimiento que me produce toda esta incultura y prepotencia, esta barbarie sin solución.

Insisto en que este tipo de documentales debería ser de visión obligada en los centros educativos.

Que Gabriela Cowperthwaite, dirija con una cierta monotonía no importa nada, dado lo que nos está contando.

"Cuanto más conozco a los hombre más quiero a mi perro" (Diógenes, 412-323 a.c)  

AL FINAL TODOS MUEREN

Puntuación: 5
Duración: 1 h 40 m.
País: España / 2013
Dirección: Javier Fesser / Javier Botet / Roberto Pérez Toledo /Pablo Vara / David Galán Galindo

 

 

Donde no hay dinero hay que poner imaginación. Aqui hay mucha, no cabe duda y talento mayormente por pulir y un gran casting de jovenes actores y actrices. Los que aguanten las miserias de nuestro cine daran que hablar probablemente.

Por lo demás uno tiene la sensación de haber asistido a un festival de cortos con el hilo conductor del fin de los tiempos, que unos se toman de forma dramática y otros prefieren reirse de si mismos. El humor vence y no merece ponerse transcendente cuando todo se acaba.

El de Roberto Perez Toledo está más cuidado formalmente y los demás tiran de guiónes con altibajos cual montaña rusa. Se deja ver en espera de tiempos mejores.

TODOS QUEREMOS LO MEJOR PARA ELLA.

Puntuación: 6
Duración: 1 h 37 m
País: España / 2013
Dirección: Mar Coll

 

En esta carrera de obstáculos para suicidas, locos por contarnos la vida, que es el cine español, Mar Coll ha tenido una segunda oportunidad dado su "éxito" con su anterior trabajo "Tres días con la familia" (2009). El resultado es interesante y sigue dejando abierta la puerta a una realizadora prometedora, pero aún no ha dado a mi juicio con un guión redondo y deberia prestar más atención al acabado técnico como la fotografia y encontrar una mirada más personal.

Se lo juega todo a una historia que empieza a funcionar cuando apenas faltan 20 minutos para su final. Afortunadamente cuenta con una actriz fantástica. Nora Navas nos hace participe de su desconcierto ante una vida que la enreda y aprisiona el alma casi sin darse cuenta y con la que va a luchar hasta la extenuación desde su aparente fragilidad. Una mujer, una heroina sin glamour que se merece lo mejor y que nos la podemos encontrar cualquier dia por ahí, con cualquier rostro, buscandose a si misma. Le deseamos lo mejor.

        50 años del maestro Forges. Felicidades.


LA VIDA DE ADELE

Puntuación: 8
Duración: 3 h
País: Francia / 2013
Dirección: Abdellatif Kechiche

 Amor, deseo, pasión, todo ello brota de manera aparentemente espontanea de los labios regordetes, los dientes de conejo , los pomulos salientes y sobre todo, de los ojos que buscan y se asombran y descargan alma destilada de Adéle Exarchopoulos, una parisina de origen griego recien llegada con una marca que puede que sea imbatible, incluso para ella misma.

Si su trabajo es un don natural o el resultado de cientos de repeticiones a las que parece les obligó Abdellatif Kechiche poco nos importa, tiene carrera por delante y ya tendrá tiempo de reafirmarse en lo conseguido, ojalá. Fagocitada por este petit monstruo Lea Seydoux queda relegada a un segundo puesto cuyo registro es también impresionante.

Kechiche me atrapó con "Cuscus" en el 2007, seis años despues sigue con su impronta de autor intacta. Virtudes y defectos que se repiten en esta obra, que a servidor personalmente, una vez superado el factor sorpresa, le hacen rebajarle el marchamo de obra maestra que casi unanimente le ha otorgado la crítica. Sigue Kechiche con unos metrajes excesivos, con una busqueda obsesiva de la perfeción realista que puede llegar a abrumar, sigue con una mirada voyeurista que no siempre beneficia, sigue moviendo la cámara en mano como nadie y sigue enganchandonos con unos personajes hipnóticos y fascinantes.

El guión sobre la novela gráfica de Julie Maroh "el azul es un color cálido", tiene un ritmo desigual, con escenas autenticamente impagables como los encuentros finales entre las protagonistas y otros donde Kechiche abunda en fiestas, música y bailes que parecen ser marca de la casa y cuya eficacia es más que discutible. El paso del tiempo tampoco casa muy bien con el rostro excesivamente juvenil de Adele.

Tambien hay escenas de sexo explicitamente filmadas que promocionan la película y dan que hablar a los medios. Nunca he entendido como la violencia, generalmente gratuita está perfectamente aceptada en la pantalla y el sexo compartido entre cualquier variante de géneros, generalmente gratificante y maravilloso sigue siendo maniatado. Creo que Kechiche se esfuerza por dejarnos ver como es la tradución de lo que los ojos de Adele nos cuentan por adelantado y aún así se queda a mi juicio corto. Julie Maroh, lesbiana, se ha quejado de que se banaliza el sexo entre mujeres:

«A excepción de algunas escenas, me parece una exhibición brutal, quirúrgica, exuberante y fría del sexo entre mujeres, convirtiéndolo en pura pornografía, y eso me pareció de muy mal".

Puede que ella sea más sutil en su plasmación pictorica pero no puedo estar de acuerdo con sus afirmaciones, el sexo es carne, sudor y deseos desbocados, aparte de caricias, contraluces, texturas, que puede desembocar o no en amor.

Ahora que estamos inmersos en un nuevo festival de Cannes, la Vida de Adele no desmerece la Palma que atesora. 

 

LA MIRADA DEL AMOR

Puntuación: 8
Duración: 1 h 28 m
País: USA / 2013
Dirección: Arie Posin

 

Ausencia, huecos, soledades, amor. Posin y McDuffie, escriben una aparentemente sencilla historia de amor, emotiva y otoñal. Donde no se atreven a llegar los guionistas con las posibilidades que se abren ante esta historia imposible, llegan y sobrados, sus interpretes que dan un recital impagable. Bening y Harris hacen brillar sus dilatados curriculums y Robin Williams nos recuerda que hay que seguir contando con él.

Posin en este su segundo trabajo deja que la cosa fluya con elegancia y construye inteligentemente el marco para que se luzcan sus interpretes. Busca soluciones a escenas sin recurrir a recursos fáciles, mantiene la tensión psicológica de la trama y al final busca el equilibrio en un final que si bien pudiera ser menos dulce o más arriesgado, también pudiera haber caido en excesos de lágrima facil o happy end.

GRAND PIANO

Puntuación: 3
Duración: 1 h 27 m.
País: España / 2013
Dirección: Eugenio Mira

 La broma tendría gracia si las entradas no estuvieran tan caras. Que suerte que tienen algunos directores que consiguen que gentes reconocidas como Rodrigo Cortes les financien sus "pajas mentales". Hay que reconocer que Eugenio Mira tiene brio narrativo y que se gusta moviendo la cámara con elegancia dentro del teatro donde sucede la acción e imprime ritmo sacando recursos para superar el limitado campo de acción. Pero tanto buen hacer, sumado a los esfuerzos de Wood por dar consistencia a un personaje inexistente se van por el desague de un guión del que lo mejor que se puede decir es que es una tomadura de pelo rocambolesca cuya credibilidad y consistencia raya en el absurdo. La referencias cinefilas de videoclub dan, a veces, resultados geniales como los del señor Tarantino, pero basar una hora y 27 minutos en el burdo remedo del final de "El hombre que sabia demasiado" de Hitchcok, clama al cielo. Por si no quedaba claro que todo en el fondo se trata de una broma al espectador, Mira nos regala un final que nos hace sentirnos como aquel que descubre que lleva dos horas colgado un monigote de inocente a la espalda. Pues que gracia.

Malik Bendjelloul (1977-2014)

Sueco de origenes argelinos. Nos deja muy pronto. Nos deja con la miel en los labios despues de maravillarnos con su primera opera prima, el documental "Searching for Sugar Man". Parece como si su destino hubiera sido narrar de forma delicada, elegante, poética y emotiva el redescubrimiento del canta autor Sixto Rodriguez, elevando el género del documental aún más. Sixto deberia componerle una canción, se lo merece. Se ha ido quien no buscaba fama y se ha convertido en un mito.

HG Giger (1940-2014)

 En el U.S.C.S.S. NOSTROMO carguero espacial que anda por los espacios siderales inmortales, acaba de silenciar sus motores en señal de luto, para recibir a este suizo diseñador gráfico y escultor a cuya mente surrealista quizás influenciada por el suicidio de su primer amor, le dio por parir seres biomecanicos y alienigenas a base principalmente de aerografo. Los "marcianos" de toda la vida pasaron a mejor vida cuando su "Alien" invadió las pantallas de todo el planeta.

Dicen que "LOS INGENIEROS", consultaron a Giger cuando crearon en su remota galaxia a los xenomorfos "Space Jockeys". Y Giger creo " el Piloto", cabezón y dentón con muy mala baba.

A Giger y su trabajo lo recomendó un tal Salvador Dalí. Por algo será. Buen viaje a las estrellas.

EL CAMINO DE VUELTA

Puntuación: 7
Duración: 1 h 43 m.
País: USA / 2013
Dirección: Nat Faxon / Jim Rash

  

 Dice el saber popular que desde los Griegos, ya está todo inventado. En el cine los argumentos y las situaciones, como en la literatura y otros géneros la cosa no hace más que repetir unos patrones comunes con mayor o menor acierto y actualidad.

Asombra por lo tanto como Faxon y Rash consiguen darle otra vuelta de tuerca a ese "último verano", en el que se pierde la inocencia y el "wonderful world", se vuelve menos wonderful y muchos más world. En fin que la cosa se lleva con soltura con un reparto muy aplicado, cada uno en lo suyo, fantásticas las composiciones de Rocwell y Allison Janney, todos al servicio de un jovencito Liam James al que todavia le falta un herbor.

Buenos momentos de comedia, una pizquita de drama y un tono indi al que ya nos vamos acostumbrando como alternativa a las producciones clonadas de los grande estudios.

En general hay un buen puñado de fisuras por donde se le escapa la fuerza a la gran película que pudiera haber sido. Disfrutable.

 

CUERPOS ESPECIALES

Puntuación: 5
Duración: 2 h.
País: USA / 2013
Dirección: Paul Feig

  

 "La boda de mi mejor amiga" (2011) anterior trabajo de Paul Feig ya demostró que los tacos a granel y el caca, culo, pedo, pis deja bastante redito en taquilla y aunque en esta peli al uso de pareja de policias pasada de minutos, cambia de guionistas, la cosa va por el mismo camino y dando los mismos reditos.

La diferencia en esta última entrega es que Melissa McCarthy compone un personaje muy solido y divertido que no seria extraños tuviera proyección futura que sostiene todo el endeble entremado.

Por otro lado hay que quitarse el sombrero ante la profesionalidad de la Bullock (un buen año para ella despues de "Gravity") que no tiene reparos en ceder, dada su categoría de estrella, el mejor trozo del pastel a su compañera de reparto y ponerse a su servicio dandole la replica acertada en una relación cuya química solo funciona a ratos. La comedia facilona se impone sobre los timidos intentos de darle empaque dramático y todos saldríamos más contentos si la tijera hubiese recortado al menos 20 minutos.

MODERN FAMILY (3ª  y 4ª Temporada)

Puntuación: 8
Duración: 24 episodios por temporada de 22 m.
País: EE.UU. / 2011-2013
Creadores: Christopher Lloyd / Steven Levitan

Hay episodios en sus escasos 22 minutos en que no tienen ni un segundo de desperdicio. Desde que en el 2009 esta "familia moderna" irrumpió en nuestros hogares, han cosechado un buen puñado de premios y tienen cuerda para rato. Les han garantizado una sexta temporada.
El equipo de guionistas con Lloy y Levitan a la cabeza hay que reconocer que están sembrados y el reparto asume sus personajes como una segunda piel. Todo fluye y nos arranca las sonrisas sin recurrir en ningún momento al chiste facil o la zafiedad. El tono de falso documental sigue funcionando con eficacia y en definitiva la familia burguesa acomodada del primer mundo nos muestra sus virtudes, neuras y defectos con el humor necesario para que por unos minutos nos olvidemos de esas otras familias que carecen de todo lo que disfruta esta.

COME, DUERME, MUERE.

Puntuación: 8
Duración: 1 h 43 m.
País: Suecia / 2012
Dirección: Gabriela Pichelr

 

Desde los comienzos del cine Suecia puso la nota de calidad, entender el cine como arte, como reflejo de la sociedad por encima del entretenimiento y el espectáculo de masas. Desde el mítico Sjöström, pasando por Bergman y terminando con la última hornada con nombres como Thomas Alfredson, a la que ahora se une con esta excelente opera prima Gabriela Pichelr.

Su cine es aspero, nada comercial, cine social donde la poesia esta presente entre la pobreza y las dificultades de la inmensa base social que somos los ciudadadano de esta Comunidad Europea que deja muy claro y caiga quien caiga que ante todo es y con letras mayusculas, ECONOMICA, por encima de todo.

Es dificil no empatizar con Rasa, esta joven luchadora, que no se resigna a ser carne de cañón, explotada como las vacas que cuida su amigo para ser sacrificadas en cuanto los intereses económicos lo requieran. Rasa tiene muchas ganas de vivir, de ser amiga de sus amigos, de cuidar de su padre enfermo, de jugar en el parque de atracciones de no ser un número en las estadísticas del paro. Vivimos tiempos de muchas Rasas, no solo en los paises "perifericos" del sur. La interpretación de la joven Nermina Lucak, está llena de verdad, de desencanto y de esperanza. Pichler la sigue con su cámara con mucha inteligencia, eligiendo en cada momento el plano, el angulo o el movimiento que más potencian lo que nos quiere transmitir. Hay silencios muy emotivos y poéticos, hay cine del mejor cine Sueco. Su Academia así se lo ha reconocido y por aquí no debemos perderle la pista. 

UNA CUESTIÓN DE TIEMPO

Puntuación: 6
Duración: 2 h 3 m.
País: Reino Unido / 2013
Dirección: Richard Curtis

 Ya en su anterior trabajo, "Radio encubierta" (2009) los guiones de Curtis no acaban de rematar la faena, el tiempo, en esta nunca mejor dicho, se estira y la cosa va divagando, sin apretar demasiado en ningún lado. La factura británica es más que correcta y los actores aplicados con la faena (me parece un hallazgo el personaje del Tio Desmond), pero la comedia pura y dura, la cinta romantica y el impulso final y emotivo del padre y el hijo se van superponiendo sin demasiado empaste.

La idea remite a clásicos como "Atrapado en el tiempo" (Harold Raimis / 1993) en sentido inverso, pero no posee su brillantez. Asi la cosa todo queda en una revisión del "Carpe diem" con algunos buenos momentos que, paradojicamente, no resistiran el inexorable paso del tiempo.

 

Bob Hoskins  (1942-2014)

 El curriculum de este señor britanico tochete y de poco pelo ya lo quisieran muchos. Empezó de forma humilde y casi sin quererlo en esto de la interpretación llevado por las circunstancias de la vida dificil que le tocó en la postguerra mundial. Como no era un playboy tuvo que currarselo a base de ser buen actor cameleonico. La tv le abrió las puertas y cumplidos los 30 empezó a ser ese que no hera el prota pero que lo hacia muy bien. Dotado para el drama y la comedia nos dejó su huella en cintas como "El largo viernes santo",  "The Cotton Club", "Mona Lisa" (multipremiado), como boton de muestra entre un centenar, que se dice pronto. Nos dejó su imagen como Smee, segundo de Garfio, Mario Bross, Jrushchov o incluso Sancho Panza. Era de esos actores que independientemente de la calidad de la película uno decia al descubrirle, !hombre, si es Bob Hoskins" y eso nos alegraba.

Fue el único ser real en la pelícla de animación ¿Quien engañó a Rogert Rabbit?, y es que siempre fue capaz de darle la replica a quien fuera. Hasta siempre, Bob.

TURBO

Puntuación: 8
Duración: 1 h 36 m.
País: USA / 2013
Dirección: David Soren

Turbo / Dreamworks paradojicamente llegan tarde a la carrera de la animación. Si Turbo, se hubiera estrenado hace unos años la critica problablemente la trataría mejor. Pero despues de los "Cars" correspondientes y un puñado de cintas de diferentes estudios que han exprimido la formula sin piedad, esta entrega de la compañía de Spielberg aún siendo impecable en las reglas de calidad técnica superlativa, amistad, humor, moraleja, emoción y todos los etcéteras aplicables a la animación de los últimos años, ha perdido el efecto sorpresa y las tendencias, con mayor o menor acierto ya van por otro lado, retornando a los cuentos clásicos. Aún asi a este caracol y su pandilla se le disfruta y merece un hueco en la parrilla de nuestra videoteca. 

FROZEN. EL REINO DE HIELO.

Puntuación: 7
Duración: 1 h 48 m.
País: USA / 2013
Dirección: Chris Buck / Jennifer Lee

 Casi todo en "Frozen" huele demasiado a "merchandising", desde el diseño estilizado de las princesas "barbies", a los muñecos de trapo (el reno, el muñeco de nieve, los trolls), hasta los videojuegos que acompañan al lanzamiento. Que conste que Sven el reno me cae muy bien porque me recuerda a mi perro Zan, grandote, noble y expresivo. 

Dicho esto tambien tiene aroma del Disney más clásico, pero como esos perfumes falsos considerablemente más baratos,  que imitan al original y se evaporan en un suspiro. Es cierto que la cosecha de animación de este año, con algunos buenos títulos, "Gru", "Los croods", y notables ausencias como "Monster Academy", no era como para tirar cohetes y quizás por eso la critica ha sido prácticamente unanime y ha apostado por esta adaptación sui generis del clásico de Andersen (me lo lean).

Hay momentos músicales notables, hay momentos donde la ténologia se luce y hay momentos en que la relación entre las dos hermanas está brillantemente plasmada. Momentos. En general para servidor hay demasiada mezcla de esto y aquello, demasiadas subtramas endebles con sus respectivos personajes, poca emoción en la aventura, monstruos y malvados flojitos y una dosis sutil pero suficientemente peligrosa de pastelón. 

Compararla con "El rey León", o los clásicos del cuento como "Blancanieves" es un pecado. "Enredados" y sobre todo "Brave", me parecieron el camino que Disney, con ayuda de Pixar, encontró y que con "Frozen", Oscar incluido puede empezar a dejarnos "frios".

 

TODAS LAS MUJERES

Puntuación: 7
Duración: 1 h 27 m.
País: España / 2013
Dirección: Mariano Barroso

 Lo último que vi de Barroso fue la interesante "Hormigas en la boca" (2005), curiosamente también con Eduard Fernández, particularisimo actor que siempre se las arregla para estar genial. Como en esta pieza de corte teatral donde imperan los dialogos entre Fernández y un puñado de mujeres que le dan de forma inmejorable la réplica actoral. Barroso se limita al movimiento de plano contraplano y les deja hacer porque sabe que ellos solos se bastan y sobran. Agradeceria que en más de una ocasión no tuvieran un tono de voz tan bajo pero por lo demás hay que quitarse el sombrero ante estas actrices y este actor. La película debería estar en la videoteca (¿las hay?) de las escuelas de interpretación.

GUERRAS SUCIAS

Puntuación: 7
Duración: 1 h 27 m.
País: USA / 2012
Dirección: Rick Rowley

Jeremy Scahill periodista de investigación que sacó a la luz  a los "Blackwater", grupos de mercenarios paramilitares encargados de hacer más sucio el sucio trabajo de la guerra para el Tio Sam, abunda en su exposición de que la cuarta guerra mundial ha comenzado y unos y otros con diferentes infraestructuras y metodos se dedican a ir matandose mutuamente sin limites de fronteras, saltandose todas las reglas y controles, apoyados encubiertamente o ensalzados como héroes según este el patio, y tachandose mutuamente de terroristas globales. Asi está el mundo, más allá de cracks financieros, mundiales de fútbol y festivales de cine. Sangre, sudor y lagrimas. Los que aún disfrutamos por azar de la valla que rodea al jardín cuidado de la vieja Europa, nos conformamos con mirar para otro lado mientras que degustamos el postre ante el telediario de turno.

Rick Rowley pone la parte artistica con un tono muy cuidado que a veces nos sacá de la realidad de lo que se nos cuenta ya que estamos acostumbrados a que este tipo de documentales no este tan trabajado en su parte artistica. Fotografía excelente y una pizca de emotividad buscada e innecesaria por si no fuera poco el horror de lo que se nos cuenta.

Los Césares llamense Obamas o Octavios y los caudillos "barbaros" de los pueblos sometidos siempre se la han tenido jurada. Y a sus descendientes también por lo que pueda pasar. El pueblo a lo suyo mientras que la patada en la puerta no sea la nuestra. 

EL QUINTO PODER

Puntuación: 5
Duración: 2 h 4 m.
País: USA / 2013
Dirección: Bill Condom

 No hace tanto, 1974, en que el maestro Wilder, nos regaló "Primera plana", donde quedaba de manifiesto, de manera muy divertida por cierto, que el poder y el poder de manipulación de la prensa, de la información era una alternativa al poder político, cuando no un fiel servidor del mismo. La información está en manos, o estaba, antes de la revolución de internet, de un puñado de agencias cuyos propietarios dependen mayoritariamente de unos consejos de dirección plagados de intereses. Vamos que nos cuentan lo que quieren y como quieren en función de quién controle las riendas.

Las nuevas técnologias eran una bomba de relojeria que explotó en Wikileaks y que ya no hay quien lo pare. El equilibrio entre la privacidad y seguridad de las fuentes y la integridad de lo publicado es el filo de la navaja que unos y otros deben asumir, en función de que la verdad salga a la luz. 

Como siempre todo depende de en manos de quien este la cosa. Julian Assange parece, según la versión basada en libro de Daniel Berg, un personaje radical, con un fuerte ego y desequilibrios emocionales. Eso no puede desviarnos de que ha desbrozado el camino junto con sus colaboradores para que cualquiera pueda contar lo que pasa. El poder como siempre contraatacará, desinformará y veremos en que acaba la cosa.

Condon, cuyo curriculum "crepuscular" no parecía el más adecuado para incarle el diente a esta historia lo cuenta de forma farragosa y aburrida y el trabajo de Cumberbatch y Brühl, se difumina tanto que cuando al final se les da cancha es demasiado tarde. Dicen que el documental de Alex Gibney sobre el asunto, "We Steal Secrets: The Story of Wikileaks" es más esclarecedor. Ante lo visto habrá que verlo.

 

CAPITAN PHILIPS

Puntuación: 8
Duración: 2 h 15 m
País: USA / 2013
Dirección: Paul Greengrass

 

Tom Hanks a sus 57 años está en forma. Despues de llenarse la buchaca como mejor actor pagado por poner el careto en la saga de Dan Brown, vuelve  a meterse en la piel del americano medio al que le pasan cosas extremas. Greengrass de su misma quinta demuestra que cuando se hecha la cámara al hombro maneja como nadie la acción adrenalitica y pasados los minutos iniciales que poco o nada aportan los 45 siguientes son de infarto donde el montaje de Cristopher Rouse brilla con luz propia. Luego la cosa se vuelve más convencional aunque la cámara se sigue moviendo con soltura en el claustrofóbico ambiente del pequeño buque salvavidas.

Algunas pinceladas, pocas, nos hablan de lo que pasa en Somalia, (notables los actores que interpretan a los piratas) y porqué pescadores de buena voluntad se ven obligados a convertirse en piratas ilegales que combaten a los legales que les expolian su patrimonio pesquero y les condenan a la miseria. La eterna historia de explotadores y explotados por propios y foraneos. Greengrass y no sé si la novela en la que se basa, del propio Philips, no se entretienen demasiado en ello y ceden el protagonismo al músculo de los SEALS, (Ojito con robarnos a los yankees). El último tirón es una coda para que Hanks se luzca reflejando sentimientos a pesar de que el  cordón umbilical familiar es muy endeble.

Cuando menos te lo esperas han pasado dos hora quince y lo hemos podido contar. 

EL ANILLO DE BLING

Puntuación: 7
Duración: 1 h 30 m
País: USA / 2013
Dirección: Sophia Coppola

 Despues de la tremenda decepción que me supuso "Somewhere" (2010), vuelvo a reencontrarme con la Coppola que me interesa: aquella que no para de hablarnos de la vacuidad de la vida, de los placeres placebos que hacen que el tiempo pase y se nos olvide que estamos de paso. También "Somewhere" lo hace pero con una desidia insoportable. Aquí la cosa está más animada y tras un hecho real, la directora impone su peculiar ritmo en una mirada a una buen parte de nuestro futuro. El de un mundo decadente falto de referencias, cínico y superficial, final de un modelo de "civilización" que adora sin tapujos al becerro de oro cuando descubre que la tierra prometida solo está en este mundo.

Llama la atención lo descerebrados que son los personajes, la falta de conexión familiar, o incluso la desmesura con que la sociedad castiga a quien solo imita los idolos que ella misma crea. Al ver el acopio de abalorios y oropeles que algunos seres humanos atesorán cual urracas a costa de la explotación de millones de personas que carecen de lo más elemental, uno entiende ciertas cosas que no son politicamente correctas.

Seria injusto generalizar, pero cuando uno sacrifica su tiempo y se da un garbeo por la parrilla televisiva o sale de plaza y botellones no puede menos que pensar que "algo huele a podrido en Dinamarca".

Una banda sonora acertada se suma a un puñado de jovenes actores bien dirigidos, en los que brilla mediaticamente una Enma Watson, en plena explosión hormonal, buscando su camino en una profesión en la que si elige bien, tendrá su hueco. 

ÉRASE UNA VEZ (2ª y 3ª Temporada)

Puntuación: 6
Duración: 22 y 11 episodios respectivamente.
País: EE.UU. / 2012-13
Creadores: Edward Kitsis / Adam Horowitz

Hay que reconocer que el duo Kitsis-Horowitz son auténticos maestros, como en tiempos de posguerra, de darle la vuelta al cuento y con el forro confeccionar otra prenda apañada y vistosa. A costa claro está de volver locos a los personajes, que pasan de la luz a la oscuridad como el que cruza la acera y de machacar al enganchado fan con los mismos conflictos en diferentes situaciones. El tratamiento de los cuentos clásicos provocaria infarto en los hermanos Grimm y al propio Walt en el que se inspiran sus estereotipos.

Pero el caso es que la cosa va funcionando por arte de magia y el culebrón de principes y princesas que se van arrancando el corazón a la minima de cambio entre hechizo y hechizo nos atrapa cual niños perdidos. ¿Conseguirá el apuesto Garfio, enrollarse con La Salvadora? Rampel y Pan ¿resucitarán cual Fénix de sus cenizas? ¿Aparecerán Bambi y Dumbo?. La solución en la cuarta temporada.

PRISIONEROS

Puntuación: 9
Duración: 2 h 33 m
País: USA / 2013
Dirección: Denis Villenueve

Con "Incendies" (2010), Villenueve ya dejó constancia de lo que era capaz. En su desembarco en los USA con un reparto de lujo y relumbrón no ha desaprovechado la oportunidad y se ha marcado mucho más que un thriller al uso, el guión de Guzikowski posee todos los elementos comunes al género, pero introduce la variable en la que nadie queremos pensar. ¿Hasta donde puede llegar "el hombre bueno", en una situación extrema y desesperada?. Cintas como "En la habitación" (Tod Field / 2001), ya planteaba el problema.

Pero ahí no queda la cosa. La fotografía es esplendida, las atmósferas magistralmente subrayadas por la siempre sutil e inquietante música de Johann Johannsson y un reparto en estado de gracia hacen que el gusto por el metraje desmesurado de este director canadiense se deguste o más bien se sufra con desasosiego e interés. A veces uno tiene necesidad de hacer una pausa para tomar algo de aire. El uso de la lluvia como elemento dramático, el trabajo de dirección de actores y el manejo de los tiempos hacen que Villenueve nos haga prisioneros de sus prisioneros y a sus 46 años se esté abriendo hueco entre los grandes.  

PIE DE PÁGINA (FOOTNOTE)

Puntuación: 5
Duración: 1 h 41 m.
País: Israel / 2011
Dirección: Joseph Cedar

 Primer trabajo que veo de este israelí nacido en Nueva York, multipremiado dentro y fuera de su país en sus tres anteriores películas. La verdad es que me ha decepcionado bastante esta a priori interesante historia generacional cuyo drama parece tener barnices de comedia. La verdad es que servidor no le encuentra la gracia, le carga la omnipresente banda sonora, le aburren los inmensos tiempos muertos y se desespera con los repetitivos discurso sobre si el padre es o no merecedor de el premio Israelí. La cosa en algunos momentos genera tensión, que Cedar decide no resolver para que el espectador rellene aquello que la película no da. Hay subtramas esbozadas: el hijo que pasa de todo, la posible relación del padre con otra mujer y el estado policial que no se fia de nadie con sus constantes controles. Supongo que en el guión, premiado en Cannes, habrá un sentido más profundo que a mi se me escapa. Hasta que se me ocurra prefiero no aburrirme.

EL MÉDICO ALEMÁN (WAKOLDA)

Puntuación: 7
Duración: 1 h 30 m.
País: Argentina / 2013
Dirección: Lucía Puenzo

 Segunda adaptación a la pantalla de sus novelas de esta escritora, guionista y directora reconocida argentina. En este caso "Wakalda", nombre dado por una niña a una muñeca de las que construye su padre, cada una diferente a las demás con sus inperfecciones incluidas. Contraposición al mundo perfecto de la raza aria donde todos acaban siendo clones rubios, altos y de ojos azules, que proponia el nazismo. Paises como Argentina entre otros, en sudamerica y España entre otros europeos tienen una deuda pendiente con la historia por servir de via de escape cuando no de refugio de un nutrido grupo de criminales nazis que aprovecharon contactos con elementos del vaticano que les proporcionaron pasaportes de la cruz roja para poder irse de rositas con un curriculum de horror inimaginable.

Entre ello "el angel de la muerte", Josef Mengele cuyas atrocidades pseudocientificas cometidas en Austwich no me apetece recordar aquí. Alex Brendemüchl consigue con una interpretación austera meternos el miedo en el cuerpo ante tal personaje, pero lo más acertado a mi juicio de la cinta de Puenzo es la atmosfera, el ambiente de esos feudos escondidos donde las enseñanzas del III Reich siguieron latentes, trasmitiendo su herencia a nuevas generaciones cuyas raices alargadas aún no han sido estirpadas.

A la joven debutante actriz, Florencia Bado le tuvieron que explicar quien fue este "señor", que los monstruos existen fuera de los cuentos. Esta bien que Lucia Puenzo nos lo siga recordando.

CANNIBAL

Puntuación: 5
Duración: 1 h 56 m.
País: España / 2013
Dirección: Manuel Martín Cuenca
 

 La mirada interesante con la que encuadra, el mimo con el que observa a sus personajes, la excelente fotografía y ese tempo interminable conque pone a prueba al expectador no consiguen que el cine de Martín Cuenca funcione. Parece como si el propio director se quedara absorto comtemplando lo que rueda y se le olvidara cerrar el tapón del desague por donde se le escapan tantas cosas que propone y que a la postre se pierden. Ya lo hizo con su anterior obra "La mitad de Oscar" y aquí repite virtudes y defectos, con un Antonio de la Torre que derrocha esfuerzo vanamente para que al final todo sea a la postre más convencional de lo que aparenta.

He leido por ahí frases como: "inquietante estudio de la mente psicopática". Bonito envoltorio para el regalo convencional de siempre.

DIME QUIEN SOY.
Julia Navarro.
Editar. Plaza y Janés / 2010
1104 pgs.

  Como se suele decir: "el traje le viene grande". Ambicioso proyecto de Julia Navarro, escritora muy vendida de la que solo he leido esta novela de 1.104 a la que le sobran 800. Es en su último tramo de 300 págs. donde la novela realmente toma cuerpo, vibra y adquiere el pulso suficiente para que la vida de Amelia Garayoa empiece a interesarnos. 

Antes, una vez expuesta la trama, el narrador principal su biznieto responsable por encargo familiar de descubrir quien fue su bisabuela visita a una serie de personajes por todo el mundo mundial, prendidos con alfileres, incluido él mismo con los cuales Navarro intenta situarnos en los diferentes momentos historicos por los cuales atraviesa una protagonista cuya coherencia trastabillea de un lado para otro en función de lo que a la autora le interesa reflejar. Todo ello trufado con situaciones repetitivas que a la postre nunca abandonarán la narración.

Juega Navarro con la curiosidad insana y el cotilleo innato que todos llevamos dentro para saber que "fue de" y vamos desgranando páginas en espera de un final que se ve venir desde la página 30 y que solo sorprende por la falta de brillantez y aparente desgana con que pone fin al asunto. Supongo que agotada por escribir tantas páginas.

HISTORIA DEL MUNDO CONTADA PARA ESCÉPTICOS.
Juan Eslava Galán. / 2012
Editar. Planeta. 544 págs,

Este jienense de 66 años lleva ya unos cuantos empeñado en contarnos las cosas como son. Para ello utiliza mayormente la sátira inteligente con descaro y caiga quien caiga. Desafortunadamente caemos prácticamente todos hartos ya de mirar los árboles de la historia por separado y con el prisma de cada cual, generalmente de los vencedores. Galán toma distancia para que podamos ver el bosque donde dichos vencedores y vencidos a la postre podrían intercambiar sus papeles si este o cualquier azar del destino hubiera hecho caer los dados en otra posición. Despues de sus ejemplares sipnosis de periodos hístoricos: España, la guerra incivil, la primera guerra mundial, el cristianismo..., ahora remata la faena con una visión global del homo sapiens, sapiens desde que empezó a joderlo todo hasta nuestros días que aún sigue con la machaca.

Todo se resume tristemente en explotadores y explotados y lo demás son fechas, batallas, y nombres con mayusculas y minisculas. Como decía la MGM: "Lo que el viento se llevó".

GABRIEL GARCIA MARQUEZ (1927-2014)

"Muchos años después, frente al pelotón de fusilamiento, el coronel Aureliano Buendía, había de recordar aquella tarde remota en que su padre le llevó a conocer el hielo". Así comenzaba en 1967 "Cien años de soledad". Así fue como este Colombiano afincado mayormente en México se subió al cajón del podio de la literatura universal a tan solo un puesto de Don Miguel de Cervantes a quien disputó la fama mundial de El Toboso municipio real de la provincia de Toledo por aquel otro pueblo, Macondo, cuya ubicación residía  en una geografía más inmortal como es la imaginación. Esta mezcla de la imaginación, lo mágico, lo sobrenatural, imbricado sin costuras en la realidad nos desbrozó de golpe un sin fin de caminos y posibilidades en las letras no solo híspanas. 

La vida siguió, "Gabo", continuó escribiendo artículos de militancia socialista, otras buenas novelas, recibió Nóveles y otros premios, críticas por sus "amistades peligrosas"...

Media docena de sus obras, están en mi bagaje personal y casi toda su obra en los estantes de mi librería, pero fue con un cuento suyo: "El ahogado más hermoso del mundo", un monologo con el que realicé, con acento argentino, mi ejercicio de final de curso en esto de la interpretación, el que dejó huella y poso en mi alma de bufón. Años más tarde se lo vi en el Centro Cultural de la Villa de Madrid a la gran Norma Aleandro. Lo disfrute mucho.   

EL MAYORDOMO

Puntuación: 7
Duración: 2 h 12 m.
País: USA / 2013
Dirección: Lee Daniels

 Lee Daniels consigue redimirse, en parte, de ese engendro llamado "El chico del periodico" que nos endosó en el 2012. Miedo me daba ver este nuevo trabajo con sus más de dos horas de duración. Pero mira por donde la cosa no esta mal, aunque la realización y el guión no está a la altura de su selecto y anécdotico reparto de secundarios y mucho menos del gran trabajo de su reparto principal, con un guión del incipiente Strong que apunta maneras, quiere abarcar mucho y aprieta poco, en ese repaso sinóptico a los derechos civiles de los afroamericanos.

Si uno, como servidor, tiene la sensibilidad a flor de epidermis es facil emocionarse con la historia de este hombre y con la de un pueblo que ha pagado y sigue pagando con creces el tener un hueco en la tan cacareada tierra de promisión y oportunidades. Que su presidente sea negro no deja de ser, aparte de un gran paso adelante, un trasposición de la metáfora que en la propia película se ofrece con un Sidney Poitier reconocido y oscarizado: negro, sí pero como el Tio Sam manda.

El caso es que además hay una historia de padres e hijos que a servidor siempre le toca la fibra por muy trivial que sea.

También salen muchos cameos de gente famosa haciendo de gente famosa y los maquilladores se lucen. Vamos, que aprendemos un poquito de historia, soltamos la lagrima y nos olvidamos al instante en cuanto que cualquier emigrante en algún lugar tiene el descaro de saltarse las vallas correspondientes.

 

GRAVEDAD

Puntuación: 7
Duración: 1 h 30 m.
País: USA / 2013
Dirección: Alfonso Cuarón.

Es la primera película que veo de las nominadas a los Oscars así es que no puedo opinar sobre si me parecen acertadas sus 7 estatuillas que la convirtieron en la vencedora de la edición .Es cierto que cuatro de ellos son de los llamados "técnicos" y otro la BSO, sin que ello desmerezca por supuesto, pero a uno le parece que a poco que aporten las demás nominadas lo que se nos cuenta en "Gravity" y muy bien por cierto ya lo hemos visto media docena de veces y su argumento se podía haber despachado en la mitad de tiempo. Por mucho que el mensaje de superación este presente todo se reduce a un "me caigo y me agarro" cual Harold Lloyd espacial, continuado hasta el previsible final. Bullock y Clooney a quien se les agradece apoyar el proyecto y someterse a un engorroso rodaje donde apenas pueden actuar, poco aportan a la peripecia en si.

Ahora bien, esa peripecia tan sobada esta muy bien narrada y la angustia de buena parte de las calamidades se transmite al espectador, consiguiendo por otro lado trasladarnos al espacio gracias a una esplendida fotografía y a un 3D utilizado con inteligencia. La cosa pasa tan rápido como la velocidad a la que orbitan y el cine se vuelve a convertir en una ventana abierta a a la aventura y a otros lugares donde el común de los mortales nunca estaremos. Quizá por eso y dado las horas bajas que atraviesa la industria del celuloide merecen premio aquellas historias que te mantienen pegado a la butaca los clásicos 90 minutos.

CAPITÁN AMÉRICA: EL SOLDADO DE INVIERNO.

Puntuación: 7
Duración: 2 h 8 m.
País: USA / 2014
Dirección: Anthony y Joe Russo

No solo mejor que la primera entrega, donde solo funcionó la primera parte donde se nos cuenta el origen del mito, sino que se nota y se agradece el esfuerzo de Marvel/Disney para que la cosa tenga una entidad lo suficientemente adulta como para que el Capi salga airoso de su paso a la gran pantalla. Es cierto que el guión se estira demasiado, que no falta la consabida ración de explosiones coñazos y de que por el camino se pierden personajes fascinantes como El Halcón, que ha quedado  reducido a un gadget-man, más aceptable en nuestro mundo tecnológico que ese hombre pájaro cuya simbiosis con el autentico halcón que le acompaña añadía una vertiente más mágica y de respeto al mundo animal que este soldado bird-man. Pero el argumento se sigue con interés e intriga seas o no friki, los actores se identifican con los personajes. Mención aparte para Scarlett cuya composición de Natasha Romanov está pidiendo una cinta para ella sola a gritos. Y no está nada mal que una vaca sagrada como Redford encarne el lado negativo como metáfora de que no te puedes fiar de nada ni de nadie, sobre todo de los políticos de turno que velan por nuestra seguridad a costa de nuestra libertad.

También se agradece que las acrobacias en las que se luce nuestro héroe sean más reales que digitales aunque aún deberían mejorar el movimiento de la cámara y ya tocaba que las increíbles carambolas del escudo se lucieran un poco. Vamos que como fan del Capi he salido contento a la espera de que la cosa continue. También han mencionado a Stephen extraño y claro uno inmediatamente se ha puesto a salivar.

GLORIA

Puntuación: 7
Duración: 1 h 49 m
País: Chile / 2012
Dirección: Sebastian Lelio

Despues de visionar "Un hombre solitario", aquí tenemos una mujer solitaria. El mismo tema de la "segunda edad", aquella en la que se ha vivido lo suficente para darse cuenta de que la vida es una mierda maravillosa. La dirección aquí le debe todo a Paulina Garcia que hace suyo el personaje ante un guión al que le sobran veinte minutos y en el que acompañamos a esta resistente vital que arrastrando su pesado fardo emocional lucha con uñas y dientes para seguir existiendo, para seguir descubriendo el amor y la belleza entre las grietas de su mundo pequeño burgues, para seguir disfrutando de la música de su vida. Probablemente el mejor trabajo de Sebastian Lelio, este Argentino de nacionalidad chilena, andarin inquieto a quien el oso de plata a su actriz en la Berlinale le ha sabido a "Gloria". 

UN HOMBRE SOLITARIO

Puntuación: 6
Duración: 1 h 30 m
País: USA / 2009
Dirección: Brian Koppelman / David Levien

 Soderbergh le produce a su amigo Douglas esta curiosa e interesante propuesta que va escorando de un lado a otro durante su primera parte con peligro de naufragio estrepitoso y que poco a poco, gracias sobre todo al patrón Michael y dos excelentes marineros como Sarandon y Devito, consigue llegar sino a buen puerto al menos a puerto.

Si uno no es hombre y no pasa de los cincuenta la cosa todavia pierde más enteros, pero una vez superados todos los escollos queda un poso existencial inquietante que hace que no nos vayamos de vacio. El duo de guionistas que ocasionalmente también dirigen no pasaran a la historia por esta historia que ha tardado cinco años en llegar a nuestras pantallas a pesar de los nombres del cartel. Nacemos y morimos solos. Cuanto antes empecemos a aceptarlo mejor. 

Las Brujas de ZUGARRAMURDI

Puntuación: 6
Duración: 1 h 52 m.
País: España / 2013
Dirección: Alex de la Iglesia

 Zugarramurdi en la comarca de Xareta, Navarra, vivió a principios del XVII una quema de "brujas" por parte la 
inquisición. Otros municipios también tuvieron episodios parecidos pero las espectaculares cuevas que forma el rio Orabidea han creado el escenario ideal para seguir recordando el hecho y vivir del turismo que provaca la fascinación por los seres del más allá a quien el hombre necesita o bien para culparle de todos sus males o bien para confiar que sean el cambio que le permita disfrutar de la vida en este valle de lagrimas.

Alex de la Iglesia, sigue a pesar de sus saldos negativos en la cuenta de beneficios, jugando en el buen sentido a esto del cine que no cabe duda que le apasiona. Su carrera está llena de altibajos y el "enfant terrible" que prometia con "El día de la Bestia", hace ya 19 añitos se nos ha quedado en un "señor juguetón" que vuelve aquí afortunadamente por sus fueros con una comedia desmadrada, gamberra y excesiva, bien rodada y con una producción importante. El humor absurdo "made in patrio" con unos dialogos ocurrentes donde lo cotidiano se mezcla esperpénticamente con lo sobrenatural es lo que mejor funciona. Los actores parecen pasarselo bien, la pareja Silva-Casas convence y el resto de secundarios, incluidos nombres ilustres, dan fe de que en el cine español suelen ser de lo mejorcito. Al final, moraleja feminista incluida, todo se desmadra en un akelarre donde la venus de Willendorf se codea con brujas postmodernas, o punkies o lo que sean. Se llevó 7 Goyas técnicos y otra La Pávez. Menuda bruja. 

 

LA ESPUMA DE LOS DÍAS

Puntuación: 6
Duración: 2 h 5 m
País: Francia / 2013
Dirección: Michel Gondry

 

En 1937 Erich Maria Remarque, publicó su novela "Tres camaradas". Diez años despues Boris Vian realizó su personalisima adaptación: "La espuma de los días". En el 68 ya hubo una versión cinematográfica.

Boris Vian (1920-1959) coetaneo de Jean Paul-Sartre y Camús, vivió con intensidad el existencialismo y casi todos los ismos de principio del siglo pasado. Escritor, dramaturgo, ingeniero, músico de Jazz, hizo del surrealismo su herramienta predilecta para expresarse viendo la realidad sin las trabas de la razón para poder entenderla. Todo ello no exento de experimentación artística y critica social.

Llevar a la pantalla, dada las técnicas existentes hoy día, que permiten visualizar ese mundo alejado de la lógica hacen que la propuesta sea muy interesante. Gondry muy versado en el mundo de la publicidad y los efectos especiales traspone todo este mundo con eficacia y barroquismo pero por debajo o por encima de todo ello existe una historia de dos personajes que se aman y que sacrifican su bienestar por el del otro. La pareja protagonista carece de la quimica para ello y no empatizamos con su peripecia vital. Tautou que parece perenne en este tipo de films de estética y atmósferas similares, parece más desganada de lo habitual y Romain Duris a servidor le hace muy poca gracia.

Asi pues, la cinta acaba siendo una stravaganzza, dificil para un público generalista a mayor gloria de la dirección artistica.

Kon-Tiki

Puntuación:6
Duración: 1 h 58 m
País: Noruega / 2012
Dirección: Joachim Ronning / Espen Sandberg

 Cuando era un chaval, allá por los 70, cayó en mis manos un libro de 300 páginas de un noruego que llevaba el nombre del dios del trueno, Thor y un apellido impronunciable, Heyerdahl. Su epopeya que ya va por la decimocuarta edición y fue traducida a 70 idiomas me dejó un recuerdo imborrable. Despues vendrian la "Ra", otra aventura con otro nombre del mismo dios del sol y que vino a demostrar que los oceanos no fueron barreras insalvables para la comunicación de los pueblos primitivos.

En este caso entre las culturas incas precolombinas y los pueblos de la polinesia de origen asiatico.

El propio Thor dirigió un documental sobre la gesta en el 50 y  se llevó un Oscar por ello.

64 años despues otros dos noruegos vuelven a rememorar la odisea, esta vez sin Oscar, de esta media docena de hombres cuyo valor, ansia de aventura e inconsciencia a partes iguales les hizo embarcarse en una balsa de madera construida sin técnologia moderna y pasar más de tres meses cruzando el Pacifico.

El resultado son dos horas que pesan lo suyo a pesar de que los directores dosifican con inteligencia los hechos. Creo recordar que lo que más me impresionó en su momento fue la evolución de la convivencia de los tripulantes y las tensiones que ello generó en un espacio tan reducido y sin garantias de completar con éxito la misión. Aquí la cosa no va de eso y la personalidad y las motivaciones se dejan aparcadas en favor de la narración de los hechos. Filmada con solvencia resulta algo aseptica y uno recuerda el comienzo de Polanski en el cine donde dio una clase magistral de como filmar en un barco pequeño ("El cuchillo en el agua" / 1962). Los directores noruegos distan mucho de ello y han sido encargados de "Piratas del Caribe 5". Obviamente es otra cosa.

 

2 PISTOLAS

Puntuación: 6
Duración: 1 h 49 m
País: USA / 2013
Dirección: Baltasar Kormákur

 Buenos tiempos para la simbiosis entre el cómic o novela gráfica y el cine. Esta adaptación de la serie escrita por Steve Grant y dibujada por Mateus Santalouco no parecía prometer mucho. Demasiados cambios del original. Pero como se ha escrito hasta la saciedad la química entre sus dos protagonistas Washington y Whahlberg funciona tanto como para hacer que la cosa, que va de thriller convencional, resulte entretenida y divertida gracias a unos dialogos ocurrentes y frescos entre ambos. Todo lo demás esta rodado con correción y no es para tirar cohetes. El malo malisimo de Bill Paxton y la habilidad de Danzel para sacar drama donde apenas hay en un par de primeros planos, nos llevan al final en volandas. 

La novela gráfica 3 guns ya está funcionando y dado que han duplicado el presupuesto en la taquilla, seguro que estos dos "gun" la seguirán armando.

EMPLEOS

Puntuación: 4
Duración: 2 h 2 m
País: USA / 2013
Dirección: Joshua Michael Stern

 

 Probablemente lo mejor de esta propuesta es el cartel warholiano. Si uno no sabe nada de este hijo de su madre visionario que nos cambió la vida, poco o nada podrá enterarse con esta mala sipnosis de Matt Whiteley de la biografia escrita por Walter Isaacson (muy recomendable). Si la has leido podrás rellenar los inmensos huecos y comprender lo que sucede a duras penas entre elipses de record Guinnes.

Sorprende que dado la importancia del tipo y estando Apple dertrás no le hallan encomendado el proyecto a un director con mayor bagaje curricular. El autentico Jobs, en uno de sus días buenos lo calificaria de mierda.

No obstante algunas de las escenas podrían servir de ilustración al libro y el esfuerzo de Kutcher hay que reconocerlo.

EL JOVEN EDISON

Puntuación: 6
Duración: 1 h 26 m
País: USA / 1940
Director: Norman Taurog

 No se me ocurria mejor homenaje al gran Mickey Rooney que revisitar una de sus más de 100 películas. Por alguna razón "El joven Edison" permanecia en mi memoria con agrado. Asi pues he vuelto a disfrutar de esta versión coloreada del original de Taurog en el 40. Versión edulcolorada, preñada de valores familiares que no tiene empacho en cambiar los hechos de la juventud del genio de Edison para facilitar el melodrama elogiar la juventud del inventor y acumulador de patentes propias y de otros y hacernos pasar un rato agradable. Supongo que en puertas de la Segunda Guerra Mundial, la evasión y el creer que el esfuerzo y la superación siempre son recompensados era lo propio. Edison se nos presenta como un héroe salvador de vidas. Parece documentado que salvo a un niño de se arrollado por el tren pero el incidente de evitar el choque de las locomotoras parece que fue todo lo contrario y que una negligencia suya ante el telegrafo estuvo a punto de provocar una autentica colisión. Hecho este que le obligó a iniciar su periplo por Canada y abandonar Nueva Jersey de forma muy diferente a como nos lo cuentan en la cinta.

En cualquier caso la credibilidad del biopic es lo de menos. Enseguida empatizamos con Rooney y su familia y la galeria de personajes gruñones y simpaticos que le rodean. La moraleja es clara y la emoción y la sonrisa  tienen su hueco.

Rooney con sus 17 años ya era una estrella, la película tuvo una segunda parte con un Edison adulto interpretado por Spencer Tracy con el que Rooney también nos dejó "Capitanes intrepidos" (Victor Fleming / 1937) y "Forja de hombres" también de Taurog al año siguiente. 

Han pasado 74 años y de vez en cuando viene bien dejarse embaucar por ese cine de cine de barrio de sesión continua donde todavia eramos inocentes.

PRECIPITACIÓN

Puntuación: 8
Duración: 2 h 3 m.
País: USA / 2013
Dirección: Ron Howard

 

El lado bueno de Ron Howard. Ese que nos deja a sus 60 años un buen puñado de cintas para recordar, trufadas de otras para olvidar. En esta consigue llevarnos a los 70 mediante los F1, cuatro detalles bien colocados que diría el otro y se produce la magia, sobre un guión más que decente de Peter Morgan y un gran trabajo de los dos actores que encarnan el duelo deportivo y personal en que se vieron envueltos los campeones del mundo de automovilismo Lauda y Hunt. La fotografia, la BSO y el montaje estan tan engrasados como los motores de estos bólidos que pasados casi cuatro décadas nos parecen hoy de juguete. Uno andaba por los 17 cuando Lauda salió ardiendo de su monoplaza, su nombre aún resuena en mi memoria, no así el de Hunt que se retiró pronto y murió joven. 

Se agradece que Morgan se centre en la dimensión humana de los personajes, les rinda homenaje, se olvide de los intereses económicos que subyacen detrás del circo de la F1 y nos regale minutos de emoción sobre el asfalto. Lo dicho, el lado bueno del bueno de Ron.

MICKEY ROONEY (1920-2014)

Hay actores que se convierten en leyenda al morir jóvenes. Otros se curran la leyenda y aunque mueran con 93 años, mueren jóvenes. Este es el caso de Joe Yule Jr., un jovencito nacido en Brooklyn y al que le encaja como anillo al dedo aquel título de "Ha nacido una estrella" (George Cukor /  1954) con una Judy Garland con quien formaría pareja adolescente de tremendo éxito con cuatro comedías musicales del 39 al 43. Porque Mickey Rooney que debutó en las tablas de la compañía de vodevil con sus padres, cantaba, bailaba, actuaba y sobre todo desbordaba vitalidad y simpatía.

Con 1,57 de estatura  siempre fue un "polvorilla" que le robaba foco al más o la más pintada. Su mayor éxito fue como actor infantil y juvenil. Años 30 y 40. Época dorada de Hollywood al que llegó de mano de su madre. A los 12 años se cambió el nombre tras la gran popularidad  de su personaje Mickey Mguire, el apellido Rooney fue un recuerdo a un pariente compañero de vodevil.

Los éxitos se suceden  y la lista de películas sería interminable, más de 100 en toda su vida y más de 300 si sumamos televisión. Comenzó en el cine mudo y cuando falleció todavía estaba trabajando. Su gran vitalidad le llevó a 8 matrimonios, algunas adiciones y varios negocios y empresas además de su profesión de actor. Dos Oscars, al mejor actor juvenil y a toda una vida, amén de multitud de premios.

En mi memoria le recuerdo como el siempre despeinado "Joven Edison" (Norman Taurog / 1940), o el vecino asiático de

Audrey Hepburn en "Desayuno con diamantes" (Black Edwards/ 1961) por citar solo una gota en un mar.

Se nos ha ido joven este chico de 93 años, que se preparen los cielos porque seguro que cuando llegue la arma.

   

LA GRAN FAMILIA ESPAÑOLA

Puntuación: 8
Duración: 1 h 41 m.
País: España / 2013
Dirección: Daniel Sánchez Arévalo

 Despues de su opera prima "Azul oscuro, casi negro" (2006) este es su mejor trabajo. Sánchez Arévalo nos regala una comedia donde las tonterias son las justas, con un reparto en estado de gracia y la gran novedad de escuchar a actores jóvenes con su propio lenguaje sin que rechinen las neuronas.

Tiene altibajos, sí. Pero tiene escenas impagables, tanto de comedia inteligente como de drama, una gran trabajo con los actores, cinefilia, gusto con la BSO y muchos hallazgos de dirección que no se conforma con una planificación al uso. Además lleva moraleja. Y es que la familia como el amor no nace, se hace.

Fue la gran perdedora en los Goya en favor del film de Trueba. Espero que la taquilla se lo compense.

EL ESPÍRITU DEL 45

Puntuación: 7
Duración: 1 h 34 m
País: Reino Unido / 2013
Dirección: Ken Loach

 Las derechas siempre han sido buenas para ganar guerras. Todos unidos y palo al enemigo. A veces también las izquierdas se ponen el traje de derechas stalinista y obtienen el mismo resultado efectivo de aniquilar al oponente. Ambos utilizan sin embargo la misma munición: el pueblo.

Cuando llega la paz es otra cosa y ese pueblo, ese que se dice soberano pero que se escribe con letras de vasallo, siempre se empeña en obtener lo básico, a saber: Justicia, trabajo, educación y salud. Todavía estamos en ello, desgraciadamente.

El incansable militante Loach nos recuerda un tiempo en un país de grandes imperios donde la miseria dio un paso de gigante hacia la esperanza de una vida mejor. Los hombres y mujeres que lo pidieron tuvieron que avalarlo con su sangre en dos guerras mundiales y no se les pudo decir que no. Ya vendrían las calculadas crisis y la Tacher de turno con las rebajas.

Loach nos lo cuenta, tomando partido como siempre, apoyado por un buen surtido de imagenes de archivo y vuelve a poner el dedo en la llaga dando el penúltimo aviso para navegantes de su carrera. Es invevitable mirar a nuestro alrededor y ver como la historia es un bucle interminable.

 

RIDDICK

Puntuación: 6
Duración: 1 h 53 m
País: USA / 2013
Dirección: David Towhy

David Towhy, debe ser ya como de la familia del inefable furiano, Richard B. Riddick, profugo, malabestia y superhéroe todo en uno. No en vano ha dirigido la tres películas de la saga "Las Crónicas de Riddick" y dos más de animación sobre el mismo personaje, creado por Jin y Ken Wheat y que creó su propia leyenda a raiz de la primera cinta "Pith Black", un trabajo menor que acabó siendo el trampolín para Riddick/Diesel.

En esta tercera entrega, más de lo mismo, ni mejor ni peor. Producción competente, acción, machadas de Riddick, aliens que nos recuerdan a los velociraptores y una puesta en escena cuidada con los gadchest correspondientes, con una primera parte más interesante y una segunda donde todo es previsible, sobrado y unas cuantas lineas de dialogo que condenarían a la hoguera cualquier guionista que se precie.

Se degusta como un cómic entretenido sin pretensiones. A quien le guste un cómic entretenido sin pretensiones. 

ERASE UNA VEZ (1ª Temporada)

Puntuación: 7
Duración: 22 episodios.
País: EE.UU. / 2011-12 / ABC
Creadores: Edward Kitsis / Adam Horowitz 

Este cuento de cuentos huele a "Lost", tiene los mismos guionistas que nos tomaron el pelo con el famoso avión de Ocean. De momento el encaje de bolillos para acomodar los cuentos y sus personajes a esta doble realidad de mundos paralelos les está dando buen resultado y la fantasía y la realidad gozan paradojicamene de la coherencia necesaria para que la trama se siga con interés. Un buen reparto identificado con sus personajes ayuda y una puesta en escena  que mejora capitulo a capitulo donde destaca el diseño de vestuario, aunque la visión Disney de los cuentos centroeuropeos a veces chirrie. La temporada que nos ocupa tiene baches, sobre todo cuando el tono pastelón se impone sobre la intriga y la fantasía pero en general esta bien contado y a todos nos gusta que nos cuenten un cuento. Continuará... 

LA PIEDRA DE LA PACIENCIA

Puntuación: 8
Duración: 1 h 42 m.
País: Afganistán / 2012
Dirección: Atiq Rahimi

 A sus 83 años Jean-Claude Carriére, colaborador habitual de Buñuel y con un palmarés como guionista espectacular, adapta el premio Gouncourt del 2008 del propio Atiq Rahimi que también la dirige. No es la primera dirección de Atiq sobre una de sus obras, ya lo hizo con "Tierra y cenizas"en el 2004.

Ambos han conseguido un trabajo notable potenciado por la mágnifica fotografía de Thierry Arbogast y la no menos mágnifica interpretación de Farahani, actriz iraní de belleza hipnotizante.

La historia que no puede dejar de evocarnos a "Cinco horas con Mario" de nuestro Miguel Delibes, ni a los cuentos de Sherezade en las Mil y una noches, expone de manera metodica la situación de la mujer en el mundo íslamico en general y en Afganistán en particular. "La piedra de la paciencia", último recurso mágico según las leyendas persas parece ser aún el último recurso que les queda a estas mujeres que se ven aplastadas por otra piedra cultural y religiosa tan pesada como insoportable. El que Afganistán haya producido la cinta ya es un soplo de tiempos de cambio. Apenas un soplo. El propio Atiq y Rahimi viven en una Francia donde la vida les permite aquello que no podrían desarrollar en su propia tierra.

 

El acto de matar

Puntuación: 8
Duración: 3 h.
País: Dinamarca / 2012
Dirección: Joshua Oppenheimer

 

No tengo palabras. Si acaso aquellas que pronunciaba el coronel Kurtz interpretado por Marlon Brando en "Apocalypse Now" (F.F.Coppola / 1979): "EL HORROR".

El hombre adorable que sonrie junto con sus nietos en los fotogramas finales, Anwar Congo, asume el protagonismo de ser el representante de todos aquellos "seres humanos" que existieron, existen y existirán para recordarnos permanentemente de que está formada una parte del material que estamos hechos. La interminable lucha entre esta parte y su opuesta, de momento y a la vista de este documento imborrable la seguimos perdiendo.

Valorar el trabajo artistico de este trabajo de Oppenhaimer, acreditado, documentalista es un lujo que no nos podemos permitir ante los hechos que en él se narran y que nos dejan absolutamente sin palabras. Su metraje imposible, es innecesario, apenas se necesitan unos minutos para que el alma se hiele.

Las repercusiones sociales y políticas en Indonesia despertarán conciencias y cambiarán pocas cosas. El cine lo seguirá intentando y a los demás solo nos queda, como al "señor" Congo, vomitar de asco y de verguenza.

PARADISE: ESPERANZA

Puntuación: 6
Duración: 1 h 31 m
País: Austria / 2013
Dirección: Ulrich Seidl

Ulrich cierra su trilogía sobre el lado oscuro de la vida. Ahora le toca el turno a la juventud, donde se supone queda depositada la esperanza de un mundo mejor. La que aquí nos describe su director es aquella que está bien cebada por los logros económicos conseguidos por sus antepasados y que disfruta de sus privilegios, solo interesados por el opio de las nuevas técnologias, de las drogas legales o no, como el alcohol, y las pulsiones propias de su edad adolescente: el sexo y el amor idealizado.

Su deriva vital la queremos encauzar a base de disciplina, de orden y de cánones que nos venden en el implacable bombardeo de los anuncios. En el fondo, como el cuarentón médico de la cinta envidiamos la juventud perdida y somos conscientes de la soledad que hemos construido. La versión desde luego es pesimista y una vez más Ulrich nos lleva a los supuestos extremos para que reflexionemos sobre ello.

Aquí es menos explicito y menos provocativo visualmente, siguen sus encuadres simetricos y su ritmo cadencioso. Puede y en momentos lo consigue divertirnos y aburrirnos pero nunca debería dejarnos indiferentes.

Notable la actuación de Melanie Lenz, bien secundada por el resto del reparto. 

¿DONDE ACABAN LAS PELÍCULAS?

Viajo mucho. Conozco prácticamente los minicines de toda España.
Es, desafortunadamente, norma habitual que en cuanto aparecen títulos de crédito en la parte final, enciendan las luces de la sala, privándonos a aquellos que entendemos que la obra cinematográfica es un todo artístico del trabajo que cada director ha elegido para cerrar su obra y dejarnos ese poso visual y musical acorde a lo que hemos visto, de las condiciones visuales y acusticas que merece y que por ende hemos pagado a precio de oro.
La excusa dada siempre por los operadores de cabina que programan el encendido de forma poco profesional es que el público que desea salir no ve. Ese publico debería por respeto a los demás "aguantar" el par de minutos que de media duran dichos finales, independientes de los créditos generalistas que están bien definidos, aunque acompañados de BSO y puede que con sorpresitas finales. A nadie le encienden las luces si llega con retraso molestando al personal ni a los que deciden salir a mitad del metraje.
Hace tiempo que en los teatros se empezó a educar al respetable no dejandole entrar si la función había comenzado.
Uno sospecha que los "profesionales" de cabina quieren ganar segundos a su descanso, su finalización de jornada o necesitan tiempo para desempeñar otras labores dentro de la sala dado el escaso personal con que cuentan.
Por otro lado jamás regulan el sonido, cosa que se puede hacer sin dificultad al número de espectadores y es habitual dado la crisis que media docena de espectadores reciban watios como si la sala estuviera llena.
Si no cuidamos por parte de las salas exhibidoras el respeto que merece el cine como arte y el público no tiene en consideración al resto de la sala la sangría que se viene produciendo de espectadores dado los precios irá en aumento.


MUD

Puntuación: 9
Duración: 2 h 10 m.
País: USA / 2012
Dirección: Jeff Nichols

 Absolutamente imperdonable que "Mud" no haya estado presente en los Oscars. En cualquier caso es una buena muestra de que la maraña de intereses que confluyen en los premios más emblematicos no siempre van parejos al arte o a la calidad de las películas. En cualquier caso esta maravilla con olor a clásico donde Twain se da la mano con Faulkner ahí está para que la disfrutemos más de una vez.

Tercer trabajo de Jeff Nichols del que ya me hice fan con solo ver "Take Shelter" y del que ya estoy salivando para ver "Midnight Special", su próximo trabajo.

Todo o casi todo en "Mud" es poesia pura. Desde la mirada amorosa y critica a su tierra y a sus gentes del director que rezuma por los cuatro costados, a la perdida de la inocencia de estos chavales que vivien su última aventura, con una barca  varada en la copa de unos arboles (genial metáfora) que espera como instrumento de libertad, al amor, ese dificil por el que morimos y matamos y que no tiene nada que ver con san valentines y que nos persigue toda la vida.

Aún le sobra tiempo a Nichols para hablar de la amistad desinteresada, de padre e hijos y de las gentes que subsisten en las orillas de todos los rios del mundo.

Pocos directores como Nichols tienen el don de plasmar en imagenes lo que ellos mismos escriben, con tanto acierto. Los actores estan todos y cada uno impecables, sobre todo los niños y McConaughey se está ganando a pulso un lugar en la historia del celuloide. Además Nichols es tan habil que hasta la fecha siempre añade ese toque, en este caso de thriller, comercial para atraer al gran público. Para embaucarle con un envoltorio que esconde mucho más de lo que ofrece.

Hay verdad, hay belleza y hay un poso que perdurará en mi memoria.

EPIC, EL MUNDO SECRETO.

Puntuación: 8
Duración: 1 h 42 m.
País: USA / 2013
Dirección: Chris Wedge

Se ha hecho esperar Chris Wedge desde la estupenda Robots (2005), aunque la publicidad prefiera mencionar otros trabajos. Esta vez sin la colaboración de Carlos Saldanha. El resultado es más que notable en esta aventura, donde los cinco guionistas que se han necesitado para adaptar el libro de Willian Joyce, parecen más que excesivos, dado que la historia se atiene a los canones convencionales con la gama de personajes tipo en esta clase de historias. 
Por los demás el diseño artístico tiene momento de lucimiento y todo lo que tiene que funcionar, funciona de manera razonable, enfocada más bien al público infantil pero disfrutable en familia sin que pese el metraje.

Epic apela al mundo mágico que se esconde tras la naturaleza y que vivie en simbiosis con ella. Argumento este de larga tradición popular y que siempre engancha en nuestro sentimientos más atávicos. 

CRUCE DE CAMINOS

Puntuación: 5
Duración: 2 h 20 m.
País: USA / 2012
Dirección: Derek Cianfrance

Terrible decepción. Alguien que es capaz de cortarnos la respiración y dejarnos con el alma colgando en "Blue Valentine", como puede desperdiciar los mimbres  de los primeros treinta  minutos para acabar deambulando por unas vidas cruzadas generacionales, con pretensiones épicas. Hay más épica en la primera mirada de un grandioso Gosling que en las casi dos horas y media del resto del metraje. 

El título original "The place beyond the pines", que tampoco es que aporte mucho, ha sido sustituido por el más acorde, visto lo visto de "Cruce de caminos" y eso es lo que parece que le ha pasado Cianfrance, que se le han cruzado los caminos o los cables y se ha hecho un lío de órdago.

Tres guionistas firman la obra. Parece como si cada uno por libre se hubiera encargado  de una de las tres partes que componen la historia, y que cada uno de ellos quisiera hacer su propia película. No sé si coincidirá la primera de ellas con Cianfrance pero es en esta parte donde uno reconoce el estilo, esas luces a lo Wong Kar-wai, esos personajes a pie de calles oscuras y vulgares donde se buscan desesperadamente aquellos que solo anhelan aquello que no se compra con dinero. Las otras dos partes del trágico tríptico, parecen estar dirigidas por otra cabeza. La verdad es que no sé a donde nos han querido llevar. Quizás a un lugar más allá del quinto pino del desproposito.

Se agradece que Mendes, Cooper y los chicos se esfuercen lo suyo por asomar la cabeza. Liotta como siempre a lo suyo (cada día da mas miedo este hombre).

Bueno querido Derek, por esta vez pase. Pero que no se vuelva a repetir.   

PERDER LA RAZÓN

Puntuación: 6
Duración: 1 h 50 m.
País: Bélgica / 2012
Dirección: Joachim Lafosse

El goteo sutil, la presión milimétrica a la que va siendo sometida el personaje femenino protagonista, sustentado por una magnifica interpretación de Émile Dequenne, hacen junto con su desenlace que esta aburrida puesta en escena de Lafosse merezca la pena. La cámara esta obsesivamente situada escondida detrás de algo o de alguien y las elipses temporales se suceden sin apenas reposo, dejando que los hechos hablan sobre las personas que permanecen ocultas tras ellos. Supongo que esto es lo que marca esta obra como de autor.

A mi juicio lo verdaderamente escalofriante del asunto basado en una noticia de prensa, es la banalidad  del mal, las actitudes egoístas asumidas como normales por educación, cultura o necesidad material. Lo razonable que parece todo hasta que deja de serlo. 

PARAISO: FE.

Puntuación: 5
Duración: 1 h 48 m.
País: Austria / 2012
Dirección: Ulrich Seidl

Segunda entrega de su trilogía con la que Ulrich pretende entrar  cual elefante en cacharrería en los arquetipos más sagrados de nuestra especie. Creo que en esta, dedicada a la religión en general y católica en particular, apunta menos que  en su anterior trabajo y se dedica a lanzar a boleo piedras a ver  si acierta en algo. La provocación inherente a sus propuestas, escandalizará a muchos y dejará indiferente a otros que  exigimos algo más de rigor cuando se trata de meter el dedo en la llaga. Poco o nada sabemos de las frustraciones y los porqués que llevan a esta mujer burguesa a refugiarse en el extremismo religioso. Obviamente este evita que  pensemos demasiado en el sinsentido maravilloso  de la vida a cambio de otro sentido más claro y menos maravilloso.

La fé y las creencias de cada cual me merecen un gran respeto. Otra cosa son los dogmas y toda la parafernalia variopinta que conllevan. El metraje se hace largo, la reflexión cansina y solo algunos encuadres, algunas escenas de valor intrínseco en si mismas y un humor, a veces, que a mi me recuerdan al genial Tati, en su lado oscuro, si es que existiera tal, la hacen llevadera.

Vamos a por la tercera, por si la cosa mejorara. 

JUERGA HASTA EL FIN

Puntuación: 5
Duración: 1 h 46 m.
País: USA / 2013
Dirección: Evan Goldberg y Seth Rogen

Hay que reconocer que a los que ya cumplimos el medio siglo y crecimos con las comedias clásicas y disfrutamos con el humor de Keaton, Chaplin, Sellers, los Monthy, Tati..., en fin por citar una ínfima muestra, estas frikadas USA, este humor de Fast Food nos cuesta.

Pero también hay que  reconocer que este apocalispis-zombie-canibal tiene su punto y en algunos momentos, gracia.

Se agradece que la flor y nata de estas comedias ayudados por algunos amigos se rían de si mismos. Se divierten con sus temas recurrentes, como la marihuana y el sexo. Pero la parodia de géneros, funciona en general y la irreverencia, lo política y religiosamente incorrecto y la critica hipócrita o no hacen que aguantemos el metraje sin sentir que nos la han metido  doblada.

"Este es el fin", dice el título original. Ojalá que de la parte más zafia y vulgar de este tipo de comedias, lo sea. De la otra parte: "Avanti a tutta maquina"    

EL ÚLTIMO CONCIERTO

Puntuación: 8
Duración: 1 h 45 m.
País: USA / 2012
Dirección: Yarón Ziberman

Se estrena en esto del largo Ziberman, un israelí americano con una pieza de cámara que también escribe, en una producción independiente que ha conseguido reunir a unos interpretes de lujo que se dan el placer de rebajar sus salarios para poder hacer lo que les gusta, que es interpretar personajes con "chicha", con sabor a teatro y aroma de buen cine. Lo bordan. Sobre todo P.S.Hoffman que nos deja prácticamente su testamento actoral a falta de su aportación a "Los juegos del hambre" en la que probablemente él será como siempre el mejor. Y un Christopher Walken que se nos va también despidiendo poco a poco dejándonos perlas impagables como este trabajo.

Cuatro seres humanos, unidos por lazos profesionales, sociales y por otros tan sutiles e invisibles como la música, el amor y la amistad. Lazos que a su vez van estrangulando con el paso de la vida sus propios egos, sacrificados en aras de un cuarteto que busca la perfección, solo alcanzable si permanecen unidos. ¿Merece la pena dicho sacrificio? La pregunta  queda en el aire, mientras que suena Beethoven. Él sirve como ejemplo perfecto de genio atormentado. 

EL LLANERO SOLITARIO

Puntuación: 4
Duración: 2 h 29 m.
País: USA / 2013
Dirección: Gore Verbinski

Parece que por el momento la adaptación a la gran pantalla de este héroe radiofónico creado en 1933 por Frank Striker, sigue gafada. La versión de 1981 "La leyenda del llanero solitario" (William A. Fraker), fue un fiasco y esta no le va a la zaga. A recuperado su inversión justita y por los pelos. Pero no dar beneficios es un fracaso.

Es evidente y de bulto que el batiburrillo de géneros que han mezclado los guionistas es un caos y que el desbarre desmedido de Verbinski funcionó en "Rango" pero aquí empacha como lentejas con mermelada. Si a eso le sumamos que detrás está Bruckheimer produciendo y Sparrow haciendo el indio, pues....

Uno ya tenia miedo de que Disney se pusiese a producir a superhéroes marvelianos, a los que de momento no les han meetido mucha mano, pero aquí se les ha ido la idem y todo es absurdo, desmedido y sobre todo muy poco gracioso, dado que Depp y Hammer juegan al duo cómico. También hay muchos trenes. Y afortunadamente William Fichtner y Tom Wilkimson componen estereotipos creibles.

No se pueden mezclar churras  con Wendigos, mito este más de las tierras altas y boscosas cercanas a Canadá que de Nuevo México por donde pululaban los comanches.

"Laurel y Hardy en el Oeste" (1937) y "El maquinista de la general" (1926), esos si que si.   

UNA CASA EN CÓRCEGA

Puntuación: 6
Duración: 1 h. 20 m.
País: Bélgica / 2011
Dirección: Pierre Duculot

Primer largo de este cineasta preocupado en sus dos cortos anteriores por la búsqueda de la identidad personal, por invitar a rebelarnos a no dejar que nos arrastre la corriente de lo establecido y que aunque haya que mover el culo, caer y levantarse, merece la pena encontrar nuestro lugar en el mundo y vivir sin muletas ni miedo a la soledad.

Que fácil es decirlo. Para ello nos narra con sencillez una aparente también sencilla historia de una joven mujer a la que el destino le pone la ocasión mediante la herencia de una casa de su abuela en "el culo del lobo". Un lugar bello y apartado donde el hipotético jardín del Edén, acaba siendo  el punto de partida  para reencontrarse con los suyos.

Bien  llevada por sus interpretes se deja ver con agrado.

PARAÍSO: AMOR

Puntuación: 7
Duración: 2 h.
País: Austria / 2012
Dirección: Ulrich Seidl

Ponerle una clasificación a esta inclasificable patada en la boca de nuestras conciencias no ha lugar. Así que no se fíen. Uno piensa a tenor de lo visto aquello de Garci de "que grande es el cine" que alberga bajo la misma protectora oscuridad a "Blancanieves" de Disney y a esta trilogía donde Ulrich nos pone "desnudos" ante el espejo sin hipocresías con la mejor intención  de provocarnos con su "pornografía social" como él mismo dice. La cosa da para pensar más allá de las dos horas de metraje y para aburrirse muchísimo antes. Algunos incluso quedarán que se escandalicen por ver un tipo de verguenzas al aire. Espero  que no sea por las fisicas, sino por las otras que las hay y muchas.

El tono de documental-ficción que cada vez abunda más hace creíble lo que ya sabemos que lo es pero preferimos ignorar los de este lado de la balanza. Los que de momento seguimos al otro lado de la cuerda que separa a los de la tumbona de los que permanecen de pie esperando las migajas de lo que les hemos robado a golpes de evangelización moral y expolio material.

La actriz Margarete Tiesel pone toda la carne en el asador, incluso literalmente y nos enseña sin pudor toda la frustración y el desencanto que hemos ido almacenando en nuestros Estados de Bienestar.

Y además tenemos la luz de Kenya y la fotografía de Lachman y Taler y un bonito final. Por contra el Director se regodea en aquello que comprendemos a los 20 minutos y nos "obliga" a tragar durante dos horas cuando ya estamos llenos.

A mi personalmente me apetece ver los otros dos tramos de la trilogía. Allá cada cual con su conciencia y sus tragaderas. 

EL EMBLEMA DEL TRAIDOR
Juan Gómez-Jurado
Plaza y Janés / 2008
Pp 464.

 

Mi bibliotecaria de oficio me ofrece esta novela como "algo entretenido". Vaya si lo es. El tópico de que no puedes soltarla se hace realidad y en un "pis pas" se devorá ayudado por el estilo muy ágil y la prosa sencilla y clara de Gómez-Jurado.

Heredero de la linea cinematográfica que imperan en los jovenes novelistas de hoy, esta historia está muy bien llevada, llena de intriga, suspense y emoción con unos personajes con los que empatizamos en los primeros parrafos y que saltan a nuestra imaginación con mucha nitidez. El entorno es didactico, la Alemania de entre guerras crea el marco creible para que la ficción se mezcle con la realidad y aprendamos al mismo tiempo que disfrutamos. Algunas subtramas como la de las logias masónicas no estan a la altura de su importancia en el desarrollo de los hechos, pero en general es un libro que se disfruta como un buen entrante para abrir el apetito del gusto por la lectura.

ELYSIUM

Puntuación:7
Duración: 1 h 49 m
País: USA / 2013
Dirección: Neil Blomkamp

 Bueno por fín llegó el esperado trabajo del prometedor Blomkamp despues de sorprendernos en el 2009 con su "Distrito 9" y la verdad es que ya sin el efecto sorpresa y con muchisimo más presupuesto nos ha dado más de lo mismo. Es decir un trabajo interesante en general, excelente por momentos y muy convencional en otros.

En "Elysium" hay un arranque de lo mejorcito de la Ciencia Ficción, esa que nos ofrece un futuro no muy lejano y creible donde las virtudes y defectos de hoy se amplifican y nos permite vislumbrar un futuro con grandes luces y muchisimas sombras. En definitiva, que la especie humana camina disociada del imparable progreso técnico y el egoismo animal y primario que no evoluciona y en el cual el fuerte siempre vive a costa del debil.

Mat Damon, siempre eficiente da aplomo a un personaje que se queda corto como toda la denuncia social. Las "pateras espaciales", la sanidad privilegiada, la ley y el orden, la burocracia insensible y una tierra convertida en ghetto de una superpoblación márginada constituyen lo mejorcito de la propuesta, aderezada eso si con un buen abanico de gadgets propios del género, muy creibles en días no tan lejanos.

A mitad de la cinta el guión se decanta por la acción y el espectáculo mil veces visto y uno se siente defraudado por mucho que la cosa siga siendo entretenida.

En fin, la taquilla ha ido muy bien y Blomkamp espero que no tarde otros cinco años en acudir a su próxima cita.

RENOIR

Puntuación: 7
Duración: 1 h 41 m
País: Francia / 2012
Dirección: Gilles Bourdos

 

 Bourdos consigue, con una dirección artística y una fotografía admirable, abrir una ventana al mundo que rodeaba al famoso pintor impresionista a principios del pasado siglo. Nos asomamos a un entorno donde la naturaleza y la luz de la Costa Azul enmarcan las composiciones de desnudos que en su última época interesaban al autor. El director lleva a la pantalla la atmosfera en que viven sus personajes. Su hijo Jean, futuro gran director cinematográfico, su hermano pequeño Cloud, y su última modelo de importancia Andrée Madelaine Heuschling, junto con una pléyade de mujeres al servicio de la intendencia de la villa donde transcurre la acción. Acción pausada, bella, donde las pasiones se ven atenuadas por la importancia de la obra del artista. El horror de la primera guerra mundial en pleno apogeo revolotea sobre esta isla que pretende aislarse con un muro de belleza. El viento siempre perenne se lleva los últimos coletazos del pasado siglo XIX y trae nuevas esperanzas donde el cinematógrafo se hará un hueco arrasador en las artes.

El esbozo de los personajes como los apuntes de Renoir padre apenas nos dejan intuir el mundo que se les avecina donde triunfarán unos y otros caerán en el olvido. La importancia en la vida de los Renoir de Gabrielle Renard prima de la mujer del maestro apenas se insinua.

Boudos queda atrapado en este castillo interior y se le va el metraje en bellas composiciones.

La película se disfruta si uno antes se documenta sobre los protagonistas, si no, los minutos languidecen en imagenes pagadas de si mismas.

ROJO 2

Puntuación: 6
Duración: 1 h 56 m
País: USA / 2013
Dirección: Dean Parisot

 Sigue siendo una gozada acompañar a estos ilustres jubilados en sus locas aventuras tan bien secundados por Zeta-Jones y Mary-Louise Parker. Todo es frívolo, caricaturesco y si uno no es muy exigente, divertido. Bruce hace lo que sabe hacer y los demás demuestran que sus apellidos ilustres son capaces de sacar más que petroleo de un divertimento intranscendente como esta versión light del cómic de Warren Ellis y Cully Hammer para DC. Parisot pone el ritmo y las escenas de acción estan bien rodadas, algunas de ellas espectáculares a las que se acomoda como anillo al dedo la energica BSO de Alan Silvestri.

Hopkins se va retirando como pulgarcito, dejando migajas en pequeños papeles que roban protagonismo al más pintado.

Si la taquilla les acompaña puede que veamos una tercera entrega. Pues vale. No pasa nada.

 

 

Pacífico

Puntuación: 6
Duración: 2 h 11 m
País: USA / 2013
Dirección: Guillermo del Toro

 Fijense bien en el cartel porque es todo lo que hay. Nada más. Y nada menos. "Mazingers" contra "Godzillas". Aunque el apabullante diseño de producción los adapte a nuestros días. Con un arranque potentisimo apoyado por una banda sonora excelente, volvemos a sentirnos niños y deseamos ponernos a los mandos de estos robots gigantes ultramolones para zurrarle la badana o lo que tengan a esos bichos malotes que quieren comerse nuestro mundo. Del Toro lo borda, o mejor dicho su equipo de animación y es un goce para los sentidos.

Lo malo es que también hay personajes de carne y hueso y un guión que sobran (excepto el siempre genial Ron Perlman). Entre batalla y batalla tenemos que aguantar los tópicos más manidos y sobados que sonrojan al más pintado. No les hagan ni caso. Afortunadamente el metraje se inclina más por la animación. Asi es que agarrense los cinturones y: "!Puños fuera"!

 

LOS GUARDIANES DEL LIBRO
Geraldine Brooks / 2008
RBA Libros / 400 págs.

 A los libros me resulta más complicado adjudicarles una puntuación que a la películas. Recomendar que alguien se disponga a "enfrentarse"a 400 o 600 págs. es más responsabilidad que hacerlo ante apenas dos horas de una cinta de cine. Y además sobre gustos pintan colores.

Ahora bien si al terminar de leer un libro sientes la necesidad de que siga ocupando un hueco en tu biblioteca, que te siga acompañando con su recuerdo desde la estanteria, es la prueba definitiva de que la llama de sus páginas ha prendido en alguna parte de tu ser. Este es el caso.

 Geraldine Brooks, 58 años, periodista y escritora Autraliano-Americana a quien descubro con esta obra publicada hace ya 6 años tiene un nivel de escritura por encima de la media de la pléyade de escritores que por unas u otras razones, supongo que mayoritariamente económicas se apunta a la "novela histórica" con un estilo que mira de frente y sin pudor al futuro y posible guión cinematógrafico. Con solo tres novelas publicadas desde el 2001 cada una de ellas ha sido premiada con ventas y premios, entre ellos el Pulitzer por su anterior trabajo, "Marzo" en el 2005.

 Convertida al judaismo y con una amplisima experiencia tanto en Oriente Medio como en el avispero de los Balcanes como periodista sabe de que habla cuando construye una ficción sobre la Haggadah de Sarajevo libro real cuya peripecia histórica va rastreando con una mezcala de datos contrastados y ficción especulativa a través de los diferentes poseedores, autores y guardianes de este libro de oraciones judias profusamente ilustrado. 

Tomando como personaje central a una restauradora e investigadora de libros con su propio bagaje existencial, avanza y retrocede en el tiempo con una técnica que al principio puede resultar desconcertante pero que a la postre añade interés y misterio confeccionando un "laberinto" donde cada pista conduce a desvelar una parte del enigma.

Impregnado de un mensaje multicultural y de respeto por todos y cada uno de los pueblos que saben que los libros seguirán siendo los guardianes de su propia identidad.

SOLO EL VIENTO

Puntuación: 8
Duración: 1 h 38 m
País: Hungría / 2012
Dirección: Benedek Flegauf

 
 Dificil de olvidar, esta cinta supongo que entrará en el catalogo de la historia del cine de Mark Cousins, como esponente de ese cine "anti romantico" alejado de resultados de beneficios y que quedará en el olvido del gran público como "carne de festival". Del cine Húngaro apenas nos llegarán cintas si no están, como esta premiadas por el jurado de la Berlinale. Y sin embargo...,

no podré olvidar a esta familia de etnia gitana a la que solo conoceremos durante un día, desde el amanecer hasta que cae la noche. Apenas hay dialogos, ni banda sonora, solo hay vida, esa que compartimos millones de seres aunque estemos dentro del mismo planeta en universos paralelos. Ellos viven en una de esas abundante galaxias de pobreza, de semi esclavitud, de sueños incumplidos y de constante amenaza de que su frágil castillo vital sea derrumbado por aquellos que canalizan su odio, sus frustraciones y sus intereses en todo lo que consideren diferente.

Les acompañamos en uno de tantos días repetidos de esfuerzo y sacrificio pero también de vida, de ilusiones, de fantasias, de esperanzas. Nada ocurre que no sea rutinario si les miramos un instante pero si nos detenemos a escuchar sus silencios, sus miradas, veremos y sentiremos tantas cosas comunes.

Flegauf, no juzga, solo observa, mueve la cámara con respeto y elegancia y nos ofrece una paleta de colores, de luces y de sentimientos apabullante. Un gran trabajo que va más allá de una etnia o un región concreta.

No es entretenida, ni divertida. Aviso para navegantes.

GUERRA MUNDIAL Z

Puntuación: 7
Duración: 2 h 3 m
País: USA / 2013
Dirección: Marc Foster

 Hay que reconocer que este holocausto zombie por piezas, contiene algunas partes antológicas en el genero de películas de desastres y mantiene un buen tono de terror en la parte final del "patchwork" en que a acabado de convertirse la "adaptación" (poco o nada que ver con la novela del hijo de Mel Brooks) de la novela original.

El baile de guionistas, los desacuerdos entre dirección y productores y un poupurrit de percances varios se notan en un resultado general deslabazado, que funciona a impulsos como película de acción y que resulta más convencional y comercial que lo que promete la sipnosis del libro de Max Brooks que no he leido. Al final a la taquilla le ha dado igual y han hecho caja que es lo que les importá a la productora de Pitt para seguir sumando con una segunda parte que parece que dirigirá nuestro premiado Bayona.

Mar Foster en sus tres últimos trabajos parece que se esta abonando a esto de la acción, aunque no se si despues de esta última experiencia regresará por sus fueros que a mi juicio han dado obras muy interesantes.

Pitt cumple y pasamos un rato entretenidos.

EL ESTUDIANTE

Puntuación: 7
Duración: 1 h 51 m
País: Argentina / 2011
Dirección: Santiago Mitre

 Antes que nada no confundir esta cinta con "El estudiante" (México / Roberto Girault / 2009). Son como el huevo y la castaña. Santiago Mitre había despuntado como guionista en cintas como "Carancho" y aquí es la primera vez que conjuga las dos facetas, demostrando que posee un dominio narrativo con la cámara apabullanate capaz de hacer trepidante un guión arduo donde los dialogos son omnipresentes y la carga de semantica politica no es como para dos horas de metraje. Aún asi y gracias a un montaje fantástico y a un Esteban Lamothe que junto con el resto del elenco (hay que quitarse el sombrero ante los actores y actrices Argentinos) hace creible esta inmersión en las  traicioneras aguas de la politica.

Construye la metafora dentro de la Universidad de Buenos Aires y usa la fé aún virgen de la juventud para enseñarnos las entrañas siempre traicioneras de los que buscan el poder en cualquier ámbito.

El utópico final abre la puerta a un futuro que apela a aquello que dicen es lo último que se pierde.

UNA CANCIÓN PARA MARION

Puntuación: 7
Duración: 1 h 33m
País: Reino Unido / 2012
Dirección: Paul Andrew Williams

 Es cierto que en vez de entrar en el cine con un bol de palomitas seria más recomendable un paquete kleenex. O dos. Y si bien desde la dirección hasta el guión casi todo es convencional y previsible y no apta para diabeticos (demasiado dulce), Terence Stamp y Vanessa Redgrave, magistrales, son capaces ellos sólitos de hablarnos del amor, del miedo a la soledad, a la muerte, del egoísmo, de la amistad, del sacrificio  y del final de un camino en el que perdemos demasiado el tiempo mirando lejos y no viendo lo que puede que lleve muchos años a nuestro lado. Demasiadas cosas en estos rostros curtidos en muchos personajes y con el bagaje vital más que suficiente para añadir verdad a esta película de fantasía.

  

TU Y YO

Puntuación: 8
Duración: 1 h 33 m
País: Italia / 2012
Director: Bernardo Bertolucci

 

 

Nueve años hemos tenido que esperar debido a la enfermedad que le postró en una silla de ruedas, para degustar el nuevo trabajo de este mítico director italiano de 73 años que se consagró mundialmente en el 87 con "El último Emperador".

Dice el propio maestro que esta cinta le ha devuelto la ilusión de seguir rodando. Para ello el "abuelo" mira con nostalgia y experiencia la ebullición y desorientación de unos jóvenes que se encuentran en la encrucijada de camino de un sotano donde se acumulan trastos viejos y donde ellos empiezan a encontrarse a si mismos en un viaje que comenzará cuando termine el tiempo de su voluntaria e inconformista reclusión.

Apenas sin acción, casi que vemos como la presión de estas dos vidas  a punto de explotar encuentra la válvula de salida el uno en el otro observandose y reconociendo sus "puntos de vista", como dice la actriz protagonista, sin el cual todos seriamos iguales. En la sordidez de un trastero, en los rostros "Pasolinianos" deformados por la adolescencia y la droga, en la luz de un semisotano Bertolucci encuentra el angulo, el plano, la iluminación, la atmosfera y nos da una clase magistral de cine. Surge la belleza, el trampolín que nos hace saltar a comernos el mundo, a vivir un camino demasiado corto que siempre en sus últimos recodos nos hace volver la vista atrás y recordar unos días en un trastero como la mejor aventura de nuestra vida. Adelante maestro.

ESTUDIO 60

Puntuación: 9
Duración: 22 episodios de 45 m.
País: EE.UU. / NBC / 2006-07
Creador: Aaron Sorkin

Aaron Sorky goza el privilegio, ganado a pulso, de estar en el cajón del podio de los mejores guionistas de comienzos de este siglo. Al terminar "El Ala Oeste...", prolongó la formula con esta serie de tintes autobiográficos en las que la cámara vuelve a correr por los pasillos detrás de los personajes, en este caso de un estudio de televisión. Tira de colaboradores habituales y pone como reclamo a un ex-Friends, Mattehw Perry, que consigue crear un alter ego de Sorky estupendo y romper la imagen inmortal de su Chandler. El resto del reparto nos atrapa y enamora desde el primer episodio. Los minutos de los episodios vuelan tan rápidos como pasa el tiempo en el reloj omnipresente que marca el tiempo que falta para el siguiente show, en el despacho del jefe de guionistas.

Comedia dramática, caustica y ácida con las entrañas del poderoso medio y testigo responsable y crítico con la actualidad más rabiosa, con "picos" de emotividad como solo Sorky sabe hacerlos. ¿Se puede pedir más?. Pues sí: audiencia.

O al menos esa fue la escusa para cancelarla en su primera temporada. Cualquiera que disfrute con la serie se dará cuenta que la calidad nada tiene que ver con los intereses financieros de los promotores y además que a nadie le gusta tener unos  bufones que te canten las verdades. Aplausos.

PACO DE LUCIA (1947-2014)

"The day the music died" ("El día que la música murió"), cantaba Don McLean en su "American Pie" allá por 1971.

Afortunadamente la música es inmortal, pero si que en determinadas ocasiones se produce un silencio, mágico y respetuoso por aquellos que fueron fieles servidores y que através de su arte nos regalaron eso que solo la música posee: alimento para el alma.

Paco, el de Lucia, me enseñó con su guitarra en la época dorada del rock de los 70, en el 73 con su disco "Fuente y Caudal", que el Flamenco era, fue y será tan grande como cualquier otro estilo musical. La "comercialidad" de la canción "Entre dos aguas" sirvió de llave para abrir mi mente y mis oídos a un resto del disco maravilloso donde todos los "palos" se lucian entre las cuerdas de su guitarra. 

Por si fuera poco, Paco supo que compartir, que el mestizaje entre todas las músicas solo sirve para enriquecerlas y sus colaboraciones con Al de Meola, John McLauglhin, Pedro Iturralde, Chick Cores...,etc,etc, quedaron como muestras maestras para la historia.

Apenas con 66 años, la Música se paró un instante, apenas un segundo silencioso para reclamar a Paco de Lucia en la Big Band de los inmortales.

SHIRLEY TEMPLE (1928-2014)

Cuando se utiliza el termino de "niño prodigio", su máximo exponente sin duda seria "La Temple", esta niña que apenas con tres años ya hacia sus pinitos en la industria del espectáculo. Pero ser niño prodigio no es igual en todas las partes del mundo. No consistía en los USA de los años treinta en poseer unas cualidades innatas, que por supuesto ella tenía, sino en vivir en un país del tamaño de un continente que poseía una infraestructura que facilitaba la enseñanza del canto, del baile y la actuación en mor de una industria cinematográfica que conquistaba el mundo.

Shirley sabía hacer de todo y todo bien, no solo como una superdotada sino como una autentica profesional del show bussines. Además de ello era capaz de traspasar la  pantalla con su encanto y eso no se aprende.

Su impacto en la sociedad de su época como la niña perfecta y encantadora fue tal que no se la dejó crecer y su gran éxito fue el que le puso coto a su carrera que terminó con su adolescencia a pesar de que intentó estirarla unos años más.

La imágenes que nos dejó en su década dorada serán inmortales y nunca dejaremos de gozar con ellas aunque las películas en que se encuadren no estén a la altura. Siempre serán una película de Shirley Temple.

El resto de su vida adulta estuvo plagada de éxitos y logros personales en el mundo de la diplomacia internacional. Allí siguió ejerciendo la misma fascinación en los demás que en la gran pantalla. Supo dejar de ser una niña prodigio para ser un mujer prodigio. Hoy las nubes parecen tirabuzones y bucles de Shirley Temple.  

LOBEZNO INMORTAL

Puntuación: 5
Duración: 2 h 6 m
País: USA / 2013
Dirección: James Mangold

  

 Lo que hace apenas unos años era un "ya veremos" ahora afortunadamente Marvel con la ayuda de Disney ha llegado para quedarse. Lo que todavía no está tan claro es si la prolongación de los tebeos o comics, como prefieran, serán capaces, "Vengadores" de Joss Whedon aparte, de mantener el interés de un público adulto. Público que una vez acostumbrado a toda la parafernalia superheroica y sus correspondientes show de efectos, comenzará a "madurar", reclamando tramas y guiones menos trillados y personajes con más "volumen" que lo que se nos ofrece en esta entrega bajo la batuta del solvente James Mangold.

Pretendidamente oscura y psicológica no deja de caer en el consabido puñado de tópicos previsibles, con un Jackman en piloto automático y una producción estandarizada. Que la cosa dure más de dos horas tampoco ayuda.

Además lo de los ninjas dejádselos a Daredevil.

   

COLOSIO, EL ASESINATO

Puntuación: 6
Duración: 1 h 42 m
País: México / 2012
Dirección: Carlos Bolado

 Desde Hernán Cortes, 300 años de dominación española, hace que México forme parte de nuestra historia, sin embargo desde su independencia en 1821, este país llamado en su día Nueva España fue ocupando menos espacio en nuestra memoria colectiva. Su Historia está plagada de revoluciones y gobiernos donde la corrupción se ha hecho éndemica y donde en la actualidad la vida vale lo que valen unos pesos de "mordida". 

Uno de tantos episodios oscuros fue la muerte del candidato del PRI Luis Donaldo Colosio bajo la presidencia de Salinas de Gotari. Episodio que Bolado nos narra de forma didáctica con aires de thriller convencional y donde los personajes no dejan de ser marionetas al servicio de la versión de los hechos, marionetas que como en la vida real son manejadas y eliminadas por aquellos que mueven los hilos en la sombra y con mayor o menor descaro, en México con mucho, campan a sus anchas sin que los foros internacionales rechisten. Y es que las "mordidas" de los cárteles que controlan el país deben ser lo suficientemente fuertes para acallar muchas bocas.

Una vez más el cine, Bolado y su equipo denuncian jugandose el tipo dieciseis años despues. Que no les pase na.

CAUTIVA

Puntuación: 6
Duración: 1 h 57 m
País: Francia / 2012
Dirección: Brillante Mendoza

 

 Mendoza despues de su estupenda "Lola" (Abuela) del 2009 sigue empeñado en poner a su tierra natal Filipinas en el foco internacional. En este caso sintetizando en un secuestro los otros muchos ocurridos en la zona de Mindanao al sur de Filipinas donde grupos locales islamistas, una vez más canalizan la frustración de los pueblos ante la opresión y explotación foranea para en aras de la libertad y la independencia ir degenerando en un modo de vida que se nutre de materia prima humana, donde el terrorismo va de la mano de la corrupción individual y las ansias de poder individuales afloran por encima de los ideales.

Se esfuerza, sin demasiado éxito, Mendoza en transmitirnos a la vez la situación social, diferencias culturales entre unos y otros, el suplicio de los secuestrados y la cara polifacetica de los secuestradores, pero al final es el propio desarrollo del secuestro el que acaba imponiendose con situaciones repetitivas y una interpretación coral que se diluye entre el follaje de las selvas. El tono documental, informativo si se quiere es a la postre la mejor baza en sacrificio de la emoción que podría depararnos un tema como este.

LA LADRONA DE LIBROS

Puntuación: 6
Duración: 2 h 10 m
País: USA / 2013
Dirección: Brian Percival

 

Markus Zusak escribe libros infantiles. Y se nota en el aire de cuento o de fabula bien intencionada donde la muerte, narradora de la historia acompaña a una inocente chiquilla que aprende a expresarse y escribir sobre la vida en un tiempo y un lugar donde su valor no es el mismo para unos que para otros.

La cosa no funciona y al estilo excesivamente formal de la dirección se le añade un tono en las interpretaciones más propios de Mary Poppins que del terror real que rodea a los personajes, por mucho que el trio protagonista al que se le añade el niño Nico Liersch estén encantadores.

El sentimentalismo y la lágrima facil hacen su aparición en momentos claves y el esquematismo de las relaciones tampoco ayuda. Zusak también reconoce que escribe de oidas sobre los hechos. También se nota. Lo mejor el incombustible John Williams que a sus 82 años sigue dando "la nota" musical.

LA HISTORIA DEL CINE. UNA ODISEA.

Puntuación: 8
Duración: 15 episodios de 1 hora cada uno.
País: Reino Unido / 2011
Directora: Mark Cousins.

 

Cousins, irlandés de 39 años lleva ya unos cuantos amando el cine y trabajando por ello como crítico y estudioso del mismo. Ha escrito esta historia que en el 2011 llevó a la pantalla de Channel 4  en Gran Bretaña y ha pasado por festivales y el Moma de Nueva York. No solo teoriza sino que en colaboración con la actriz Tilda Swinton montó un festival de cine independiente ambulante para hacer llegar el cine a zonas de dificil acceso cultural.

Su historia del cine que aquí nos presenta es una visión muy personal y discutible por lo tanto, que sorprenderá al gran público acostumbrado al punto de vista histórico del cine comercial y de los grandes estudios estadounidenses con su sistema de actores y directores estrellas. Cousin se centra despues de los origenes comunes a cualquier visión, no en el cine cuya meta última es el negocio de la taquilla sino en hacer notar que la frase: "El séptimo arte" tiene realmente sentido.

Así pues los rostros más populares y las películas plagadas de Oscars se limitan a hacer "cameos" en la linea argumental de esta historia que busca la excelencia, la innovación, la experimentación, los porqués y la función de un arte descentralizado del olimpo de Hollywood dandonos a conocer y a entender más que a entretener, un elenco de directores, y peliculas inasequibles en su mayoría al público mayoritario y que han sido piedra angular en el desarrollo y la evolución del cine.

A pesar de las ausencias que cada espectador note a faltar y que la realización peca de monotona y repetitiva, esta imprescindible obra es la "cara b", el reverso de la moneda que faltaba para que la "película del cine" tenga sentido.

 

PRIMOS MARCA

 
LLÉVAME A LA LUNA

Puntuación: 6
Duración:  1 h 45 m
País: Francia / 2012
Dirección: Pascal Chaumeil

Chaumeil debió quedarse tan encantado con su primer éxito "Los seductores" (2010) y confiar tanto en sus guionistas con los que repite que se arriesga a clonarse a si mismo y nos ofrece el mismo plato con distintos ingredientes. El resultado, aunque un poco más soso y menos sorprendente es que nos quedamos satisfechos, con esta nueva comedia buenrollista a mayor beneficio de una omnipresente Diane Kruger que nos enamora con su belleza y que se pone la nariz de payasa para regocijo del respetable. Dany Boon parece tan fuera de juego como su personaje y un buen plantel de secundarios que los guionistas aprovechan muy bien. Los primeros 45 minutos son explosivos, luego la cosa languidece sin llegar nunca al desastre con diálogos y situaciones que van de lo brillante a lo ramplón.

Además la fotografía turística de Speeckaert nos alegra la vista.

Al final parece que a Chaumeil le ha salido "un plan parfait".

Mantener las luces encendidas

Puntuación: 5
Duración: 1 h 41 m
País: USA / 2012
Dirección: Ira Sachs

Reconozco que no he podido evitar media docena de bostezos en esta "gran historia de amor gay de nuestros tiempos" que promete la publicidad. Ira Sachs posee una mirada más que interesante desde el punto de vista estético jugando muy bien con las atmósferas, las texturas, el color, las luces...., pero estos días de crack y rosas me dejan indiferentes pasada la media hora de metraje. Tengo la sensación que la historia me la están contando pero que no la estoy viviendo, con esa cierta languidez en el ritmo y una cierta sosería en la interpretación (Heath Ledger que estas en los cielos) de los personajes. Entiendo y comparto lo que me cuentan pero no me emociona como debiera. Por lo demás es inevitable que la consideración de film gay limite al público generalista aunque los desamores que narra no entienden de sexos, ni etiquetas.

Zarafa

Puntuación: 6
Duración: 1 h 18 m
País: Francia / 2012
Dirección: Rémi Bezançon

Bezançón se pasa al cómic después de contarnos en el 2011  "Un feliz acontecimiento" con desigual acierto. Aquí traspone a la pantalla una novela gráfica con la calidad a la que nos tienen acostumbrados los guionistas y dibujantes franco-belgas, de la mano de Jean Cristophe Lie donde la sencillez e importancia de la ilustración prima sobre las proezas técnicas usuales de Pixar y Cía.

La historia basada en el acontecimiento de la llegada de la primera Jirafa a París, se sigue con interés y es emotiva por momentos. Con bastante afán didáctico en su trama en deterioro de las aventuras que prometía ese increible viaje desde tierras africanas al París decimonónico y que probablemente funciona mejor sobre el papel que en la pantalla. 

EXPEDIENTE WARREN: el conjuro

Puntuación: 6
Duración: 1 h 42 m
País: USA / 2013
Dirección: James Wan

!Me cachis...! He vuelto a picar con James Wan. La verdad es que no soy fan del género de terror. Desde hace años está requetesobado o ha huido hacia adelante a base de orgías gores.

Se agradece a Wan que se contenga, que lo ruede con elegancia y que vuelva a darle un aire "clasico" o retro, pero en el fondo siempre es más de lo mismo y por consiguiente previsible.

No recordaba que ya escarmenté en el 2010 con "Insidius" y dado que a la critica le hace gracia el punto de vista de este director, que se repite con sus casas encantadas a las que en este caso añade la guinda del exorcismo de turno, me ha dado por verla y volver a sentirme defraudado.

Aunque los personajes se inspiren en el matrimonio de investigadores paranomarles Ed y Lorraine Warren, él fallecido en el 2006, poco aportan los guionistas Hayes a su personalidad o a cualquiera de la familia afectada, limitándose al consabido show de puertas, pasillos, desvanes y demás parafernalia del género. 

Por lo menos me libré de "Insidius 2", y como me temo dado el brutal éxito de taquilla que Wan lo seguirá intentando, procuraré no volver a despistarme. Por lo demás recordar que que como dicen los gallegos: "Meigas, haberlas, haylas".

EL ÚLTIMO ELVIS

Puntuación: 6
Duración: 1 h 32 m
País: Argentina / 2011
Director: Armando Bo II

Me gusta lo que el debutante Armando Bo, nieto de una saga de familia cinematográfica propone con esta cinta. Las múltiples lecturas que ofrece este personaje argentino que vive por y para encarnar al autentico Presley. Lo que ya no me gusta tanto es como lo cuenta, la languidez de un guión que picotea aquí y allá jugando con la parodia, el homenaje, la tragedia, el drama psicológico, el fenómeno de los ídolos. Y todo ello descansando en una fotografía sucia y en un John Mcinerry, arquitecto y doble de Elvis metido a actor que posee el carisma necesario para que empaticemos con él pero que aún le  escasean recursos dramáticos.

Es como si le faltaran pieza a un puzzle que sugiere un país pero no el sitio concreto.

Al final le puede el efectismo de un buen final a costa de los entresijos del personaje. Queda la metáfora y el despiece psicológico que como buen argentino nos ofrece Bo. 

PHILIP SEYMOUR HOFFMAN (1967-2014)

 Habría que resucitarlo y darle una paliza. ! Pero bueno, a quien se le ocurre!. Uno de los más grandes actores contemporaneos y se le va la mano con la Heroina. !Pero estas tonto!. En fin, que estoy que trino y despues de salira a la luz que mi adorado Woody Allen pudo haber violado a su hija de siete años. Y es que no es necesario tener una vida ordenada e intachable para ser un genio. De hecho y si uno tira de historia cuanto más genio peor vida privada.

Hoffman neoyorkino de nacimiento y de ascendencia alemana e irlandesa empezó en el teatro y compaginaba sus estudios de interpretación con las drogas de las que se desenganchó durante 23 años.

A partir de ahí entró en la televisión en la serie "Ley y Orden" y empezó sus magistrales secundarios en el cine. Rapidamente los mejores directores contaron con él. Sus interpretaciones siempre fueron destacadas pero su particular físico no le acompañaba para roles de protagonista, hasta que llego "Capote" (Bennett Miller / 2005) y se llevó el Oscar, el globo de Oro y el BAFTA..., etc, etc. Nóminado a varios s Emmys, volvió a estar nominado al Oscar por su secundario en "La guerra de Charly Wilson (Mike Nichols / 2007) y en la reciente "The Master" (Paul Thomas Anderson / 2012). La lista de sus trabajos es impresionantes, 52 películas en apenas 47 años de vida. Y no recuerdo ni una sola mala interpretación.

Lo dicho se ha marchado un genio en un "viaje" que nunca estará a la altura de su ilustre pasajero. 

AHORA ME VES

Puntuación: 5
Duración: 2 h 4 m
País: USA / 2013
Dirección: Louis Leterrier

 

Aún siendo flojita probablemente es el mejor trabajo de Leterrier con un ritmo trepidante gracias a un buen montaje y una puesta en escena glamurosa plagada de caras conocidas y famosas que hacen de maniquies al servicio de la historia. Algunos como Woody Harrelson o el propio Freeman aún se las arreglan para dejar su sello en un guión a tres manos que nos tiene atrapados durante muchos minutos para dejarnos al final con cara de que nos han robado la cartera y no nos hemos enterado. La BSO sobre todo en sus primeros minutos nos evoca las clásicas cintas del género de grandes robos pero la cosa se evapora rapidamente como el algodon dulce de las ferias.

El truco les ha salido bien y han quintuplicado el presupuesto. El público está ávido de grandes shows y de recuperar ese cine de fantasia y entretenimiento pero debe haber lineas que no se deben traspasar, como la de no menospreciar el coeficiente intelectual medio del espectador. No todo vale.

Maximilliam Schell (1930-2014)

 Este actor austriaco siempre será en mi memoria y en la de muchos de mi generación, Hans Rolfe el principal abogado de la defensa en los juicios de Nuremberg a los jueces nazis que llevó a la pantalla Stanley Kramer en el 61. Se llevó su único Oscar por este personaje que defendió magistralmente.
Volvió a estar nominado en dos ocasiones más y ejerció una larga carrera profesional como director, actor, escritor y productor de la que por estos lares desconocemos más alla de sus siempre solventes intervenciones en películas como "Julia". Le vimos abundantemente en todo tipo de cintas sobre la segunda guerra mundial encarnando a oficiales alemanes en los que siempre apuntalaba el mayor o menor acierto de la cinta.
Un gran profesional. Padrino de Angelina Jolie, el gobierno austriaco llegó a emitir un sello postal homenajeandole con sus retrato. Se lo merecia.

ORIENTE

Puntuación: 7
Duración: 1 h 54 m
País: USA / 2013
Dirección: Zai Batmanglij

 

A Batmanglij, director estadounidense nacido en Francia de padres iranies no le fue mal en su colaboración con Brit Marling, actriz y coguionista en su anterior trabajo "Sound of my voice" (2011). La cosa también fue de grupos marginales, en ese caso una secta y ahora repiten colaboración con otra de anarquistas-ecologistas, o lo que sean este grupo llamado El Este que aplica la ley de Talión a todos aquellos que se enriquecen sin escrupulos a costa del medio ambiente y de las personas que sufren y mueren si estan en el camino de sus intereses.

El mensaje es brutal y claro, aunque para ello utilicen la comercialidad de un thriller bien narrado e interpretado pero sin demasiada profundidad ni como thriller en sí ni como drama social.

Se ve con agrado y puede que sirva para remover algunas conciencias. Ojalá.

LOS MISERABLES

Puntuación: 5
Duración: 1 h 32 m
País: Reino Unido / 2012
Dirección: Tom Hooper

 El cine de Tom Hooper, al menos en sus últimos trabajos, tiene un punto de pretencioso, de querer ser más de lo que ofrece o de cómo lo ofrece, de estar contandonos algo consciente de que es importante lo que cuenta o algo sencillo como "The Dammed United" (2009) pero que esconde un gran mensaje. Quizás me quedo con esta última, más que con la oscarizada "El discurso del rey" donde se le notaba más esta característica.
En cualquier caso con la obra de Victor Hugo le ha salido algo cuando menos rarito. ¿Es una adaptación melodramatica de la genial novela cantada? ¿Es una adaptación pura y dura del famosos musical?. Pues tanto si es una cosa u otra o se queda a medio camino, la cosa no funciona, o no como merece.
Si es un músical, fallan los cantantes que no estan a la altura de tan mágnifica partitura, falla la falta de tono, que tan pronto se acerca al Gran Guiñol, como al retrato costumbrista, con una mezcla de atmosferas donde los decorados teatrales, algunos de risa como ese Russel Crown paseandose por los tejados con ese fondo de Notre Dame "pintado", se mezclan con lo digital o lo real en un torbellino donde la cámara no encuentra reposo y sobreabundan los primerisimos planos que tanto realzan la actuación de los actores que casi les llevan a la sobreactuación y a poner a prueba a los excelentes maquilladores. Anne Hattaway es la que consigue revertir a su favor este estilo mezcla de Sergio Leone y Baz Luhrmann sin la magía de ambos. Russell Crow, muy listo, se contiene ante tanta desmesura y Jackman cae en la trampa diluyendose sus notables esfuerzos dramáticos en los excesos del director. Del montaje del tema "Amo del mesón" mejor ni hablar.
 Todo lo anteriormente expuesto ya invalida la opción de que el asunto vaya por lo de adaptar la novela, que necesita de mayor poso y proceso en el retrato de los tormentos sociales y psicologicos por los que atraviesan los personajes de Victor Hugo.
Es cierto que el presupuesto se nota y el diseño atistico se luce. Poco más.