EL CINE ERRANTE
LAGRIMAS EN LA LLUVIA
Rosa Montero / 2011
Edit. Seix Barral. 480 págs.
A sus 60 años, tras larga y reconocida carrera Montero dice regalarse una obra en la que dos de los géneros que siempre le habían gustado: novela negra y ciencia ficción, confluyeran.
El resultado es una obra popular, que engancha y que se sube al trampolín de "Blade Runner", para entretener y filosofar a partes iguales y con resultado desigual.
Para ello y tomando el molde del género negro, crea a la detective Bruna Husky que ejerce en un Madrid del siglo XXII donde por momentos parece que nada ha cambiado y se dilucidan asuntos de calado planetario en una federación de estados de la Tierra, que no termina de casar con el carácter localista de la capital de España. La trama del thriller acaba siendo lo más endeble del asunto. El futuro pausible y los temas sociales, políticos, medioambintales y religiosos actuales son proyectados cien años adelante y no solo siguen siendo inmortales sino que se ven incrementados por los avances tecnológicos. Subyace en toda la novela una ansiedad y profunda reflexión sobre la fugacidad de la existencia, muy influida por el fallecimiento del marido de la autora.
De fácil lectura ha dado lugar a una segunda entrega: "El peso del corazón" y a una versión en cómic. De ahí a la pantalla, solo queda un paso. En nuestro país complicado, pero...
GUNGA DIN
6
1 h. 57 m.
USA / 1939
George Stevens
La R.K.O. decidió echar la casa por la ventana y se gasto dos millones de dólares de la época en una superproducción de aventuras. El dinero se intuye más en los gastos de intendencia entre tanto extra, elefantes y parafernalia varia que hubo que trasladar a exteriores en el desierto patrio que suplía las, entonces, exóticas tierras indues. Al final, salvando la gran batalla, la cosa no es como para tirar cohetes. Buen ejemplo es el "apañadito templo" que firma el reconocido director artístico Van Nest Polglase.
Fue una gran éxito y se convirtió en el paradigma del cine de aventuras. Uno puede comprender que si la vio en la España de los 60 pudiera pasar un buen rato y más si tenias menos de 15 años. Sorprende sin embargo que, sobre todo en ambas costas de lo USA, acostumbrados a ver mucho cine y habiéndose estrenado cintas similares como "Tres lanceros bengalies" (1935), "Beu Geste" ese mismo año junto con "Las cuatro plumas", o "La carga de la Brigada ligera" (1936), triunfase esta descafeinada cinta con pretensiones épicas trufada de un humor rayano en las payasadas, que no acaba de encontrar el equilibrio para que el conjunto sea minimamente creíble y que como se ha dicho, creo que acertadamente, entronca con aquellos tebeos "pulp" tipo "Roberto Alcazar y Pedrín".
No hubiera estado mal ese derrotero si se hubiese apostado sin otras pretensiones por ello. El lustre, el poso, le emoción que a la vista del paso del tiempo hoy resulta casi indignante y políticamente incorrecto, se busca en unos versos del Nobel Kipling que incluso aparece representado en la película, para que el servil Gung Din acabe como esa fiel mascota a la que todos adoramos.
El despiadado colonialismo y las situación social de la India como diría el exhonorable Pujol: no toca.
George Stevens bastante tiene con sacar algunas escenas para el recuerdo del planteamiento heredado de Howards Hawks que es quien la iba a dirigir previamente.
La tripleta protagonista se lo pasa en grande imitando a los Marx, sobre todo Cary Grant, y la legión de guionistas, acreditados o no, van saltando de acá para allá, entre movimientos de tropas, ritos misteriosos, camaradería e intentos de que Douglas Fairbanks Jr. no se case con la siempre bella Fontaine. Al pobre Gunga Din acabó de rematarlo Peter Sellers en la impagable "El Guateque" (Blake Edwuards / 1968).
Lo dicho un tebeo sobrevalorado para un publico inocente que la inminente guerra mundial espabiló a la fuerza.
CASTING BY
8
1 h. 29 m.
USA / 2012
Tom Donahue
Primero fueron los productores, luego los directores y al final fueron los actores los que acabaron llevándose las letras más grandes de los carteles. Recuerdo en mi infancia y de alguna manera sigue siendo así la frase de: "vamos a ver una película de...", tal o cual actor. Al final, la imagen, el rostro femenino o masculino sirve de faro guía para atraer al gran público más que los nombres de productores o directores que permanecen en un segundo término mediático. No digamos nada de los llamados "técnicos" en cualquiera de sus modalidades o responsables de arte, vestuario, guionistas, etc. Apenas vemos los rostros de los que suben a recoger algún premio, para olvidarnos de su nombre inmediatamente.
Y sin embargo el cine es sin lugar a dudas, como el teatro y otras artes escénicas, una labor de grupo, de equipo. Un equipo muy extenso donde la mayoría de las veces es muy difícil saber el tanto por ciento de porcentaje que cada cual en su faceta se merece del éxito o del fracaso de una cinta.
Decía el gran Billy Wilder con falsa modestia que el secreto de hacer una gran película era simplemente rodearse de los mejores.
Y entre ellos es imprescindible un buen director/a, jefe/a, responsable, o llámesele como quiera, que acierte con el casting apropiado para cada personaje. No solo el de la estrella o los protagonistas. Un mal secundario puede estropear una actuación del actor o actriz principal o potenciarla mejorando la escena. Si el actor es el adecuado, el director tiene mucho ganado y su trabajo podrá ser más creativo. Siempre hay excepciones y hay actores o actrices perfectos para el personaje que convierten el rodaje en un infierno.
Y dicho todo esto, de ello es de lo que trata este estupendo documental, centrándose en la figura de Marión Dogherty que durante cincuenta años tomo las riendas de muchos repartos que ya no dependían de la nómina de actores de los grandes estudios. De su don para ver en los actores todo el potencial que muchos de ellos ni sabían que tenían y de como la industria, el corporativismo de ciertos sindicatos y la lucha de egos de los directores impidieron que se llevara en vida el reconocimiento que mereció. Grandes actores y actrices accedieron a sus primeras oportunidades gracia a ella y así se lo reconocen junto con algunos directores que la consideran parte imprescindible de su trabajo.
Fue generosa y supo dejar escuela que hoy día sigue luchando como lo hizo ella para que la calidad y el arte siempre esté por encima de la taquilla.
ARIZONA
9
1 h. 34 m.
USA / 1939
George Marshall
George Marshall, nada que ver con el famosos general estadounidense de la II guerra mundial, sabía de Westerns y de comedia. Y aquí tuvo la oportunidad de hacer un buen coctel con ambas, en un film delicioso del que se puede seguir disfrutando mucho pasados 76 años.
Basada en una novela de Max Brand, uno de los muchos seudónimos de un prolífico escritor de novelas "pulp", casi equiparable a nuestro Marcial Lafuente Estefania, guionista muy bien pagado en Hollywood y creador del famoso televiso "Dr. Kildare" de los años 60 interpretado por Richard Chamberlain.
La Universal dejó aparcados sus monstruos y se unió a la fiebre del Western con este atípico, donde el humor y los tópicos del género van de la mano.
La Dietrich reengancho su carrera después de su gloriosa etapa con Sternberg y un Jimmi Stewart en su gran año, el 39, en el que realizó 6 películas y recibió el Oscar por "Caballero sin espada" (Frank Capra) que lanzó su carrera de forma imparable. Aquí está estupendo encarnando a un sheriff atípico que reniega de las armas y que no para de contar anécdotas didácticas sobre amigos y conocidos de dudosa credibilidad.
Le acompañan un buen puñado de eficientes secundarios que conforman una tribu peculiar en el abigarrado pueblo de Bottleneck (atasco) donde todos van a desembocar al Salón de La Última Oportunidad, más grande por dentro que por fuera siempre a rebosar. Peleas masculinas y femeninas, canciones de la Dietrich, malvados, corruptos, divertidos diálogos y un Marshall que sabe darle el dinamismo que requiere el asunto con un final de lo más feminista en un genero marcado por la testosterona machista.
Y todo en apenas hora y media. Lo bueno, si breve...
REGRESO A ÍTACA
8
1 h. 35 m.
Francia / 2014
Laurent Cantet
Después del pinchazo de "Foxfire: Confesiones de una banda de chicas" (2012) y tras su colaboración con otros directores en "7 días en La Habana" (2012), Cantet ha sabido "quitarse de enmedio" y observar con lucidez a un grupo de actores cubanos que consiguen hacer suyo el guión tras un comienzo algo forzado y que charlan sin parar durante 95 minutos en la azotea-minarete donde se vislumbra y respira como en la casbah argelina la realidad de un pueblo en este caso cubano que se quiso comer el mundo y el mundo se los comió.
Estos amigos, pasado el ecuador de sus vidas hacen balance social y personal, sacan a la luz sus mutuos reproches y acaban desnudando sus almas en un último intento de buscar refugio en la amistad a sus soledades personales.
Gran trabajo actoral para espectadores dispuestos a escuchar.
PRINCESA (HAN GONG-JU)
6
1 h. 42 m.
Corea del Sur / 2013
Lee Su-jin
Notable opera prima de Sun-ji que aborda con inteligencia, tacto y concienzuda premeditación un tema escabroso sin caer en los clichés tremendistas y con un pulso narrativo firme e hipnótico donde el uso abrupto de los flashback produce cierta confusión durante buena parte de su inicio.
Pieza de festival pasará por nuestras pantallas con el retraso y la brevedad habitual inherentes a este tipo de propuestas que abogan por la calidad ante la comercialidad, aunque el cine sur coreano de un tiempo a esta parte siempre tenga un pequeño rincón en determinadas salas.
Película que invita a la reflexión con una crítica social siempre superada por el desamparo y la búsqueda de refugio emocional de una adolescente cuyo rostro, el de la actriz Chun Woo-hee, parece anhelar la comprensión del espectador. Brillante final.
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LOS HIJOS DE LA FARÁNDULA
6
1 h. 36 m.
USA / 1939
Busby Bekerley
Rooney ya venia desde hacía tiempo pisando fuerte y la Garland estaba a punto de convertirse en estrella ese mismo año con "El mago de Oz", pero entretanto el increíble y desaforado director y coreógrafo Busby Bekerley, deja atrás sus éxitos con la Warner y se pasa a la MGM iniciando unas comedias musicales juveniles con esta pareja que tuvieron gran aceptación e iniciaron una serie de secuelas y colaboraciones con la Garland hasta que por desavenencias con la estrella juvenil terminó el asunto.
La cosa es sencilla y patriotera. Un homenaje al mundo de las variedades teatrales eclipsadas por el cine donde la Garland pone las canciones y el tono melancólico, Rooney, que parece siempre enchufado a un cable de alto voltaje, las payasadas y Bukerley sus especialidades coreográficas. Puro entretenimiento para todos los públicos, sobre todo norteamericanos.
FELICES 140
7
1 h. 38 m.
España / 2015
Gracia Querejeta
Consigue Querejeta en su séptimo trabajo de ficción que su cine siga siendo interesante, aunque aquí cambie un poco su registro y apueste por una trama si bien atractiva, muy forzada en su desarrollo. Visión inmisericorde del genero humano que no cede ante las posibilidades de comedia negra o de giros radicales de esos que se utilizan para epatar a la audiencia.
No obstante la familia y los amigos siguen constituyendo su marco preferido para dejarnos observar el terrario de las relaciones entre los "seres humanos".
Un plantel llamativo de actores donde el conjunto funciona pero no todos están a la misma altura. La credibilidad de la Verdú empieza a agrietarse y haría bien en cambiar por un tiempo de registros. Nora Navas y Marian Álvarez están muy por encima. Eduard Fernández hace tiempo que entró en el club de aquellos que están por encima del bien y del mal y al joven Marcos Ruiz le queda mucho hervor todavía. La escasez de calidad en actores infantiles y adolescentes viene dada por el escaso interés social por la cultura y las artes de sus progenitores y el abandono institucional de las artes escénicas de un país que ha dado la espalda a la excelsa tradición que atesoraba su historia.
Todos tenemos un precio y al final de la proyección el que más y el que menos se pregunta cual sería el suyo.
EL JILGUERO
Dona Tartt / 2013
Edit. Lumen / 2014 / 1.152 págs.
Teniendo en cuenta que cada novela de esta escritora de Mississippi, esta es la tercera, le lleva 10 años, estoy seguro que 1.152 páginas le pueden parecer incluso pocas. Otra cosa es al lector. A uno personalmente le han "sobrado" por los menos las 165 del pico.
Premio Pulitzer a la mejor obra de ficción. Al igual que sus dos anteriores novelas la crítica y las ventas le han sido muy favorables.
"El jilguero" en cuestión, es un cuadro de pequeño formato fechado en 1.654, firmado por el pintor holandés Carel Fabritius, el año de su muerte. Dicho cuadro será el leitmotiv del personaje central Theo Decker y en definitiva el macguffin para narrarnos las peripecias de su vida a modo de un moderno David Copperfield u Oliver Twist, dado que la autora sigue la estructura de las novelas de Dickens, a quien admira. Todo ello envuelto en un embalaje algo destartalado de thriller que ayuda a su consumo por las masas.
He disfrutado de buena parte de sus páginas donde la autora brilla con especial énfasis. Me encanta la parte de los muebles. Y en otras divaga tanto sobre algunos aspectos que se hace una bola difícil de tragar, tanto más cuando da la sensación de que 300 páginas más adelante vuelve sobre los mismo de forma reiterativa, como si hubiesen pasado años entre una paginas y otras (probablemente) y se hubiera olvidado de revisar el resultado final. Algunas tramas conducen a vías muertas, y según va llegando el ansiado final la brillantez ha sido sustituida por el oficio.
Sobrevalorada a mi juicio es, en general, un notable trabajo que me hace interesarme por sus otras dos obras. Dicen algunos que mejores.
SUITE FRANCESA
7
1 h. 47 m.
Reino Unido / 2014
Saul Dibb
No es la primera vez que Michelle Williams levanta una película por si sola, a la memoria me viene "Incendiary (Sharon Maguire / 2008), porque esta adaptación de la peculiar novela de la malograda Irene Némirowsky daba para una dirección más acertada, con un poco más de nervio, de riesgo... Saul Dibb le impone un freno, una sordina, que si bien templa la parte melodramática que al final se impone, no se moja lo suficiente ante tanta miga que cortar.
La Francia colaboracionista, antisemita, ha sido un tema tocado de refilón. Una de las vencedoras, buque insignia cultural de vieja Europa y con una industria cinematográfica muy poderosa se ha encargado de ello. Como honrosa excepción tenemos "La llave de Sarah" del francés Gilles Paquet-Brenner en el 2010, donde curiosamente también trabajo Kristin Scott Thomas
Némirowsky fallecida en Auschwitz, a quien se le denegó la ciudadanía francesas por sus orígenes judíos en el 38, antes de que Hitler se pasease por París narró en un conjunto de novelas inacabadas llamada genéricamente "Suite francesa", aunque la correspondiente a la película se centra en "Dulce" la segunda de ellas, la cohabitación impuesta por las fuerzas alemanas de ocupación. En este caso con la población rural francesa destapando todo tipo de microhistorias de un ecosistema humano lleno de mezquindades, sufrimiento, miedo, valor, venganzas e incluso paradojicamente amor.
Michelle Williams consigue reflejar todo ello en un despertar personal y social ante un laberinto del que no se puede salir indenme.
OLIMPIADA (Parte 1 y 2)
10
1 h. 58 m. (1) / 1 h. 47 m. (2)
Alemania / 1938
Leni Riefenstahl
Media vida, unos 60 años, tuvo que purgar viendo, esta longeva mujer (1902-2003), como su obra era estigmatizada por sus "coqueteos" con el régimen nazi. Llegó a ganar mil y una batallas legales pero la esvástica siempre proyectó su sombra sobre ella.
El caso es que sea como fuere esta pionera directora cinematográfica, entre otras muchas facetas, tenía un don para narrar en imágenes y fabricó el molde que hasta la fecha sigue funcionando sin que nadie lo haya mejorado. Al menos en el campo del documental y concretamente en el del registro visual de los juegos olímpicos, que a instancias del Comité de los Juegos del 36 ella realizó por primera vez, con el beneplácito del gobierno nazi que supo rentabilizar de cara al exterior su ejemplar organización y el poema visual del ideario olímpico que Riefenstahl creó.
Para ello, tuvo presupuesto, experimento lo que le dio la gana y filmó 250 horas que acabaron en casi cuatro después de 2 años de montaje.
Alemania copó el medallero. El afroamericano Jessie Owen fue la estrella y algunos atletas judíos ganaron medalla. Si Hitler salió contento o cabreado es una discusión estéril. A poco que te guste el deporte, el arte, la belleza, la historia y por supuesto el cine, "Olimpiada" es una joya imprescindible.
El caso es que sea como fuere esta pionera directora cinematográfica, entre otras muchas facetas, tenía un don para narrar en imágenes y fabricó el molde que hasta la fecha sigue funcionando sin que nadie lo haya mejorado. Al menos en el campo del documental y concretamente en el del registro visual de los juegos olímpicos, que a instancias del Comité de los Juegos del 36 ella realizó por primera vez, con el beneplácito del gobierno nazi que supo rentabilizar de cara al exterior su ejemplar organización y el poema visual del ideario olímpico que Riefenstahl creó.
Para ello, tuvo presupuesto, experimento lo que le dio la gana y filmó 250 horas que acabaron en casi cuatro después de 2 años de montaje.
Alemania copó el medallero. El afroamericano Jessie Owen fue la estrella y algunos atletas judíos ganaron medalla. Si Hitler salió contento o cabreado es una discusión estéril. A poco que te guste el deporte, el arte, la belleza, la historia y por supuesto el cine, "Olimpiada" es una joya imprescindible.
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LECCIONES DE AMOR
7
1 h. 51m.
USA / 2013
Fred Schepisi
Sorprende que haya tardado dos años en llegarnos esta cinta cuyo elenco protagonista y su temática es netamente comercial.
Lejos queda aquella brillante adaptación que Schepisi hizo de "La casa Rusia" (1990) y tras una desigual filmografía, reaparece dando otra imposible vuelta de tuerca al genero de la comedia romántica. El guión aceptable de Gerald Dipego apuesta por un marco educacional juvenil donde las nuevas tecnologías están asfixiando o al menos acotando la capacidad artística que no provenga de una aplicación informática. Juega con la angustia del artista, del creador, cuando el don, las musas, la inspiración o vaya usted a saber se ausentan sin decir adiós. Es, como siempre el socorrido amor, el que todo lo arregla, el que bien nos quiere pero siempre nos hace llorar, bla, bla, bla, etc.
Pero para que la cosa funcione tiene que haber feeling entre los enamorados y si actúan bien, mejor. La Binoche a sus 51 años sigue estando para ponerla en un altar y Owen aguanta de pie el tirón de la francesa. Están magníficos. Se enamoran y nos enamoran. Todo lo demás es secundario.
JEZABEL
9
1 h. 43 m.
USA / 1938
William Wyler
Wyler nacido en la Alsacia alemana, más tarde francesa y finalmente nacionalizado norteamericano, fue probablemente uno de los directores más perjudicados en su indudable prestigio, cuando la influyente revista "Cahiers du cinema" en los 50, decidió que no poseía estilo propio y no entraba en la lista de los elegidos para la gloria.
Afortunadamente la gloria ya la traía de oficio y Wyler es sin lugar a dudas uno de los más grandes y premiados, capaz de seleccionar e imprimir el estilo necesario y adecuado a cada película, amén de gran director de actores e irritante perfeccionista. Llegaba a realizar 40 tomas hasta elegir la que consideraba perfecta.
La Davis supo ver en la obra original de Owen Davis el personaje que tanto había reclamado a la Warner y se salió con la suya, creando un personaje cuyas características serían sello propio y marcarían el resto de su carrera. No pudo hacerlo sola y necesitó que un Wyler enamorado en la vida real de ella supiera plasmar, a veces con dureza y con la impagable ayuda del genial director de fotografía Gregg Toland, todo lo que la actriz podía ofrecer, aunque para ello agotara la paciencia de Warner que a punto estuvo de despedirlo.
Así pues este melodrama sureño, plagado de escenas memorables, se adelanta a "Lo que el viento se llevó", a modo de brillante borrador de temas y personajes, conformando una trilogía sobre el periodo de la guerra de secesión que culminara con "Los magníficos Anderson" de Orson Wells.
Pero por encima de todo y todos está ella, Julie Mardsen, una mujer fuerte, voluble, caprichosa, inconformista, cruel que se redime a si misma por amor y que fue creada por la mejor Bette Davis (se llevó el Oscar) con quien no le faltaban puntos en común.
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MANDARINAS
9
1 h. 23 m.
Estonia / 2013
Zara Urushadze
Una pequeña pieza maestra con la que el director Georgiano, utiliza el conflicto surgido en su país tras la disolución de la URSS, para desenterrar los cimientos de las relaciones humanas, aquello que une y no separa y que sin embargo se resquebraja una y otra vez por la sinrazón y la codicia de aquellos pocos que son capaces de manipular a muchos con religiones, banderas, codicias o directamente el miedo.
Su sencillez no necesita de mayores presupuestos ni artificios para que cuatro hombres entiendan que su diversidad es su riqueza y que su enfrentamiento dará al traste con la cosecha de unas mandarinas que no entienden de fronteras para regalarnos su dulzura a cambio de que las manos se unan para recogerlas.
Una lección de tolerancia, algo forzada por el escaso tiempo en que transcurre la acción, con unas interpretaciones que rezuman verdad en unos personajes difíciles de olvidar.
LA FAMILIA BÉLIER
6
1 h. 45 m.
Francia / 2014
Eric Lartigau
Por mucho que nos caiga bien, que nos cae, esta familia de sordos y por mucho que valoremos el descubrimiento de esta chica, Louane Emera, semifinalista del programa de nuevos talentos "La Voz" en Francia, la cosa no da para mucho.
Comedia amable y bienintencionada, versión 4.0 de las protagonizadas por La Durcal o Marisol en los 60, previsible, estira la simpleza del guión con subtramas (la alcaldía, el amor adolescente...) flojitas, para echar el resto en un final emotivo de lágrima fácil. Todo muy forzado y a veces, divertido. Vehículo para la promoción de esta nueva estrella que seguro que la inteligente industria francesa no desaprovechará. Estaremos atentos.
4
LOS FENÓMENOS
8
1 h. 39 m.
España / 2014
Alfonso Zarauza
Se agradece que el cine patrio tenga los reflejos suficientes para ser testigo desde la pantalla de la realidad social, en este caso terrible, por la que periódicamente nos hacen atravesar aquellos que miran por nuestro bienestar desde cualquier color político. En la linea de realismo social del maestro Loach, Zarauza apoyado en un plantel de actores estupendos y con menos presupuesto que el británico nos engancha con una historia personal que se hace universal, donde se enfrentan dos formas de encarar la vida: libertad a cambio de marginalidad o esclavitud hipotecando el alma y los recursos de por vida.
Aquí es el pelotazo del ladrillo, mañana será otra cosa. Zarauza lo cuenta sin estridencias, no exento de humor y emotividad.
Una de nuestras mejores actrices, Lola Dueñas filtra todo ello con su actuación recordándonos que sea grande o pequeño el pastel, a la mujer siempre le toca lo peor. Flojea el guión en la subtrama amorosa pero el resultado es notable y necesario.
ÁNGELES CON CARAS SUCIAS
9
1 h. 37 m.
USA / 1938
Michael Curtiz
Jack Waner estaba encantado con la historia del guionista y director Rowland Brown del cual se rumoreaba que conocía de primera mano el mundo gangsteril. Brown era "problemático" y decidió encomendarle el asunto al todoterreno de Curtiz que ya acumulaba mucho curriculum junto a una estrella especialista en el género como Cagney y la pandilla de gamberros de los "Dead end kids", reciclados del teatro que irían saltando de estudio en estudio liandola parda. Aún así tuvieron dos décadas de carrera y muchos imitadores. Cagney tuvo que pararle los pies a alguno de los chavales que le quería robar plano.
A pesar de las presiones de Warner para que Curtiz cumpliera plazos y presupuesto y no se "enrollara mucho", este afortunadamente lo hizo y dejó todo su saber en este guion de gangsters con trasfondo social. El recital del "maestro artesano" comienza con una panorámica con grúa antológica sobre el barrio donde transcurre la acción y ya no para de sacarle partido a cada una de las escena aplicando todas sus influencias europeas, luciéndose en los encuadres y el tratamiento de la luz sin olvidarse de realzar a los actores e imprimir un dinamismo a la obra ejemplar.
En el debe queda el fleco de la relación entre el delincuente Cagney y la chica Ann Sheridan que conduce a una vía muerta. Quizás porque la subtrama fue impuesta para suavizar la conducta de un delincuente que nos cae demasiado simpático. El resto del elenco está a la altura con un Bogart que todavía no había dado el salto al estrellato.
Cine clásico altamente disfrutable.
JURASSIC WORLD
5
2 h. 4 m.
USA / 2015
Colin Trevorrow
Tiene diez minutos de gracia el que parezca que estamos contemplando una película que ya hemos visto varias veces de hace veinte años dirigida por el mismo Spielberg, que la produce, con autoparodia incluida. El resto a estas alturas no viene más a cuento que hacer caja con unos dinosaurios que ni si quiera han evolucionado a tenor de los últimos descubrimientos científicos.
Cine palomitero, alejado de cualquier credibilidad y con unos tópicos y clichés humanos y animales tan cansinos y negativos que parece mentira que se los sigamos ofreciendo a los más pequeños.
La prometedora Bryce Dallas Howard se merece mucho más que hacer de chica tonta corriendo en zapatos de tacón irrompibles. Todo sea por la pasta
MAD MAX. FURIA EN LA CARRETERA
8
2 h.
Australia / 2015
George Miller
Eso sí, ambas realizadas de manera magistral con un diseño de producción y montaje espectacular. Adrenalínica, de ritmo frenético, la primera hora pasa en un suspiro, sacando el máximo partido a la gran pantalla y con una acertada utilización de los colores saturados que le otorgan el look de una novela gráfica de lujo. Añadamoslé que toda la acción esta coreografiada como un gran show circense y que Hardy y sobre todo Theron cuando no están dando volteretas y liándose a tortazos consiguen reflejar con sus miradas un pasado prometedor motor de sus acciones y de futuras secuelas.
Goerge Miller a sus 70 años y 35 después del primer Mad Max, lo ha desenterrado y resulta que estaba muy vivo.
EL NIÑO 44
3
2 h. 11 m.
USA / 2015
Daniel Espinosa
No he leído la novela. Por muy mala que fuese, que parece no ser el caso, esta adaptación producida por el irregular Ridley Scott, sí que lo es. Sorprende que el director chileno-sueco que firmó dos trabajos más que aceptables ("Dinero fácil" (2010) y "El invitado" (2012)), haya perpetrado tamaño despropositado.
La planificación es horrenda y el uso a destajo de las elipses narrativas debería figurar en los manuales de cine de como arruinar un buen material de partida y la interpretación de los actores. Después de conseguir no abandonar la proyección en la primera hora, he tenido la sensación como de cuando lees un libro o ves una película en vídeo que no te gusta demasiado y te vas saltando páginas o adelantando la imagen buscando esos momento que tengan algo de "chicha" y saber como acaba el asunto.
La abundancia de trajes, coches y utensilios de la época ni siquiera consigue la atmósfera necesaria. Hardy merece un pedestal por conseguir mantener en pie su personaje y Noomi Rapace lo intenta con desigual acierto. Los demás ilustres apellidos: Oldman, Considine, Cassel, incluso el Kinnaman son sacrificados como carne de relleno de unos personajes a los que les falta algo tan elemental como el proceso de construcción de sus personalidades y acciones.
Espinosa está más perdido que Wally y no sabe a que palo jugar de las diferentes opciones que le ofrece la novela. El guión de Richard Price es para borrarlo de su digno curriculum o al menos descontárselo de su sueldo.
El señor Boyero debía de acabar de salir de algún festival de cine internacional, después de visionar alguna cinta de algún país exótico de esas que le encantan para definir a "El niño 44" como: "..., entretenida, bien contada, con estilo visual...".
!Que no les pase na!.
MIS HIJOS
6
1 h. 45 m.
Israel / 2014
Eran Riklis
Desde una historia personal de un chaval palestino, intenta ofrecer una panorama del conflicto palestino-israeli, sin querer hacer sangre de ello y dando una imagen menos dramática de la realidad. Utiliza el humor para soltar cosas muy serias y la formula por loable que sea no siempre funciona. Las subtramas se lastran unas a otras, algunas sin rematar y al final lo que queda es un proceso de toma de conciencia donde todos somos iguales como seres humanos independientemente de que el azar nos haya traído al mundo bajo cualquier bandera o religión.
STELLA DALLAS
7
1 h. 45 m.
USA / 1937
King Vidor
Puesta al día de 1937 por Goldwing, de la versión muda de 1925, dirigida por Henry King, (titulada en España: "Y supo ser madre") sobre la novela melodramática de éxito del 23 "Stella Dallas" escrita por Olive Higgins Prouty.
No he visto la versión silente pero a tenor de alguna imágenes de escenas claves, da la sensación que Goldwing-Vidor las calcaron.
Es igual, porque la cosa se llama Stanwick, que se apodera absolutamente de la pantalla y eleva un producto lleno de fisuras, cuyo objetivo no era otro que hacer gastar pañuelos al espectador apelando al amor materno, primero y quizás único en el top de amores posibles e imposibles.
Barbara, que venía de ser asidua de Capra, engancha a los 30 años su primer protagonista absoluto y lo borda con una gama de registros que van desde el ridículo superficial a la emoción directa al corazón. Supuso su primera nominación al Oscar y el derecho a ponerse el articulo "La" delante de su apellido. Puede que la película hablase también de otra cosas como las clases sociales, la educación y demás pero todo queda en segundo termino ante esta leyenda rubia que supo encarnar a mujeres fuertes, capaces de apechugar con su decisiones sean equivocadas o no.
El resto del reparto se someten a ella con dignidad y la fotografía de Maté, también ayuda.
LA PÍCARA PURITANA
6
1 h. 31 m.
USA / 1937
Leo McCarey
En este año del 37 se produjo un cierto "pique" cuando el patrón de la Columbia Harry Cohn quien andaba a la greña con Capra que había subido a la productora a las ligas mayores, decidió poner su nueva comedia en manos de un Leo McCarey que paradojicamente acababa de fracasar estrepitosamente ese mismo año con su obra maestra "Make way for tomorrow".
La comedia "The awful truth" (La horrible verdad), título original, en realidad no era sino una vieja obra teatral del 22 firmada por Arthur Richman y que ya había tenido dos versiones en el 25 y el 29. En realidad era un vehículo comercial a mayor gloria de Irene Dunne que venia triunfando desde comienzos de los 30, acompañada por un Cary Grant espléndido que ya llevaba 28 títulos en tan solo cinco años.
Tanto Capra (con "Horizontes perdidos") como McCarey llegaron a los Oscars con 7 y 6 nominaciones de sus respectivos films, aunque de distintos géneros. La de Capra se llevó dos y la de McCarey uno, aunque eso sí, al mejor director por una obra infinitamente menor a "Make way for tomorrow" que ni siquiera se asomó por los Oscars. La terrible depresión daba sus últimas bocanadas y una comedia sofisticada de situaciones y decorados imposibles donde todos eran ricos, guapos con mascota divertida y lucían carísimos y estrambóticos diseños de vestuario, era lo que el publico palomitero necesitaba.
El guión de la curtida adaptadora teatral para cine Viña Delmar por el que fue nominada apenas pudo desempolvar los gastados chistes, agilizar los diálogos y dejar en manos, sobre todo de Cary Grant algunas escenas divertidas.
En ningún caso se acercaba ni de lejos a la calidad y el éxito que tuvo "Sucedió una noche" de Capra tres años antes y que recolectó 5 estatuillas.
Irene Dunne que en su vida privada fue una fiel esposa se anotó en su recuerdo a esta sofisticada pícara. Aunque servidor siempre la recordaré en "Tu y yo" (1937), también de McCarey. Esa sí que era buena.
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| JOSÉ SAZATORNIL (SAZA) (1925-2015)
Como los vinos, hay buenas, malas y regulares cosechas. Saza pertenecía a una excelente, de la que ya quedan muy pocos "ejemplares". Cómico de esos que llaman de raza, criado a los pechos de la compañía de Martinez Soria, otro que tal baila. Aprendió como se aprende: sobre las tablas. Desde los 13 años y con aquello que se denominaba: teatro de repertorio. Ahora sustituido por el de "repartorio" donde la falta de trabajo y las condiciones económicas obligan a repartir entre unos pocos las migajas.
A Saza nunca le faltó trabajo, porque no era guapo, era un gran actor que, como los grandes, sabía llevar los personajes a su terreno matizando las diferencias para, en su diversidad, seguir siendo él mismo. Su huella como la de Soria, Morgan, Camoiras y otros provenientes del teatro de revista es irrepetible.
La televisión y sobre todo el cine le auparon aún mas y nos dejó para gozo y disfrute eterno un puñado de personajes y escenas antológicas. Estuve a punto de trabajar con él en el Teatro Español pero no fue posible. Hubiera aprendido tanto de su manejo de los tiempos, de su dicción milimétrica, de su histrionismo hierático. Saza era un maestro al que la vida a sus 89 años se le quedó corta para todo lo que hubiera podido dar. A él que le costaba memorizar los textos vino el Alzheimer a hacer tabla rasa para que cuando nos toque llamar al cielo a través de un portero automático instalado por Jaume Canivell, nos esté esperando, quizás para recitarnos de carrerilla a Faulkner.
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ASTERIX: LA RESIDENCIA DE LOS DIOSES
8
1 h. 22 m.
Francia / 2014
Louis Clichy / Alexandre Astier
Casi medio siglo han tardado los irreductibles galos en encontrar su perfecto acomodo en su salto del papel a la pantalla allá por 1967, desde que aparecieron por primera vez en la revista Pilote en 1959. Las nuevas técnicas de animación en 3D y el ejemplo a seguir por la versión de Tintín de Spielberg han hecho posible que nuestros héroes sin el "super" delante, de infancia y juventud, renazcan de nuevo, tras su paso por sus, no siempre acertadas, adaptaciones en carne y hueso y sigan sin envejecer un ápice, cuando algunos de sus creadores ya no puedan verles, para que las nuevas generaciones compartan con las antiguas un lugar de encuentro en sus disparatadas y geniales aventuras.
El irrepetible guionista Goscinny falleció en el 77 y el magistral dibujante Uderzo ha mantenido la antorcha encendida personalmente hasta hace cuatro años. El nuevo album que se lanzará en Octubre de este año, ya está en manos de nuevos creadores pero Uderzo a sus 88 años aún supervisa que la calidad siga manteniéndose.
Calidad y buen hacer que no le faltan a Clichy y Astier en esta aventura donde la puesta al día del trasfondo de las historia sigue empastando a la perfección con el adn de los personajes con los que una vez más disfrutamos de lo lindo. Que la poción mágica dure toda la vida.
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| HECTOR COLOME (1944-2015) |
La primera vez que vi a Colome fue sobre las tablas en el teatro Español con un "Absalón" de Calderón dirigido por Jose Luis Gómez en el 83, pero sería en La Comedia con: "La gran sultana" de Cervantes, dirigida por Marsillac en 1992 donde el pícaro que interpretaba dejó la suficiente huella, unido a su rostro duro y voz oscura para no volver a olvidarme de él.
Mucho antes de todo eso se vino de Argentina a buscarse la vida por la farándula española allá por el 76. Su buen hacer le valió ser habitual en los teatros nacionales y en cuanto la televisión y el cine le dejaron un resquicio confirmó que los que aman y dominan su oficio igual les da ocho que ochenta para sacar lo mejor de cada personaje que le tocó en suerte.
Mi huida voluntaria hace ya siglos de las televisiones y la obligada, bien por trabajo o por escasez de medios de los escenarios, hizo que mis siguientes citas con él fueran episódicas hasta que un mal día me entero que nos ha dejado más pronto que lo que debiera.
Nunca fue una actor popular, ni pilló ese papel por el que siempre sería recordado, simplemente consiguió que al oír su nombre te venga a la mente la expresión: !Coño, ese era muy bueno!.
LA SOMBRA DEL ACTOR
6
1 h. 52 m.
USA / 2014
Barry Levinson
No consiguen Pacino redimirse como actor con mayúsculas, que lo es, ni Levison como director autor que lo intenta, con esta versión "sui generis" de la penúltima novela del consagrado novelista norteamericano Philip Roth, rodada en veinte días en la casa del director. Los tres se encuentran en la recta final de sus carreras y todo rezuma un revisionismo vital ante la frustración de llegar a la meta con cuentas pendientes con uno mismo.
El título español, que no hay que confundir con la notable película de 1983 firmada por Peter Yates y magistralmente interpretada por Albert Finney, es menos apropiado que el original homónimo al de la novela: "La humillación".
Pacino tiene y retiene el don y nos regalas momentos magistrales que no son suficientes para una propuesta irregular donde la tragedia y la comedia, a veces con aroma a Allen, van dando tumbos sin un claro propósito, al igual que la cámara de Levison que tan pronto rueda de forma pretenciosa como nos regala los más descarados spots sobre el new beetle.
Pacino a la postre, ayudado por la siempre sugerente Greta Gerwig, consigue que sigamos soñando con su regreso como gran actor.
RED ARMY. LA GUERRA FRÍA SOBRE HIELO.
9
1 h. 25 m.
Rusia / 2014
Gabe Polsky
Polsky, norteamericano de orígenes rusos con la inestimable producción de Werner Herzog, volcado últimamente en el mundo del documental nos regala una lección de historia reciente y del carácter humano, sintetizada en apenas hora y media. Hace tan solo 70 años el escenario mundial en el que algunos hemos pasado toda nuestra vida era muy diferente al que viven y vivirán nuestros hijos. La pétrea solidez de la U.R.S.S. se desmoronó con una rapidez inusitada, dejando al descubierto que los paraísos ya sean rojos o azules dependen del mercado de valores y de la codicia humana por encima de las ideas teóricas.
La visión de un entrenador y la maestría de unos jugadores hicieron brillar un deporte. Dicho brillo fue inmediatamente manipulado, utilizado y explotado por un estado totalitario donde el individuo está al servicio del estado y no al revés. Más o menos como en el resto del mundo. Es en ese "menos" donde el ciudadano tiene ciertos márgenes para la libertad.
Conocemos a sus protagonistas, su gloria y su sufrimiento a cuya cabeza está el gran capitán Slava Fetisov que fue capaz de resistir las últimas bocanadas de presión de un sistema a punto de extinguirse.
Aún queda espacio para poner a prueba la amistad, la camaradería, el orgullo, y una serie de valores ante el embate de la propia felicidad personal y disfrutar del ballet sobre hielo de este quinteto irrepetible.
Fetisov acabó en la política, reciclado por el presidente Putin, antiguo miembro de aquellos que le controlaron. Buena parte del deporte de su país queda en sus manos. Esperemos que aún sea capaz de defender y marcar con el arte que atesoró sobre el hielo, en su nuevo trabajo.
UNA NOCHE PARA SOBREVIVIR
6
1 h. 54 m.
USA / 2015
Jaume Collet-Serra
A punto de entrar en la edad de jubilación, 63 y 64, Neeson y Harris aguantan el ritmo frenético que imprime Collet-Serra en este thriller de acción urbano en el que el director español haciendo tandem en los últimos tres films, con el actor norirlandés se está especializando.
En esta ocasión con un reparto bien elegido, que nos libera del agobio omnipresente del careto sufridor de un Lean Neeson que una vez más, se lo curra. Incluso Nick Nolte hace un cameo innecesario que se agradece y el modelo y actor Boyd Holbrook deja constancia de que hay que contar con el.
El director que ha mamado la industria del cine USA desde los 18 saber sacar partido de forma inmejorable al presupuesto y se luce en los elementos comunes del género que revitaliza, incluso se permite intentar dar más volumen psicológico a los personajes sin pasarse. Fuera de ello el guión es más que previsible y desaprovecha el talento actoral que puede aportar actores con mayúsculas como Ed Harris.
La cosa en el fondo entretiene entre disparos, peleas y persecuciones y uno intuye y desea que Collet-Serra nos puede dar mejores alegrías cinéfilas si le da o le dejan navegar por otros derroteros.
AGUAS TRANQUILAS
7
1 h. 50 m.
Japón / 2014
Naomi Kawase
Hay que ponerse el "chip festivalero" para degustar este plato oriental que nos sirve la directora japonesa cuyo aroma como el de su cine destila vivencias personales y pasión como documentalista de una tierra, la suya donde el eco de una vida espiritual aún puede resonar ante la vida actual. La búsqueda de ese equilibrio y el desconcierto de dos adolescentes ante dichos extremos conforma un trabajo notable, no apto para paladares saturados de años de cine condimentado con las mismas salsas.
PÉPÉ LE MOKO
9
1 h. 34 m.
Francia / 1937
Julien Duvivier
"Moko", en argot, parece ser la denominación de los marineros provenientes de Toulon o Tolón en la región francesa de Provenza-Alpes-Costa Azul de donde partían los barcos militares para las colonias, como era Argel en el 37, año de la película en Francia. En USA la retuvieron hasta el 41 para que pudieran exprimir su propia versión: "Argel" (John Cromwell / 1938), la cual a pesar de llegar a ser un éxito de taquilla no fue más que un mal plagio casi fotograma a fotograma, incluso algunos, robados de la propia "Pépé...". Cuando se estrenó la versión de Duvivier, (que había triunfado hasta en Japón) las vergüenzas quedaron al descubierto y Gabín pasó a encumbrarse como actor internacional, el cual, a pesar de las ofertas no quiso cruzar el charco.
No era el primer éxito de Duvivier que fue uno de los directores importantes en la década de los 30 francés y que atesoró 65 film en 52 años de carrera. Hasta que a mediados de los 50 sus paisanos de la mítica revista de cine "Cahiers du Cinéma" decidieron que el cine tenia que ser de autor y quien lo era y quien no. A Duvidier le tocó que no y pasó a un discreto segundo termino en el Olympo de los directores.
No hay más que visionar, aunque solo sea está película, para recolocar a Duvivier en lo más alto, donde le corresponde.
Si la expresión "realismo poético" tiene sentido es con esta trágica historia de amor envuelta en el marco sofocante a la vez que bello, misterioso, laberíntico, universal y mágico de la Casbah, barrio emblemático de la ciudad de Argel, donde como en otras ciudades del mundo los marginados sociales crean su propio ecosistema, sus propias leyes no escritas, su auto gueto multicultural, donde se puede entrar pero no es seguro que puedas salir.
Duvivier, realiza algunas tomas en Argel pero reconstruye una síntesis poética, casi de las mil y una noches proletarias, en los estudios de Pathe y se mueve como uno más entre las callejuelas estrechas donde ha recalado un francés sin pasado, que al tiempo que controla una red de ladrones, sabe dar los buenos días con una sonrisa cínica y elegante y conoce por su nombre a los que salen cada día a vender sus mercancías de fruta y quincalla. Pero en su corazón añora París (y ¿quien no?) enamorándose de una mujer que lo representa y ya se sabe que París bien vale una vida.
La fotografía, el reparto de secundarios para recordar, un puñado de escenas inolvidables con grandes hallazgos de dirección, donde Duvivier da un recital de planos y encuadres..., en fin, no es de extrañar que de la calidad de esta semilla floreciera "Casablanca" y buena parte del cine noir americano.
Lo canalla y lo sublime van de la mano como las canciones alegres y tristes que cantan Gabín y la antigua cantante de opera. La vida.
EL CAPITAL HUMANO
6
1 h. 49 m.
Italia / 2014
Paolo Virzi
Mi primer y único encuentro con la obra de Virzi fue: "La prima cosa bella" (2010) y acabé más satisfecho que con esta fábula sobre las mezquindades humanas, en un sistema social a su altura. Su planteamiento narrativo no es precisamente original, errática por momentos y con una endeble trama de thriller a modo de macguffin resuelta sin ningún pudor.
Hay sin embargo una conseguida atmósfera de desorientación vital en la que se mueven sus protagonistas, una fragilidad emocional egoista sumida en un pozo del que cada uno intenta salir como puede y que tiene su mejor expresión en esa mujer interpretada con brillantez por Valeria Bruni que no podía dejar de recordarme a la impagable Carmela Soprano interpretada por Edie Falco en la mítica serie. Es Bruni la que consigue a la postre los mejores momentos de una cinta con la que la Academia italiana perpetró el hecho de adjudicarle el David di Donatello a la mejor película por encima de una obra maestra como "La gran belleza" (Paolo Sorrentino/2013).
LA DAMA DE ORO
6
1 h. 47 m.
Reino Unido / 2015
Simón Curtis
Hace ya cuatro años que Simon Curtis arriesgó con su paso de la televisión al cine y salió más que vivo "resucitando" a Marilyn en la pantalla ("Mi semana con Marilyn" / 2011). En está su segunda entrega sigue apostando por hechos reales y sigue "saliendo vivo", aunque con notable menos margen.
La trama es excesivamente esquemática, peca de didactismo y carga sobre los hombros de Helen Mirren el escaso entramado emocional que ella, por supuesto, cubre con la eficacia que le caracteriza. Algo aprendemos de la historia del famoso "Retrato de Adele Bloch-Bauer" que Klint realizó en 1907 y del espolio artístico que los nazis, como cualquier invasor en la historia, hicieron del patrimonio cultural y artístico.
Lo demás se queda entre las aguas de lo correcto y puede cubrir dos horas de sobremesa con dignidad cuando la pasen por la tele.
LAS OVEJAS NO PIERDEN EL TREN
6
1 h. 43 m.
España / 2015
Álvaro Fernández Armero
Comedia muy agradable desde la sencillez de su planteamiento sustentada por un gran reparto coral, que hace que empaticemos con sus personajes. Uno tiene la sensación que si proviniese del otro lado del atlántico norte la prensa especializada le hubiera dado algo más de relevancia.
Armero lleva más de dos décadas subsistiendo con dignidad entre cine y televisión, en una profesión difícil, en un país que lo pone más difícil. Merito que hay que reconocerle.
Gentes corrientes con problemas corrientes que buscan su lugar en el mundo, que intentan encontrar el resquicio en los moldes a que nos abocan y ser felices aunque se tengan que bajar de esos trenes veloces que muchas veces no llegan a ninguna parte. Armero lo cuenta sin subrayados graciosos ni melodramáticos, en una justa medida que se agradece.
DEJAD PASO AL MAÑANA
10
1 h. 31 m.
USA / 1937
Leo McCarey
McCarey que se inventó al dúo inmortal de "El Gordo y el Flaco" y que nos dejó títulos imperecederos en la comedía de los 30 y el melodrama de los 40, se descolgó con esta joya impagable que fracasó en la taquilla el mismo año que le dieron el Oscar por "La pícara puritana" y que en España ni siquiera fue estrenada en salas comerciales.
Aún daba sus últimos coletazos la famosa crisis del 29 de la que no hemos aprendido todavía nada o algunos demasiado, y nadie quería ver en la pantalla y menos de un especialista en comedia como McCarey, a sus mayores perdiendo sus casas, con el fantasma de asilos deprimentes y dependientes de hijos que no querían perder el puñado de privilegios que le habían conseguido esos mismos padres.
La película es tan dura, tan actual, que solo contándola como lo cuenta McCarey somos capaces, hasta de disfrutar con estos viejitos entrañables que recuperan apenas un sorbo de todo lo que han sacrificado, en media hora memorable.
Toda la cinta es esplendida, un prodigio de economía de medios, magnificas actuaciones, hallazgos de dirección, efectividad narrativa y una aproximación al ser humano sin trucos, subrayados ni efectos melodramáticos.
En algunas semblanzas del director, ni siquiera se la menciona específicamente. El sabía sin embargo y así llegó a decirlo que en aquel Oscar que recibió ese año la Academia se había equivocado de película. Que la buena de verdad, era esta.
QUÉDATE CONMIGO
8
1 h. 42 m.
Canadá / 2012
Michael McGowan
Por encima de cualquier otra consideración y el manojo de virtudes de esta cinta, está James Cromwell. Uno de esos secundarios de lujo que empezó a destacar en la gran pantalla, no solo por sus 2,01 de estatura finalizando su década de los 50, a mediados de los 90. Proveniente del teatro de shakespeare y curtido en la televisión, alcanza aquí a sus 72 años, si los archivos no me fallan, su primer protagonista absoluto. Y vaya si lo aprovecha. Nos regala una actuación impecable, de una contención y emotividad magistral no exenta de sutil humor.
El director canadiense y a la vez guionista ha parido y realizado una historia sobre elementos comunes a los que nos enfrentaremos casi todos como es la vejez y otros a los que solo unos privilegiados podrán alcanzar: el amor hasta sus últimas consecuencias.
Un buen puñado de cintas, algunas excelentes como la también canadiense "Lejos de ella" (Sara Polley / 2007) o la obra maestra de Leo McCarey de 1937: "Dejad paso al mañana", entre otras, ya han tocado el tema desde distintos ángulos.
No llega la que nos ocupa tan lejos como ellas, pero sí lo suficiente para narrar una sencilla historia al final de la vida de gente común que se niega a tirar la toalla antes de tiempo. La casa que construye el sr. Morrison es la sublimación y el compendio de toda una vida y un monumento a su mujer, al amor que siente por ella y a si mismo como ser humano. Conceptos que la maquinaria social no entiende, para la que solo contamos en tanto en cuanto seamos contribuyentes.
Secundado a la perfección por Geneviéve Bujold, la fotografía, la banda sonora y el equipo de secundarios, surfea con elegancia por los limites de la tele movie y nos deja un poso de buen sabor a trabajo bien hecho.
LA OVEJA SHAUN: LA PELÍCULA
10
1 h. 25 m.
Reino Unido / 2015
Richard Starzak y Mark Burton
No vamos a hablar, una vez más, del encaje de bolillos y la obra de orfebrería china y fina, que supone la técnica del stop motion y menos tratándose de la factoría Aarmand cuyo valor artístico esta más que demostrado desde sus inicios con los ya legendarios "Wallace & Gromit" de la mano de Nick Park. Después vinieron los largometrajes, hasta llegar al barroquismo desaforado de "Piratas" (2012), donde al igual que ocurrió con "Los Boxtrolls"de la compañía rival Laika el magnifico envoltorio esta muy por encima del guión.
Cosa que no ocurre en esta deliciosa comedia heredera del mejor cine cómico mudo, donde parece que el espíritu de Chaplín, Keaton o Lloyd se han puesto piel de ovejas para regalarnos un slapstick que creíamos perdido.
La oveja Shaun y su mundo saltan de la tele a la gran pantalla para deleite de chicos y grandes con mensaje a favor de nuestros vecinos los animales. Me he divertido mucho, ¿qué más puedo contarles?.
LA GRAN ILUSIÓN
10
1 h. 35 m.
Francia / 1937
Jean Renoir
"La realidad puesta al servicio de un naturalismo poético". Esta frase entresacada de una de las muchas semblanzas de la obra del genio francés, a mi juicio, define a la perfección, esta obra de un hombre maduro en lo personal y artístico que apuesta por un socialismo humanista y construye un alegato antibelicista, ante lo que ha visto, lo que ve venir y su gran ilusión. Esto es: la abolición de clases, de fronteras, del racismo y de los odios religiosos, aparejados con la libertad sexual.
Así pues construye una obra de propaganda como le piden los comunistas del Frente Popular que él acepta encantado. Pero su propaganda nunca es partidista por más que no pueda reprimir el clásico chauvinismo francés en alguna de las escenas. Su propaganda no es panfletaria sino humanitaria, urgente, necesaria.
La aristocracia da sus últimas bocanadas, el burgués, el obrero cualificado que nunca pudieron comprar títulos militares, se convierten en los nuevos oficiales por méritos propios y Renoir tiene la "ilusión" de que el cambio social del testigo sea pacifico, justo, desde la comprensión y el respeto.
La película amén de sus logros técnicos y la maestría narrativa de Renoir, no tiene desperdicio y no da "puntada sin hilo". Cabría decir que algunas escenas, no son memorables, ante tantos momentos para recordar que sería largo enumerarlos y descubriríamos parte de la trama. La presencia potente de una Stroheim al que Renoir recupera para la actuación, fiel a los valores universales, desengañado, en extinción. que encuentra en donde menos se lo espera una alma gemela es impagable. Aportó más que su actuación, mimando el entorno y los objetos cargados de simbolismo de su personaje y como casi siempre su intransigente carácter volvió a dar problemas.
La cinta fue un éxito de crítica y público, éxito que fue manipulado por unos y por otros a nivel político, para bien y para mal dejando en evidencia los sucesos históricos posteriores, que efectivamente el planteamiento de Renoir nunca pasaría de ser una Gran Ilusión. Tuvo el honor de ser la primera película de habla no inglesa nominada a los Oscar.
Grandes películas posteriores tomaron referencia de muchas de sus escenas y a poco que a uno le guste el cine son evidentes. No es una película de guerra, ni carcelaria, ni de evasiones. La vaca a la que da de comer Jean Gabin siempre agradeció las caricias y el forraje sin preguntar nacionalidades, sexos, religiones y raza. La naturaleza y los animales son los únicos que lo tienen claro.
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LA MECÁNICA DEL CORAZÓN
7
1 h. 34 m.
Francia / 2014
Stéphane Berla y Mathias Malzieu
Poema visual postsmoderno, trágico y romántico de ambientación gótica que reivindica el género de la animación para adultos, no solo como cine familiar cuya formula Pixar-Dysney-Dream works, empieza a dar síntomas de sobre explotación.
Animación "a la europea" en este caso francesa para una historia donde el cantante de la banda francesa "Dyonisos" , Mathias Malzieu adapta su propio libro trufado de sus temas musicales para narrar, con la ayuda del realizador Stephen Berla, un cuento agridulce sobre los riesgos del amor.
La poderosa creatividad, las atmósferas y el diseño de caracteres son notables herederos de influencias como "Eduardo manos tijeras" o "Los mundos de Coraline" pero a la postre es la poética que subyace en el conjunto lo que acaba posándose como un frágil copo de nieve en el propio corazón del espectador.
Es cierto que los personajes requerirían de un mayor desarrollo y que el guión peca de reiterativo, pero como las películas de Melies al que se le homenajea, todo rezuma una mágica y absurda imperfección, como en los mejores sueños.
EL ÚLTIMO LOBO
5
2 h. 1 m.
China / 2015
Jean-Jacques Annaud
He de reconocer que he salido bastante cabreado con esta producción china con pretensiones de epopeya naturalista, en la que a sus 71 años Annaud ha querido reverdecer sus laureles a costa de un puñado de lobos que han sido criados exclusivamente para que pudieran rodar la cinta.
A partir de esto todo el mensaje ecologista queda desmontado. El lobo como tótem, esto es, como símbolo de valores de los que el ser humano tiene déficit agudo cuando no ausencia total, se argumenta en una repetición de situaciones donde la crueldad con los animales es excesivamente subrayada, inmisericorde con el espectador al que no se le ofrecen alternativas de desahogo emocional. Por otro lado la trama que sirve de base para recrearse en la belleza de Mongolia y alguna escena lograda de acción, es tan floja como la habilidad de Annau para emocionarnos. Al espectador de espectáculos le defraudará y al concienciado con el planeta y sus seres le cabreará. El libro de tintes autobiográficos, el más leído en china, que ya es decir, no puede ser tan falto de pulso como esta versión tan alejada de aquel "El Oso" del 88.
El lobo, ese animal con el que el hombre tiene una deuda impagable no se merecía este quiero y no puedo.
Dejemos a los animales en paz.
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| OMAR SHARIFF (1932-2015) |
Hollywood siempre necesitó tener en plantilla actores y actrices para encasillarlos en estereotipos de fuera de sus fronteras. En el apartado de exóticos Rodolfo Valentino puede ser el molde más conocido pero fueron muchos, incluido nuestro Antonio Banderas. De la mano de David Lean llegó a sus treinta años este galán egipcio con 18 películas en su patria. A Lean, conocido manipulador de actores, le daba igual. El porte aristocrático, la sonrisa canalla y su docilidad como interprete le metieron en la piel de Sherif Ali ibn el Karish en "Lawrence de Arabia" y desde entonce no nos ha abandonado.
Nos era indiferente que en sus más de 100 películas hubiera una de cal y otra de arena. Siempre le reconocíamos como alguien cercano, entrañable del que podíamos esperar algo bueno y si no era así, se lo perdonábamos. Habíamos sufrido con él y se había metido en nuestros corazones como el "Doctor Zhivago", otra vez con Lean y le estábamos agradecidos.
Los años 60 fueron su década dorada. Después no tuvo, no supo o no quiso (su afición al Bridge del que era un maestro era más importante) encontrar un camino estable y fiel a si mismo se convirtió en un nómada, viviendo en hoteles, frecuentando casinos y dando rienda suelta a su ira de vez en cuando a medida que se alejaba de sus glorias en la meca del cine.
Aún pudo redimirse con premios, reconocimientos y alguna cinta como "El señor Ibrahim y las flores del Corán" (François Dupeyron / 2003), antes de que el inmisericorde alzheimer borrara como las arenas del desierto todo el rastro de sus huellas.
En el 69 rodó "El oro de Mckenna" (J. Lee Thompson), un wester con vocación de blockbuster plagado de estrellas con Gregory Peck a la cabeza. Michel Demitri Chalhoub les robó la merienda a todos con su papel de "Colorado", un villano inolvidable tan simpático y tan canalla como Omar Shariff. Buen viaje.
LA HISTORIA DE MARIE HEURTIN
7
1 h. 35 m.
Francia / 2014
Jean-Pierre Améris
Isabelle Carré vuelve a encontrarse con Améris después de aquella comedia poco relevante que fue "Tímidos anónimos" en el 2010. Nada que ver con esta hermosa película de valores humanitarios donde encarna a una religiosa que se carga la inmensa tarea de abrir un hueco a la vida a una chica ciega y sorda. No es una película religiosa, no juzga ni moraliza y la gran virtud del director es desaparecer discretamente y dejar que compartamos con estas dos mujeres una emoción que no necesita de palabras cimentada en el amor. Ese que se nutre de la pasión por vivir.
Rara avis en un panorama cinéfilo plagado de "blockbuster", que exige del espectador que cierre sus ojos y sus oídos y abra su corazón.
CAPITANES INTRÉPIDOS
9
1 h. 56 m.
USA / 1937
Victor Fleming
Fleming ya había dejado su impronta tres años atrás con la literatura juvenil también con barcos y relaciones humanas entre niños y adultos con su adaptación de "La isla del Tesoro" de Stevenson. En aquel caso la pareja entre Jackie Cooper y Wallace Berry también sería inolvidable.
Repite aquí con la novela del nobel Rudyard Kipling de 1896. El resultado es un éxito memorable en muchos aspectos que se llevó 4 nominaciones y el primer Oscar para Spencer Tracy. El segundo se lo llevaría al año siguiente con otra película con chicos descarriados: "Forja de hombres".
A Fleming y a la Metro no le duelen prendas en modificar lo que haga falta del texto original para aprovechar la parte más melodramática del asunto y el tirón comercial de ese niño prodigio que en ese momento estaba en la cresta de la ola de su carrera y que no tuvo continuidad cuando se hizo mayor: Freddie Bartholomew. Su rostro angelical y sus sobresalientes dotes actorales lo convierten por derecho propio en la cabecera del cartel, por encima de nombres propios como Barrymore, Carradine o el propio Tracy. El problema es que la fábula moralista de Kipling hacía todo más creíble con los 16 años de su protagonista y no con los 10 del de la cinta. Eso hace que algunas situaciones y diálogos chirrien, amén de cargarse el personaje del otro chaval encarnado por Rooney, antítesis del niño malcriado y que la tripleta guionista desprecia. Quizás el propio Rooney hubiera estado más cercano al Harvey Cheine de Kipling. Por otro lado y siguiendo a contracorriente de los panegíricos habituales hacia la película, la actuación de Tracy a pesar de ser cien por cien efectiva en relación con el chaval, no deja de estar impostada, pasado de maquillaje y en algunas escenas como en el enfrentamiento con el gran Jonh Carradine, un pelín forzada. El propio Bartholomew y por supuesto Barrymore están más acertados.
Y dicho esto, nada importa, porque Fleming hace cine clásico y nos entretiene, nos divierte y nos emociona hasta la lagrima de pañuelo y moco. Aún le sobra metraje para hacer protagonista durante bastantes minutos a la goleta, al mar, a los pescadores de Gloucestersu, su oficio y la persecución de bancos de bacalao. Equilibrarlo todo no está en manos de cualquiera. Por eso es un clásico inolvidable.
A Fleming y a la Metro no le duelen prendas en modificar lo que haga falta del texto original para aprovechar la parte más melodramática del asunto y el tirón comercial de ese niño prodigio que en ese momento estaba en la cresta de la ola de su carrera y que no tuvo continuidad cuando se hizo mayor: Freddie Bartholomew. Su rostro angelical y sus sobresalientes dotes actorales lo convierten por derecho propio en la cabecera del cartel, por encima de nombres propios como Barrymore, Carradine o el propio Tracy. El problema es que la fábula moralista de Kipling hacía todo más creíble con los 16 años de su protagonista y no con los 10 del de la cinta. Eso hace que algunas situaciones y diálogos chirrien, amén de cargarse el personaje del otro chaval encarnado por Rooney, antítesis del niño malcriado y que la tripleta guionista desprecia. Quizás el propio Rooney hubiera estado más cercano al Harvey Cheine de Kipling. Por otro lado y siguiendo a contracorriente de los panegíricos habituales hacia la película, la actuación de Tracy a pesar de ser cien por cien efectiva en relación con el chaval, no deja de estar impostada, pasado de maquillaje y en algunas escenas como en el enfrentamiento con el gran Jonh Carradine, un pelín forzada. El propio Bartholomew y por supuesto Barrymore están más acertados.
Y dicho esto, nada importa, porque Fleming hace cine clásico y nos entretiene, nos divierte y nos emociona hasta la lagrima de pañuelo y moco. Aún le sobra metraje para hacer protagonista durante bastantes minutos a la goleta, al mar, a los pescadores de Gloucestersu, su oficio y la persecución de bancos de bacalao. Equilibrarlo todo no está en manos de cualquiera. Por eso es un clásico inolvidable.
THE AMERICANS
8
13 ep. x 42 m. aprox.
USA / 2013-15
Joe Weisberg / FX
La cadena de la Fox, como estos espías, las mata callando. A cierta distancia mediática y de audiencia de otras cadenas, se descuelga con estupendos entretenimientos televisivos como "Justified" y desde el 2013 con una de espías ochenteros al rebufo del éxito de "Homeland" pero con señas de identidad propia.
Escrita por un ex agente de la CIA su mayor logro a mi juicio es haber aprendido de los maestros "Los Soprano", que el trabajo al que te dedicas, por muy sucio y peligroso que este sea te va a dar menos quebradores de cabeza que tu propia familia y que al mismo tiempo que hay sortear al gobierno de turno también hay que hacer malabares para mantener la familia feliz.
Retrotraernos a los 80, hoy nos parece viajar a la prehistoria y descubrimos que apenas hace 30 años el mundo jugaba con otras reglas que la tecnología ha cambiado por completo. Es uno de los grandes aciertos de la serie. El dúo de actores protagonistas y el elenco de secundarios cumple a la perfección, pero es Keri Russell, actriz y bailarina la que se destapa (no solo literalmente) marcando un antes y un después a sus 39 años, en su carrera, con una composición de personaje que le permite lucirse con un sin fin de registros.
La guerra, sea fría o no, nunca termina, ya sea en el campo de batalla o en el día a día a espaldas de los "cuatrivotantes". Y como siempre solo algunos ganan seguir manteniendo sus privilegios.
Llama la atención la crudeza con que se critica el estilo de vida americano y que el foco protagonista sean agentes del KGB que si bien son despiadados en su vale todo por la causa, no dejan de necesitar los guionistas que empaticemos con ellos para que la ficción pueda continuar. Ficción no siempre creíble, pero que mantiene una tensión y un tono entretenido, diferente, con un tempo pausado más dirigido a espectadores que ya teníamos unos años en la década que nos presenta.
El armario ropero de estos "Mortadelos" debe ser ingente aunque nunca aparece, al igual que su parque de automóviles. Por otro lado también son maestros en que el día tenga 48 horas para atender todos sus asuntos. Pelillos a la mar. "The Americans" ya nos ha reclutado frente al televisor.
LA SERIE DIVERGENTE: INSURGENTE
4
2 h.
USA / 2015
Robert Schwentke
Reconozco que con la primera parte de esta saga clonada del éxito adolescente de sinsajos y otras hierbas, pasé un rato entretenido. Siempre, como pasa con lo superhéroes, los inicios, los orígenes, suelen prometer. No ha sido así en esta continuación a la que sinceramente no le encuentro ningún merito destacable. Plana, plomiza, con una fotografía en negro y negro la mayor parte del metraje y con unas escenas de acción y ¿románticas? tan sobadas y desgastadas que podría montarse la película con parches de aquí y de allá de otras muchas como ella.
Y el caso es que este director de apellido impronunciable ha demostrado en su discreto curriculum que lo puede hacer mejor. Se dejan ver Winlest y Watts. Ni por esas.
LA VIDA FUTURA
7
1 h. 40 m.
Reino Unido / 1936
William Cameron Menzies
De cuando en cuando se producen alineaciones de estrellas también en el cine. Aquí se juntaron el director y productor Alexander Korda en la producción, el "padre" y maestro de los directores artísticos William Cameron en la dirección y otro "padre", en este caso de la ciencia ficción, el insigne escritor H.G. Wells, guionizando su propia novela que a la postre fue un compendio de su ideario social, donde los avances tecnológicos si se gestionaban con sensatez podrían dar la ansiada felicidad a la humanidad.
Korda aportó los medios necesarios para que no fuera otra película de serie B donde se encajaban la mayoría de las películas de ciencia ficción de la época. Menzies la dirigió con audacia vanguardista, tanto en su planteamiento narrativo visual como en sus diseños y acabados artísticos, con un más que acertado éxito de su equipo técnico y Wells, amén de ejercer como Verne de visionario (sabían lo que se cocía en el mundo científico) en los avances tecnológicos, también predice la inminente guerra mundial con los temibles blitzs sobre Londres y desarrolla, en detrimento del protagonismo de los actores un discurso filosófico y social de enorme actualidad.
La trama se desarrolla en tres bloques bien diferenciados confiriéndole una cierta irregularidad que hizo que no fuera valorada en su justa medida en su momento y olvidada años más tarde. A pesar de su carga discursiva, esas diferencias sin embargo contribuyen a hacerla entretenida y a seguirla con interés.
Pasado el tiempo la deuda de la mayoría del cine de ciencia ficción con esta obra y su puesta en escena se hace innegable y su visionado imprescindible.
CENICIENTA
4
1 h. 52 m.
USA / 2015
Kenneth Branagh
Branagh el otrora brillante embajador shakespeariano en la gran pantalla, lleva ya casi una década vendiendo su firma al mejor postor en un cine taquillero y mediocre donde su desgana se enmascara con la espectacularidad que conllevan los altos presupuestos y alguna escena que pudiera recordar ese cine con el que nos deleitó en tiempos pasados. Y quien mejor para engordar su cuenta corriente que la otra vez todopoderosa Disney que ha sabido devorar en una hábil simbiosis a PIXAR y a MARVEL. Y me temo que mientras la taquilla siga dando dividendos tan escandalosos, el bueno de Kenneth no se bajará de la burra.
En este caso Perrault y Walt, coincidieron en adaptar y edulcorar, con moraleja incluida, los cuentos y leyendas populares, dándoles vuelta y vuelta para que la crudeza que llevaban implícitos se pudiera digerir por papas e infantes de los tiempos modernos. A pesar de ello o quizás por ello los inmortalizaron en el papel y la pantalla. Ahora al albur de la moda toman carne y hueso para quedar en evidencia ante la prosa del francés y los geniales dibujos del estadounidense en el 50. La magia ha sido sustituida por la ñoñeria, los personajes inmortales (adoro a el ratón Gus) por la infografía y las canciones inolvidables por una banda sonora pastelera.
La del 50 dicen que siempre fue la favorita de Walt Disney, imagino que dado que este pastiche ha reventado la taquilla, tampoco le habría hecho ascos el tio Walt.
FOCUS
5
1 h. 44 m.
USA / 2015
Glen Ficarra y John Recua
No es que el tandem Ficarra-Recua en sus dos trabajos anteriores fuesen a entrar en la historia del cine pero al menos eran más interesantes que este regalito de bisutería envuelto en papel de diseño. Reconozco que cuando uno lleva intentado alimentarse bien (cinematograficamente hablando) mucho tiempo, la tentación de comerse una hamburguesa de Burger puede hasta venir bien, aunque solo sea por comparar y guarrear.
"Focus", requiere que tus neuronas se relajen y se dejen llevar en un entretenimiento banal que ocuparía las últimas posiciones en el siempre atractivo género de robos y estafas espectaculares. Smitch tiene sus fans y después de su último fiasco esta propuesta puede parecer de arte y ensayo. Una vez más luce palmito y triplica en taquilla lo invertido pero si algo merece la pena en este truco del almendruco es la australiana Margot Robbie que le pone la sal y la pimienta al difícil por estereotipado personaje con el que le toca lidiar. Ya asomó la cabeza (y el resto) en "El lobo de Wall Street" y Scorsese no tiene mal ojo que digamos.
GETT: EL DIVORCIO DE VIVIANE AMSALEM
8
1 h. 55 m.
Israel / 2014
Ronit y Shlomi Elkabetz
Viviane Amsalem es un personaje creado hace ya 10 años por estos hermanos israelíes, guionistas y directores. Con el han dado vida a una mujer en tres largometrajes en los que se enfrenta a las presiones y discriminaciones sociales en base a su sexo, donde la tradición religiosa juega una baza importante.
Viviane da pues presencia y voz a la mujer israelí contemporánea.
No he visto las dos primeras entregas, pero esta es una alarde de denuncia social y depuración fílmica donde intuyo que personaje y directores han acabado destilando lo mejor de su trabajo. Todo transcurre entre las paredes de un juzgado donde se dirime a través del tiempo el divorcio de esta mujer que simplemente ha decidido dejar de compartir la vida con su marido. Pero son estos, los hombre los que deben "conceder" dicho divorcio. Y el de Viviane se niega.
El eterno proceso ante el tribunal Rabínico, dado que en Israel no existe, aunque parezca increíble, el matrimonio civil, se transformará en un calvario del que el espectador acabará tan exhausto y desesperado como la protagonista.
Los hermanos Elkabetz dan una lección magistral de como filmar sin salir del angosto juzgado, el elenco de personajes está esplendido y entre la crítica social y la tragedia personal aún tiene cabida el humor. Gran trabajo.
SABOTAGE (LA MUJER SOLITARIA)
7
1 h. 15 m.
Reino Unido / 1936
Alfred Hitchcock
De todos es sabido que A.H. dividió su carrera entre Inglaterra y los USA que son los que le catapultaron a la fama mundial. Pero para ello antes de que Selznick le fichara y pudiera engordar el presupuesto de sus películas, Hitchcock tuvo que hacerlo bien en sus 26 películas en 27 años.
La que nos ocupa fue la número 22 basada en una adaptación libre de la novela de Joseph Conrad, "Agente secreto". Aquí es obligado mencionar el lío curioso de películas y títulos: "Sabotaje" se llama así porque ese mismo año Hitchcock estrenaba otra película con el título de "Agente secreto", el mismo que el de la novela de Conrad. Y para más inri el director, ya en los USA estrena una cinta en el 42 y la titula "Sabotaje", sin que nada tenga que ver con la cinta del 36. Pues eso.
En la inglesa del 36 hay mucho que se sugiere y no sé si en la novela se indaga más sobre ello. El subtitulo de: "La mujer sola" abre una rendija a un drama hábilmente insinuado por Sylvia Sidney. Una mujer que arrastra muchos interrogantes y cuya historia merecería un mayor desarrollo. Hitchcock los sugiere en la medida de lo posible y carga las tinta en un par de escenas marca de la casa donde la tensión se aborda desde dos concepciones diferentes, tanto visual como psicologicamente dignas de estudio en las escuelas de cine y el maestro se luce en ambas dejando las semillas para la posteridad.
El resto acusa su bajo presupuesto aunque la fotografía de Bernard Knowles y el propio director sacan adelante las atmósferas del bullicioso Londres y el recoleto cine vivienda de los protagonistas.
LA VERDAD SOBRE EL CASO HARRY QUEBERT
Joël Dicker / 2012
Edit. Alfaguara / 2013 / 672 págs.
Este estupendo thriller con pretensiones metaliterarias y evocaciones del más clásico cine negro ha sido parido por un "enfant terrible" suizo que antes de cumplir la treintena ya ha sido traducido a 33 idiomas y ganado el más prestigioso premio de novela francesa. Aunque la trama se desarrolla en un arco temporal de 33 años, desde el 75, todo esta impregnado de un aroma más antiguo. La comunidad ficticia de Aurora en New Hampshire parece anclada en esa Norteamérica profunda equidistante de la grandes núcleos urbanos de las dos costas. El cuadro de la portada de Edwar Hopper y la sombra de la Lolita de Nabokov refuerzan esta idea.
Los estereotipos de las pequeñas poblaciones norteamericanas encuadran un fresco de ansiedades y mezquindades vitales que acaban desembocando en misterios envueltos en espejismos, en medias verdades que van abriendo un laberinto del que es difícil escapar y no disfrutar.
Dicker juega con la ficción a la vez que con su visión y propia experiencia en el arte y la profesión de escritor y no contento con esto corre paralelo una reflexión sobre el amor visto desde muchos ángulos. Su resolución literaria de alguno de ellos flojea y no acaba de mojarse como debiera o de plasmar ciertas pasiones con la fuerza y complejidad que merecen. En cualquier caso el intento y el resultado general no defraudan y se lee de un tirón.
Si esta sobrevalorada o no y si la resolución del enigma tiene grietas son reflexiones que te llegan cuando el veneno de "La verdad sobre el caso Harry Quebert" ya ha hecho su efecto.
CITIZENFOUR
6
1 h. 54 m.
USA / 2014
Laura Poitras
El curriculum como documentalista de Poitras está más que acreditado y plagado de premios y reconocimientos. El último, el Oscar que se llevó este trabajo sobre la vigilancia masiva e indiscriminada del gobierno USA mediante programas de control sobre los medios electrónicos de todo el planeta. El Gran Hermano de Orwell hecho realidad con más facilidad y descaro de lo que nunca imaginó el escritor.
No había que ser muy inteligente para que mucho antes de que un ciudadano cualquiera que trabajase en estos círculos se viera asaltado por su conciencia, ya sospecháramos que si técnicamente era posible, sin lugar a dudas cualquier gobierno lo haría, con o sin justificaciones de seguridad nacional.
Desde que el mundo es mundo obtener ventajas sobre los competidores en cualquier campo y poder controlar y someter a los propios ciudadanos no ha dejado de hacerse y me temo que va en el ADN humano. En algunas puntas del Iceberg planetario todavía queda la pataleta de denunciarlo con mucho valor y sabiendo que tienes todas las de perder.
Poitras se ha convertido en una especie de Pepito Grillo de su gobierno que ya la ha detenido más de 40 veces y que se ha atrevido a sacarle los colores al propio Obama con su Nobel incluido.
El documental es necesario y lo que se nos desvela a través de Snowden es brutal. Eso no quita para que formalmente sea aburrido en un cincuenta por ciento de su metraje y que el mundo privilegiado siga girando, tragando lo intragable y pendiente del último artilugio tecnológico para presumir y chismorrear con los colegas, aunque sepamos que al igual que esta crítica, nuestra libertad individual está siendo violada.
CALABRIA, LA MAFIA DEL SUR
6
1 h. 43 m.
Italia / 2014
Francesco Munzi
Con "Le Quattro Volte" (Michelangelo Frammartino / 2010), descubrimos el sentido de la vida en una Calabria, hermosa, mágica y entrañable.
El desconocido por estas tierras Francesco Munzi, con este su tercer film "Alma negra", título original que refleja fielmente el sentido de la cinta, muy alejado del que el marketing español promociona. Esta tragedia familiar de tintes clásicos, de las almas de hombres y mujeres aprisionados entre callejuelas estrechas de pueblos arrinconados entre montañas ásperas y rocosas cercadas por el mar, dista mucho de las tramas sobre el cine de acción de mafiosos que parece reflejar los carteles promocionales.
Aún reconociendo sus virtudes, que las tiene, no comparto el entusiasmo que ha suscitado en la mayoría de la crítica. Creo que es un buen esbozo, con trazo grueso y esquemático, con luces y sombras que apuntan lo que sería la obra terminada a pesar de haber sabido elegir el marco adecuado.
La morosidad en los tiempos no consigue el clima de lo que se ve venir y el dibujo de los personajes principales se queda escaso ante la buena interpretación general. Baja sin embargo a pie de tierra a un mundo mitificado que no deja de regirse por la tradición, la superstición y los instintos más primarios.
UNA PARTIDA EN EL CAMPO
9
40 m.
Francia / 1936
Jean Renoir
A sus 42 años Renoir separado de su primera mujer y pasado el meridiano de la vida, encuentra en el relato del mismo título del singular escritor parisino Guy de Maupassant el cauce ideal para dar rienda suelta a su lado más poético y existencial a la vez que el contexto le permite rendir un homenaje a la obra pictórica de su padre, con un estilo impresionista cinematográfico en deuda con la excelente fotografía de su sobrino Claude Renoir.
Presumiblemente planteado como un largometraje acaba siendo un mediometraje de apenas 40 minutos, que pasado el tiempo y viendo la joya que resultó, se nos antoja el formato idóneo para el cuento de Maupassant y para potenciar la futilidad de la vida, los sentimientos y el paso del tiempo.
El variopinto grupo humano que se da cita en torno a las orillas de un Sena a las afueras de París no tiene desperdicio, Renoir los manipula con maestría apoyado en unas actuaciones convincentes dentro del marco de la naturaleza que se une al protagonismo como un desencadenante de las fuerzas del ciclo de la vida. La existencia vista desde un caleidoscopio de sentimientos, donde chocan la razón y la pasión, dejando como siempre damnificados sin olvidar el humor en esa pareja que no puede dejar de recordarnos a Oliver y Hardy.
El propio Maupassant, misógino recalcitrante podía haber sido uno de los remeros, afición que desarrolló en su juventud a la par de su vida licenciosa.
Referencias claras a la obra de su padre y una maestría como narrador visual en la mitad de los años 30, década de su apogeo
PRIDE
6
2 h.
Reino Unido / 2014
Mathew Wharcus
A "Pride" se la compara con "Full monty" (1997). No es que hasta la fecha la carrera de Peter Cattaneo haya sido como para tirar cohetes, pero "Full monty" le salió redonda y aún perdura y perdurará en nuestra memoria las tribulaciones de aquellos trabajadores del acero de Yorshire. Cosa que no creo que ocurra con este segundo trabajo fílmico del reconocido director teatral Matthew Wharcus cuya labor ante las cámaras aún queda muy lejos de lo conseguido en las tablas.
Mineros y un colectivo de Gays y Lesbianas se dan la mano ante el pulso que mantuvieron en el 84 el más importante de los sindicatos y la más importante representante de los conservadores neoliberales. Los primeros habían conseguido tumbar al gobierno de Edward Heath en el 74 pero con la Thatcher no pudieron y comenzó un reinado mundial al alimón con Reagan donde se formaron los barros que trajeron los lodos en los que medio mundo nos encontramos.
Basado en hechos reales, la película peca de simplista, carece de foco y su reparto coral se diluye sin figuras como los montynianos Robert Carlyle o Tom Wilkimson que dejen huella. Bienintencionada, con una banda sonora agradable y un humor de subrayado tópico y facilón entra como una medicina con azúcar que nos ilustra un poco sobre los hechos sociales y laborales esforzándose en algunos momentos finales para emocionarnos. Tal y como lo juega Wharcus, la cosa no da para dos horas.
EL APAGÓN
Connie Willis / 2010
Ediciones B / 2015 / 624 págs.
Sin haber leído nada de esta profesora de literatura de Colorado, USA, a pesar de ser un apasionado de la ciencia ficción, uno empieza a salivar cuando ve tanto premio de postín en la portada de esta novela que nos llega con cinco añitos de retraso. O más bien habría que decir media novela, porque "El Apagón" en realidad es el título que le han dado al tajo inmisericorde que la editorial le ha dado en la pág. 624 a el tocho de doble de páginas con el que después de 10 años de silencio literario reaparece la autora.
Algunos habrán tenido que esperar unos cuantos meses para ver en que concluye la cosa en "Cese de alarma". Eso sí, pagando el doble por dos libros que en realidad son uno.
Lo primero que hay que decir es que a pesar de tanto premio de ciencia ficción, no es un libro de ciencia ficción. Al menos la primera entrega y dicen los que han leído la segunda que tampoco. En realidad es una novela histórica centrada en la Inglaterra y el Londres de la II guerra mundial, por mucho que los personajes principales estén ahí mediante un viaje en el tiempo para justificar más que nada el asunto.
Willis, que entró en el mundo de la literatura en los 80 ya con treinta y cinco años, tiene un curriculum plagado de Hugos y Locus sobre todo en relatos cortos. Su ausencia de una década en las librerías puede augurar muchas cosas pero desde luego garantiza superventas.
Al grano. No me han quedado ganas de leer la "segunda parte" de una historia que, dado su gran historial en el relato corto seguro que podría haber escrito en apenas 100 páginas. Las descripciones de época localistas se agotan y repiten hasta la saciedad y la angustia que sufren el reparto coral de protagonistas es directamente proporcional a la que sufre el lector cuando ve que la narración avanza un milímetro cada 150 páginas y que Willis debe tener problemas de memoria porque repite lo mismo una y otra vez.
Que escribe bien es evidente y algunos pasajes, sobre todo en los que aparecen dos niños de armas tomar, son divertidos y emotivos. Los apuntes sobre el terrible Blitz que sufrió Londres entre el 40 y 41 se pierden entre un amasijo de direcciones, edificios y estaciones de metro que más parece que está uno leyendo un callejero que otra cosa. Hay otra historia corta sobre Dunkerque que como todo es alargada hasta que deja de importarnos.
Si hubiera consultado la Wikipedia sobre la autora, hubiera visto que en su biografía no se habla de esta sonada vuelta a la palestra literaria. Por algo será.
HOUSE OF CARDS
8
13 episodios de 50 m. aprox. por sesión.
USA / 2013-15
Beau Willimon / NETFLIX
Lo primero que hay que reseñar es el ímpetu con que se ha posicionado NETFLIX en la ficción televisiva por internet produciendo un abanico de series de calidad, entre las que se encuentra las tres temporadas de este lado oscuro del ala oeste de la Casa Blanca.
Su creador Beau Willimon ha sacado más que petroleo de la adaptación de la miniserie británica del mismo nombre emitida en el 90 basada a su vez en la novela de Michael Dobbs.
Aquí la cámara no se mueve vertiginosamente por los pasillos del ala oeste, la panoplia de secundarios es más reducida y con menos aristas que en el clásico de Aaron Sorkin y por su puesto la visión general de los entresijos políticos es más oscura y sórdida con los imprescindibles toques sexuales que últimamente visten o desvisten series de prestigio.
La gran apuesta, aparte de sus notables guiones es poner al frente del asunto a un grande como Kevin Spacey al que le come terreno capítulo a capítulo en su esplendida madurez profesional Robin Wright. Apuesta que visto el resultado de estas tres temporadas ha dado sus frutos, aunque servidor hecha de menos un mayor desahogo con tramas paralelas más desarrolladas.
El buen presidente Martin (Jekill) Sheen se ha convertido en un diabólico Spacey (Hide) cuyas maldades amén de entretenernos pueden que se acerquen más a la realidad de aquellos que nos gobiernan.
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| CHRISTOPHER LEE (1922-2015) |
Este actor británico de porte majestuosos y familiares aristocráticos estuvo condenado a ser el que tomara el relevo de "monstruos" como Karloff y Lugosi en los años 30 y pusiera voz y rostro sobre todo al famoso conde vampiro. A pesar de la versión sugerente de Coppola, creo que todos los nacidos a mediados del siglo pasado identificamos a Drácula con Lee.
La productora de películas de bajo presupuesto Hammer encontró a finales de los 50 una nueva veta en el cine de terror y la galería de personajes terroríficos clásicos volvieron a desempolvarse con gran éxito de taquilla y escasa calidad artística, durante los 60. Quizá sea por eso que Lee nunca gozó de mis preferencias, aunque también por algo seria que solo le recuerdo a el y Peter Cushing y en aquellas mediocres películas de terror, en cines de sesión continua.
Esporadicamente le veía aparecer en este o aquel titulo, siempre en papeles de malvado y dejando claro que si hubiese caído en otras manos o seleccionado mejor sus trabajos, mimbres no le faltaban. Parece ser que nunca le faltó trabajo, aunque casi siempre en segunda o tercera fila en los créditos.
La vida, dios (entiendase Billy Wilder, Spielber, Peter Jackson, George Lucas) le brindaran ya cumplidos los 80 una última década de éxitos en películas de primer orden y él supo demostrar por qué eligió esta profesión.
Falleció a los 93 años..., pero todos sabemos que el Conde es inmortal.
EL AÑO MÁS VIOLENTO
6
2 h. 4 m.
USA / 2014
J.C. Chandor
No acaba, a mi juicio, el joven director de Nueva Jersey de alcanzar el listón que el mismo puso con su estupendo debut: "Margin call" (2011). Sorprende su capacidad de arriesgarse en cada proyecto, con estilos y temáticas diferentes que le siguen manteniendo como más que una notable promesa.
Aquí la estupenda fotografía de Bradford Young nos lleva, no tanto a los 80 como a su cine con referencias inequívocas al cine de Lumet, y aunque Chador insiste con buen criterio en la defensa de la honestidad ante la inmortal corrupción la cosa no me emociona lo suficiente como para no mirar el reloj.
No acabo de creerme la construcción de los personajes secundarios que atenazan a un omnipresente Oscar Isaac al que han disfrazado de Pacino-Corleone y cuya lograda imitación del original me saca del personaje. Tampoco me ayuda acordarme de Duvall cada vez que aparece Albert Brooks. Me paso la película deseando que Chador le haya escrito más lineas a La Chastain para sacarme de un cierto letargo.
Aquel año más violento del 81 en Nueva York debió de ser otra cosa.
PURO VICIO
6
2 h. 28 m.
USA / 2014
Paul Thomas Anderson
Si uno no está muy puesto en la mirada siempre intensa, personal y arriesgada del cine de Anderson y no digamos ya en la obra literaria de Pynchon, juntarlos a los dos puede ser una mezcla explosiva para cualquier espectador medio anclado dos horas y media a una butaca.
Para aquellos que estén puestos en ambos artistas ellos verán si la adaptación de la considerada inadaptable obra de Pynchon a dado buenos resultados. No se puede negar que el punto de vista de ambos creadores da como resultado un film interesante lleno de buenos momentos donde, a mi juicio, la balanza se decanta más por el aspecto formal brillante del director que por la disección ácida (y nunca mejor dicho), satírica y brutal de la sociedad americana californiana de los 70, (con un homenaje al "noir" clásico), que prometía vino y rosas y acabó montando un mercado con ambos. Luego y por consiguiente y a pesar de las excelentes interpretaciones el todo falla por la base y "Vicio inherente" título que ha sido prostituido por el más comercial de: "Puro vicio", acaba siendo una extravaganza para mayor gloria de incondicionales y cinéfilos varios.
NO LLORES, VUELA
6
1 h. 52 m.
España / 2014
Claudia Llosa
Uno tiene la sensación de que la sobrina del premio nobel de literatura, está buscando su propio camino autoral después de abrirse paso en la industria con su premiada opera prima "La teta asustada". En este caso la crítica no ha respondido con el mismo entusiasmo ante un paso más elaborado, de mayor presupuesto y con un reparto internacional, sobre todo Connelly, que raya a gran altura metiéndose en la piel de unos personajes cuyo desarrollo argumental no se corresponde con sus notables interpretaciones. El montaje, el estilo narrativo y la mirada de Claudia Llosa la consolida como una directora con una proyección interesante y merecedora de seguimiento.
La película no acaba ofreciendo todo lo que promete pero consigue mantener el interés salpicada de belleza, poesía y grandes momentos dramáticos.
EL SECRETO DE VIVIR
7
2 h.
USA / 1936
Frank Capra
Capra al fin encontró el reconocimiento que anhelaba con la comedia "Sucedió una noche" plagada de Oscars que elevó a la división de honor a la Columbia. Así que no le quedó mas remedio que repetir la formula con el mismo guionista Robert Riskin. Volvió un año después a seguir intentándolo con su vena más "artística" en "Horizontes perdidos", sin igualar resultados. El destino y la nueva fórmula empleada mezclando comedia, fábula, y moraleja social con envoltorios de kilos de ingenuidad al alcance de todos los corazones y cerebros iba a darle la formula del éxito popular por el que sería a la postre recordado. A ello contribuyó en buena medida la televisión y su perenne pase, sobre todo en navidades, de "Que bello es vivir" (1946).
"Mr. Deeds goes to town", triunfó, se supuso su segundo Oscar como director y algunos hasta la consideran su mejor película, al menos en este estilo suyo tan particular. Cooper, que ya era una estrella, esta encantador y nos convence en su faceta cómica como un hombre bueno, que no tonto, enamorado, amante de la vida sencilla y que pone su heredada fortuna a disposición de aquellos que menos tienen. La sociedad acomodada le tildará de loco y pretenderá encerrarlo, pero el amor, el humor y el New Deal intentarán impedirlo. Un buen puñado de secundarios acertados y el apoyo de Jane Arthur que se consolidó con este papel nos hacen pasar un buen rato y soñar conque la vida podría ser de otra manera... En fin.
Capra la dirige de forma clásica cuando el cine clásico aún no tenía categoría de tal y hoy día cuesta desembarazarse de muchos prejuicios para disfrutarla como se merece.
JUSTIFIED (6ª Temporada)
7
13 episodios de 42 m. aprox.
USA / 2015
Graham Yost / FX
La joya de la corona de la cadena FX ha llegado a su fin y no porque la propia FX no le hubiera gustado seguir estirando el asunto sino porque el buen criterio de su creador y sobre todo de su protagonista y productor Olyphant a lo largo de las seis temporadas quieren que el marshall de Kentucky y su mundo rural del condado de Harlan perduren en nuestra memoria con añoranza y no sacrificar el trabajo bien hecho mareando la perdiz un par de temporadas más. El gran Elmore Leonard fallecido en el 2013, sobre cuya obra "Fire in the hole" se basaba la serie y ejercía como asesor, seguro que estaría de acuerdo con que este cowboy del siglo XXI se tomara un buen merecido descanso.
Si bien es cierto que la atmósfera creada y el desfile acertado de un reparto fijo y ocasional de calidad han sido su bazas más fuertes, no es menos cierto que el equipo de guionistas ha sabido estar a la altura a pesar de cierta reiteración en las tramas, luciéndose en los diálogos que han sido tanto o más protagonistas que la acción. He disfrutado mucho con sus seis temporadas. Probablemente su pertenencia a una cadena "menor" le ha restado oportunidades en los premios en unos años de grandes series. El modesto premio de mi recuerdo agradecido ya lo tiene.
MAD MEN (7ª Temporada / 2ª parte)
7
7 episodios de 49 m. aprox.
USA / 2015
Matthew Weiner / AMC
Aunque la publicidad parece inagotable, también llega un momento en que pasan esos: "volvemos en 7 minutos" y los vendedores de abalorios se retiran (hasta la próxima). Detrás de lo oropeles hay y sigue habiendo hombres y mujeres, al servicio de imaginar nuestros deseos y vendérnoslos bien envueltos. Durante siete temporadas "Mad Men" nos ha sumergido en una época y en un país donde se produjo el big-ban. Comenzó como una historia personal y rápidamente se convirtió en un despliegue coral donde el mundo femenino social y laboral en la tierra de las oportunidades ha tenido su subrayado especial. Al brillante diseños de producción se unieron un excelente elenco y llegaron los premios en una televisión donde llevan más de una década floreciendo notables series.
La última remesa no ha sido especialmente mejor ni peor que el resto, manteniendo su estatus de calidad y rematando con una guinda que nos deja a muchos nostálgicos el recuerdo de "aquellos maravillosos años" en los que la chispa de nuestra vida empezaba a brillar.
CALVARY
7
1 h. 41 m.
Irlanda / 2014
John Michael McDonagh
J.M. McDonagh ya nos sorprendió hace cuatro años con su carta de presentación "El irlandés".Una comedia atípica local con aires de western y referencias cinéfilas con un Brendan Gleeson certificando lo buen actor que es. Aquí el tandem se repite con igual o mayor éxito en otro giro inesperado, más dramático, más arriesgado que trasluce a un McDonagh como lúcido guionista capaz de llevar a la pantalla de forma notable sus ideas sobre el papel.
Probablemente uno de los acercamientos más interesantes sobre la religiosidad y la fe, alejado de tópicos, mediante unos diálogos brillantes y descarnados en una tierra donde el cristianismo arraigado ha dejado más sombras que luces a lo largo de su historia. Una puesta al día reflexiva y a la postre profundamente religiosa desde lo personal sobre la sociedad actual decadente y hedonista, el sálvese quien pueda antes de cruzar ese umbral oscuro inevitable cuya luz al otro lado cada día es más tenue. Muchas preguntas sin respuesta para un hombre bueno que es capaz de darlo todo para redimirse y redimirnos.
Un reparto excelente y aunque se le encuentran similitudes con "Seven" a mi me ha recordado más, siguiendo con el aroma a western que parece gustarle al director, a "Solo ante el peligro", con un Cooper orondo que es capaz de plantar cara el solo a esa cita que tiene lugar, día y hora como el tren de mediodía que llega a Hadleyville en la cinta de Zinneman.
LA NOVELA DE UN TRAMPOSO
7
1 h. 21 m.
Francia / 1936
Sacha Guitry
Sacha Guitry (1885-1957) acaparó con una voracidad insaciable todas las facetas de la farándula teatral y cinematográfica: autor, actor, director, escenógrafo, guionista, novelista... y sin embargo hoy es poco recordado excepto para los cinéfilos que saben que Truffaut lo rescató del olvido y que al menos esta película que nos ocupa figura en las listas de las mejores de la historia del cine.
Nació en Rusia y su padre fue primer actor famoso en la compañía de la gran Sarah Bernhardt, escribió e interpreto más de 100 obras teatrales las cuales adaptó y siguió interpretando en la pantalla, a pesar de que llegó a vilipendiar el séptimo arte. Por sus manos pasaron y fueron descubiertas jóvenes promesas como Louis de Founés o Raimu entre otros muchos. Fernandel o Michel Simón también trabajaron con este hombre absorvente y absorvido por su profesión que siguió trabajando durante la ocupación nazi en París y cuya postura profesional y vital no fue entendida después de la guerra llegando a ser acusado de colaboracionista.
"La novela de un tramposo", estaba adaptada de su propia y única novela del mismo título y en ella despliega todo un repertorio de recursos fílmicos apabullantes en una amalgama donde teatro y cine se dan la mano y donde cada escena podría estar entresacada de cualquier género cinematográfico. A ello añadió la particularidad de estar prácticamente en su totalidad narrada por una voz en off, la suya, que dirige la narración y da voz a los personajes con aroma de cine mudo.
La trama es desigual con momentos realmente muy avanzados para su tiempo, a veces rindiendo demasiada pleitesia al mundo teatral y con un egocentrismo que hace del resultado una pasarela para las estupendas dotes de Guitry como actor.
LA CONSPIRACIÓN DEL SILENCIO
7
2h. 2 m.
Alemania / 2014
Gulio Ricciarelli
Si una nación ha sido derrotada, humillada y sojuzgada por dos veces en apenas medio siglo, al intentar sobrevivir, su mente colectiva al igual que la de cualquier persona individual esconde en lo más recóndito de su conciencia, su lado más oscuro, sus crímenes inconfesable, la condena insoportable de su propio yo o recurre a la más descarada y cobarde mentira para salvar el pellejo y el de sus descendientes. Nadie quisiera verse en su lugar.
Alemania fue juzgada por los aliados y el resto del mundo pero tenía pendiente juzgarse a si misma, expiar sus culpas y ofrecer a sus nuevas generaciones un horizonte limpio de manchas. La tentación de utilizar atajos una vez juzgados los más altos responsables y ofrecida mano ancha por distintos motivos por las dos grandes potencias de la guerra fría, era muy grande y los sucesivos gobiernos de Adenauer en la RFA, sucumbieron a ella. Durante 20 años se fue instalando el olvido premeditado y la ignorancia de la nueva juventud.
Un fiscal, Fritz Bauer y su equipo rompieron esa tendencia al encausar con grandes dificultades a muchos de los responsables oficiales y de menor escala en los horrores de Auschwitz en Polonia, uno de los muchos campos de exterminio. A día de hoy aún sigue el goteo de encausamientos de criminales de guerra que se reincorporaron a la vida civil. La mayoría, ya fallecidos ,consiguieron eludir a la justicia.
Y todo ello con innegable afán didáctico nos lo cuenta un italiano afincado en Alemania, en su primer trabajo como director, que ha hecho carrera como actor, en una cinta de fiel recreación ambiental a la que no le duelen prendas de inventarse un protagonista ficticio con subtrama paralela amorosa para que lo amargo del asunto pase mejor.
Bien interpretada, necesaria, mete el dedo en la llaga solo lo justo para incomodar lo imprescindible y plantear muchas más reflexiones que lo que ofrece en su metraje.
EX MACHINA
8
1 h. 48 m.
Reino Unido / 2015
Alex Garland
Lo primero que se me viene a la cabeza son las similitudes estéticas, atmosféricas e incluso filosóficas en algunos aspectos con la cinta de "The Black Cat" (Satanás/1934) de Edgard G. Ulmer. Y dicho esto...
El consagrado novelista y guionista Alex Garland, parece según sus propias declaraciones haber encontrado en la dirección de películas con esta su opera prima, una vía de escape a la soledad del escritor y se encuentra encantado por ello. Cinta muy personal en la que se ha implicado en muchos de sus aspectos y que a tenor de su biografía parece un compendio de influencias familiares: padre dibujante, madre psicóloga y abuelos zoologos.
Se apunta Garland a dar su punto de vista sobre un tema recurrente últimamente con varias cintas de diversos géneros al respecto sobre la implicaciones de la creación de IA (inteligencia artificial) y sus posibles consecuencias para sus creadores humanos, modernos Frankenstein, aprendices de dioses que pueden quedarse obsoletos en una carrera evolutiva cuyas reglas están cambiando.
Acertados diálogos que invitan a la reflexión, ambiente teatral donde los actores lucen sus habilidades y una dirección sobria, minimalista y elegante que sabe crear tensión e inquietud hasta un desenlace donde el "Deux ex machina" grecolatino es sustituido por un "Machina ex homo" o simplemente "Ex machina".
MARGARITA GAUTIER
10
1 h. 48 m.
USA / 1936
George Cukor
El tremendo éxito que cosechó en 1848 la novela de Alejandro Dumas hijo basada en experiencias propias con la cortesana Marie Duplessis, y su posterior adaptación teatral decantó a este para dedicarse definitivamente a la escritura. Para remate Verdi la inmortalizo aún más con su opera de 1853 "La Traviata". Drama romántico pionero en alejarse del romanticismo y encuadrarse en el nuevo realismo social.
El caso es que Cukor que venía encadenando éxitos con sus adaptaciones literarias era a su vez menoscabado por sus críticos que aducían que su éxito provenía precisamente del poder de las obras originales adaptadas. Argumento a mi juicio simplista y malintencionado a poco que uno disfrute con esta magistral adaptación de una tripleta de guionistas a cuya cabeza figura la indiscutible Frances Marion y con la que Cukor se encuentra en su salsa: vestuario y escenografías de un refinamiento exquisito, amplio plantel de caracteres femeninos, gran trabajo fotográfico y un repaso a la hipocresía social no tan lejano del propio mundillo hollywoodense donde Cukor se movía como pez en el agua.
El plantel de actrices es inmejorable con la Garbo a la cabeza que una vez más hace justicia al sobrenombre de "divina", ellos con un jovencísimo y emergente Robert Taylor, la solidez de Barrymore y la lograda composición del especialista en malvados Henry Daniell. Incluso en un papel menor Rex O´Malley como Gastón destaca notablemente en su escena con la Garbo, que acabaría su carrera en otro film de Cukor.
Todo fluye en esta historia parisina en un equilibrio perfecto entre la emoción, las pasiones, los egoísmos, la crítica social y el humor como si fuera un primoroso bordado de un delicado pañuelo de la propia Gautier hilvanado por un Cukor en estado de gracia.
MAPA DE LAS ESTRELLAS
6
1 h. 51 m.
Canadá / 2014
David Cronenberg
Después del parto de los montes de "Cosmópolis" (2012), a sus 72 primaveras Cronenberg se redime en parte con esta historia rocambolesca de un grupo de traumatizados a granel que habitan ese mundo residual más allá de la realidad mortal en el planeta Hollywood. Un Hollywood cuyo primer estudio se fundó hace ya 104 añitos y que ha visto y vivido lo suficiente como para que este culebrón paranoico "cronenbergiano" no diste mucho de alguna realidad.
El pulso del director canadiense sigue firme y nos hipnotiza con este animalario al que cuesta cogerle el punto. Una vez que aceptamos el juego quedamos enganchados, sobre todo gracias a La Moore que una vez más lo borda. La mezcla de glamour, lujo y ordinariez escatológica, es el vitriolo que Cronenberg lanza a la industria y su personajes.
Esta feria de frikis se autodestruye a si misma como el anverso guapo de aquellos que inmortalizó Tod Browning en el 32.
SELMA
7
2 h. 3 m.
USA / 2014
Ava DuVernay
Hay en "Selma", un puñado de buenas escenas sobre los acontecimientos que rodearon las marchas en el estado de Alabama en 1965 entre la localidad de Selma y la capital del estado Montgomery para protestar por los hostigamientos que impedían de hecho a los afroamericanos ejercer su derecho al voto. La composición de David Oyelowo como Luther King, sin conocer a fondo al hombre, parece notable y el reparto coral ejercen cameos al servicio de los hechos. Mención aparte el siempre eficiente Tim Roth como el intransigente gobernador Wallace y un Tom Wilkinsom que ya está desde hace tiempo en ese lugar por encima del bien y del mal haga lo que haga, como un presidente Lindon B. Johnson al que Ava DuVernay retrata en su lado menos favorecedor por encima del guión inicial de Paul Webb.
Oportuna cinta dado los conflictos raciales de los últimos tiempos en los que sigue patente que la igualdad entre razas aún tiene muchos puentes que cruzar y muchas marchas que realizar. Hay en "Selma" un cierto y legítimo sesgo activista que impide que la cinta cuaje como debiera, y resintiendo el equilibrio entre el acercamiento personal al líder King y los hechos históricos. Muchos hechos quedan en el tintero y algunos personajes claves aparecen fugazmente, así como el abandono de los asesinados una vez que cumplen su función de mártires dramáticos. DuVernay sabe que ser la primera directora afroamericana nominada y considerada por la industria es una responsabilidad que no puede desaprovechar y juega sus bazas.
EL TRIUNFO DE LA VOLUNTAD
9
1 h. 50 m.
Alemania / 1934
Leni Riefenstahl
Es inevitable y a estas alturas tópico darle vueltas a la noria de si Helena Bertha Amalie "Leni" Riefenstahl (1902-2003) fue más o menos simpatizante del régimen nazi. Es cierto que trabajó por encargo del mismísimo Hitler y que el desarrollo de su trabajo se benefició del poder del partido para obtener todos los medios necesarios para realizarlo tan brillantemente como lo hizo.
El partido se dio cuenta del inmenso poder del cine para llegar a las masas y su utilización como propaganda efectiva siempre y cuando los films, en este caso documentales, estuvieran bien hechos. La bailarina, actriz y deportista "Leni" ya había demostrado en el 32 con la obra de ficción "La luz azul", premiada en Venecia, que esto del cine podía ser lo suyo. Al Führer le gustó la cinta (y la autora) y le encargó la llamada trilogía de Nüremberg (este es el segundo documental) poniendo incluso la misma ciudad a su disposición para que rodará la exaltación de su imperio de mil años.
Y "Leni" se puso a ello con disciplina prusiana, arte austriaco y tenacidad germana en general para dejar este y otros documentos históricos impagables, ejemplo de objetivos cumplidos para los que fueron realizados y una mirada autoral, derroche técnico y excelso montaje que se tradujo en dos horas (un 3% de lo rodado) que sentarían cátedra en el devenir del género.
Otra cosa es, a toro pasado por supuesto, que a uno se le ponen los pelos de punta viendo como la larva va engordando en su capullo adornado de oropeles y esperanzas de un futuro grandioso para acabar metamorfoseandose en un monstruo que devoró a sus propios hijos y a todo lo que le rodeaba.
Como anécdota, (una de ellas) es ver a un Hitler alabar a su cuerpo paramilitar de asalto, las SA, cuando tan solo dos meses antes en la famosa "noche de los cuchillos largos", los había purgado, arrestado y asesinado (entre ellos a su líder Ernst Röhm) dejando a las SA supeditadas a las tristemente famosas SS. El film no obstante se estrenó un año después.
Riefenshtal siguió brillando, olimpiadas del 36 incluidas, hasta el apocalíptico final del Reich del que salió tocada pero no hundida para el resto de su muy longeva vida.
Otra cosa es, a toro pasado por supuesto, que a uno se le ponen los pelos de punta viendo como la larva va engordando en su capullo adornado de oropeles y esperanzas de un futuro grandioso para acabar metamorfoseandose en un monstruo que devoró a sus propios hijos y a todo lo que le rodeaba.
Como anécdota, (una de ellas) es ver a un Hitler alabar a su cuerpo paramilitar de asalto, las SA, cuando tan solo dos meses antes en la famosa "noche de los cuchillos largos", los había purgado, arrestado y asesinado (entre ellos a su líder Ernst Röhm) dejando a las SA supeditadas a las tristemente famosas SS. El film no obstante se estrenó un año después.
Riefenshtal siguió brillando, olimpiadas del 36 incluidas, hasta el apocalíptico final del Reich del que salió tocada pero no hundida para el resto de su muy longeva vida.
LA TRAGEDIA DE LA BOUNTY
9
2 h. 12 m.
USA / 1935
Frank Lloyd
Buenos tiempos el comienzo de los 30 para el director escocés Frank Lloyd, tan solo dos años antes había ganado su segundo Oscar al mejor director con "Cabalgata", presidia la Academia y su motín de la Bounty se llevaba 8 nominaciones y el premio como mejor película. Ya había cosechado éxitos y experiencia con temas navales con "El águila del mar" (1926) y "Trafalgar" (1929) su primer Oscar.
Así es que lo de soltar trapos, arriar puntos, y subirse al palo mayor lo tenía más que dominado, con un montaje notable que imprime brío, ritmo y credibilidad a la historia de Charles Nordoff y James Norman Hall sobre el hecho real del motín que sufrió el carguero Bethia rebautizado como Bounty en los mares del sur apenas dos meses antes de la toma de la Bastilla en 1789.
Ya se había llevado a la pantalla por australianos en dos ocasiones, pero es aquí donde la poderosa MGM inmortalizaría la historia por encima de versiones posteriores con la colaboración inestimable del gran Laughton y el no menos grande Gable, que cumplen con sus roles a la perfección, aunque sea Laughton el que nos deja un recuerdo imborrable como el terrible déspota del capitán Blight (la verdad es que en esos momentos solo era teniente) cuya autentico perfil real parece que distaba, para bien, del que aquí se nos presenta como persona. La hazaña que realizó de navegar 6.700 Km en un bote fue una aventura mucho mayor que el famoso motín del que el auténtico motivo nunca llego a estar muy claro, así como otros sucesos que tampoco se corresponden con la realidad y que invitan a cotejar con libros de historia.
La primera hora es mucho más solida con una buena labor de secundarios donde destaca el director teatral irlandés Dudley Digges como "Baco" el médico de abordo. En la segunda la trama se va difuminando hasta el discurso final que aboga por mejorar las condiciones de las tripulaciones que durante muchos siglos y en muchos países fueron realmente extremas.
LOS VENGADORES: LA ERA DE ULTRÓN.
8
2 h. 21 m.
USA / 2015
Joss Whedon
Nos guste o no, tenemos que aceptar que los héroes de la pantalla tienen sus propias reglas, pros y contras diferentes a los del papel. Superado ya el subidón de verlos en carne y hueso o CGI, no deberíamos ponerles el papel de calco aquellos que crecimos con ellos para buscar las 10 diferencias. Que si a Ultrón no lo creo Stark, que si este no puede con el otro, que si aquel otro no es tan poderoso como debiera..., etc, etc.
Marvel y Whedon han conseguido con Vengadores y Capitán América que el universo marvel haya venido para quedarse más allá de los mutantes y se estabilice y al igual que los cómics, dependerá de los diferentes, guionistas, arcos argumentales y tratamiento de cada personaje el que las historietas de la pantalla nos agraden más o menos.
Whedon cuenta en esta ocasión con la desventaja de que ya no existe el factor sorpresa, da síntomas en momentos de un cierto agotamiento que le ha llevado a no seguir al mando de la saga, hay como en muchos de los cómics de Vengadores exceso de personajes y el pastel no da para todos. Algunas de las escenas de acción son estupendas y sobre todo una de ellas digna de las mejores "doble splash page" junto con otras donde predomina el barullo y apenas distingues algo.
Prefiero personalmente las historias más equilibradas con la vida privada de nuestros héroes (añoro la mansión clásica con el Jarvis humano atendiéndolos a todos) y los combates más particulares y detallistas que las grandes catástrofes donde todo se derrumba y es poco creíble que nuestros protagonistas no maten a cientos de civiles con sus destrozos. El peaje del apellido de los actores también marca lo suyo.
Con todo y con eso la narración es notable y el conjunto funciona y entretiene con la golosina de seguir incorporando a la pantalla a nuevos y míticos personajes. Y los que quedan.
KINGSMAN. SERVICIO SECRETO
8
2 h. 9 m.
Reino Unido / 2014
Matthew Vaughn
Un autentico disfrute comiquero. Vaughn se ha hecho un auténtico referente junto con su guionista de cabecera Jane Goldman en cuanto a las adaptaciones de cómics y todas ellas (4) con mayor o menor acierto, notables. Dos colaboraciones con obras de Mark Millar y otra de Neil Gaiman, rematando con los X-Men de Brian Singer.
A mi juicio esta es la más redonda. Un homenaje trepidante y vigoroso sin miedo a la sátira al género de agentes secretos tengan ceros delante o no, una pasada donde lo increíble se hace gozo gracias a un reparto de lujo donde el gran Michael Cane da la alternativa en el género a un convincente Colin Firth que aprueba con nota, pasando por la solidez que imprime Mark Strong a todos sus personajes para rematar con un Samuel L. Jackson que ya tiene experiencia con villanos de cómic y que es tan malo como divertido.
Este tebeo con toque british renueva el aire de tanto superhéroe marveliano que se nos viene encima. Los jóvenes actores también cumplen y la bailarina y atleta acrobática franco-argelina Sofia Boutella te corta la respiración y lo que haga falta.
¿Para cuando una precuela?
LA NOVIA DE FRANKENSTEIN
7
1 h. 15 m.
USA / 1935
James Whale
A estas alturas la Universal ya sabía que los monstruos de su factoría eran muy rentables así es que invirtió mayor presupuesto, volvió a contar después de cuatro años con un Whale más experimentado en el género e inició la época de las secuelas y segundas parte que gracias al éxito que tuvo la que nos ocupa, rindió pingües beneficios económicos que no artísticos.
Es evidente que Whale mejora la primera parte, se toma más tiempo en el desarrollo de los personajes, se quita bastante lastre de las relaciones amorosas del famoso doctor e incluye nuevos personajes que enriquecen la trama, desde el original prologo en el que la propia Mary Selley nos cuenta la historia (tan alejada de su original), hasta el inmortal icono que al igual que el monstruo dejó para la posteridad el maquillador Jack P. Pierce en el aspecto de la siempre eficiente Elsa Lanchester que dobla papel como escritora y su alter ego monstruoso.
Los aspectos técnicos están muy cuidados aunque el guión fluctua entre escenas memorables y demasiados minutos de ¿humor? a cargo de Una O´Connor que trastocan la credibilidad del asunto.
A mi juicio es una vez más el toque humano que infiere Karloff al monstruo en la magistral escena en la cabaña del ciego el que inmortaliza al personaje.
El precipitado final y algunas concesiones al público de la época restan hoy día mayor puntuación. Fue muy criticado que el monstruo hablara y la censura recortó el número de victimas del mismo.
FUERZA MAYOR
7
2 h.
Suecia / 2014
Ruben Östlund
La relación de Suecia con el cine está llena de altibajos, de picos destacados y valles profundos y oscuros. Desde pioneros ilustres de los años 20 com Sjöström a gurús consagrados e inmortales como Bergman, hasta una acentuada desafección del publico sueco en general por el cine y el mantenimiento a día de hoy de la censura. El plan estatal de los años sesenta impulsó el cine de calidad y hoy vive de la coproducción con los países de su entorno. Su cine tildado de frío y austero, curtido documentalista gira entorno a la naturaleza, las relaciones personales y la muerte. Y básicamente estas son las claves de este cuarto trabajo de un poco conocido popularmente Ruben Östlund especialista en películas sobre el deporte del esquí.
La premisa sobre la que se sustenta la cinta es original y demoledora y promete mucho más de lo que luego ofrece. La atmósfera que fotografía primorosamente el duo Wenzel y Wergeland se hace tan protagonista como un personaje más. Se nota que el director está en su ambiente y crea el marco adecuado de una belleza aséptica, de apariencia inviolable donde una sociedad privilegiada goza y se amuralla con sus dones y donde siempre irremisiblemente se cuela la tragedia de la fragilidad humana. Alguien ha escrito que esta película es mejor para comentarla que para verla. Algo tienen de razón. El metraje se estira innecesariamente y la dialéctica entre la razón y el corazón no acaba de encontrar su cauce correcto para que el espectador, sobre todo latino no empiece a removerse en la butaca. Entre llanto y frustración va dejando Östrom algunas reflexiones sobre la pareja, la libertad sexual, las segundas oportunidades, el sistema establecido con el macho en lo más alto de la pirámide y alguna gota de humor.
El resultado tiene más brillo que profundidad. El forzado final tiene la virtud de seguir planteando más interrogantes cuyas respuestas debe elegir el espectador.
EL PAÍS DE LAS MARAVILLAS
9
1 h. 40 m.
Italia / 2014
Alice Rohrwacher
Pues si. Una autentica maravilla. La sensibilidad y la capacidad de transmitir sentimientos encontrados de que hace gala Rohrwacher en su segundo film es ciertamente maravillosa. A través de un estilo que rezuma libertad creativa donde aflora su experiencia como documentalista y las influencias de los directores emblemáticos de su cine patrio, la directora va acumulando capas de intencionalidad sobre el devenir de una familia campesina (Padre, madre y cuatro hijas) de la Toscana que se dedican a la apicultura.
Suponemos que con cierto regusto autobiográfico, la hija primogénita Gelsomina es una adolescente donde confluye todo un universo caótico de sentimientos, interrogantes, ilusiones, temores, esperanzas... Nunca había visto tan bien reflejado la huella de la adolescencia como en la mirada de esta joven actriz debutante que magnetiza la cámara. Con eso sería suficiente pero hay mucho más en la cinta. No parece anecdótico que se emparente al mundo campesino de la zona con el pueblo etrusco, simiente del italiano, mítico y enigmático, cuya civilización y estilo de vida desapareció engullido por la "modernidad" del poderoso imperio romano, como desaparece la vida campestre, como desaparecen las abejas y como desaparece para siempre el mundo que nos rodeaba cuando empezamos a descubrir quienes somos y tenemos que decidir quien queremos ser. El lugar en el que crecimos se torna en ruinas al que nunca podremos volver.
Los demás personajes en mayor o menor medida aportan sus matices en un trabajo coral notable no exento de crítica social donde Rohrwarcher apuesta más por la imagen que por la palabra y casi podemos oír lo que sienten cada uno de ellos en sus gestos y miradas. Un ejemplo perfecto de la esencia de este arte.
Dice su directora que ha querido romper la lógica narrativa mezclando, realidad e ilusión para complementar lo que quiere expresar. Y a fé que lo consigue.
No podemos perderle la pista a esta italiana de apellido alemán.
SATANÁS
5
1 h. 5 m.
USA / 1934
Edgard G. Hulmer
Hoy día es muy difícil que los valores que indudablemente contiene esta cinta de culto nos hagan valorarla más allá de lo que básicamente es: una cinta de bajo presupuesto de terror con la que la Universal quería seguir (y lo consiguió) rentabilizando el camino abierto con Drácula y Frankenstein en el 31 y sus dos principales protagonistas juntos por primera vez, Lugosi y Karloff o viceversa, unidos al nombre del gran Poe cuya coincidencia con su magistral historia "El gato negro" (1843) solo se da en el nombre. En España ni eso.
G. Hulmer adquirió fama de lidiar y sacar adelante proyectos de muy bajo presupuesto y este fue su primer éxito en esa linea que le hizo desaparecer de la lista de directores a tener en cuenta en la historia del cine y que posteriormente fue revindicado por la modernidad y la labor de recuperación de su obra (que básicamente desconozco) por su hija.
El caso es que Ulmer había estudiado Arte, le interesaba la escenografía y llegó a trabajar para Reinhart en el teatro y Murnau y Lang en el cine. Y todas esas influencias aupadas en la fotografía de Mescall se vierten en la puesta en escena de este drama de terror psicológico pionero donde lo mejor son todas las piezas de un juego que ofrece muchas variantes y posibilidades sin mojarse en ninguna.
La casa donde transcurre la acción y algunas escenas de alto poder subjetivo y simbólico acompañan a los dos actores que arrastran el lastre actoral del cine mudo en un guión que acumula ideas de forma precipitada, oportunismo aprovechando que el ocultista inglés Aleister Crowley acaparaba titulares en la prensa, ritmo desigual y poco efectivo con muchas tomas que repiten actos banales como abrir y cerrar las puertas hasta la saciedad.
La inquietud que provoca la trama no acaba siendo satisfecha y uno sospecha que el astuto productor Laemmle nos ha dado gato negro por liebre.
Se hicieron más versiones que imagino con menos encanto cinéfilo y no sé si fueron capaces de desarrollar con mejor tino el potencial que esta conlleva.
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EL FRANCOTIRADOR
5
2 h 12 m.
USA / 2014
Clint Eastwood
Vuelvo a recomendar la biografía no autorizada de Patrick McGuilligan, para entender como funciona, en general, la mente de este octogenario director sobrevalorado a mi juicio, que sin embargo nos ha dejado algunas cintas memorables. Una de cal y cuatro de arena podría reflejar su carrera cinematográfica, en cuanto a calidad. Otra cosa es el balance más que positivo en la caja de la taquilla. Para ello una vez más, Eastwood después de un sonoro pinchazo económico (Jersey boys) recurre al socorrido gatillo, a la enésima vuelta de tuerca de Harry el Sucio y derivados envueltos en la bandera de las barras y estrellas. Y una vez más equilibra la balanza de ingresos.
La historia de este SEAL daba para mucho más que para una reedición en gran formato del videojuego "Call of Duty". Buena parte del extendido metraje se lo pasa Eastwood filmando a esta fuerza de élite apuntando a todo lo que se mueva. Así pues el drama personal de este hombre queda en un segundo termino prendido de estereotipos y clichés donde el hipervitaminado Cooper trata de subir peldaños en su carrera actoral aguantando la mirada omnipresente de la cámara mas que dotando a su personaje de los matices necesarios, inexistentes en el guión, para que podamos entender lo que pasa por su monolítica cabeza donde el bien y el mal necesitan una raya bien definida para poder apretar el gatillo al menos 160 veces.
Al final Eastwood tira de western de garrafón y fiel a su inconsciente aporta su misoginia con un ramillete de frases donde las mujeres del mundo libre deben conformarse con sus buenos "5 centímetros", lavar, limpiar, cocinar y cuidar a los niños mientras papá macho sale a cazar malos.
Todo mis respetos por esos hombres y mujeres que dan su vida por proteger la de los demás con buena voluntad. La cosa estaría en usar antes la cabeza para que los dirigentes de ambos bandos no nos pongan el gatillo entre los dedos. Nada de esto le preocupa a Eastwood. El emotivo final le asegura más ceros en su cuenta corriente.
Hay un momento en que Sienna Miller le da el niño que tiene en sus brazos a Cooper y acto seguido se sube la cremallera hasta arriba de su sudadera. En el siguiente plano la tiene totalmente bajada. Cuando detalles como este se le comentaban a Eastwood a lo largo de sus muchas películas, siempre contestaba que no tenían la más mínima importancia como para repetir la toma, porque si el espectador se fijaba en esos nimios detalles es que no le interesaba la cosa. Pues eso.
EL LIBRO DE LA VIDA
10
1 h. 35 m.
USA / 2014
Jorge R. Gutierrez
Esta joyita ha sido incomprensiblemente marginada de las nominaciones a los Oscars, por debajo de proyectos semifallidos como "Los Boxtrolls" o incluso la más convencional "Big Hero 6" que acabó llevándose la estatuilla. Si a uno le da por ser mal pensado, quizás algo tenga que ver con que la todopoderosas Disney/Pixar está preparando un proyecto similar sobre la imaginaria del día de los muertos mexicanos.
En cualquier caso el también mexicano Jorge R. Rodriguez nos regala un maravilloso cuento patrio lleno de valores de amistad, comprensión, perdón, libertad, igualdad sexual y respeto por los animales y la vida en general que debería proyectarse en todos los colegios y que al país "centro del mundo" como al resto, buena falta le hace. Todo ello en una explosión de imagineria popular colorista con un gran diseño de personajes y un guión al que se le tacha de blando que personalmente considero irreprochable.
Si además es entretenida, con buen ritmo y una buena y ecléctica banda sonora pues... !Ándale!
L´ATALANTE
8
1 h. 22 m.
Francia / 1934
Jean Vigo
Aún pudo Jean Vigo, a pesar de estar en estado terminal de su enfermedad aplicar a una historia "más convencional" todo el torrente creativo que había explotado de forma algo caótica en "Cero en conducta" (1933), con la colaboración inestimable de su director de fotografía Boris Kaufman. Su realismo poético cobra aquí toda su dimensión como testamento fílmico para aquellos que siguieron su herencia.
Vigo falleció antes de poder ver estrenada su obra que fue inmisericordemente mutilada por la productora y fracasó comercialmente.
Tuvo que pasar mas de medio siglo para que podamos hoy contemplar una copia lo más fiel posible a su creador.
L´Atalante, una barcaza larga que navega por el Sena ofrece a Jean y Juliette una vida itinerante, libre de ataduras y convencionalismos reflejadas en las gentes del pueblo donde arranca la acción con la boda de la pareja. El nombre de la barcaza ya haga alusión al dios mitológico del mar que sustenta sobre sus hombros el peso de la vida o la heroína considerada preludio del feminismo y que acabó convertida por Cibeles junto con su amante en uno de los leones que tiran de su carro bien pueden servir de ricas metáforas para los sentimientos que bullen en la historia.
Vigo sigue investigando y se mueve con maestría en espacios cerrado mínimos, llenos de cachivaches, tanto como saca la cámara al exterior, y el cine mudo se mezcla con el sonoro, los personajes avanzan casi hasta el interior del objetivo, las imágenes surrealistas se llenan de sentido poético y belleza y el amor, el deseo de libertad y las pasiones flotan en pasajes oníricos. El homenaje que Vigo rinde a su padre anarquista en el personaje que se calza como un guante Michel Simon, es inolvidable.
L´Atalante quizás todavía fuera un paso intermedio entre lo que deseaba y podría ofrecer Jean Vigo. Desgraciadamente nunca lo sabremos, pero esta barcaza y lo que contiene seguirá navegando y atracando en el puerto de todo aquel que quiera seguir contando sueños con luces en movimiento.
LA SAL DE LA TIERRA
9
1 h. 50 m.
Francia / 2014
Wim Wenders
Solo por conocer o revisitar la obra de Sebastiao Salgado ya merece la pena acercarse a este nuevo trabajo de Winders, que parece estar teniendo una nueva etapa dorada a través del género documental compartiendo autoría aquí con el hijo de Salgado. Después de la obra maestra que fue "Pina" (2011) donde todo era movimiento y fugacidad ahora el tiempo se detiene en esos instantes irrepetibles que quedan atrapados e inmortalizados por la fotografía de este brasileño que decidió abandonar su futuro en el mundo de la economía para vivir una pasión y ser testigo y transmisor del mundo tal como es y tal y como lo hemos convertido.
La terrible onda expansiva de lo que nos cuenta Salgado mediante su mundo en blanco y negro eclipsa su propia historia personal. Su familia que permanece unida a pesar de sus constantes ausencias y canalizan y promueven su obra.
Salgado, joven, físicamente poderoso, resiste la extremas condiciones que conlleva su vida itinerante pero es su alma la que al final cede ante la barbarie de su propia especie que no se merece el planeta que habita. El Holocausto humano no se circunscribe a un puñado de nombres de terribles dictadores y tiranos en momentos históricos determinados. El Holocausto es y ha sido permanente desde que nuestra especie se hizo dominante. Las imágenes que nos ofrece Salgado en el cuerpo central de su obra nos devuelven una mirada directa a nuestro alma de otros seres humanos que se preguntan y nos preguntan ¿por qué?. La respuesta es tan terrible que nos cuesta mantener esa mirada sin avergonzarnos.
En su última etapa Salgado apuesta por devolver a la madre tierra algo de lo que le hemos arrebatado. Es la forma de expiar su parte de culpa.
LA SEÑAL
6
1 h. 35 m.
USA / 2014
William Eubank
Como si fuera una carta de presentación, que en definitiva lo es, Eubank echa de todo un poco en la olla para condimentar un guiso sugerente cuya virtud principal es que huele muy bien con diferentes aromas según va pasando el tiempo de cocción, despertando nuestro apetito y manteniendonos pendientes de que acabe para probarlo cuanto antes. El resultado final defraudará a algunos, gustará a otros y servidor llega a la conclusión que lo mejor ha sido la embriagadora espera.
Escaso presupuesto (para los estándares USA), manejado con mucha habilidad, le permite firmar escenas donde aflora todo su experiencia como director de fotografía luciéndose con un potente estilo visual. La referencias a series como "The Twilight Zone" o directores como Lynch o Kubrick son reconocidas por el director.
Los actores, con un Fishburne dando la cara (nunca mejor dicho) comercial, deambulan al servicio de la trama, en cuyo guión esta el hermano del director y un David Frigerio, que si no me equivoco es hijo de mi idolatrado escenógrafo teatral Ezio Frigerio.
TIMBUKTU
6
1 h. 40 m.
Mauritania / 2014
Abderrahmane Sissako
El cine africano arrastra todos los males inherentes a la falta de desarrollo de su propio continente, expoliado y sojuzgado directa o indirectamente por ese otro mundo que se autotitula primero a costa de los otros a los que considera segundos o terceros. Si bien ya en los años 20 se hicieron películas en el continente no es hasta bien entrados los 70 donde en algunos países se consolida una cierta industria cinematográfica.
Es un cine básicamente social, educativo y de denuncia en el mejor de los casos y propagandístico en el peor, con pocas salas y peor distribución internacional. Cuando la gente no tiene que llevarse a la boca o está inmersa en guerras intestinas la ficción cinematográfica es un lujo que no se pueden permitir.
De Mauritania, centrado en la mítica ciudad de Timbuktú en Mali nos llega este trabajo de Sissako, director que ha trabajado en Francia y quizá por ello ha conseguido hacerse un hueco en festivales como Cannes e incluso por esta cinta estar en la nominación a los Oscars a las mejores películas de habla no inglesa.
Es una cinta cuando menos peculiar. Entre la ficción, el surrealismo y el documental, con una mirada marcadamente estética que confiere a lo que nos cuenta una gran belleza pero que a mí personalmente no acaba de empastarme con la terrible y absurda tragedia que viven estas gentes bajo el terror y el horror de los yihadistas islámicos.
Todo las imágenes desprenden una pose y un encuadre muy estudiado. Los ropajes, las calles casi vacías de una Tumbuctú mucho más populosa, los rostros inmaculadamente bellos, con cutis y dientes perfectos de los actores, la luz, los reflejos, la luna, la arena...., todo rezuma una disposición casi teatral que me impide reconocer el tono que pretende darle Sisassko.
Hay sin embargo grandes escenas, cargadas de simbolismo genial y una denuncia del horror que supera con creces todas las demás consideraciones.
Nos alegramos por el cine africano, que tiene mucho que contar cuando les dejen y les dejemos hacerlo.
EL DESTINO DE JÚPITER
5
2 h. 7 m.
USA / 2015
Hermanos Wachowski
Uno quiere imaginar lo bien que se lo han debido pasar estos niños grandes que deben ser los Wachowski jugando con sus muñequitos de space opera, inventando luchas imposibles, vistiendo princesas y explotando naves molonas y cachivaches intergalácticos de todo a cien. Le envidio. Y les admiro por parir Matrix. Incluso me gustó Speed Racer (Meteoro para los de casa). Pero la cosa no es minimamente seria para un prestigio cinematográfico que cada día se les aleja unos poquitos años luz. El guión es de parvulario, los actores de renombre (sorprendente la versatilidad de Channing Tatum, después de verle en Foxcatcher), hacen de maniquies y poco más, los saltos y bandazos en el tono del asunto dejan cortos a los del hiperespacio, la traca final es para pedir a gritos la hora...., en fin, queridos hermanos (Wachowski), espero que su disfrute con los 171 millones de dólares (apenas amortizados) haya sido directamente proporcional a nuestra profunda decepción con las aventuras de la princesa choni dueña de la tierra (que gran metáfora).
FOXCATCHER
10
2 h. 14 m.
USA / 2014
Bennet Miller
Miller ha conseguido con este su tercer trabajo matricula de honor y eso que los otros dos eran de sobresaliente. "Foxcatcher" no es perfecta. Ni siquiera redonda y tiene un puñado de cosas, a mi juicio, mejorables, pero el conjunto te deja sobrecogido como solo las grandes películas pueden hacerlo. La olla express que configura basándose como en sus anteriores trabajos en hechos reales y potentes interpretaciones, es antológica. Si los personajes y los hechos no fueron al cien por cien como lo cuenta (Mark Shultz ha tenido palabras duras, luego corregidas, al respecto) es indiferente, para eso está el libro del propio Shultz y las hemerotecas que seguro que también son subjetivas.
Lo que nunca sabremos es lo que narra admirablemente Miller, aquello que el espectador tiene que intuir, la esencia de la búsqueda del reconocimiento personal, de los odios, resquemores y frustraciones subconscientes que no entienden de poderes económicos aunque puedan ser canalizados y deslumbrados por ellos. Dos seres desarraigados familiarmente que se complementan para encontrarse el uno en el otro, para subir ese peldaño que les haga protagonistas más allá de su fortuna o sus medallas por encima de aquellos que les vienen tutelando. El amor, la comprensión y la frustración de la madre y el hermano son una tremenda losa que protege y aplasta y que el espectador siente en todo su peso, gracias a Ruffalo y a La Redgrave. El desequilibrio psicológico del heredero de los du Pont es mayor y acaba desnivelando la balanza con daños a terceros. La interpretaciones son excelsas. Más llamativas por sus curriculums las de Carrel y Tatum.
Hay en la cinta otras lecturas políticas, sociales e incluso deportivas que quedan eclipsadas por esos interrogantes que siempre están bullendo y que Miller va dejando salir lentamente, controlando con maestría la espita para cerrarla en el momento adecuado.
Lo que John du Pont siente cada vez que ve los caballos de su madre, aquello que no es capaz de expresar con palabras Mark Shultz, la mirada siempre condescendiente de su hermano, solo les pertenece a ellos. Ni Miller debe explicarlo ni nosotros exigírselo. Solo escuchar en silencio el silbido que produce el inquietante vapor de tanto sufrimiento acumulado.
PROJECT ALMANAC
5
1 h. 46 m.
USA / 2014
Dean Israelite
El peso pesado (esto último a veces literal en su obra) Michael Bay, produce y patrocina al recién llegado Dean Israelite con un film de bajo presupuesto con algunas virtudes y a mi juicio, defectos de bulto.
Entre lo positivo un elenco que está a la altura de la propuesta encarnando a jóvenes actuales de clase media que se mueven con credibilidad en un ambiente pegado a su realidad e inquietudes y que a la postre es lo mejor de la cinta.
En lo negativo, uno tiene la sensación de que Israelite llega tarde tanto en el fondo como en la forma. Poco o nada aporta al género de ciencia ficción, recurriendo a situaciones ya muy explotadas por cintas de mayor entidad. Y sobre todo que rodar con el estilo de metraje encontrado (rodado por uno de los personajes) puede que hace 15 años tuviera su gracia como experimento. Hoy parece que solo queda como forma de marear al espectador ante tanto vaivén o para salir por la puerta de emergencia creativa en vez de tener que rodar lo que está pasando.
Habría que utilizar la maquina del tiempo y volver a empezar.
EL JUEZ PRIEST6
1 h. 21 m.
USA / 1934
John Ford
En la amplísima filmografía de John Ford, con un buen puñado de obras maestras, es cuando menos atrevido considerar esta que nos ocupa como una de las mejores por mucho que a Ford le gustara. Más si tenemos en cuenta que buena parte de su carrera Ford la hizo como asalariado de estudio y filmaba lo que le ordenaban o como él mismo reconoce, aquello que le permitía pagar sus facturas. En el año 34 la Fox ya le había rescindido su contrato en exclusividad por sus problemas con el alcohol y vendía su maestría al mejor postor.
Will Rogers, famoso vaquero habilidoso con el lazo y la palabra se hizo tremendamente popular en los USA, llegando a ser el actor mejor pagado en su momento. Su carácter local hizo que su fama no cruzara el charco, incluso en España ni se estrenaban sus películas.
Ford inició con él una buena relación personal y artística que cuajó en una trilogía del 33 al 35: "Doctor Bull", "El juez Priest" y "Barco a la deriva". El fallecimiento de Rogers en accidente de aviación en el 35 truncó la excelente colaboración de ambos.
"Doctor Priest" se basa en las historias costumbrista narradas en 1915 por el prolífico escritor sureño Irvin S. Cobb: "Old Judge Priest". Un sur que se lame con orgullo las heridas de su derrota ante La Unión al tiempo que sigue linchando negros (a Ford le censuraron la escena del intento de linchamiento) y organizando fiestas de sociedad donde corre el ponche y las rivalidades entre los distintos apellidos de "buenas familias".
El Juez, ha combatido, es un sabio popular cargado de experiencia que sabe que el espíritu de la ley no necesita de libros de leyes ni togas, ni formulismos y que el amor perdido, es el único bálsamo efectivo para el alma. Rogers tiene el don de la campechania, incluso Ford no le obliga a memorizar sus diálogos sabiendo que siempre encuentra de forma natural aquello que debe transmitir.
Es en este espíritu costumbrista trufado de humor de Cobb de la primera parte donde la cinta se hace fuerte y enraízan los personajes. El suceso que acapara el segundo tramo se hace menos llevadero hoy día, el humor es menos sutil y el desenlace más que previsible.
Fue un buen año para Anita Louise que rodó 8 películas, el joven Tom Brown acabaría haciendo carrera militar y llegando Teniente Coronel (Ford fue Contraalmirante) y David Landau sufrió un derrame cerebral falleciendo al año siguiente.
Ford homenajea a su admirado Griffit en esos flahbacks que narra el reverendo, un Henry B. Waltall que 19 años atrás había protagonizado "El nacimiento de una nación".
Todo ello entre las canciones improvisadas de la inigualable Hattie McDaniel, la eterna "Mammy" de "Lo que el viento se llevó".
Años más tarde, en el 53, Ford volvería al universo Cobb con "El sol siempre brilla en Kentucky".
NIGHTCRAWLER
9
1 h. 53 m.
USA / 2014
Dan Gilroy
La maravillosa fotografía de Robert Elswit ya nos pone en situación. La ciudad despierta y el "monstruo" necesita desayunarse con la catarsis de las tragedias ajenas, con el morbo de que son otros los que mueren, otros con los que podemos solidarizarnos, apenarnos, igualarnos socialmente con sus desgracias y disfrutar de que nosotros seguimos vivos. Las grandes corporaciones mediáticas subsidiadas por aquellos que manejan los hilos nos nutren de la dosis justa de carnaza necesaria para que el miedo al caos justifique la protección que nos otorgan cuando les votemos. Y para ello se necesita de peones sin escrúpulos morales, adoradores de las biblias manual de como hacerte rico y crear empresas depredadoras que salgan a devorarse en el caldo de cultivo del libre mercado, predicadores a "full time" de ancha sonrisa y oratoria de que el fin justifica los medios. Reyezuelos efímeros que aumentan sus cuentas corrientes proporcionalmente a los odios y desgracias que generan.
Una radiografía de la sociedad 4.0 en la que vivimos los privilegiados del "primer mundo" con la que ha debutado en la dirección de forma contundente Dan Gilroy.
Gyllenhall que también produce, nos deja un personaje, en una composición memorable, para el recuerdo, un clásico heredero del Travis Bickle de Robert de Niro que ha comprendido que los tiempos han cambiado y que las crisis generan oportunidades si no eres escrupuloso y tus ideales empiezan y terminan contigo mismo.
La trama puede forzar las situaciones pero el mensaje es claro, contundente y despiadado. Rene Russo esposa del director refleja con aplomo el estupor y el brillo de la fiebre del oro de las audiencias que te mantienen en tu puesto. El precioso y potente Mustang rojo deja claro que o te la juegas llegando primero o no eres nada.
CAPITÁN HARLOCK
6
1 h. 55 m.
Japón / 2013
Shinji Aramaki
Con dos añitos de retraso nos llega, después de su éxito internacional la adaptación a la gran pantalla del manga japonés del mismo título cuyas aventuras en papel se prolongaron desde el 77 al 79 de la mano de su creador Leiji Matsumoto y que se estirarian en el tiempo hasta el 2002 en una serie de películas de anime.
Esta nueva puesta al día del personaje en la gran pantalla viene a continuar el lento pero efectivo camino del cine CGI (imágenes generadas por ordenador) iniciado con "Final Fantasy: La fuerza interior" (Hironobu Sakaguchi / 2001) y que tuvo el honor con su fracaso comercial de arruinar a Square Pictures abanderada cinematográfica de la exitosa Squaresoft y sus videojuegos "Final Fantasy", que dicho sea de paso nada tenían que ver con la película.
Parece ser que al Capitán le han ido mejor las cosas con nominaciones varias y saldos positivos en la taquilla. Cinco años de trabajos exhaustivos para un trabajo hiperrealista de virgueria técnica donde destacan artilugios, atrezzos, naves y cachivaches varios muy por encima de una historia confusa que hace que no acabemos de empatizar con sus protagonistas por mucho que molen sus diseños. Así pues son los entornos, las atmósferas y sobre todo ese pedazo de nave cachalote-galeón pirata movida por energía oscura la que se hace con el protagonismo y la espectacularidad del asunto.
Ojalá que en futuros proyectos que esperamos no tarden otros 14 años dediquen más presupuesto o neuronas para que los guiones estén a la altura de tanta genialidad técnica.
BLACKHAT. AMENAZA EN LA RED
4
2 h. 13 m.
USA / 2015
Michael Mann
En un intento de ponerse al día con sus contrastadas capacidades para el thriller de acción Michael Mann alejado de sus mejores tiempos en los 80 tira de ciber terrorismo y de guapo de moda en una cinta olvidable, caótica, por momentos aburrida y que no dará lustre a ninguno de sus participantes, a excepción quizás del londinense Ritchie Coster como despiadado lugarteniente del malvado de turno.
Excesivo metraje, ni siquiera ciertas atmósferas urbanas orientales, algún que otro plano fotográfico notable y el consabido tiroteo marca de la casa salvan el tono mediocre y sobado de todo el conjunto.
"Chinos y amelicanos juntos como helmanos".
SUCEDIÓ UNA NOCHE
10
1 h. 45 m.
USA / 1.934
Frank Capra
Los años 30 del siglo pasado fueron muy fructíferos para Capra, Gable y Colbert. Con esta película acabaron de consagrarse. Ninguno de ellos sin embargo esperaba mucho de este proyecto. Capra se veía obligado a volver a sus comedias iniciales tras "fracasar" con experimentos más artísticos, Gable venía cedido de la gran MGM a la segundona Columbia y Colbert exigió condiciones leoninas suponiendo que no se las darían..., pero se equivocó. El resultado, la madre de todas las comedias "screwball" (termino tomado del béisbol), aquellas que se consideraban excéntricas y enfrentaban a parejas en principio antagónicas en mil y una peripecia para acabar unidas por mor del amor. Aquello de los extremos se tocan. Para ello es imprescindible que la famosa "química" entre sus protagonistas haga acto de presencia. Gable y Colbert rezuman dicha química por los cuatro costados. Están simpáticos, entrañables, divertidos y sobre todo enamorados. El guión de Riskin es redondo de puro sencillo y previsible con escenas que permanecen en el recuerdo y funcionan bien engrasadas. Y luego ese "toque Capra" de buenismo, ese mundo donde el mal existe, y aquí hay un buen ramillete de pícaros, pero todo se soluciona apelando a esos ideales cristianos particulares del maestro siciliano y el capitalismo desaforado que ha hundido al país en una de sus crisis más sonadas puede convivir afablemente con esos otros que llevan días sin comer.
La niña rica y mimada en su particular road movie vital en ese Night Bus, se rozará con la vida real y encontrará el verdadero amor. El cine proveía cuentos de hadas para que el ruido de las tripas sin comer se oyera menos.
Consideraciones sociales aparte, "Sucedió una noche" es una delicia, una comedia romántica modélica que a veces ha quedado oculta por otros títulos emblemáticos de sus protagonistas como "Que bello es vivir", "Lo que el viento se llevó" o "Cleopatra", Fue la primera cinta que cosechó los 5 Oscars más renombrados e impulsó a Columbia a la primera división de las Majors. Imprescindible.
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CERO EN CONDUCTA
8
42 m.
Francia / 1933
Jean Vigo
El valor conceptual de esta considerada obra maestra de la cinematografía firmada por el joven francés Jean Vigo (1905-1934) está muy por encima del resultado final que adolece de un director aún inexperto, un vendaval de ideas e impulsos a veces deslavazados y sobre todo carencia de medios. Su visionado actual puede dejarnos algo desconcertados e insatisfechos si no enfocamos en su justa medida lo que supuso esta cinta en el cine actual.
En su momento fue un fracaso de crítica y público aparte de ser prohibida en Francia por la más que evidente sátira hacia un modelo social y educativo anclado en el siglo XIX que olía ya a descomposición y que en nuestro país se vio prolongado unas cuantas décadas más. Truffaut y el movimiento de la "nouvelle vague" puso en valor la genialidad de Vigo inspirando al cine en general y a obras concretas en particular como "Los cuatrocientos golpes" (1959) del propio Truffaut o "If" ´(Lindsay Anderson / 1968).
En los años 30 del siglo pasado Jean Vigo es un joven enfermo de tuberculosis, marcado por las ideas anarquistas de un padre asesinado en la cárcel, una infancia y juventud de internado, una esponja ante las nuevas vanguardias, sobre todo el surrealismo y una pasión donde dar cauce a todo ello: el cine. A través del cine-club que crea en Niza: "Les Amis du Cinéma" accede a películas de calidad sobre todo rusas y junto con el director de fotografía Boris Kaufman que llegó a triunfar en USA, se lanza a proyectar sus inquietudes, donde se condensan y sintetizan acertadamente, a mi juicio, los experimentos surrealistas y vanguardistas de pioneros como Buñuel o Germaine Dulac dando lugar al llamado "realismo poético" que abre nuevas puertas expresivas al invento de los Lumiere.
Así pues, "Cero en conducta" es una encrucijada donde se dan cita las experiencias de infancia y juventud del propio Vigo, su espíritu anarquista y libertario concretado en el único estado del hombre donde aún pueden tener cabida, la sátira social, el simbolismo, el cine silente y su iconos junto al nuevo "cine verité" y la experimentación fílmica tanto en el fondo como en la forma.
Es famosa la escena de la pelea de almohadas, quizás hoy menos efectiva, como referente poético, estético y simbólico y otras como la final con connotaciones evidentes. Sin embargo me quedo con ese genial comienzo en que dos chavales se reencuentran en un tren después del periodo veraniego y se ponen al día de sus nuevos avances en el mundo de las cosas que apenas tienen importancia pero que nos hacen reír y soñar. En frente un hombre adulto impasible parece dormir, o puede que en realidad este muerto.
ALMA SALVAJE
6
1 h. 55 m.
USA / 2014
Jean-Marc Vallée
El proyecto parece más un empeño personal de Whiterspoon, quien quedó impactada por el libro autobiográfico de Cheryl Strayed que de un cineasta que parecía haber dado un paso definitivo en su carrera con su anterior trabajo "Dallas Buyers Club". Así pues es la actriz quien consigue transmitir en una de sus mejores interpretaciones hasta la fecha el caos existencial y traumático de la protagonista y el esfuerzo físico y anímico de su particular "camino de Santiago" a través del Macizo del Pacífico estadounidense. Whiterspoon lo consigue con esfuerzo actoral paralelo al de su personaje dado que tanto el viaje en si como los flashbacks que nos salpican con el pasado de esta mujer no funcionan como debieran. Falta épica ante la naturaleza y sobran desgracias repetidas y deslavazadas, retales de un laberinto donde aparecen situaciones y personajes muy poco elaborados, muy pocas claves sobre hechos aislados que por muy traumáticos que resulten no acaban de prender en nuestro ánimo. Mira que me gusta Laura Dern..., pero ni aún así. Estos "ejercicios espirituales" en tránsito acaban siempre con ampollas en los pies y en el alma para que tengamos claro donde están cada uno de ellos.
LA RECONSTRUCCIÓN
7
1 h. 33 m.
Argentina / 2013
Juan Taratuto
Bien pudiera ser que Taratuto y Peretti que firman el guión al alimón se hubieran inspirado para esta historia de añoranzas y segundas oportunidades en cualquiera de los temas de Alexi Murdoch, el cantautor escoces que llena de melancolía y esperanza la bso de la cinta. En cualquier caso acertada elección musical.
Taratuto cambia su registro habitual de comedia que ya había compartido con Peretti en un par de trabajos y nos regala otra de esas historias mínimas cuya senda inauguró Sorín. Senda que ensancha la inmensidad Argentina y da protagonismos a gentes corrientes, a grandes distancias, a pocas palabras, a mundos interiores donde los sentimientos arraigan en tierras duras aferradas a pequeñas cosas y sobreviven en simbiosis con aquellos que cuando faltan su ausencia es devastadora.
Eduardo sobrevive por inercia encerrado en su caparazón autista. Nada sabemos de su pasado. Cuando su mundo parece haber encontrado su fin, recibe una llamada "del fin del mundo" (Ushuaia / Tierra de Fuego). La chispa de una vieja amistad hace que se ponga en camino de nuevo.
Sencilla, emotiva, sin subrayados excesivos, silencios, respetuosa mirada, la proverbial credibilidad de los actores argentinos y en el debe mucho wolswagen que supongo habrá contribuido con los gastos de producción.
"Y si no llego a ser lo que podría haber sido. ¿Estarás tu, estarás tu esperándome? " (Wait / Alexi Murdoch)
INTO THE WOODS
5
2 h. 4 m.
USA / 2014
Rob Marshall
Pues eso. Que ni frío ni calor. Adaptación muy teatral del musical estrenado en el 86 y que aún sigue coleando por aquí y por allá. El cine también lo tuvo en barbecho hasta que Disney ha dado el paso y la cosa ha cuadruplicado beneficios.
La producción costosa se nota, pero a estas alturas de "las películas" las hemos visto iguales o mejores. Tampoco es "El Rey León" y la enjundia del asunto, que parece tenerla resulta confusa con dos partes diferenciadas. La primera aborda con cierto humor un remix de varios cuentos clásicos animados por un tema inicial que promete y en la segunda mensajes y moralejas que huelen a catequesis trasnochada se dejan caer entre gorgoritos. Nunca me ha gustado esa parte de los musicales donde las frases cotidianas que hacen avanzar y comprender la historia, se las dota de una musicalidad siempre forzada que termina con agudo final para dejarnos claro que la cosa ha terminado y hay que aplaudir.
Reparto de relumbrón que lucen vestuario, maquillaje y demás aderezos a sabiendas de que no serán recordado por este trabajo. Dudo que durante las dos horas que ocupa el asunto los niños no echen de menos hasta la más flojita entrega de Pixar. Claro que into the woods todo puede suceder.
DAREDEVIL
9
13 episodios / 50 m. aprox.
USA / 2015
Drew Goddard / NETFLIX
Poco o casi nada malo se puede decir de esta serie. Acierto total, te gusten o no los superhéroes de Marvel o seas o no fan de Daredevil. El caso es que el abogado ciego y su mundo de la Cocina del infierno, se merecían un lugar de honor en el mundo de la pantalla de Marvel tras el desafortunado intento de su primera película y secuelas. A mi juicio siempre fué la serie más adulta dentro de los clásicos de Stan Lee y cuando todavía la tecnología no estaba a punto para recrear el universo de los cómic Daredevil era y debía haber sido la puerta más accesible para adentrarse en ellos. La complejidad y aristas del personaje le dan una dimensión mucho más allá que el de un justiciero vengador.
Sea como fuere y tras el éxito de Marvel en la pantalla grande, su expansión a la televisión conjuntamente con la cadena NETFLIX ha supuesto una gran serie y el compromiso de extenderla a otros personajes del entorno como Puño de Hierro, Luke Cage y Jessica Jones.
La serie ha tomado como referencia los últimos arcos argumentales del cómic y los guiones son más que notables. La elección del casting todo un acierto. Cada uno de los protagonistas y secundarios realiza una gran composición de sus personajes, robando protagonismo al enmascarado y a la vez potenciándolo en un trabajo coral fantástico.
La ambientación rodada buena parte en la propia Hell´s Kitchen o lo que queda de ella, las creíbles, elaboradas y bien ejecutadas coreografía de lucha, la banda sonora, la caratula de la serie..., todo esta cuidado y los 13 episodios son adictivos y nos dejan con mono de más, de mucho más.
Por se puntilloso, espero que el traje del Diablo rojo siga evolucionando y alguna vez le veamos enfundado en esa segunda piel carmesí sin costuras, cremalleras y remaches.
Jack "El batallador" Murdock, estará orgulloso.
THE WALKING DEAD (5ª Temporada / 2ª Parte)
7
8 episodios / 50 m. aprox.
USA/ 2014-15
Frank Darabont / AMC
Algo se les debe haber pegado a los guionistas del grupo comandado por Rick Grimes para apañárselas durante cinco temporadas y vamos a por la sexta y seguir sobreviviendo y reinventándose sin perder el tono a pesar o quizás por eso de el goteo de bajas de personajes que acaban sucumbiendo.
En esta segunda parte de la quinta sesión nos vuelven a sorprender con un entorno casi de reseteo, de volver a unos inicios ya lejanos que nos dan un respiro atmosférico pero que sin embargo hacen que la tensión se comprima hasta el estallido final. Una vez más se plantean cuestiones de modelos sociales al borde del abismo donde inevitablemente gana la supervivencia.
The Walking Dead probablemente no figurará en el medallero de las series, pero el diploma se lo ha ganado.
LA REINA CRISTINA DE SUECIA
9
1 h. 37 m.
USA / 1933
Rouben Mamoulian
Los paralelismos de la famosa reina sueca Cristina (1626-1689) con la otra reina sueca del celuloide, La Garbo, en su momento y más con la perspectiva del tiempo, se antojan inequívocos.
Es cierto que físicamente estaban en las antípodas, dado que la hija del rey Gustavo II, era bajita, regordeta, algo contrahecha y al parecer con exceso de hormonas masculinas. Todo ello compensado con su gran inteligencia, dotes de estadista, fuerte temperamento y notable deportista.
Pero aparte de la nacionalidad ambas tenían claro que por encima de sus deberes profesionales querían ser ellas mismas y ambas, sin dar explicaciones decidieron apartarse aún jóvenes de la tiranía de sus estatus en mundos masculinos. Ambas querían "estar solas", para poder vivir acompañadas de aquello que les hiciera sentirse vivas y amadas por encima de la fama. Ambas vivieron su bisexualidad a contracorriente de sus tiempos y ambas alcanzaron la inmortalidad por su legado artístico.
Tuvo que empeñarse La Garbo en que la MGM le adjudicará el papel y romper la inercia de sus caracterizaciones de mujeres con "pasado" y ya puesta convencerlos para sustituir el valor seguro de Olivier por un John Gillbert en decadencia profesional y personal. No se equivocó en ninguna de las dos decisiones. La reina sueca quedaría para la historia asociada a su nombre y a su belleza y su antiguo amante y amigo Gillbert aportó la química y la complicidad requerida para que la historia de amor falsa añadida al aceptable biopic de la soberana no chirriara. Desafortunadamente no pudo detener el declive final de Gillbert que falleció alcoholizado tres años después. Diferente fue el caso del embajador español que encarnó, Antonio Pimentel, quien acudió a la corte sueca casado y con descendencia y si bien posiblemente engrosó la lista de "favoritos" de la reina, tuvo influencia en su conversión al catolicismo y siguió cultivando su amistad tuvo una larga y fructífera carrera fuera de Suecia en años posteriores.
Posiblemente el mejor trabajo de Mamoullian, aunque las escenas donde aparece el malestar popular parecen dejadas de la mano a un segundo operador y desmerecen de la cuidada puesta en escena y fotografía restante, potente producción en general en la que Garbo parece ir décadas por delante en sus técnicas de actuación, donde el biopic histórico encaja a la perfección con cualquier comedia de enredo de Lope. Garbo luce radiante, sea con atuendo masculino o femenino, desmiente que era una actriz que no reía, y hace creíble la lucha interior entre el deber a su pueblo y su felicidad personal. Al final ese inolvidable primer plano eterno de la diva por si quedaba alguna duda de quien era la autentica reina.
PD. En ese último plano parece que Cristina se encuentra en la proa del barco. De ser así no coincidiría el viento que la da en el rostro con el que impulsa las velas.
´71
8
1 h. 40 m.
Reino Unido / 2014
Yan Demange
Demange, francés afincado en Londres desde los 2 años, ha dejado su impronta de calidad en el mundo de la televisión y da el salto, con buen pie, a la gran pantalla.
El conflicto entre Irlanda y el Reino Unido viene de largo, tanto como el siglo XII. El contemporáneo se extendió oficialmente desde 1968 al 98, aunque todavía la herida sigue abierta.
Fue a principios de los 70, sobre todo en el 72 cuando tuvo uno de sus picos más sangrientos con centenares de muertos en ambos bandos y entre los propios norirlandeses católicos y protestantes, a favor de unirse a una Irlanda independiente o seguir adheridos al gobierno británico.
Un "soldadito" británico, carne de cañón se verá envuelto en pleno conflicto, en pleno caos de grupos, siglas, paramilitares, facciones, militares... y mediopensionistas. Uno de esos números estadísticos, generalmente civiles que engrosan las listas de sacrificados por los mismos intereses de poder económico de siempre de unos pocos, empaquetados con bonitas banderas, santos y demás anzuelos religiosos.
Si uno no anda muy puesto sobre el conflicto da igual, Demange ofrece el denominador común esencial sin necesidad de siglas ni doctrinas: el caos, el horror, el miedo, la traición... Todo en una atmósfera oscura, iluminada por algún que otro incendio de alguna explosión.
Este soldado tiene otra batalla mucho más importante que ganar, una que si comprende y por la que realmente está dispuesto a sacrificarse: sacar adelante una vida junto a su hermano, un chaval que merece un futuro mejor alejado de fronteras, banderas y religiones. Mucho me temo.....
CODIGO AZUL
4
1 h. 17 m.
Holanda / 2011
Urszula Antoniak
Es muy complejo calificar una obra tan personal y encriptada como este segundo trabajo de la directora polaca afincada en Holanda Antoniak. El rédito de su, a mi juicio, maravilloso primer trabajo: "Nothing personal" (2009), me obligaba a seguirle la pista. Pero la escasa difusión y promoción de "Code Blue", a excepción de su paso por el festival de Sevilla hizo que hasta hoy no haya podido visionarla.
Vuelvo a quedar fascinado por la manera de narrar de esta mujer, que habla sobre la soledad existencial, sus intrincados procesos, su búsqueda de salidas al laberinto mayormente absurdo, maravilloso y cruel de la vida. Quizás por eso la cinta se impregna de un caos sin explicación aparente que cada cual debe sentir, desentrañar o rechazar visceralmente. Las atmósferas, las rupturas espacio temporales, la belleza de muchas de sus imágenes y sobre todo ese mundo hecho de silencios sigue cautivandome e hipnotizandome y sin embargo la califico con un 4 porque en definitiva no consigue comunicar aquello que expresa. El dialogo entre creador y espectador queda morosa y egoistamente desequilibrado por el primer interlocutor y la metáfora, la provocación y el sentido se difumina, se emborrona como un mapa del tesoro empapado por la lluvia formal y estética, privando a la mayoría de la piedra roseta que traduzca nuestra obsesión sobre la muerte y la individualidad de cada cual.
Basada en el relato corto "El bosque" de Jack "Luter" Lenartowick, músico punk polaco y escritor de guiones cinematográficos a la par que motivada por el fallecimiento de un amigo, son las escasas claves que Antoniak revela de su explosivo mundo interior. "Área desnuda" es su siguiente trabajo ya estrenado y también poco publicitado. No puedo recomendar esta película. No puedo dejar de ver la siguiente.
LA AMARGURA DEL GENERAL YEN
7
1 h. 29 m.
USA / 1933
Frank Capra
En el 33 ni Capra era CAPRA, ni Stanwich era LA STANWICH, aunque ya tenían un curriculum formado, sobre todo Capra quien había descubierto a Barbara y trabajado con ella en otras dos películas. Parece ser que Capra deseaba urgentemente un reconocimiento artístico via Oscar y decidió con el beneplácito de la Columbia donde estaba dando buen rendimiento a nivel popular dar un salto "más artístico". El resultado fue la cinta que nos ocupa en base a la novela de Zaring Stone con claras reminiscencias de "The sheik" (George Melford / 1921) y que tuvo el honor de inaugurar el Radio City Hall, mega cine teatro paradigma de la gloria que un día tuvieron las salas de cine. Por contra fue un auténtico fracaso, su peor resultado con la Columbia junto con "Horizontes perdidos", que hizo que nos perdiéramos para la historia a un Capra más en la linea de Von Stemberg y nos quedásemos con el rey de las screwball (comedias excéntricas) con "Sucedió una noche" a la cabeza con la que al fin obtuvo Oscars y acceso al Olimpo.
"El té amargo del general Yen" (¿Qué es eso de las amarguras?) ha sido ninguneada y minusvalorada en la carrera de director y actriz injustamente. Probablemente porque fue prohibida en el imperio británico, porque los espectadores americanos no aceptaban que una blanca occidental culta, de buena familia y misionera para mas señas se enamorara rendidamente de un chino, "salvaje, déspota y cruel" y amarillo por si fuera poco.
Tampoco ayudó mucho las hipocresías de los caritativos misioneros que se dan la gran vida a base de ejercer la caridad con los huerfanitos, que la protagonista en cuestión estuviera a punto de casarse con un doctor como Dios manda y tuviera ensoñaciones (geniales) algo morbosas con el chino y que el representante estadounidense en el país oriental fuera una especie de economista mercenario sin escrúpulos. Esto último se agravó en los años 50. Y para remate al gobierno chino la película no le desagradaba. Asociaciones de mujeres protestaron enérgicamente. Ellas jamás sucumbirían al peligro amarillo. La Stanwyck fue la peor parada (dicción estridente dijo el New York Times) del trió protagonista. Se alabó el maquillaje del danes-sueco Nils Asther haciendo de chino y el oficio y profesionalidad del todo terreno Walter Connolly. Total que la cinta quedó más o menos enterrada aunque hoy día se la revaloriza en su justa medida.
Y es que el dinamismo inicial que imprime Capra a la convulsa guerra civil china de la década de los 20, la fotografía y el trabajo de cámara de Joseph Walker, la famosa ensoñación, las escenas sin dialogo como la del tren antes de dormir en que los personajes lo dicen todo con sus miradas, el brutal antagonismo entre la delicadeza artística y cultural milenaria y los fusilamientos al amanecer, la ingenuidad cristiana ante el pragmatismo real, la superación de religiones y razas en ese lugar donde no haya generales ni misioneras, sino solo tu y yo, el sacrificio por amor, por honor o por las dos cosas, hacen de esta cinta un valor incuestionable que se relegó al ostracismo. Y es que el viento que impulsa las velas no siempre sopla cuando lo deseamos.
BABADOOK
5
1 h. 35 m.
Australia / 2014
Jennifer Kent
"La comedia más hilarante", "La película más terrorífica de la década", etc, etc. Cuando leo estos comentarios empiezo a sospechar que la cosa necesita esos comentarios más que generarlos. Lo siento, se que debe ser algo que no funciona en mis neuronas pero hace tiempo que las películas de terror de los últimos tiempos o me producen nauseas de tanta casquería barata y repetitiva o me dejan absolutamente frío si no es que me he dormido ante tanto pasillo estrecho, puertas entreabiertas y ruidos en el desván por citar algunos tópicos. La crítica unánimemente positiva sobre esta opera prima de la australiana Jennifer Kent me hace picar el anzuelo para volver a llevarme otra decepción.
Y no es que a Kent le falle el pulso, ni que su actriz Essie Davis no se de la paliza deformando su rostro con caras de autentico terror es que el guión, como diría Jardiel Poncela: "esta más claro que una sopa de fonda". Aún así no lo desvelaré y reconozco sus buenas intenciones, su contención con el "Ketchup" y la moraleja final incluida, pero recurrir para ello a los retales del cajón de sastre de otras muchas películas ya vistas, me aburre bastante, incluso la parte de "solo en casa".
Me gustan los recortables del cuento y sus pequeños efectos y el popourri de viejas e inolvidables cintas de terror que pasan por la televisión de esta madre y su hijo cuyos "sueños de amor" por recordar a Goya, producen monstruos.
Mientras pasan los minutos mi mente acude al primo de Babadook, Oogie Boogie y tarareo aquello de: "Yo soy el monstruo que se esconde en todas partes, dientes afilados, ojos muy brillantes. Yo siempre me escondo detrás de la escalera, siempre tengo arañas en mi cabellera."
WHIPLASH
8
1 h. 43 m.
USA / 2014
Damien Chazelle
Damien Chazelle tiene algo en común con su personaje del estudiante de batería. Él también lo intentó y también tuvo un profe que le sirvió de inspiración para el ya famoso déspota Terence Fletcher. Según reconoce no estaba lo suficientemente dotado para la música y retomó su primera gran afición: el cine.
Sin embargo perpetró el guión de esa cosa llamada "Gran Piano" y aún así siguió trabajando como escritor de guiones probablemente porque algunos le dijeron esa frase, en teoría, maldita de : "Buen trabajo". Y también porque en su primer film ya había sentado las bases de su fijación por el mundo del jazz y no le había ido del todo mal.
Al final fue, una vez más el festival de Sundance, donde la acogida dispensada a su corto del mismo titulo, lo que le posibilitó la financiación para sorprendernos con un trabajo polémico en su contenido, bien interpretado con uno de esos personajes que pasarán a la historia (el de J.K. Simmons por supuesto) y sobre todo una magistral edición de Tom Cross que se lleva la palma dotando a todo el conjunto de un nervio poderoso y frenético equivalente al solo de batería que se marca el personaje de Andrew Neiman.
Es cierto que la película te engancha desde el primer momento y no te suelta hasta los títulos de crédito. El guión no deja de ser bastante simple, centrándose en el duelo entre profesor y alumno donde Teller editado por Cross pone el espectáculo y Simmons sienta cátedra sobre lo que un secundario de lujo puede hacer si se confía en él. Todo ello sazonado con un excelente mix de música de jazz abanderado por el tema del compositor y saxofonista Hank Levy (1927-2001) "Wiplash" (Latigazo), cuyo nombre ya prefigura de que va la cosa, aquello de que la letra o la música con sangre entra.
De refilón tenemos endebles subtramas como la del padre viudo comprensivo o la dedicación exclusiva que requiere llegar a lo más alto de lo que sea. La pasión por la perfección en la música o cualquier arte a menudo justifica relaciones de poder dictatoriales y frustraciones personales que en ningún caso compensan el placer de gozar con aquello que uno ama. La metáfora con la vida ultracompetitiva en la que estamos inmersos está servida. No queda claro la posición final de Chazelle. Lo importante es la nuestra.
COMPAÑEROS DE JUERGA
4
1 h. 9 m.
USA / 1933
William A. Seiter
HACIENDO DE LAS SUYAS
8
30 m. (Corto)
USA / 1932
James Parrott
Recuerdo de mi infancia y juventud cuando teníamos la mejor televisión de España (solo había una) las divertidas películas de "El gordo y el flaco", "Laurel y Hardy" originalmente. Todavía desconocía a Keaton, Lloyd y poca cosa de Chaplín por citar a los tres grandes. Stan Laurel y Oliver Hardy, británico y norteamericano les tomaron el relevo en la década de los 30 en ese género que eran los cortos de dos rollos preñados de gags donde el slapstick era el rey, a pesar de que Stan y Oliver se defendieron perfectamente con el lenguaje a su propio estilo.
Su época dorada fue con el productor Hal Roach, con quien Laurel llegó a tener sus más y sus menos y con el director de azarosa vida James Parrott que firmó la mayoría de sus cortos. Cortos que se fueron arrinconando en la medida que el público acogió con agrado los largos, que mientras estuvieron en manos de Roach y sobre todo de Laurel quien tenía la potestad creativa funcionaron. Tras perder el control al pasarse a la Fox y la Metro, comenzó el declive para este duo inmortal.
A la primera etapa pertenece "Sons of the Desert", que supongo es la excepción que confirma la regla, porque este episodio anecdótico que me recuerda a cuando Pedro y Pablo de "Los Picapiedra" dejaban a sus esposas para largarse de parranda a su club de "Los Búfalos mojados", es bastante flojito en todos los sentidos. De hecho, es otro gran cómico de la época como Charley Chase quien les roba protagonismo con su personaje de compromisario bromista. Me niego a pensar como he leído por ahí que es su mejor largo. En la dilatada carrera de William A. Weiller no creo que esta cinta figure en lugar destacado. Y eso que el fue quien contribuyó al éxito cinematografico de otro duo comico proveniente de Brodway hoy olvidado: Bert Wheeler y Robert Woolsey.
Otra cosa es el oscarizado corto "The músic box". Aquí el dúo está en su salsa y en apenas 30 minutos la lían parda sacandole toda la punta posible a una situación imposible. Como siempre Hardy se lleva la peor parte y todo acaba patas arriba. Habrá que volver a revisitar su obra.
SIEMPRE ALICE
7
1 h. 41 m.
USA / 2014
Richard Glatzer / Wash Westmoreland
Último trabajo del tandem profesional de la pareja en la vida real Glatzer / Westmoreland. Glatzer falleció este mismo año aquejado de ELA. y cuyo proceso degenerativo puede haber influido en la elección de la novela de la neuróloga y escritora norteamericana Lisa Genova, también llevada al teatro.
"Siempre Alice" se mueve en un terreno muy próximo al telefilm, constituyéndose en un melodrama de narración bastante lineal cuyo epicentro es la toma de conciencia de su propia enfermedad de Alzheimer, por una paciente aún joven que para más inri se dedica al lenguaje y la comunicación.
Desde este punto de vista del propio paciente se conforma como una cinta necesaria que pone el foco sobre las fases paulatinas del proceso de perdida de memoria y se añade a otras cintas de más enjundia artística y que tratan el problema en su conjunto en una edad más tardía. Sería interesante recordar a los directores y productores que la enfermedad es mucho más dramática si cabe en aquellos entornos deprimidos económicamente cuando no marginales en que el estado y su asistencia sanitaria toman un protagonismo decisivo y no solo en clases medias altas adineradas que pueden costearse medios tecnológicos y humanos paliativos. Teniendo en cuenta el sistema sanitario en los USA no vendría mal una revisión fílmica sobre ello.
Y por supuesto Julian Moore. Siempre sólida, siempre metiéndose en la piel de cada uno de sus personajes. Su trabajo ha sido recompensado con un Oscar y todos los premios importantes de interpretación femenina de este año. No considero que sea un trabajo especial en su carrera ni diferente a un buen puñado de otros personajes que ha encarnado con igual maestría. Lo raro es que no tenga más estatuillas. En cualquier caso nos alegramos.
LA TEORÍA DEL TODO
7
2 h. 3 m.
Reino Unido / 2014
James Marsh
Este año la armada fílmica británica ha tenido sus dos buques insignia en dos biopics primorosamente facturados donde sus actores protagonistas han estado por encima del planteamiento de sus directores y la historia que contaban. Dos pañuelos con una gran labor de encaje bordado que se han quedado pequeños ante tanto "moco" que absorber.
Y es que uno intuye que la adaptación de la novela de la propia primera mujer de Howkins, edulcora una relación que se sospecha más intensa y desgarradora en lo personal, quizá por respeto a que los actores reales aún siguen respirando.
Siendo admirable la composición de Redmaine premiada con el Oscar, me quedo con la de su partenaire Felicity Jones, no tan joven como parece, cuya contenida interpretación expresa todo el amor, el sacrificio y el dilema personal que le supuso a Jane Howkins la relación con un genio famoso, un marido, un padre de sus hijos y un discapacitado funcional. Es en sus miradas donde ancla la película toda su emoción, rodada por un James March cuyo paso a la ficción no consigue la brillantez e intensidad dramática de sus premiados documentales.
Y también esta Howkins y sus teorías sobre el universo, autentico macguffin del asunto, del que apenas conocemos su enfermedad. Y es que, como dice el medico que le diagnostica: su cerebro seguirá pensando y sintiendo pero el mundo no sabrá qué. James March, al menos en la película, parece habérselo tomado demasiado al pie de la letra.
Por respeto al celo con que el genio guarda su intimidad March no hurga en la herida de las autenticas causas de su separación con Jane y la irrupción de la cuidadora que se convertiría en su segunda esposa y su posterior divorcio, queda en una anécdota cuando da para otra película mucho más dramática y truculenta con visos de agujero muy negro para el reputado astrofísico.
LADY LOU. NACIDA PARA PECAR.
6
1 h. 6 m.
USA / 1933
Lowell Sherman
En la historia del cine, por lo general, no han sido las obras de arte, las que han salvado la industria y esta o aquella productora. Casi siempre las comedias "más vulgares", cuando no los monstruos o la violencia han sido las que han reventado las taquillas y han permitido que el engranaje siga funcionando. A Torrentes me remito, por poner un ejemplo actual.
Mae Wests, se lo curró desde que era una niña "vamp", actuando y escribiendo sus propios espectáculos de fuerte carga erótica para la época, por los que llegó a visitar la prisión pero que a la postre la catapultaron al Hollywood de la Paramount a la que salva de ser vendida a la MGM con su primera cinta "Night after night" (Archie Mayo / 1932). Al año siguiente ya tiene el control absoluto y adapta el éxito obtenido sobre las tablas en el 28 con su obra "Diamond Lil".
Su enfoque es el de una diva y todos bailan alrededor, canta un par de temas, luce poderío físico y vestuario y se mueve por los platós como si fueran las tablas de los auténticos music-hall del barrio sur de Manhattan, Bowery, que seguro llegó a conocer en su juventud y que en los años 30 había quedado como símbolo de la depresión tardando muchas décadas en reponerse. Su genialidad son los diálogos picantes, llenos de doble sentido y su descaro para sentirse una mujer que tira de las riendas en una sociedad de hombres.
Elige, cosa que no todas podían hacer, a su partenaire, un Cary Grant que comenzaba y a la que ella echó una mano (literal probablemente) lanzando su posterior carrera.
Lowell Sherman, fallecido al año siguiente, puso la dirección a su servicio y apenas se lució con la conseguida atmósfera bulliciosa del local donde la West ejerce de reina araña. La cosa es más que previsible, en el fondo es una buena chica que, parafraseándola, cuando es mala es mucho mejor y que tiene un alma tan reluciente como sus diamantes.
Al Codigo Hays la cosa no le hizo gracia presionado por las fuerzas que siempre se preocupan por nuestra moral y salud espiritual y la West les vino como anillo al dedo para extremar sus norma y hacer de sus películas el punto de mira de sus iras. Al final y ya entrada en la cuarentena Mae tiró la toalla no sin antes ser inmortalizada por Dalí y dejarnos un buen ramillete de frases y diálogos inmortales:
-"¿Nunca encontró un hombre que la hiciera feliz?"
- "Sí. Muchos."
Genio y figura.
LAS HURDES. TIERRA SIN PAN
8
30 m.
España / 1933
Luis Buñuel
Andaba Buñuel a sus 33 años asumiendo su experiencia cinematográfica surrealista y su mayor o menor incidencia para cambiar el mundo real, muy concienciado socialmente militando en el PC francés cuando cae en sus manos el estudio del hispanista francés Mauricio Legendre sobre lo que vio en la región extremeña de Las Hurdes en varios de sus viajes a la comarca y que culminó con el conocido viaje del rey Alfonso XIII a la zona en 1922.
"Esta es la mia", debió decirse, para conjugar su estética surrealista al servicio del bien social mediante su herramienta preferida: la provocación.
Como ya viene siendo costumbre en su corta carrera de director, se le volvió a "aparecer la virgen" en formato premio de la lotería a su amigo el anarquista Ramón Acín que le produjo el documental con 20.000 pts. Con la escasez de recursos, presupuesto y más aún tiempo disponible, planificó en base al estudio de Legendre lo que quería y podía rodar en un mes. El resultado fue algo más de una hora de metraje que acabó cribando de todo aquello que pudiera ser minimamente positivo para que el resultado final de unos 30 minutos escasos pudiera denunciar y remover conciencias.
Flagherty ya se había hecho famoso con "Nanuk, el esquimal" dramatizando la realidad mediante la mentira fílmica para contar la verdad sin tener que esperar al momento exacto en que esta se producía y sentando las bases del moderno documental tomando distancia ante la grabación meramente antropológica o etnográfica.
Y como esto Buñuel lo tenía claro, se paso tres pueblos montando una obra de arte técnica y estética, más estudiada de lo que declaraba, con escenarios y gentes del lugar que se prestaron a interpretarla (previo pago de un importe casi de subsistencia). El alto porcentaje de escenificación y manipulación en lo rodado no puede hacernos olvidar que la realidad superaba con creces la ficción, que por otra parte se basaba en hechos contrastados. Lo que no puedo perdonarle al de Calanda es que para ello animales inocentes perdieran la vida, algunos, como el famoso burro atacado por la abejas, tan cruelmente o más que las atávicas costumbres que denuncia en sus escenas de La Alberca.
Al gobierno republicano no le hizo gracia la denuncia, al fascista posterior menos. Nadie quiere que le saquen a relucir sus miserias, ni los propios hurdeños, cuyos beneficios de ponerlos en el mapa mundial se verían cercenados por la guerra, la postguerra y el olvido y encima les cayo el estigma del cretinismo, botulismo e incluso el incesto generalizado. Tampoco les hizo gracia a los franceses ese mapa en el que aparecían no solo en España, zonas tan marginales y depauperadas como Las Hurdes.
A la postre quedó para la historia el trabajo del artista, con uno de los documentales más destacados de la historia del cine, de una tierra hermosa, extrema y dura que nunca se ha merecido los gobernantes que le han tocado en suerte.
MOMMY
7
2 h. 19 m.
Canadá / 2014
Xavier Dolan
Sigue asombrándome la capacidad de este chaval de 26 años para concebir unos guiones que, a priori, deberían requerir unas vivencias y una madurez impropia de su edad. La fuerza torrencial de los mismos, como es el caso de este, parecen necesitar de algo de contención para encauzar todo el innegable talento que posee.
Su labor como director no deja de ser un tour de force incansable de experimentación formal y expresiva que también parece necesitar algo de moderación para no arrasar todo a su paso, sobrecargando la narración y su metraje.
Otra propuesta sobre el amor en la variante materno filial desgarradora y compleja, que invita a la reflexión personal y social.
Suzanne Clément y sobre todo Anne Dorval, actrices con las que repite, se vacían en sus personajes en un excelente trabajo actoral junto con Olivier Pilon con el que también repite en un difícil personaje no del todo bien definido.
Pasada la sorpresa de su irrupción explosiva ante un cine en general demasiado complaciente consigo mismo, somos más exigentes con sus nuevos trabajos que esperamos con expectación. El próximo será su desembarco en los USA, una complicada prueba del 7 que puede catapultarlo aún más o intentar domesticarle.
RASTROS DE SÁNDALO
7
1 h. 35 m.
España / 2014
Maria Ripoll
Maria Ripoll cineasta todo terreno formada en los USA, demuestra que ha sido buena alumna y firma con solvencia un melodrama emotivo y previsible, un cuento intercultural, que si no se moja lo que algunos quisieran en los dramas que esboza, si que nos desahoga de tanto valle de lágrimas y horrores. Es una bonita historia, bien interpretada que se empeña en llevarle la contraria a la ley de Murphy, para goce de aquellos que a sabiendas de que no nos va a tocar la lotería seguimos comprando.
Lejos de "ocho apellidos indios", guerras civiles, con indios o no y thrillers regionales, nos propone otros caminos igual de válidos. El equipo formado mayormente por mujeres es otra novedad destacable en este puente sobre el arco iris entre Bollywood y Las Ramblas.
PADDINGTON
7
1 h. 35 m.
Reino Unido / 2014
Paul King
Más de 35 millones en todo el mundo se han vendido de los 26 libros sobre este oso procedente del "Perú más recóndito" adoptado por una familia inglesa y cuyo nombre oso intraducible fue sustituido por el de la estación ferroviaria de Paddington donde llegó a Londres. Michael Bond de 89 años comenzó a narrarnos sus aventuras allá por 1958 hasta la fecha.
Paddington se une a Winnie the Pooh, al no menos famoso "Teddy", por no hablar de los Panda, o los "Osos amorosos" en la fascinación que sentimos los humanos por los cachorros de los plantígrados como compañeros adorables para nuestros propios cachorros y no tan cachorros.
Paul King nos sorprende con una traslación actual a la pantalla muy afín al espíritu original, con una producción exquisita y un tono sencillo y moderado en el guión donde Paddington, autentico protagonista se maneja con soltura infográfica en el mundo real y suple con sobrado carisma una expresividad que podría ser mayor pero que no necesita. Se agradece la contención en las escenas de acción y solo en su tramo final afloran los elementos comunes a otras cintas parecidas.
Cine autenticamente familiar, encantador, con un buen mensaje sobre la discriminación incluida la especie y divertido que te obliga, si tienes niños, a no pasar de largo en cualquier estante donde Paddington te mire con esos ojos melaza implorando que lo adoptes.
CORAZONES DE ACERO
6
2 h. 14 m.
USA / 2014
David Ayer
Se agradece el esfuerzo de Ayer por hacerse un hueco como director menos hueco que la mayoría que se ponen al servicio del cine de acción es sus múltiples variantes. Todavía no lo consigue como a él y a todos nos gustaría. Con "Sabotage" de este mismo año dio un pasito "pa tras", bordeando el ridículo en su tramo final y aquí vuelve a avanzar aun repitiendo, precisamente otra vez en el tramo final un cierto desbarre injustificado que resta puntos al conjunto de un film de una producción muy cuidada y al que se le ven las buenas intenciones. Esas que ponen a pie de barro y tripas reventadas los altos ideales y declaraciones de aquellos que fabrican los cañones, en este caso tanques, y enlatan personas para que sobrevivan o no, siempre acaben perdiendo.
La cosa da para que los entendidos discutan apasionadamente sobre si los Sherman americanos en sus diferentes modelos eran una mierda comparados con los Tiger, si pueden disparar mejor o peor en movimiento, etc, etc, etc. Creo que todo ello es importante para el rigor histórico pero intrascendente para que funcione razonablemente como película de un género, que como el western sigue apareciendo con cuenta gotas.
El reparto de ese pelotón no llega a la altura de otros de la historia del celuloide bélico, con un Pitt al que la cámara mima demasiado y no acaba de sacarle la esencia a ese sargento cuya razón de ser, después de lo que ha pasado es hacerlo lo mejor posible en "el mejor trabajo de su vida" y expiar así sus excesos de furia. Sorprende gratamente la composición de Shia LaBeouf (quizás lo mejor que ha hecho) y el camino ascendente del joven Logan Lerman.
Subrayados innecesarios y detalles del todo increíbles sugieren, como se ha escrito, que una revisión y puesta a punto antes de su estreno hubieran hecho de ella una gran película.
KING KONG
9
1 h. 40 m.
USA / 1933
Merian C. Cooper / Ernest B. Shoedsack
Uno tiene la sensación de que al afamado aventurero, documentalista, productor y aviador (llegó a general), Merian C. Cooper y su compañero de andanzas Ernest B. Shoedsack solo les importaba parodiarse a si mismos (ambos son el alter ego de los personajes masculinos protagonistas) en una cinta que culminase su esforzado trabajo como buscadores de emociones exóticas en lejanos lugares, trufadas de ficción para ponérselas en bandeja a un público burgués que nunca saldría de su ciudad dispuestos a pagar por ello y de paso salvar de la bancarrota a la RKO. La jugada les salió redonda. Pero casi sin querer les salió algo más, algo diferente de los precedentes de mundos perdidos con animales prehistóricos y es, a mi juicio, el toque de tercera mano que añadió Ruth Rose, esposa de Shoedsack para hacer que Kong fuera no solo un monstruo "hijo de puta al que había que cargarse" (son palabras del propio C.Cooper cuando decidió interpretar junto con su socio en un breve cameo a los aviadores que dan los tiros de gracia a Kong en el Empire State).
Cuenta el propio Cooper que la idea le vino en un sueño, Edgard Wallace maestro británico de novelas de misterio confeccionó el primer guión (fue lo último que hizo, muriendo poco después), J. A. Creelman lo corrigió sin mucho éxito (acabó tirándose de un edificio en el 41) y por fin la también aventurera Rose le confirió ese halo, que a la postre y a pesar de ir por todo el metraje devorando humanos, le convirtió en el ser más honesto de cuantos encontramos en la película. No sabemos si al personaje que interpreta la estupenda Fay Wray le habría ido mejor con un novio capaz de quererla hasta la muerte, amén de fuerte y muy mono, que con el machista y prepotente de John Discroll.
Los efectos en stop-motión del maestro Harold O´Brien, supongo que aterradores en su momento, inmortalizaron al gran Kong como ese juguete preferido de todos los niños con el que creamos mil y una aventura y que ningún otro posterior por muy sofisticado que fuera o fuese podría reemplazar y por el que seguro que lloramos cuando se perdió en algún lugar de nuestra infancia con el mismo nudo en la garganta que cuando Kong cae desde lo alto de ese símbolo fálico de poder civilizado de una "humanidad" que sigue maltratando, expoliando, mercadeando y extinguiendo a sus compañeros de viaje en esta bola azul que da vueltas sin parar.
King Kong fué un éxito. 82 años después lo sigue siendo.
BIRDMAN (O LA INESPERADA VIRTUD DE LA IGNORANCIA)
10
1 h. 58 m.
USA / 2014
Alejandro González Iñárritu
"Birdman" te noquea a los dos segundos de subir al ring (o sentarte en la butaca), es como ese gol que encajas en el primer minuto que te deja groggy y ya vas a remolque todo el partido. Cuando quieres darte cuenta de lo que ocurre ya ha pasado una hora. En este caso maravillosa, divertida, crítica, ácida, explosiva, sorprendente y caleidoscopica. Quieres volver a verla, a devorar golosamente hasta la última migaja que te hubieras dejado en el camino. En la segunda parte, aplacado el ansia, empiezas a degustar, a apreciar aromas y sabores a intentar separar y elegir aquello que más te evoca recuerdos, miedos, fantasías, frustraciones y descubres que el proceso es divertido, que te ríes y que al final ya todo es posible.
Teatralmente cinematográfica y viceversa. Prodigio técnico de la mano de un inconmensurable Enmanuel Lubezki y con un reparto para enmarcar. Cada uno de los actores exprime todo el jugo a sus escenas y me quedo enganchado y perplejo ante la versatilidad de esta chica de Arizona de 26 añitos que se llama Emma Stone. A Keaton ya lo admiraba desde que vi su trabajo en "Mucho ruido y pocas nueces" (1993) de Kenneth Branagh y a Norton y al resto no los vamos a descubrir ahora.
Iñarritu, después de la desoladora "Beatiful" (2010) se ha sacado un hombrepajaro de la manga al que la historia del cine tendrá que darle de comer aparte.
Salvando las distancias, Birdman en su faceta de darle la vuelta al calcetín de la profesión actoral, me recuerda a "Viaje a ninguna parte" (F. Fernán Gómez / 1983). Los miedos, peajes e inseguridades de aquellos que imitamos de mentira las verdades o al revés siguen siendo los mismos en el siglo XXI.
SOPA DE GANSO
9
1 h. 10 m.
USA / 1933
Leo McCarey
Y llegó el humor verbal. Con ellos, a las más altas cotas, emuladas pero no superadas por su fiel discípulo Woody Allen a pesar de que Groucho llegara a declarar que si Allen hubiera trabajado en los 30 los Marx se hubieran inspirado en él. Humor verbal que a la vista del panorama actual de la comedia debería ser considerado especie protegida en peligro de extinción.
"Duck soup", sopa de pato y no de ganso como a alguien se le ocurrió traducir, es un dicho de argot intraducible que viene a equivaler a: "algo fácil de hacer", como nuestro "pan comido", aunque tratándose de los Marx vaya ud. a saber. Las cuatro cintas anteriores que rodaron para la Paramount también aludían a animales en sus títulos. Quizás, piensa uno, porque les parecían más inteligentes que el ser humano cuya vida y sociedad era, con mucho, más surrealista y absurda que los gags de estos cuatro hermanos básicamente músicos que empezaron a tomar carrerilla en el teatro y que se hicieron inmortales en la gran pantalla, acompañados de las partituras de Kalmar y Ruby.
Esta fue, dado su escaso éxito en taquilla, el último de los trabajos con Paramount, donde gozaban de libertad creativa. El gran padre de productores Irving Thalberg los acogió en la MGM a sabiendas de su valía pero poniéndoles unas riendas a su genialidad desbocada, que conseguía equilibrar talento con beneficios a costa de perder algo de su bendita locura. Cuando Thalberg falleció, comenzó su declive en una carrera que aun siguió con algunos títulos más.
Aquí están en su máximo esplendor, reconocido a partir de los años 60 por público y crítica y mantenido hasta nuestros días. La política, el poder, la guerra, el honor, el amor, los propios musicales..., todo se pone patas arriba de forma irreverente, mordaz e inteligente, al lado de gags de puro teatro de vodevil. Los Marx son únicos y parafraseando a Groucho, si no te gustan sus gags, tienen otros.
Leo McCarey fue el primer director de renombre que intentó encauzar y administrar el tsunami de Rufus T. Firefly, Chicolini y Pinky , en poco más de una hora, en una Sylvania, cuya imagen está tomada de la localidad de Loja en Granada, tan decadente como el periodo de entre guerras.
"Debe haber una guerra. He pagado un mes de alquiler por el campo de batalla" (Firefly).
¿Que más se puede decir?
UN LADRÓN EN LA ALCOBA
10
1 h. 23 m.
USA / 1932
Ernst Lubitsch
Aún le faltaba un añito al maestro de la "alta comedia" para nacionalizarse estadounidense. En el 32 tenía 40 años y muchas más películas, silentes y sonoras, en su mochila, con un éxito reconocido en las dos orillas del Atlántico. Ese año de 1932 fue especialmente prolífico con 3 largos (un drama y dos comedias) y un episodio en la película coral "Si yo tuviera un millón".
Aunque pueda parecerlo no era perfecto y la diferencia entre la cinta que nos ocupa y "Una hora contigo", la otra comedia que realizó ese año es más que notable. Quizás en su descargo y con todos los respetos al también genial neoyorkino, Lubitsch cedía parte de la dirección a George Cukor.
En "Trouble in Paradise" si que es todo perfecto, incluso moderno a día de hoy. La lección de narrativa fílmica que da Lubitsch es para enmarcar y estudiar en las escuelas. Su famoso "toque" luce en todo su esplendor irónico y mordaz, inteligente y divertido, con brillantes diálogos e interpretaciones. La utilización magistral de las elipses, el simbolismo de los objetos, las voces en off, el glamouroso vestuario.... Los inicios de los 30 fueron épocas también de crisis y rígidas normas sociales. Lubitsch se las ingenia para criticar todo ello mientras nos hace pasar un buen rato con un género aparentemente banal. La reflexión final sobre la elección en la pareja con la que compartir una vida es de una lucidez apabullante a contracorriente de lo que se podía esperar en los arquetipos del género. Algunos que saben dicen que no es su mejor obra. Yo diría lo mismo..., porque tiene más.
Una autentica gozada rodada en interiores, con unos actores esplendidos, hoy casi olvidados para hacer magia apagando unas luces y proyectando otras.
THE IMITATION GAME (DESCIFRANDO ENIGMA)
8
1 h. 54 m.
Reino Unido / 2014
Morten Tyldum
Es de suponer que la biografía de Alan Turing escrita por Adrew Hodges en la cual se basa la película y por cuyo guión adaptado a recibido un Oscar, no tenga tantos agujeros históricos, algunos garrafales, como el descarado gruyere que nos presenta Graham Moore en aras de simplificar la apasionante vida y labor de Turing y convertirla en una bonita película realizada con escuadra y cartabón para ser un éxito comercial al alcance de todos (los bolsillos) y de paso ponérselo fácil a la Academia.
Si a uno le interesan los hechos históricos tal como fueron que se olvide de la película.
Cambiando el tercio, supongo que al Noruego Morten Tyldum le van a llover los contratos en los USA. Su notable carta de presentación internacional con el thriller noruego "Headhunters" (2011) le ha dado la oportunidad de demostrar que puede hacer una cinta oscarizable, entretenida y virtuosa sin el más mínimo problema, aunque para ello haya cedido fuerza creativa y se limite a usar la plantilla de estereotipos de forma sobresaliente.
La película es ideal para una tarde de domingo en una buena sala, solo o con compañía. Y sobre todo y por encima de todo está Cumberbatch, este heredero de Olivier que lo borda y consigue que el malogrado Turing tenga, si no la película que debiera, si el actor que lo encarnara a pesar de no haberse llevado la estatuilla dorada.
Como curiosidad, el test que propuso Turing como uno de los padres de la computación en el que un humano y una máquina respondían a preguntas de un tercero que debía distinguir sin verlos quien era cada cual, a fecha de hoy, las máquinas y su inteligencia artificial han conseguido "engañarnos" en un 33% y solo desde el pasado 2014. Algunos como el científico, entre otras cosas, estadounidense Rayond Kurzweil y sus interesantes predicciones, apuesta por que lo lograran en el 2029.
LEVIATÁN
8
2 h. 21 m.
Rusia / 2014
Andrei Zvyagintsev
La mirada pausada, bella, crítica e intensa de Zvyagintsev ya venía escudriñando el interior de su propio país en su anterior film: "Elena" (2011). Según dicen heredero de Tarkovsky, sigue depurando su estilo y aunque en este caso alarga el metraje, la acción se torna más fluida trufada de elementos dramáticos de marcada intensidad. Esta mirada interior se vuelve reflejada con la suficiente nitidez para que nos sintamos en mayor o menor medida reconocidos en ella, universal, como una tragedia griega condenada a repetirse hasta el final de los días. El Leviatán que da titulo al film posee tantas lecturas como uno pueda encontrar, desde el monstruo interior que va consumiendo el alma de cada personaje, estupendamente interpretados, a la corrupción endémica, al estado omnipotente, a la religión de estado..., incluso al alcohol que acaba por embotar conciencias y parchear dolores.
El propio director reconoce la inspiración del título que abarca desde la Biblia a los postulados del absolutismo político del filosofo del XVII Thomas Hobbes. Una mirada dolorosa a la mayor parte de una Rusia actual de la que seriamos muy ingenuos si pensásemos delimitarla solo a su territorio.
Cine de autor, asequible a todo aquel que no tenga prisa en la butaca y prefiera saborear a deglutir. Aún puede Zvyagintsev definir más a sus personajes y su conflictos y sintetizar lo que queda claro muchos minutos antes de que termine la cinta. Cine de autor, de ese que según están las cosas, tendrá que buscar, como dice el productor de esta película, caminos alternativos de exhibición dado que las pocas salas que quedan necesitan rentabilizarse con blockbuster para poder sobrevivir
FRÍO EN JULIO
5
1 h. 49 m.
USA / 2014
Jim Mickle
"Cold in July" es un globo de formas y colores sugerentes muy por encima del precio al que nos lo venden. Estamos contentos. Pero a la media hora el asunto empieza a desinflarse y al final se nos queda cara de tonto cuando nos damos cuenta de que la cosa nos ha salido realmente cara para lo que nos ha durado el invento.
Esta claro que Mickle sabe que películas de los 80 le han gustado y las copia con maestría artesanal, plagandola de elementos atractivos. Ese cuadro en la pared ensangrentado, los sombreros y camisas de Don Johson, esos coches imposibles que no se terminan nunca, esos pueblos de la américa profunda, esas atmósfera de colores sombríos y saturados... Vale, pero no es los Coen y su "Sangre fácil" (1984) y ya puestos tampoco le ha salido la cosa tan bien como a Jeremy Saulnier con su "Blue ruin" (2013). No sé si la novela original de R. Lansdale está tan deshilachada como el guión que firma con su colaborador habitual Nick Damici, donde los giro de guión son más importantes que el desarrollo coherente de los personajes. El trió calaveras (Shepard, C. Hall y Johnson) aguantan con dignidad hasta que se convierten en un pobre remedo del Grupo Salvaje y empiezan por darle al gatillo.
Lo que más le importa al enmarcador que interpreta C. Hall es saber a quien a matado, pero en cuanto descubre que si se une a un par de tipos duros él se sentirá como un autentico tejano se le olvidan sus buenos propósitos. El sheriff oscuro se pierde en el camino, la mujer interesante deja de interesarse, y los dos excombatientes admiten al novato como si tal cosa. Todo sea para que se haga un hombre de provecho.
Y yo que me las prometía tan felices.
INVENCIBLE (UNBROKEN)
7
2 h. 17 m.
USA / 2014
Angelina Jolie
Parece que Jolie ha llegado a la dirección para quedarse, dado el paso adelante que presupone esta cinta con mejor guión (los Coen) que su anterior film. Concretamente se basa en el segundo libro de la autora estadounidense Laura Hillenbrand. El primero fue "Seabiscuit: An American Legend" (2001) también llevado a la pantalla con éxito por Gary Ross en 2003. Ambos y únicos libros hasta el momento de la escritora aquejada de Síndrome de Fatiga Crónica y que han vendido más de 10 millones de ejemplares.
Dos proyectos más están en la agenda de Angelina que avanza sin prisa pero sin pausa, aprendiendo sobre la marcha, con buena voluntad y buen ojo, aunque aún no acaba de encontrar a mi juicio el resorte adecuado, su mirada personal, para que las historias que nos ha narrado no solo estén correctas sino a la altura emocional que ella siente y que merecen.
Este "invencible", rendido homenaje a Louis Zamperini uno de tantos hombres que consiguieron ganar una de tantas guerras sobreviviendo a ellas, por encima de los gobiernos amigos y enemigos y conservar su dignidad intacta ante tanto horror abanderado, peca como el cartel promocional de una cierta frialdad, de una observación desde afuera de las penalidades que tuvo que soportar, sin que lleguemos a meternos en la piel de su protagonista ni sentir cada uno de los golpes que recibe. La sensación es de que estamos viendo una película bien realizada en la que la dolorosa verdad ha quedado envuelta en celuloide de mentira.
Sorprende y es admirable como Jolie saca adelante una película de género bélico lleno de testosterona masculina cuyas imágenes de la brutalidad de los campos de prisioneros, en este caso nipones, ya han dejado huella en algunos films históricos memorables. El rockero japones "Miyamiya" se esfuerza en emular muy de lejos, a leyendas como Hayakawa y Jack O´Conell, a mi juicio, no lo quiere la cámara lo suficiente como para que se nos encoja el corazón con su sufrimiento.
La película se ve sin esfuerzo en su extendido metraje, con tres partes diferenciadas, destacando la primera de ella donde Angelina se maneja con solvencia en las peripecias aéreas y me sobrecoje ver las caras aniñadas de jóvencitos metidos en esas latas de sardinas que eran las máquinas de guerra voladoras y terrestres en los años 40 dispuestos a sacrificarse como peones en la enésima partida de ajedrez de unos contendientes que a la postre y para bien de los mercados acaban siempre firmando tablas.
BIG EYES
6
1 h. 46 m.
USA / 2014
Tim Burton
Parece que el bueno de Tim (perdón por la confianza) ha necesitado de un pequeño relax de dos años para coger impulso, olvidar su último fracaso, poner aire entre Deep y él y tener su agenda repleta hasta, de momento, el 2017. Inicia esta nueva etapa con un film que se sale de la linea de puntos que marca su "sello de autor", aunque la profundidad de esos ojos enormes como pozos que pinta Peggy Doris Hawkins, señora durante unos años del impresentable y desquiciado Keane, no queden lejos de su universo.
Las tinieblas góticas dejan paso al color y la luz de unos brillantes 50 y 60 norteamericanos donde el mundo era de colores, menos para algunos, y como siempre entre ellos estaban las mujeres, cuyo acceso a los mil y un cachivaches domésticos hacían más fácil y cómoda las labores para las que fueron creadas. En el tiempo, que por tanto, les sobraba podían dedicarse a chismorrear con las amigas, adorar la tele y estar siempre dispuestas para "el hombre de la casa" que proveía el cheque mensual.
Tan apabullante presión social acabo por convertir a algunas de ellas en seres frágiles y asustados que aceptaron como Margaret chantajes increíbles y les robaron su vida y su alma. Afortunadamente el personaje que mima Amy Adans, consiguió, de aquella manera, romper el hechizo. El tema daba y da para una película mejor que la que ha confeccionado Burton que sin ser desdeñable navega tímidamente entre el drama light y la falsa comedia con un Waltz chirriante en su histrionica actuación, supongo ajustada al tipo que representa pero que resta credibilidad a lo que nos están contando.
Una cuidada producción marca de la casa y muchas niñas de ojos tristes. Quizá porque sabían el lugar que les deparaba la sociedad conservadora y capitalista, cuando se hicieran mujeres.
MR. TURNER
8
2 h. 29 m.
Reino Unido / 2014
Mike Leigh
"Me gusta todo de ti, pero tú no", decían los versos de una canción de Serrat. Algo parecido me pasa con esta última entrega de Leight cuya carrera admiro en general y que cuenta como nadie las pequeñas interioridades de la vida cotidiana de las gentes corrientes. En este caso el apellido ilustre del genial J.M.W. Turner parece romper la pauta pero en el fondo es en sus miserias y gozos privados y en la gente común que le rodea donde Leight vuelve a atraparnos.
Me quito el sombrero y lo que haya que quitarse ante el personaje que compone..., Dorothy Atkinson, esa criada, probablemente algo retrasada que encuentra sentido a su vida esclavizando la suya al maestro, que es amada sin amor, y que vive rodeada de la belleza mágica de la luz de los paisajes impagables de su amo y señor.
A Leight no le interesan los datos sino las esencias, el caldo donde se cuece la vida y por ende la obra. Para ello, una vez más, cuenta con la inmejorable producción de época del cine británico aunque sea una coproducción, la fotografía que recoge todo aquello que empapaba la mirada ávida de Turner y la interpretación intachable de Spall.
Como decía, me gusta todo pero no acabo de gozar como debiera. Me sobra metraje, y la impenetrabilidad del personaje me deja con demasiada preguntas sobre lo que siente ante la vida y ante el dios de sus cuadros.
EL EXPRESO DE SHANGAI
8
1 h. 20 m.
USA / 1932
Josef von Sternberg
Es curioso como al referirse a esta película se suele comenzar diciendo: cuarta colaboración de Sternberg con Marlene Dietrich. Como si todo lo demás no tuviera importancia. Y más o menos es así. El argumento basado libremente en el cuento publicado en 1880 por el autor francés Guy de Maupassant y reciclado nuevamente por John Ford en "La diligencia" es la excusa para que Sternberg dé un clase maestra como creador de atmósferas y encuadres abigarrados y prefigure el abc de las "películas de trenes". La influencia teatral de Reinhardt se hace una vez más presente en su obra y su maestro fílmico Emile Chautard aparece como actor encarnando al mayor Lenard. Así pues la magia y el estilo se hacen notar en toda la narración focalizando a su creación y amante como centro solar nunca tan bella y tan bien fotografiada por Lee Garmes que se llevó un Oscar por su trabajo. Dietrich se come la pantalla gracias a que Sternberg sabe todo lo que puede sacar de ella, de su vestuario, de su mirada misteriosa, provocadora y segura de si misma. No sé si es una lastima o no para la historia que su partener, el británico Clive Brook, con el que ya había trabajado Sternberg, esté tan envarado y tenga tan poco carisma. Si el personaje hubiera sido encarnado por Cooper o alguien similar la historia hubiera sido otra para menoscabo de la leyenda de Marlene.
Exótica, rodada en estudio casi en su totalidad, con su correspondiente moraleja sobre la hipocresía social, (la prostituta es la persona de mayor dignidad ética y moral) sin olvidar a la siempre inquietante y seductora Anna May Wong, capaz de arañar segundos de gloria a la diva.
EL HOBBIT: LA BATALLA DE LOS CINCO EJÉRCITOS.
8
2 h. 24 m.
USA / 2014
Peter Jackson
Todo llega a su fin, por más que las productoras intenten alargar la taquilla. Gracias infinitas a Jackson, su equipo y a quien corresponda por hacer visibles más allá de nuestra imaginación el mundo irrepetible e inmortal de Tolkien. Con sus defectos y sus aciertos, la saga del anillo y "El Hobbit" ocuparán un hueco de honor en la historia de la cinematografía.
Es cierto que esta última entrega es una coda extendida que apenas aporta nada nuevo de lo ya visto. Tras "El señor de los anillos", la capacidad de sorpresa lógicamente se limita y bien pudiera haberse realizado la historia de Bilbo con una película menos, pero... ¿porqué no disfrutar unos minutos más?. A aquellos que no soportan Orcos, hobbits, enanos y demás ¿que más les da?.
El conjunto se cierra en su tramo final con algo menos de emoción de lo deseado y es el espectador el que tendrá que tirar de videoteca, tiempo mediante, para volver a destapar la magia de un mundo de fantasía, más real de lo que parece. Larga vida.
MORTADELO Y FILEMÓN CONTRA JIMMY EL CACHONDO.
8
1 h. 28 m.
España / 2014
Javier Fesser
Ante todo hay que felicitar a Fesser, aparte de como director, por empeñarse en que Mortadelo y Filemón consigan en el mundo del celuloide el mismo éxito internacional que ya consiguieron en papel. El mundo de Ibañez y compañía es un filón para este tipo de animación tanto como la Marvel a los superhéroes y uno ,visto lo visto, se pone a salivar no solo con más andanzas de los agentes de la TIA, sino con el Anacleto de Vazquez, el botones Sacarino, Pepe Gotera y Otilio, etc, etc.
Para ello era imprescindible seguir los paso de Spielberg con Tintín y tener un estudio y la tecnología que no desmereciera el asunto y pudiera competir con el monopolio USA. Ilión studios, empresa española afincada en la Comunidad de Madrid, lo ha conseguido con creces, igual que fueron punteros en su día con Pyro Studios y su videojuego de "Comandos".
La cinta corrobora que la mejor traslación de los personajes emblemáticos de papel y su mundo no es otra que la animación y sus infinitas posibilidades.
Peca quizás la propuesta de Fesser de estar hipervitaminada y resultar por momentos repetitiva y extenuante con un ritmo tan frenético que a la media hora no somos capaces de aguantar la marcha de esta pareja genial e inmortal. El toque ácido de Fesser a veces confiere un lenguaje a M&F al que no estamos acostumbrados. No lo creo necesario y si lo que se busca es un toque más adulto debería hacerse más puliendo el guión que no en otra cosa. En cualquier caso una gozada para grandes y pequeños. Que siga la fiesta.
SONG OF THE SEA
10
1 h. 33 m.
Irlanda / 2014
Tomm Moore
En el 2010 descubrí una joya "El secreto de Kells" producida por un joven estudio irlandés de animación "Cartoon Saloon" y a cuyos mandos estaba probablemente un genio cuyo buen gusto iguala su talento: Tomm Moore.
No solo era aire fresco y renovado ante el aplastante estilo USA, sino que era un viento potente, capaz de estremecernos, susurrarnos viejas melodías, y hacernos aprender historias que se pierden en la noche de los tiempos, tradiciones orales narradas junto al fuego mezcladas con esos bellos libros ilustrados que leemos a nuestros hijos antes de dormir y que nos regalan su mirada fascinada ante mundos todavía posibles.
Esa joya parecía irrepetible. Descubrimos cuatro años después, que hay más y si me apuran, aún más bellas. "Song of the sea" no merece ser contada por las torpes palabras de quien esto escribe. Hay que disfrutarla en compañía de quien amemos sabiendo que algún día nuestros cuerpos se separarán y viviremos en su recuerdo.
Tanto "El secreto..." como "Song..." merecían el Oscar. La Industria y la Academia, entendió que estos premios son para películas más acordes a sus rimbombantes nombres. El Arte sin embargo es otra cosa.
SCARFACE, EL TERROR DEL HAMPA.
7
1 h. 33 m.
USA / 1932
Howard Hawks / Richard Rosson
Tercera pata del banco que prefiguró el género de gangster junto con "Little Caesar" y "El enemigo público". Personalmente y desde la perspectiva de hoy prefiero esta última como la mejor de las tres. Si bien es cierto que "Scarface" se estrenó más tarde por problemas de producción, repite hallazgos dramáticos y visuales de otras películas anteriores, restandole originalidad. Su ritmo es sincopado y se nota que hay más manos que las de Hawks en el asunto. La del propio Rosson que figura como codirector y cuya carrera profesional posterior no se puede ni comparar con la de Hawks. Por otro lado dudo que el multimillonario y también director que producía la cinta Howard Hughes se mantuviese al margen y para rematar el asunto el propio estado que condicionó algunos de los giros argumentales y cuyo mensaje y moraleja se hace sentir con escenas doctrinarias sobre como debía la ciudadanía combatir y repudiar el crimen organizado. No en vano el subtitulo del film es: "la vergüenza de la nación". Así pues demasiadas manos, para que la fluidez y claridad narrativa no se resintieran.
Muni vuelve a regalarnos una gran interpretación, algo histriónica realizada a propósito del descerebrado e impulsivo personaje, pero lejos del gran trabajo que realizó ese mismo año en "Soy un fugitivo". Las subtramas de las mujeres de la cinta vienen y van sin acabar de explotar todo su potencial, con una Ann Dvorak que merecía más metraje. Mucha acción, mucho fuera de campo en una relación de hechos reales relacionados con Al Capone, encarcelado ese mismo año, pero no con su perfil y vida personal. El humor, presente en el personaje del secretario de Tony Camonte, bien interpretado por el eterno secundario Vince Barnet, si bien cumple con el desahogo del drama, se le concede más tiempo del necesario y se exagera en exceso su increíble torpeza, aportando poca credibilidad al entorno del ganster.
Demasiados aspectos que pulir, a mi juicio, para que la puntuación se corresponda con el inmenso éxito que cosechó en taquilla. Aún así, abundan los acierto para hacerla notable y de visionado imprescindible. A destacar esas X que aparecen durante toda la cinta con acierto artístico y que se corresponden con aquella otra X que marcaba la policía en el lugar donde encontraban un cadáver. Otra de las moralejas y avisos del tono de la cinta: si eliges el camino del mal seras un hombre o mujer X.
BIG HERO 6
8
1 h. 48 m.
USA / 2014
Chris Williams / Don Hall
Fueron felices y parieron un mestizo. La unión de Disney con Marvel mediante la compra de la segunda por la primera, ha dado a luz su primer largo de animación sobre un cómic de la casa de las ideas. El resultado es una criatura potente y enérgica no exenta de ternura a la que, como a Frankenstein, se le notan en exceso las costuras de su dos padres muy diferenciadas. En la primera parte Disney deja su marca de tono más familiar y entrañable sobre la entrada en la adolescencia de un chaval muy inteligente que anda con la hormonas revueltas, adora a su hermano y se refugia ante su falta en un robot médico, Baymax, que es el auténtico hallazgo y genialidad de la cinta.
En la segunda parte Marvel toma las riendas y hace lo que sabe hacer muy bien: superhéroes en acción. La lástima es que el guión esté tan gastado y sea tan previsible que la emoción quizás absorbida por el teletransportador del maligno de la máscara Kabuki, desaparece para no volver.
La calidad del diseño de producción, y el 3D ayudan a que el conjunto sea notable. Por lo visto más que suficiente para hacerse con el tío Oscar de este año, dado sobre todo la potencia de los productores y muy alejada de autenticas maravillas como "Los increíbles" (2004). Potencia que se verá muy incrementada con la previsible y abundante cosecha de todo el merchandising de muñequitos y demás. La cosa dará para más secuelas. Todo sea por volver a disfrutar de Baymax.
ST. VINCENT
7
1 h. 43 m.
USA / 2014
Theodore Melfi
Otra vuelta de tuerca a la sobada historia de persona mayor cascarrabias con niño imposible que no tendría la mayor relevancia si no estuvieran de por medio Murray, Watts y McCarthy que elevan sus personajes a un recuerdo que no dejará el guión. La historia es entrañable y Melfi consigue hacerte reír y llorar aunque para ello tenga que utilizar viejos trucos del oficio que increíblemente siguen funcionando. La cinta arranca a la primera, se queda en las cuestas y llanea sin problemas para que pasemos una horita y media sin mirar el reló. Además también tiene moraleja y rinde homenaje a miles de personas que nunca serán canonizados por ninguna religión y cuyo sentido de la vida y generosidad a costa de sus propios sacrificios les sobran para ser santos.
ÁMAME ESTA NOCHE.
8
1 h. 36 m.
USA / 1932
Rouben Mamoulian
La verdad es que el director de origen Armenio Mamoulian estaba muy lúcido por esta época, acababa de apuntarse un buen tanto con su versión de Jeckill y Hyde y ya había dejado claro con "Aplauso" (1929) que entendía muy bien como tenían que ser los musicales, genero que explotó con el sonoro y que cinco años después estaba cogiendo poso de calidad.
En sus manos una fabula de opereta basada en la obra teatral "Tailor en the château" de Paul Armont y Leopold Marchant, adquirió brío fílmico y se convirtió en una coqueta y encantadora comedia musical con unas cuantas escenas magistrales para el recuerdo. Incluso su buena mano con la dirección de actores hace que Chevalier no resulte tan empalagoso como de costumbre.
La reputada soprano Jeanette McDonald que se había tomado un año de gira musical por Europa vuelve a la Paramount, la compañía de sus inicios para reencontrase con su pareja francesa, que había ensamblado artísticamente Lubitsch, con la que rueda ese mismo año"Una hora contigo".
Así pues todos en la cumbre, felices y contentos transmitiendo su alegría a este sastre parisino que enamora a una princesa mientras todos cantan tonadas pegadizas en trenes, salones palaciegos y cacerías incruentas de ciervos, sin olvidar el humor y un toque de pícara sensualidad europea aprovechando que el aprobado código Hays aún no se aplicaba.
Está considerado como uno de los mejores musicales. El paso del tiempo lógicamente reduce las expectativas.
LOREAK
7
1 h. 39 m.
España / 2014
Jose Mari Goenaga / Jon Garaño
Reconozco que mi rendición incondicional al cine de Goenaga y Garaño después de esa maravilla que es "80 eguneam" (2010) me deja un poco insatisfecho ante está nueva propuesta, un poema elegíaco sobre la soledad de la existencia, una metafísica de billar a muchas bandas que se sustenta sobre un sutil y delicado guión, a mi juicio muy por encima de su plasmación fílmica. Es cierto, como se ha escrito, que el resultado final huele a corto estirado y que su ritmo pausado, introspectivo a veces cae en una lentitud que nada aporta al desarrollo de la trama, con una plomiza fotografía cuya finalidad dramática o estética no tengo clara. Sobran escenas redundantes y hay simbolismos y personajes secundarios que hacen desviar la atención de los protagonistas hacia puntos de fuga a ninguna parte.
Con todo y con ello "Loreak", rezuma humanidad y desasosiego vital, misterio sobre aquello que nunca llegaremos a compartir del todo con los demás. Sus tres actrices están a la altura de la propuesta. Como las flores, necesitamos del otro para ser cuidados, amados y admirados en nuestro efímero esplendor.
LA SEÑORITA JULIA.
9
2 h. 9 m.
Reino Unido / 2014
Liv Ullmann
La complejidad de esta inmensa tragedia moderna escrita en 1888, basada en un mezcolanza de hechos reales y autobiográficos por un misógino esquizofrénico, dotado de genialidad como autor dramático, no es apta para el espectador del cine actual donde la acción impera sobre la reflexión. Teatro filmado, dicen algunos. Maravillosamente filmado desde luego, potenciador del mismo y no necesariamente antagónico.
Liv Ullman, musa de Bergman mantiene el aroma del maestro aportando su propia sensibilidad femenina sobre un texto que no me atrevo, sin repasarlo, a afirmar como se hace categóricamente, estrictamente fiel al original. Creo recordar que poco o nada se alude a la madre de Julia y en un texto tan lleno de matices cada frase, por no decir cada palabra abre un abanico de posibilidades excepcional.
Farrel supongo que habrá cobrado por su actuación pero estoy seguro que hubiera pagado por ello. No se le recordará por este personaje pero su alma de actor no lo olvidará jamás. Chastain puede ya ponerse el articulo "La" delante de su apellido, con honores. Samantha Morton la tercera en discordia no le va a la zaga a ninguno de ambos.
Ullman rueda con un gusto intachable y amplía dramáticamente el icónico espacio de la cocina, con la casa y sus jardines exteriores dando un plus de belleza y desahogo al espectador. La falta de carácter de unos personajes a la deriva entre un mundo antiguo y el moderno que se avecina, zarandean sus almas con unos diálogos que expresan una y otra vez su inestabilidad, su desasosiego, sus pasiones y su falta de algo "seguro" a lo que agarrarse, aunque para ello tengan que llorar, suplicar, maldecir o ser cobardes y crueles.
Obviamente la lucha de clases y de sexos está presente y toda su carga explosiva da para muchas horas de sofá de psiquiatra.
Por encima de todo y sin que sirva de referencia para quien esto lea, uno se ha quedado anonadado al volver a ver y escuchar de manera tan honesta el texto desgarrador del inmortal sueco.
I FEEL GOOD
8
2 h. 18 m.
USA / 2014
Tate Taylor
Tate Taylor ha dado un paso adelante en su corta carrera como director con este biopic que trata, de forma tan frenética y alambicada como los pasos de baile del propio Brown, de salirse de las normas de las biografías al uso. Tres años después de la tibia y premiada "Criadas y señoras" repite con las oscarizadas Viola Davis y Octavia Spencer que no defraudan en sus personajes secundarios, todo ello al servicio de un magistral Chadwick Boseman que se deja la piel para meterse en la de un James Brown inabarcable en toda su complejidad humana y musical y a la que el extenso metraje aún se le queda corto.
El, a veces, mareante vaivén de saltos temporales sale indemne por los pelos empastado con los hits musicales de un genio que supo reinventarse una y otra vez sin dejar de ser el mismo.
Taylor pasa de puntillas sobre su lado oscuro, pero deja los suficientes indicios para que nos apetezca bucear fuera de la pantalla en su vida y sobre todo gozar una y otra vez con el funk, soul, r&b y rock que corría por la venas de un niño negro destinado a ser devorado por el mundo que se comió buena parte de este a base de talento y trabajo. Produce Mick Jagger que como otros muchos artistas imitaron y tuvieron como ídolo a "Mr. Dynamite".
SOY UN FUGITIVO.
10
1 h. 30 m.
USA / 1932
Mervyn LeRoy
La cinta no solo es "la madre" de todas las películas del género carcelario, sino un modelo a seguir de narración, de como contar una historia llena de acontecimientos en apenas hora y media de forma técnicamente impecable y no aburrir lo más mínimo. La fórmula exitosa de aunar el cine de los grandes estudios de Hollywood con la denuncia social. En su planificación, desarrollo y trabajo actoral es una película moderna que no chirría lo más mínimo 83 años después de su estreno. Todo ello realizado por un director polivalente de esos que se consideran como artesanos y que a la postre son los que han firmado la mayor parte de los hitos del séptimo arte.
Basado casi con exactitud, excepto en su final, en el libro autobiográfico de Robert E. Burns, plantea las dificultades de un veterano de la I guerra mundial para encontrar un empleo acorde a sus méritos en unos USA camino de la depresión y cuyo sistema judicial en algunos estados como el de Georgia condenaba a 6 u 8 años de trabajos forzados en condiciones de esclavitud a quién como Burns robó un inmenso botín de 5 dólares, mientras las "altas esferas" se lo llevaban crudo. Salvando las distancias, la cosa no puede ser más actual.
El tono casi documental de la vida carcelaria, la emoción de las fugas, su reinserción social encubierta, la miseria de quien se aprovecha de ello y sobre todo la inmisericordia de un sistema que necesita la brutal represión sin ánimo de redención donde siempre tiene que haber un culpable sea el verdadero o no.
Paul Muni, el Robert de Niro de la época da un recital de por donde llevar las técnicas actorales superado el cine silente. Un brillante montaje que se hace invisible y una fotografía magnífica acaban de cerrar el circulo de un trabajo intachable cuyo valiente y arriesgado final de moraleja más que inquietante no fue óbice para que fuera un gran éxito comercial que tuvo el poder de acabar con los penales denominados Chain gang (cadenas de presos). En una década, la de los 30, de tantas grande películas pioneras, "Soy un fugitivo" ha quedado un tanto injustamente olvidada. Como a James Allen, hay que hacerle justicia.
HOMBRES, MUJERES Y NIÑOS.
5
1 h. 56 m.
USA / 2014
Jason Reitman
Se le ve el cartón, o mejor dicho las buenas intenciones a un Jason Reitman desconocido que se lía más que la "pata un romano", cuando quiere contarnos que todos no somos lo que parecemos y que con las nuevas tecnologías podemos sacar a pasear a nuestro lado oculto al mundo virtual con todo lo bueno y malo que ello conlleva. El aislamiento, paradojicamente crece con cuanto más poder de comunicación tenemos y el equilibrio no depende de cortafuegos tecnológicos sino de comunicación "face to face". Como es lógico las nuevas generaciones son más vulnerables y las redes pueden estrechar lazos o asfixiarnos a igual y vertiginosa velocidad.
El tema da y dará para muchas y espero que buenas películas. Esta no lo es. Reitman no sabe salir de su propio laberinto y recurre a un rosario de tópicos que parecen más. salidas de emergencia de cara a la taquilla, que propuestas sugerentes para que cada cual medite sobre "lo suyo".
Todos los buenos directores pinchan. Reitman no podía ser menos.
CAMINO DE LA CRUZ
9
1 h. 47 m.
Alemania / 2014
Dietrich Brüggeman
Exquisita mirada sobre el integrismo religioso con una apuesta formal arriesgada, muy estudiada y a la postre sobresaliente en planos secuencia coincidentes con cada uno de los pasos del via crucis de Jesucristo. En la linea de la noruega "Paraíso fe" (2012) o la española "Camino" (2008) los hermanos Brüggeman como director, guionistas e incluso actriz, componen un dramático fresco en el que queda patente que la fe, entendida de forma radical no solo mueve montañas sino que arrasa vidas y conciencias, pueblos e individuos desde que el ser humano tuvo conciencia de su mortalidad y empezó a buscar una salida al final del camino que le permitiese no volverse loco. Muchas son las "ofertas" de únicos dioses verdaderos y cada cual apuesta por aquella que le ha tocado en suerte geográfica o por alguna de las contrarias desencantado de las propias. El caso es que esta niña, estupendamente interpretada, por Lea van Acken, junto con un eficaz reparto no puede menos que conmovernos en su virginal buena fe, valga la redundancia, para que la acompañemos en su particular via crucis en el que pagará el pato para redimirnos de nuestros muchos y variados pecados.
La religiones y sus iglesias saben que es en la educación de la más tierna edad en donde el cerebro y el alma es más vulnerable para sembrar sus respectivas semillas y tenernos cogidos por el ansia de la gloria eterna, o nirvana, o lo que tenga en stock cada cual. Por otro lado seria injusto menospreciar a aquellos que en nombre de sus dioses hacen mucho y bueno por los demás, generalmente a niveles muy locales y sin poder de decisión para que el mundo gire al revés de como va.
La ficción de la cinta es una preocupante realidad pasada, presente y me temo que futura. Los Brüggeman no obstante se reservan una estampita en la manga de San Judas, patrón de los imposibles por si las moscas.
FREAKS (LA PARADA DE LOS MONSTRUOS)
7
1 h. 4 m.
USA / 1932
Tod Browning
Browning y los monstruos estaban de moda. El éxito del "Drácula" del propio Tod y "El doctor Frankenstein", que pusieron en el mapa a la Universal, abrieron una senda muy rentable que había que explotar y la MGM no quería quedarse atrás. Cuando le llega al director la historia de la mano de su amigo el enano Harry Earles con quien ya había trabajado anteriormente, a través del cuento "Spurs" (Espuelas) del autor de relatos cortos de terror y ficción, el neoyorkino Tod Robbins, Browning y sobre todo su productor Irving Thalber, ven que allí hay una buena historia y se ponen manos a la obra con carta blanca creativa. El bueno de Tod que ya de por si era "algo misterioso y rarito" retomó sus días en los circos de chico para todo y repitió la experiencia de "Garras humanas", añadiéndole al relato original una nutrida troup de rarezas humanas similares con las que había convivido en el pasado y que a la postre se hicieron con el protagonismo de la cinta.
Si el director pretendía algo más que otra cinta de terror apoyada por la provocación que suscitaban estos seres en circos y ferias mágnificados por la pantalla, con melodrama interpuesto y bajo presupuesto, le salió, aparte de esto, una descripción sincera y realista de la cotidianidad y marginación de estas personas cuyas taras físicas y mentales no les hacen en el fondo diferentes de las buenas o malas personas que tienen la suerte, siempre momentánea, de no tenerlas. El propio Browning tuvo un accidente que le pudo convertir en uno de ellos. Igual que se dice que la belleza está en el interior, la bondad y la maldad tampoco tienen nada que ver con el aspecto físico.
Es lógicamente difícil ponerse en la capacidad de asombro de los espectadores de una época que acudían al cine a pasarlo bien o mal pero siempre dentro de unas reglas. Aquí "los monstruos" no llevan maquillaje, son reales y bien por exceso ante tanta excentricidad reunida o por defecto, la compasión que suscitan, a casi nadie le gustó la propuesta y fue un tremendo fracaso comercial que inició el declive del hasta hace un año famoso director.
Las bromas que Browning hace con alguno de los frikis, pueden ser reales en su contexto. De hecho las siamesas en su vida real también se casaron con sus respectivos cónyuges, pero están en el filo de la navaja del buen gusto y respeto por esas personas.
Actores de segunda fila componen el elenco "normal". Algunos como Baclanova actuando con registros de cine mudo para el que, en principio, estaba proyectada la cinta. Mucho decorado interior. Solo vemos al mejor Browning en escenas como la comida de la boda, el poético baile en el campo y las inolvidables escenas finales, donde el auténtico horror, sobre todo en los años 30, debió sobrecoger.
Su fracaso y prohibición generalizada la convirtió en un mito que se exhibía casi clandestinamente hasta que en los 60 comenzó una revalorización que la ha convertido en una obra de culto. Tres finales diferentes, el del estreno más duro y aterrador, el que estaba proyectado aún más crudo y el añadido en versiones posteriores, para calmar los ánimos de los escandalizados espectadores.
A pesar de las muchas tomas, y arreglos de montaje son estos hombres y mujeres especiales los que consiguen atraparnos con su carisma y sus enigmas.
PACO DE LUCÍA: LA BUSQUEDA.
8
1 h. 35 m.
España / 2014
Francisco Sánchez Varela
Bonito y sentido homenaje el que dos de los hijos del maestro han rendido a su padre sin llegar a sospechar que fallecería antes de poder terminarlo. Dice Paco que los conciertos desaparecen y lo que queda es su música. Algo así pasa en este documental que se centra básicamente en el artista más que en la persona de la que apenas intuimos algunos rasgos. Es su música, el don con el que nació para ella, su trabajo en constante evolución desde sus raíces flamencas hasta la más pura improvisación jazzistica, sus miedos y sus ansias de aprender y de gustarse a si mismo para gustar a los demás y el sonido de su guitarra lo que ocupa todo el metraje. Algunos amigos le alaban, agradecen sus consejos y lo tachan de perfeccionista. Paco de Lucia rompió moldes ortodoxos y al final fue reconocido por aquellos que saben. La inmensa mayoría que no sabemos, hace tiempo que lo sabíamos.
LASA Y ZABALA
7
1 h. 47 m.
España / 2014
Pablo Malo
El hecho de que en la cinematografía patria sean contados los cineastas que abordan el tema del terrorismo de ETA y todo lo que ha arrastrado y arrastra detrás, seria merecedor en si de una película documental al respecto.
A Pablo Malo que se ha atrevido al salto mortal, con todas las redes posibles, le vienen dando palos por todos los lados. Es cierto que desde el punto de vista fílmico no es una gran película, pero eso no quiere decir que sea una mala película. La dirección de actores con un elenco en general muy solvente funciona y lo que nos cuenta sea poco para algunos y mucho para otros, es lo suficientemente aterrador para constituirse en un trabajo necesario. Malo es cierto que focaliza en exceso, que no abre el espectro contextual con imágenes, pero va dejando señales de lo que ocurría y de que faltan muchas incógnitas por despejar como esa X que aparece pinchada en el tablón de sospechosos, aunque no se mencione. Si las escenas cruentas de la tortura de los dos jóvenes etarras y el sufrimiento de sus familiares no tienen compensación visual con la de los que fueron asesinados por parte terrorista es porque nunca se puede poner en la misma balanza a quien mata por que son asesinos y esa es su maldición y la nuestra y aquellos que asesinan en nombre del Estado, financiados por este y con el fin último de lucrarse con los fondos reservados para la lucha contra el terror y tapar la ineficacia del aparato del Estado legal y político para erradicar el problema, envolviéndose en una bandera y unos uniformes que no merecen ser deshonrados.
Lo más aterrador, salvando los fallecidos. Es que en ambos bandos muchos que tienen las manos manchadas de sangre se fueran y continúen de rositas.
MAGIA A LA LUZ DE LA LUNA
7
1 h. 37 m.
USA / 2014
Woody Allen
Buscando un símil culinario, esta nueva cita anual con Allen se constituye en un tentenpie delicioso, exquisitamente cocinado y con los aromas y especias evocadoras de sus temas recurrentes. Un bocado que nos mantiene con la suficiente energía y buen humor para saborearlo con agrado a la espera de platos más sustanciosos. Nos lo presentan muy bien aderazado con una fotografía y una ambientación lograda de esos años 20 donde los que podían intentaban escapar como fuera de los horrores de la pasada guerra mundial con la esperanza de un más allá que nos redimiese de tanta culpa y horror. Tiempos de creer en la magia y los espíritus.
Allen al que sus neuras se le agravan lógicamente con la edad, no ha querido echar demasiada leña al fuego existencial de la necesaria y apuesta por el amor como último recurso donde refugiarnos acompañados de la condena que nos espera: "el hombre nace y sin cometer ningún crimen es condenado a morir" dice el personaje que interpreta con solvencia Colin Firth acompañado de una encantadora todoterreno Enma Stone que se está volviendo imprescindible.
El maestro da una vez más un lección sin forzar la máquina a tantas comedias de garrafón que inundan las salas.
VAMPYR, LA BRUJA VAMPIRO
9
1 h. 13 m.
Alemania / 1932
Carl Theodor Dreyer
Una joya muy personal de un director apasionado por su oficio con una afán de expresar sus inquietudes artísticas y experimentar la posibilidades del arte que maneja al servicio de un deseo de comunicar no tanto el contenido de cualquier historia sino las sensaciones que la forma de presentarla pueden hacernos sentir. En este aspecto comparar la cinta que nos ocupa con, por ejemplo, el "Drácula" realizado para la Universal por Tod Browning el año anterior, con temática similar, es un estupendo ejemplo de las dos concepciones antagónicas y sin embargo complementarias del uso y disfrute de séptimo arte, de los presupuestos comerciales y facilidad narrativa de los grandes estudios que crean industria y ese otro cine llamado de autor, más dependiente de la financiación privada y en la mayoría de los casos de más difícil comprensión y aceptación por parte de un público mayoritario. Personalmente puedo estar más a favor de uno o de otro pero no quiero renunciar a ninguno de ellos.
El director danés acaba de triunfar con su Juan de Arco y cuando se le aparece el barón ruso, como a Buñuel los vizcondes de Noalles y le financia lo que quiera con máxima libertad creativa, Dreyer no deja escapara la ocasión aunque para ello tenga que poner a dicho barón como protagonista y conseguir como uno más de sus logros en la cinta que encaje en ella a pesar de sus nulas aptitudes para la actuación.
A partir de aquí el maestro juega con su arte y nos da un recital de imaginación y recursos al servicio de los sentidos en un viaje onírico y surrealista, empapado de misterio, donde las fuerzas del mal deambulan entre nosotros en formas y maneras que se escapan a nuestra comprensión. El "protagonista" se convierte junto con nosotros en viajeros espectadores asombrados que giran en el carrusel que Dreyer hace girar en todas direcciones. La fotografía del gran Rudolph Maté con quien ya había trabajado aporta esa mirada a través de una realidad velada y límbica. Adelantada a su tiempo en muchas de sus magistrales escenas, algunas de ellas actuales, recoge todo el espíritu en diferentes momentos del cuento gótico, de Lovecraft, de Poe, de Maupassant...
Rodada en escenarios naturales, en principio muda a la que se le añadió escasos diálogos a posteriori se basó en el libro de relatos "Una copa oscura" del irlandés del XIX J. S. Le Fanu del que toma elementos para acercarse en concreto a "Carmilla" uno de ellos, donde el tema del vampirismo, en este caso femenino se anticipa un cuarto de siglo al "Drácula" de Stoker.
El fracaso comercial del personal proyecto, hizo que Dreyer, supongo que también por otros motivos, aparcase la dirección de películas durante 12 años para desgracia del arte. La copia original se perdió y se pudo recomponer a base de fragmentos de las versiones francesas y alemanas que se conservaban.
EXODUS: DIOSES Y REYES
6
2 h. 31 m.
USA / 2014
Ridley Scott
A propósito de esta megacoproducción uno repasa los 22 films de la filmografia de este director británico comercialmente consagrado con 38 años de carrera, tres nominaciones a los Oscars y nombrado caballero por la reina Isabel II y solo salvaría a media docena de ellos, algunos, eso sí, memorables como "Blade Runner", otros tantos son cuando menos sonrojantes y la decena restante nadan en aguas tan tibias y olvidables como esta vuelta de tuerca a la historia de Moisés y el éxodo del pueblo elegido de las garras del malvado Faraón. Pruebas arqueológicas y documentales históricas hasta la fecha no se han encontrado de dicha epopeya, así es que muchos siguen confiando en "la palabra de Dios" al respecto . Amén de que las diferentes versiones fílmicas también versionaban a su antojo los escritos bíblicos. Un Dios por supuesto hebreo, alejado de los mensajes del nuevo testamento, con su particular elección sobre una parcela de los oprimidos que eran muchos también en esos tiempos y sobre todo de armas tomar, que como te pases 400 años subyugando gentes te manda unas plagas de luxe que te vas a enterar. Representado aqui mediante un niño a caso metáfora de quién aún no ha madurado y cede ante los caprichos.
En cualquier caso como venia a decir Cecil B. DeMille la Biblia es el pozo de los deseos de cualquier guionista que se precie. DeMille hizo una excelente caja por duplicado con "Los diez mandamientos", en el 23 y el 56 con Theodore Roberts y Charlton Heston como Moisés, respectivamente. Y hablando de esta versión del 56 muchísimo más larga y más épica con un reparto y un tratamiento de los personajes que rodean a Moises que quita el hipo. Scott, prácticamente los obvia y se centra en el Faraón (ya quisiera Joel Edgertón comerse la pantalla como se la zampaba Yul Brynner) y Moisés (notable Bale) y sobre todo en la ampulosidad de las escenas de espectáculo donde el croma y los efectos especiales son los auténticos protagonistas. Con todo y con eso la cosa huele a ya vista en cualquier otro tipo de películas, el dúo protagonista está descompensado, Bale más solo que la una, aunque Maria Valverde aprovecha sus minutos y un final que se despacha en dos escenas, cuando el después de la salida de Egipto es complemento indispensable para entender la totalidad de lo que se narra.
Pues eso, "una más" del afamado Scott, esta vez sin su hermano al que le ofrece la cinta como reconocimiento a su memoria.
ELECTRICK CHILDREN
6
1 h. 36 m.
USA / 2012
Rebecca Thomas
La verdad es que esta cinta indie con la que debuta la estadounidense Rebecca Thomas, sobre una chica de 15 años criada en una comunidad mormona, al igual que la directora, que descubre que hay un "mundo exterior" por descubrir donde encontrar sus propias respuestas a la vida, nos deja descolocados y expectantes ante la originalidad de la propuesta. La fábula se sustenta en la pirueta argumental de que la chica esta embarazada y cree que ha sido por inmaculada concepción al escuchar una canción en una cinta de casette. Como lo oyen. Tal presupuesto tiene su miga y uno se las promete muy felices cuando abandona su comunidad y se da de bruces con otra realidad diametralmente opuesta a la suya con otros jóvenes que en el fondo están tan perdidos y necesitados de amor como ella.
Por otro lado el hechizo que ejerce sobre la pantalla la joven Julia Garner te atrapa desde el primer segundo. El problema es que una vez arrancado el asunto, el guión de la propia Thomas se ve incapaz de seguir a esa altura y va deambulando y perdiendo fuelle convirtiéndose al final en algo decepcionante en función del planteamiento inicial. Thomas y su equipo ruedan la historia con solvencia y consiguen que nos pique el gusanillo en espera de nuevos trabajos más elaborados.
EL ENEMIGO PÚBLICO
8
1 h. 24 m.
USA / 1931
Willyam A. Wellman
Nada menos que cinco films estrenó Wellman en este 1931 donde la implantación del sonoro se daba la mano con una depresión social galopante. El cine apostó por dos caras, dar al público cuentos de hadas de evasión alejados de la realidad y reflejar lo mal que estaban las calles, el auge de la delincuencia a la que contribuía en buena medida la ley seca y unos anti héroes que se las buscaban a costa de lo que fuera. El código Hays aún no estaba vigente y a pesar de la propia autocensura películas como esta podían ver, afortunadamente, la luz.
El guión basado en el libro "Cerveza y sangre" llamó la atención de Wellman que convenció a Zanuck que en aquel momento llevaba la Warner para que diera luz verde al tercer proyecto en el mismo año sobre un tema de gansterismo y además se lo dejase dirigir. No muy convencido Zanuck aceptó. Wellman siguió "incordiando" e invirtió los papeles de Edward Woods y James Cagney como los amigos de la infancia que hacen carrera en el mudo del hampa. El resultado fue crear un mito del género (Cagney) y prácticamente truncar la carrera de Woods. El pequeño pero matón Cagney esta esplendido en ese manojo de nervios, frustrado por ser el hermano menor, menos apuesto y listo de la familia que adora a su mama y busca el reconocimiento a base la vía "fácil" del gatillo.
Es capaz de ligarse a la primera chica con la que se cruza pero le cuesta encontrar aquella que comprenda que sigue siendo el pequeño, tímido e inestable Tommy: La Harlow, que se lleva los títulos de crédito por su sensual palmito. Personalmente me seduce más la pobre Mae Clark que pasó de novia de Frankensteín a recibir en su rostro un pomelazo histórico. Sin olvidar a la excelente actriz Joan Blondell.
A todos se los merienda Cagney, mamá y hermano incluido hasta en la magistral escena final cual Cid Campeador.
Wellman se emplea a fondo, arranca con originalidad y rotundidad, saca petroleo del movimiento de cámara en los exiguos espacios interiores, se luce con el fuera de campo poniendo la violencia en la imaginación del espectador y aún le queda tiempo para algunos primeros planos de gran fuerza expresiva y el susodicho final que remata la faena con una estocada hasta la bola (pobres toros dicho sea de paso).
Junto con "Little Caesar" y "Scarface" el año siguiente, forman la santísima trinidad de un género inagotable.
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| LEONARD "SPOCK" NIMOY (1931-2015) |
Este chico de Boston, hijo de inmigrantes judíos ucranianos, se buscó las habichuelas como todo hijo de terraqueo (portero, limpiador de peceras, taxista) hasta poder hacerse un hueco en el cine y sobre todo la televisión emergente de los años 60. Un día le fue revelada la verdad. En realidad era hijo de un Vulcano y una humana y su autentico apellido era impronunciable para la raza humana. El ya había notado que su carácter en extremo racional y flemático no siendo inglés era como de otro planeta. Este hecho le cambió la vida y aplicado como era llegó a comandante de la Flota Estelar a bordo de la nave Enterprise NCC-1701. El resto es historia.
Poeta, músico, director, fotógrafo vivió dentro y fuera de Spock, llevando la pesada y maravillosa responsabilidad de ser un icono cultural. Supo o pudo hacerlo y vivir una vida plena familiar y artística. Ahora que se ha teletransportado a las estrellas solo nos queda que desearle: "Larga vida y prosperidad" mientras nuestra mano separa los dedos centrales (no agitar, no seria decoroso en Vulcano).
PD: "No existe lo desconocido, solo lo temporalmente desconocido". (Capitán James T. Kirk)
TRASH, LADRONES DE ESPERANZA.
7
1 h. 55 m.
Reino Unido / 2014
Stephen Daldry
Este intento de hacer una nueva versión de "Ciudad de Dios" (Fdo. Meirelles / 2002) para todos los públicos, funciona, a ratos, razonablemente bien. Daldry consigue que el telón de fondo de la miseria en las favelas brasileñas adopte el protagonismo necesario para una historia de "aventuras juveniles" con unos chavales no profesionales con los que no tenemos más remedio que empatizar y no tomarnos demasiado en serio sus entretenidas andanzas en un thriller más o menos convencional.
La cosa con sus defectos (personajes de apellido que apenas añaden lustre al cartel promocional, guión con calzador...,etc), entretiene y nos deja recados que asustan y conmueven porque entreabren una rendija a la autentica desoladora y brutal realidad de lo que ocurre (como en muchos otros lados) en ese Brasil emergente que repite los mismos esquemas y errores interesados del orden social que la minoría impone a la mayoría. Una buena producción, un ritmo acertado y un previsible final hacen que no se nos atraganten las palomitas.
NUNCA ES DEMASIADO TARDE
8
1 h . 32 m.
Reino Unido / 2013
Uberto Pasolini
Passolini, reconocido productor a tallado, en su segundo film como director, una figurita hermosa con delicadeza, sencillez, paciencia y pulcritud artesanal: un ser humano.
Raro ejemplar en peligro de extinción que valora las cosas sencillas de la vida y lleva su propia soledad como protagonista de una fábula, de un cuento con moraleja.
En su soledad existencial descubre con mirada inocente, casi infantil que si es cierto que morimos solos, la huella de cada cual no merece el olvido. Así su labor se constituye en hérculea y va recogiendo restos de vidas que van dejando su rastro en apenas unas migajas de recuerdos, que este funcionario nunca mejor empleado, rescata del naufragio final al que todos estamos abocados.
Passolini ama a su personaje y este, interpretado por un genial Eddie Marsans, nos devuelve todo ese amor sin necesidad de palabras. Hay un cierto aroma al mejor cine mudo, donde la imagen, la mirada, el gesto, lo dicen todo.
Dirigida con precisión quirurgica, estupendamente fotografiada, el cuento termina como terminan todos los cuentos con el inevitable FIN. Que a pesar de escribirse con mayúsculas, mientras haya memoria y gentes como John May podemos volver a vivir/leerlo.
TABÚ8
1 h 30 m.
USA / 1931
F.W. Murnau
Murnau andaba un poco de capa caida tras sus dos últimos fracasos en la taquilla americana. Flaherty también andaba un poco mosqueado después de estar un año rodando "Mohana" en Samoa presionado por los productores que buscaban más comercialidad y rapidez en su trabajo, sin entender a que se dedicaba el padre del documentalismo. El caso es que decidieron unir fuerzas y rodaron "Tabú" silente cuando ya el sonoro se hacia con el mercado. La fusión de la visión de ambos parió una gran película, pero el propio dolor del parto hizo que el inquebrantable purista de Michigan no viera con buenos ojos la parte artístico narrativa del genio alemán y retiró su nombre del proyecto. Queda su impronta en una primera parte más étnica y costumbrista del "ídilico" mundo de los mares del sur.
El paraíso desgraciadamente tenía dueños occidentales y resabiados comerciantes orientales para poner las cosas en su sitio. Por si fuera poco, las tradiciones sacrosantas propias de todo lugar, también en Bora-Bora vienen a dar al traste con el amor de la virginal pareja que como Adan y Eva desafían a los dioses y ya se sabe como se las gastan estos.
Los actores no profesionales aportan credibilidad a su amor y exotismo. Murnau se apodera de la narración y la va dosificando en intensidad y belleza sin olvidarse de sus expresionistas sombras a la luz de esa luna llena que augura tragedias. Hay momentos de lograda tensión, abuso de intertitulos a pesar de integrarlos mediante notas de los personajes, cosa extraña e innecesaria en un director maestro en narrar sin palabras y unas ensoñaciones poco acertadas. Todo ello para culminar en un final para quitarse el sombrero y lo que haga falta. "Tabú" está a la altura de las grandes tragedias clásicas. Murnau falleció en accidente unos meses antes de sus estreno, parece que el destino fatalista tampoco le perdonó romper el tabú de nadar a contracorriente de un cine entendido como producto mercantil y no como expresión del arte que llevaba dentro. Gran testamento.
LOS JUEGOS DEL HAMBRE: SINSAJO. PARTE I.
5
2 h. 3 m.
USA / 2014
Francis Lawrence
Después de las dos entregas anteriores de infausto recuerdo me prometí que no me volverían a dar sinsajo por liebre. Pero, uno es débil y por mor de la Lawrence, me dije: peor no puede ser. Afortunadamente acerté. Y como no esperaba nada, me conformo con esta apañadita puesta en escena de la última parte de la trilogía, en la que Lawrence director se limita a poner en imágenes el texto de Collins que como sabemos no es Dumas, y ni siquiera Enid Blyton. Y a pesar de la mediocridad de la puesta en escena y los efectos especiales todos están más "quietos" y por lo tanto hacen menos el ridículo. Acongoja ver a gente del nivel de Sutherland, Hoffman, Tucci, Harrelson, Moore y la propia Jennifer tener que lidiar con personajes de recortable. La Jenni sin tanto maquillaje está más guapa que nunca y me creo que sufre por ese chico que no le pega ni con loctite. Además hay una cierta reflexión sobre el poder de la propaganda y su poder de manipulación y a pesar de la moda de estirar en taquilla el producto le vamos a dar un aprobadillo para que acaben la lucha cuanto antes y dejemos de pasar hambre con tanto juego.
JIMMY´S HALL
6
1h. 46 m.
Reino Unido / 2014
Ken Loach
De lo pequeño a lo universal. Loach sigue combativo, con mayor o menor mordiente fílmica como es el caso de esta historia local situada diez años después de la guerra civil irlandesa, entre los partidarios del acuerdo anglo-irlandés que puso fin a la lucha por la independencia irlandesa y aquellos que consideraban que dicho acuerdo quedaba muy lejos de la auténtica independencia por la que se había luchado.
Al condado de Leitrim regresa James Galtron un modesto líder social izquierdista que solo ansia reencontrarse con sus gentes y su tierra y olvidar las heridas. Pero es en las comunidades pequeñas donde los miedos odios, rencores y estratos sociales están más enquistados y la apertura de un local que ejerce de casa de la cultura desata los intereses y la intolerancia de los poderes fácticos: los terratenientes y la poderosa y reaccionaria iglesia irlandesa.
Loach apenas esboza el conflicto y los personajes. y abre un resquicio a la pintura amable de las relaciones amorosas y el deseo de jóvenes y no tan jóvenes de abrirse a nuevas experiencias de ocio y culturales que nada tienen que ver con el extremismo político. La música ocupa un espacio importante como símbolo de neutralidad y armonía entre las gentes. Y a pesar de que algunos personajes como el cura de la parroquia están bien construidos y Loach pone la puya en paralelismos actuales como los desahucios, el conjunto carece de la fuerza y la emotividad necesaria para incluirla entre las mejores del director. Se deja ver.
M (EL VAMPIRO DE DÜSSELDORF
7
1 h. 47 m.
Alemania / 1931
Fritz Lang
Penúltima película alemana de Lang en colaboración con su esposa antes de que Goebbels intentara reclutarle para la causa nazi ofreciéndole la dirección de los estudios UFA. Como es sabido el director salió por piernas dejándose en el camino a su esposa-guionista a la cual los nazis le caían más simpáticos.
Los crímenes y los monstruos se estaban poniendo de moda en la Alemania de estas fechas y Lang tuvo que plegarse dejando a un lado sus macro producciones por algo más "sencillito" y sobre todo barato, centrándose en el auge del recién estrenado sonoro. La idea original iba sobre el tema de misteriosos anónimos, cuando un articulo periodístico sacó a colación al asesino de la década de los 20 Peter Kürten que mató, entre otros, a varios niños en Düseldorff y que además le daba por beber sangre de sus víctimas. El juicio y su posterior condena coincidieron con el estreno de la película. Así pues cada cual que elija entre oportunismo, crónica social de la época o ambas.
El caso es que los 7 excelsos primeros minutos quedaran grabados indelebles para la posteridad fílmica. La utilización del sonido a través de la tonada (fragmento "En la gruta del rey de la montaña" de Edvard Grieg para la obra de Ibsen Peter Gynt) que silba el personaje de Lorre (por cierto doblado por el propio Lang), que no banda sonora, como leimotiv, las elipses narrativas de gran simbolismo, amén de la utilización de las sombras herederas del expresionismo, el picado del ciego de los globos, la espera de la madre..., constituyen un recital de un director en estado de gracia.
Lo que resta es otra cosa mucho más convencional. El ritmo se eterniza y la síntesis desaparece en la parte central con las alternancias entre las disquisiciones de la policía, sus modernos metodos y los miembros del hampa, la utilización de la grua se repite en exceso, el contrapicado al jefe de policía en su despacho sorprende por su mal gusto, la repetición de tomas de las distintas estancias de la fábrica...
El tramo final se ve redimido por la fotografía de Fritz Arno, el debate social sobre la justicia, el Lang amante de la arquitectura que asoma en la decoración de los escaparates y la pelín sobreactuada pero genial actuación de un Peter Lorre que le abrió las puertas de Hollywood y dió volumen psicológico a muchos futuros malvados de la pantalla.
EL TIEMPO DE LOS AMANTES
7
1 h. 45 m.
Francia / 2013
Jeróme Bonnell
Por lo que he podido ver en la carrera de Bonnel (5 films con 37 años), este rueda sus propias historias a la que guioniza y su denominador común es la búsqueda de la propia identidad de personajes desnortados que arrastran problemas de relaciones familiares.
Este es el caso de Alix, una mujer metida en los cuarenta, de la que apenas tenemos un esbozo de ausencia paterna, familia acomodada de la que debió autoexcluirse para buscar un camino artístico que ha quedado atascado sin reconocimiento en algún lugar, con una relación de pareja que no le ofrece la seguridad emocional que ella anhela.
Un día decide saltar al vació, seguir un impulso irracional y salirse de un camino que no deja ver el horizonte.
La fabula no tendría excesiva credibilidad si no fuera por la encarnación que Emmanuelle Devos hace de su personaje, realmente memorable en su desorientación vital y en su necesidad casi dolorosa de ser amada, valorada, escuchada, de hacerse real en un mundo demasiado anónimo.
Gabriel Byrne, estupendo como siempre, es capaz de ver en sus ojos todo ello y dar vida a un hombre maduro que acepta el reto de relanzar su vida de la que también Bonnell solo descubre unas pinceladas como si el tiempo se detuviera y solo fuera importante el presente.
Un presente que ofrece retazos de felicidad por el eterno París, multicultural y romántico, escenario idílico pasado y futuro de todos los amantes.
Bonnell en su ritmo lento, necesario para las dudas de sus personajes y para el disfrute de algo que se teme efímero, guarda un hueco para el humor y la incertidumbre de un desenlace mil veces visto y siempre nuevo.
MAGICAL GIRL
8
2 h. 5 m.
España / 2014
Carlos Vermut
Vermut repite con buena parte de los actores que le ayudaron con su opera prima "Diamond Flash". Repite también en el tono y en la forma hipnótica conque narra sus originales historias. Sin embargo la diferencia es que aquí si ha sido producido con medio millón de euros y que como pronosticábamos a domesticado en buena medida su mundo críptico y mejorado como realizador para beneficio de un conjunto mucho más amplio de espectadores que le ha llevado a ganar la concha de oro del festival de Donostia.
Lo que era una promesa se ha convertido en una realidad que además nos deja expectantes con el deseo de que siga evolucionando.
Es cierto que el guión a veces es algo forzado y se sirve de algún truco pero las diferentes historias que confluyen son por si mismas estupendas y nos llenan de una inquietud y un desasosiego, avalado por el gran trabajo de sus actores al ritmo de goteo milimétrico conque Vermut nos va metiendo en vena el deseo de rellenar ese hueco que falta en el puzzle, para que cada cual lo complete con su propia pieza.
A mi juicio muy por encima y más interesante que sus competidoras en los Goya. Todavía, al igual que Vermut, el público debe evolucionar para que el encuentro con este joven y talentoso realizador proveniente del mundo del cómic y admirador de la mítica "Dragon Ball", sea aún más gozoso.
HAMPA DORADA
7
1 h. 20 m.
USA / 1930
Mervyn LeRoy
Aún no había llegado el código Hays y los tiempos duros de depresión y ley seca empezaron a alumbrar un género donde el realismo social y los gángsters se mezclaban en un día a día de sálvese quien pueda y como pueda.
La Warner fue quien tomó las riendas en los años 30. Ya se había fusionado con First National para producir esta cinta que abrió la puerta al género junto con "Doorway to hell" (La senda del crimen), estrenada unos días antes dirigida por Archie Mayo y protagonizada por Lew Ayres, que alcanzaría la fama ese mismo año por "Sin novedad en el frente", pero que aquí se vio eclipsado por un Edgard G. Robinson pletórico de fuerza y carisma que llevó a "Little Caesar" y a él mismo al olimpo cinematográfico asentando el modelo de las historias y personajes que le sucederían. "La senda del crimen" quedó relegada al olvido a pesar de que también contaba con un joven James Cagney, que al año siguiente disputaría el trono al mismo Robinson con "El enemigo público".
LeRoy empezó a destacar dirigiendo con brillantez en un estilo donde la síntesis y la rapidez esquemática son la clave en el ascenso y caída de un mediocre delincuente, inspirado en los gángsters Salvatore "Sam" Cardinella y Al Capone, sobre la novela de W.R. Burnett quien daría mucho juego con sus obras en el mundo de Hollywood.
Los fundidos conque Leroy resuelve el asalto a la sala de fiestas, el sutil escamoteo de la violencia explicita y la atmósfera noir de muchas escenas compensan muchos estereotipos envarados del coro de secundarios, maleantes y policías, sin olvidar la relación de velada homosexualidad entre Ricco y su amigo bailarín encarnado por Douglas Fairbanks Jr., reflejado en esos ojos acuosos de un genial primer plano de Robinson que mezcla dolor, odio y amor al mismo tiempo.
Al final Ricco ni siquiera puede apelar en sus últimas palabras al original de Burnett cuando exclama: "Madre de Dios". Era demasiado malvado y se tuvo que conformar con recurrir a la misericordia divina. No le fue mal y el cine, cual ave fénix, resucitó una y otra vez a su personaje para gozo del respetable.
THE SKELETON TWINS
8
1 h. 30 m.
USA / 2014
Craig Johnson
Muy agradable sorpresa este drama familiar revestido con un humor ácido y chispeante como única terapia para sobrevivir en general y en particular para estos dos hermanos desestructurados cuyas ilusiones vitales se han convertido en insatisfactoria mediocridad. "Lo que pudo ser, y la mierda que ha sido" que cantaba Sabina. Dicen sus guionistas premiados en el festival de Sundance, que el tema se puede resumir como:"mierda oscura con sentido del humor".
Segundo film de un desconocido Craig Johnson, cuyo primer trabajo hace 5 años fue más bien el ejercicio de final de carrera en la escuela de cine. Hay unos peces que no paran de dar vueltas en un pequeño acuario. Acaso no sepan que sus vidas dependen del estado de aquellos que los cuidan y que en un golpe de azar impredecible pueden dejar de existsir. Ellos mientras tanto siguen dando vueltas aferrándose a la vida que es lo único que poseen.
Estos hermanos unidos por lazos fuertes e invisibles de una infancia compartida de juegos y secretos, se han hecho mayores y llevan 10 años sin hablarse. Algo ha ocurrido. Volverán a encontrase al borde de un precipicio vital que saltarán con amor y humor, entre fantasmas pasados y presentes que tienen sus propios rostros.
Estupendos diálogos, momentos muy divertidos y sobre todo una pareja protagonista que nos regala una gran y creíble interpretación y a los que como su director, habrá que seguirles la pista.
ORÍGENES
7
1 h. 53 m.
USA / 2013
Mike Cahill
Cahill sigue insistiendo por la misma senda de ficción pseudo científica metafórica new age pretenciosa con la que se inicio en su anterior trabajo, "Otra tierra" (2011), A algunos este camino "les pone" y a otros nos sigue pareciendo un poco pastel y carismático. En cualquier caso la evolución como cineasta es notable, la película es entretenida, se agradece que el eficiente reparto diversifique la acción, el ritmo, por momentos la intriga y la narrativa ha mejorado notablemente con momentos visuales logrados de los que también dio muestras anteriormente.
El equilibrio entre la historia personal afectiva, la ciencia ficción y el interrogante existencial es como una boya que se hunde y sale a la superficie constantemente pero que en definitiva flota. El trasfondo sigue quedando a gusto del consumidor aunque Cahill no puede resistirse a un final emocional y acaba tomando partido.
LA GOLFA
6
1 h. 21 m.
Francia / 1931
Jean Renoir
Primera película sonora de Renoir y una de las primeras de Francia. Contaba el director en una entrevista. que quiso rodar esta adaptación de la novela del escritor y periodista vienés Georges de La Fourchardiére publicada el año anterior, para dar un vehículo de lucimiento al actor protagonista Michel Simón por el que sentía una gran admiración. Efectivamente Simón se lució aunque personalmente le recuerdo por el inclasificable e inolvidable "Bodou" de "Bodou salvado de las aguas" que encarnaría al año siguiente también a las ordenes de Renoir.
La cinta tuvo problemas. A los productores les pareció de entrada que iba a encarecerse demasiado con las nuevas técnicas sonoras y por otro lado el tema del anarquista Fourchardiére sobre las relaciones a tres bandas, el oficio de prostituta de la protagonista y que el personaje principal estuviera casado y fuera un burgués integrado en el engranaje social, amén de otras connotaciones que entrarían en el campo del spolier, no les hacía ni pizca de gracia. De hecho lo despidieron y tuvieron que volverlo a contratar para poder intentar recuperar algo de la inversión.
Sigue contando Renoir que tuvo que dirigir deprisa y corriendo (6 días) un film rentable ("La purga del bebé") también con Simón para poder sacar adelante esta "perra" (La chianne) que a la postre fue un fracaso comercial.
Pero sirvió para que el director cambiara de registro y comenzará a trabajar un estilo de cine naturalista con tintes poéticos que le daría muchos éxitos en toda la década de los 30.
Así pues "La golfa" es como un borrador de lo que Renoir era capaz de hacer. La cámara ya empieza a moverse con una gran elegancia, el montaje es notable y la fotografía confiere un aire "noir" al París de barrios y gentes trabajadoras. En el fondo subyace a través de la novela de Fourchardiére la dicotomia existencial entre una vida ordenada, aburrida y grisácea y otra donde la libertad impone precios imprevistos y marginación social.
Como curiosidad funesta, nada más acabar el rodaje los otros dos protagonistas trágicos en la cinta, la joven y prometedora actriz de 23 años Janie Marése y Georges Flamant, tuvieron un accidente de automóvil en el que conducía Flamant y en el que murió Marése y arruinó la carrera del actor.
MATAR AL MENSAJERO
6
1 h. 52 m.
USA / 2014
Michael Cuesta
Según el cínico dicho periodístico, la verdad no puede estropearte una buena historia. En este caso la historia tal como la narra Cuesta estropea en buena medida la verdad. Cuando uno sabe de antemano lo que pasó y como terminó el asunto, es en los detalles del caso donde el interés y la tensión no deben decaer. El director carece de la fuerza necesaria visual y narrativa por mucho que cuente con el notable esfuerzo de Jeremy Renner y algunos secundarios de renombre para engancharnos más allá de la curiosidad normal sobre el asunto. El equilibrio entre los hechos que se denuncia y la vida privada de Gary Webber no acaba nunca de mojarse lo que debiera en ninguna de las dos orillas y todo queda en un vistazo superficial de aromas setenteros que evocan clásicos de comparación odiosa. Los injertos documentales con que se trufa la acción aportan credibilidad a costa de romper el ritmo y el tramo final nos hurta un pedazo importante del misterio, remitiéndonos a una insatisfactoria reseña en los créditos.
Lo que ocurrió, durante la era Reagan con este escándalo, las consecuencias nefastas que tuvo para Webber el denunciarlo y la bajada de pantalones de la poderosa prensa "libre" norteamericana merecían un film más contundente, menos televisivo y mejor producido.
Al final el affaire Clinton-Levinsky fue más rentable y menos comprometido para la prensa & c.i.a.
ESCOBAR: PARAISO PERDIDO
7
2 h.
Francia / 2014
Andrea Di Stefano
Benicio vuelve a componer un personaje aterrador al igual que ya hiciera en "Savages" (Oliver Stone / 2012). Di Stefano debuta con un thriller que se nos vende centrado en el capo del Cártel de Medellín, cuando en realidad es más un melodrama de acción bien resuelto narrativamente y con la tensión necesaria para que las dos horas no pesen en absoluto. Queda eso sí la oportunidad perdida de acercarse más profundamente al personaje del despiadado narcotraficante a quien como reza la publicidad durante más de dos décadas no se le escapaba nadie vivo que pudiera interponerse en su camino delictivo. Así pues Escobar queda limitado en esta cinta a un villano despiadado cuya luchas interiores con otros cárteles, con el gobierno, su demagogia popular, su mundo familiar y su extensa red de corrupción política apenas quedan esbozadas.
Cuando Del Toro le deja, el jovencito Josh Hutchertson intenta demostrar que tiene vida actoral más allá de "Los juegos del hambre".
DIPLOMACIA
8
1 h. 20 m.
Francia / 2014
Volker Schlöndorff
A estas alturas de sus 75 años el director alemán, oscarizado por "El tambor de hojalata" allá por el 79 tiene arte y oficio suficiente para hacerse con la adaptación de esta obra teatral y dotarla de la solvencia y el ritmo necesario para que continúe el éxito cosechado sobre los escenarios por los mismos actores. A Dussollier y Arestrup se les ve cómodos en sus roles y aportan personalidad y carisma a este enfrentamiento entre adversarios en plena guerra mundial. Supuestamente basada en hechos reales el Gobernador militar de París, general alemán, revoca la monstruosa orden de Hitler de arrasar París y sus habitantes antes de verse obligado a abandonarla por el empuje de las fuerzas aliadas gracias a las argucias diplomáticas del cónsul sueco, en un mano a mano dialéctico donde el cónsul tiene un puñado de cartas marcadas que juega con habilidad a sabiendas de que a su oponente no le queda otra para salir lo mejor parado posible ante la previsible derrota de su país.
Hay en la pieza del dramaturgo Cyril Gely algunos textos duros y autocríticos con su nación, evocadoras palabras sobre la ciudad de la luz, apelaciones a la masacre humana y algunas lineas que nos hacen dudar de a la postre quien engaña a quien. El resultado es que París y muchas de sus gentes siguieron en pie, cosa que no se puede decir de Dresde ni sus habitantes por citar un ejemplo. "La Florencia del Elba", fue arrasada sin piedad 6 meses después de los hechos de la película, cuando todo estaba ya decidido y no constituía un objetivo militar determinante. Ahí si que no hubo diplomacia que valga. Pero la historia la escriben los que ganan y afortunadamente y a pesar de los pesares ganaron los menos malos.
EL DOCTOR FRANKENSTEIN
6
1 h. 11 m.
USA / 1931
James Whale
Colin Clive había sustituido a un jovencísimo Laurence Olivier en la obra teatral "El final del viaje" y debutó en el cine con la adaptación de la misma, ambas dirigidas por James Whale que le llamó para encarnar al mítico Dr. Frankenstein, cuando la Universal a su vez le eligió a él por ser de origen europeo para reemplazar a Robert Florey y formar parte de su "ofensiva monstruosa" con la que consiguieron relanzar el estudio. La obra de Shelley ya había tenido una adaptación anterior en 1910 a cargo de J. Serale Dawey para la compañía de Edison y su sistema Kinetoscopio, obviamente fracasado ya que solo admitía un espectador por sesión.
Whale y ya con el sonoro creó el molde, repetido hasta la saciedad, con un apenas conocido Karloff que se inmortalizó a él y al monstruo gracias al genial maquillaje del griego Jack Pierce. El aspecto inicialmente diseñado para Lugosi antes de que este abandonara el proyecto y convirtiera Karloff en su más directo rival, era muy diferente inspirado en el expresionismo alemán de "El Golem" (1920). Karloff añadió un toque "humano" al monstruo, que a pesar de tener el cerebro de un criminal se comporta como un recién nacido ingenuo y asustado que reacciona ante aquello que no entiende, la violencia que provoca el miedo de los que tampoco entienden
aquello que se oculta bajo un telón que la ciencia empezaba a descorrer.
Así pues estos pequeños grandes matices de Karloff son la esencia de una cinta, probablemente terrorífica para el público de los años treinta y que por lo demás no pasa de la serie B, convertida en un clásico que enterró a la propia novela de Shelley muho más rica en interpretaciones y a la vez la consagró para la posteridad como la auténtica creadora del monstruo.
INTERSTELLAR
7
2 h. 49 m.
USA / 2014
Christopher Nolan
El octavo trabajo de Nolan cumple sobre todo el "primer mandamiento": no aburrir. Y eso ya es mucho para una cinta de casi tres horas. El grado de calidad es otra cosa.
El director ha montado un parque de atracciones vistoso donde cada una de ellas va de lo más sugerente y adrenalítico a las más sobadas y casposas, pasando por el simplismo del "tren de la bruja" que siempre funciona. No es original decir que nada hay original. La historia, que proviene de un primer guión del reputado físico Kip Thorne empeñado junto con la productora Lynda Obst en hacer una película que reflejara con honestidad la teorías, muchas de ellas especulativas, del propio físico, iba a ser dirigida por Spielberg una vez reescrito el guión por el hermano de Nolan. Al final fue Christopher quien asumió el proyecto con una nueva manita de su cosecha como coguionista.
El resultado es un ejercicio brillante de funambulismo donde el artista pierde el equilibrio más veces de lo que fuera necesario pero nunca llega a caerse y acaba por llegar al otro lado con más emoción que otra cosa. Plagado de referencias a otros autores cinematográficos y literarios, "Interstellar" no deja de ser, sin demérito, una historia de padres e hijos, del paso del tiempo y de lo que supone nuestra propia mortalidad en relación con ellos, el tiempo que les dedicamos, que desperdiciamos, y el vínculo que nos une hasta la muerte. Todo ello en una sociedad norteamericana donde la familia no es una de las instituciones más arraigadas. Así los granjeros que nos recuerdan a aquellos de "La uvas de la ira" tienen que emigrar no en una vieja furgoneta sino en una nave espacial más allá de lo comprensible para rescatar a la familia del terruño azul que nos estamos cargando. Película coral sin grandes actuaciones pero si muchos apellidos ilustres donde destaca la Chastain y McConeaughy se toma un cierto descanso de sus últimos grandes trabajos, con una interpretación más standard.
Hay imágenes de gran fuerza visual y una banda sonora esplendida no siempre bien utilizada. Hay polémica al salir de la sala sobre lo creíble e increíble de lo que es ciencia y lo que es ficción. Hay sentimientos que traspasan la pantalla y escenas del más descarado blockbuster. Hay un robot muy poco atractivo que me encanta. "Interstellar" es un agujero negro que te atrapa te guste o no.
BILLY WILDER. Aquí un amigo.
Kevin Lally. 1996
Ediciones B. 1998
524 págs,
Este apacible ancianito que nos mira algo encorvado y con aspecto de extrañado fue y es gracias a sus películas uno de los genios del celuloide en su doble faceta de guionista y director. Una de las mentes más despiertas, ácidas, escépticas, trabajador incansable, culto, erudito y representante de una época dorada, plateada y todos los adjetivos que queramos ponerle donde los grandes estudios, eran realmente grandes y los leones, las montañas, la bola del mundo o los focos escudriñando el aire del siglo XX, llenaban salas inmensas con gentes que por un precio muy asequible podían soñar y vivir más allá de sus posibilidades.
Nacido en el corazón de una Europa al borde del abismo, fue escapando como pudo a base de no casarse con nadie y con todos. Gigoló, periodista callejero y guionista de vanguardia con un grupo de jóvenes que querían cambiarlo todo y lo consiguieron. La suerte de los campeones le sonrió y gracias a sus trabajados contactos y su ingenio un pasaje solo de ida le puso en la tierra de las oportunidades. Y vaya si las aprovechó.
El libro de Kevin Lally, biografía no autorizada pero si colaborada por el propio Wilder, está muy bien escrito, es ameno y emotivo y si bien no profundiza en la vida privada del hombre más allá de lo imprescindible si que desmenuza su obra, sus éxitos y sus fracasos, todos ellos relativos, que el tiempo reordena a su antojo, pero siempre sin bajarle de un pedestal que pocos pueden compartir.
Admirador de Lubistch, el riesgo que su cine, en sus impetuosos principios asumió, le recompensó con la crítica y el público. Cuando llegó el primer fracaso, frenó a su manera y la genialidad de su cine se empezó a construir sobre adaptaciones de otros, sobre todo teatrales. Aunque la palabra adaptación en Wilder tenga el significado especial de ponerlo todo patas arriba. Colaborador siempre con otros guionistas fue con Charles Brackett con quien se casó profesionalmente y dieron a luz para regocijo de todos muchos films irrepetibles.
Conoció a todos, hizo famosos a muchos, gano 6 Oscars y saboreó el éxito y el fracaso con igual intensidad. Su cinismo, su sentido del humor, le granjearon fama de adorable y brillante y de "tocapelotas". Defendió su trabajo como guionista y su derecho a decir la última palabra en el resultado final de su obra de forma inquebrantable y cuando esto ya no fue posible, se retiró con la esperanza de volver algún día. Solo lo consiguió para recibir mil y un homenajes a su labor y a su vida como icono del Hollywood más mítico, de un cine inequivocamente americano con corazón europeo.
Hay que ver sus películas para comprender que el paraíso del cine los componen muchas personas geniales distintas y un solo dios verdadero: Billy Wilder.
EL AMOR ES EXTRAÑO
5
1 h 34 m.
USA / 2014
Ira Sachs
No comparto el entusiasmo de la crítica por esta quinta entrega de Ira Sachs, cuyo particular estilo lánguido y pretendidamente poético acaba por aburrirme a pesar de que en el caso de esta cinta Lithgow y Molina estén para quitarse el sombrero y deje caer algunas gotas de crítica social. La visión tripartita de lo "extraño" que puede ser el amor y sus variantes según el momento vital de cada cual son un buen punto de partida. Otra cosa es que el desarrollo de cada una de ellas tenga el pulso suficiente como para evitar la cabezada en la butaca.
Se apoya Ira en este par de geniales actores para que esto no ocurra y aguanta el metraje a base, primero, de llevarnos hacia una previsible comedia fruto de las incomodidades de tener que compartir casa con sus parientes, cosa que no llega a cuajar dando otro viraje hacia el drama de la separación que también se queda corto para recurrir al final al mismo recurso del principio que es, como estos dos actores pueden emocionarnos solo mirándose a los ojos o dándose un abrazo. Los otros dos amores, juveniles y de mediana edad palidecen ante el recital del dúo protagonista y se quedan en subtramas a medio cocer.
El amor realmente es extraño, el nuevo trabajo de Ira Sachs probablemente más.
20.000 DÍAS EN LA TIERRA
9
1 h. 35 m.
Reino Unido / 2014
Iain Forsyth / Jane Pollard
Accedo a este documental de ficción en torno al músico australiano y al parecer icono cultural desde el más absoluto desconocimiento de su obra y filosofía existencial. Mi "formación" en la edad clásica del rock de los 70 algo ayuda a interesarme por su trabajo y su persona.
El punto de partida de este brillante trabajo cinematográfico es el de una persona que ya ha vivido y muy intensamente 20.000 días (unos 55 años). Consagrado en la actualidad, habla y habla sin parar de su relación consigo mismo y con su música, desde la perspectiva de un tiempo que se le escapa como a todos, acompañado de sus fantasmas con los que dialoga, con su trabajo y su público. Que nadie espere un biopic, ni un repaso a su trabajo ni sus éxitos. La película, más que un documental es una ventana caleidoscópica y subjetiva a un momento del alma de un artista, una reflexión poética sobre ese mundo entre la realidad y la fantasía donde nace no lo que somos sino lo que sentimos en un bucle mortal que aspira a inmortalizarnos. Y además interpreta tres temas que poseen fuerza evocadora, desgarro, lirismo, con una estructura casi chamánica, hipnótica, ancestral.
THE BOXTROLLS
6
1 h. 97 m.
USA / 2014
Grahan Annable / Antony Stacchi
Por si algún espectador despistado aún no lo sabe a estas alturas, los directores se encargan al final de la película de recordarnos el titánico trabajo que supone realizar una película con la técnica del stop-motion, cuyo resultado final siempre nos deja con la boca abierta del talento artístico allí desplegado. La factoría Laika, junto con los ingleses de Armand se reparten el pastel de tan elaborado arte. Dicho esto y una vez visionada la cinta, esa coda final suena a excusa por no haber logrado proyectar tanto esfuerzo en un guión cinematográfico a su altura. The Boxtrolls, dados los tiempos que corren para la animación en general no opta al cajón de las medallas.
La causa podría ser que la pareja de dirección no participe del guión, como en trabajos anteriores. Puede que la fuente, Neil Gaiman en "Los mundos de Coraline" (2009) y su director y guionista Henry Selick en cuyo curriculum figura esa maravilla inmortal que es "Pesadilla antes de Navidad" (1993) estén muy por encima de quienes firman y dirigen esta historia blandita y previsible, con un diseño de personajes tan atractivo que merecían mejor libreto o el descaro y la frescura de "Los mundos de Norman" (2012) el anterior trabajo de la factoría.
Con todo y con ello vale el precio de la entrada familiar.
FILTH, EL SUCIO
6
1 h. 37 m.
Reino Unido / 2013
Jon S. Baird
El universo personal del escritor escocés Irvine Welsh, que mama sus historias del desencanto de las clases obreras y menos favorecidas de Escocia sin escatimar todo aquello que podamos considerar políticamente incorrecto, no es fácil de trasladar a la pantalla, por no hablar del lenguaje vernáculo en el que escribe plagado de referencias solo asequibles a los locales. Un inglés, Danny Boyle lo consiguió con éxito en el 96 con Trainspotting y ahora son dos escoceses Jon S. Baird, director y James McAvoy, actor, los que se tiran por el tobogán laberíntico y alucinógeno de la mente de un policía de Edimburgo que soporta su propio infierno interior a base romper todas las reglas sociales de la baraja. El sexo, las drogas, el racismo, machismo y toda clase de escoria (Flith) amoral se mezclan en un batido mal sano que produce risas (a algunos), asco (a otros) y una cierta empatia con el desgraciado y patético personaje que borda McAvoy.
A pesar del visto bueno del autor uno intuye que la película se queda corta y no solo en el aspecto más formal. El resultado, personalmente me aburre y me interesa lo justo ante tanta repetición pretendidamente escandalosa, y un humor que simplemente no me hace gracia. Cada cual tiene su propio paladar y para algunos formará parte de esas videotecas de culto y otros vomitarán directamente pestes.
S. Baird, al menos lo ha intentado dándole un ritmo vertiginoso y provocador. Algo es algo.
DRÁCULA
6
1 h. 12 m.
USA / 1931
Tod Browning / Karl Freund
Ni con la novela de Stoker para la literatura, ni con esta cinta de la Universal comenzó en el cine el tema de los vampiros y del famoso Conde transilvano a rondar por nuestra imaginería popular. Pero sí fueron ambos quienes lo catapultaron con una fuerza que todavía sigue volando sobre nuestras cabezas.
Después del crack del 29 los estudios no estaban como para tirar cohetes y menos la Universal que apostó por el vampiro acogiéndose al éxito de la versión teatral que llevaba tres años dando buenos dividendos. También se dice que el patrono Laemmle o su hijo hacía años que querían incarle el diente al personaje. El caso es que se hicieron con derechos de novela y obra teatral sobre otros estudios con unas negociaciones en las que medió sin ser invitado el mismo Lugosi que quería hacerse con el papel que ya interpretaba en los escenarios.
Papa Laemmle apostaba por el valor seguro de Lon Chaney pero como este trabajaba para otro estudio, contrataron a Tod Browning para que la dirigiera y a su vez arrastrara con él al actor con quien tantos éxitos había compartido. La muerte de Chaney frustró la operación, cuando "el hombre de las mil caras" ya se estaba planteando interpretar no solo al Conde sino al mismo tiempo a su oponente Van Helsing.
El rodaje se avecinaba y no tenían actor principal. Después de rebuscar optaron por la opción...., más barata: Lugosi. Este sabía que podía ser su gran oportunidad y rebajó sus emolumentos.
A partir de ahí se inició la leyenda del actor húngaro que dado su escaso inglés memorizaba las frases sin apenas entenderlas y de La Universal como factoría de monstruos para la eternidad. Todo ello no hubiera sido posible sin la gran respuesta del público cuya capacidad de aterrarse por aquellos tiempos podía cubrirse sobradamente con una cinta mediocre como esta.
Lugosi puso el rostro inquietante y la "percha" aristocrática y seductora alejada de las deformidades del "Nosferatu" (1922) de Murnau más acorde con el otro lado del atlántico y dejó el molde para la posteridad. Lo que supuso de éxito y maldición en su vida y su carrera este personaje ha sido fuente de mitos leyendas y películas tan interesantes como "Ed Wood" (Tim Burton / 1994).
Es inevitable hoy día emocionarse con los primeros minutos de esta película, donde aún Browning pone interés y deja la huella de su universo personal. Con esos fondos pintados y ese ambiente gótico magistralmente fotografiado por Karl Freund al que se le debe lo mejor de la cinta. El aroma a juego, a ilusión a fantasía artesanal del mejor Mellies, con esos guiñolescos murciélagos enormes y esas vampiresas fugaces que presagian lo que vendrá en años posteriores...
El escaso presupuesto llegó hasta donde llegó y el guión original tuvo que ser recortado en sus escenas de acción y ceñirse a un formato donde la obra teatral se apodera de la obra literaria y cinematográfica para demérito general.
No hay sangre, excepto la de un corte en un dedo, no hay colmillos, el terror se le sugiere al espectador para que sea el quien imagine, quizás el mejor truco de la película.
Dwight Frye en su papel de Renfield el abogado que acaba poseído por Drácula comiendo todo tipo de alimañas es el que puede lucir mejor sus habilidades actorales, al contrario de la malograda Helen Chandler en el papel de Mina que debe dejar sus dotes shekasperianas para mejor ocasión.
Al final La Universal quedó más satisfecha del resultado de la versión hispana que rodó en paralelo dirigida por George Meldford y Carlos Villarías en el papel del Conde. Dió lo mismo, la mirada hipnótica de Drácula/Lugosi, nos atrapó a todos para la eternidad.
CAMINANDO ENTRE LAS TUMBAS
5
1 h. 54 m.
USA / 2014
Scott Frank
El pretencioso título bien podría reflejar la carrera profesional de Neeson en sus últimos trabajos. Un buen actor que lleva tiempo trabajando en proyectos mediocres que necesitan de su presencia para que no se derrumben.
Lo primero que tendría que hacer Scott Frank que también firma el guión sobre la novela Lawrence Block, es lavarse la boca con jabón antes de mentar a Sam Spade o Philipp Marlow. Este policía alcohólico reciclado a detective sin licencia es un cliché tan sobado como todo el resto de la trama, con un casting de figurantes a mayor gloria de Neeson y una subtrama con niño marginado que insiste en que no debemos sentir pena por él (tranquilo, ni eso) para compensar el morbo enfermizo de unos aspirantes tan burdos a Jack el Destripador como burda es cualquier analogía de esta cinta con aquello clásicos del autentico cine negro. En "Días de cine", hablan de: "un cierto aroma". Que vayan al otorrino.
BLUE RUIN
8
1 h 31 m.
USA / 2013
Jeremy Saulnier
Un Pointiac azul por alguna razón que desconocemos lleva tiempo abandonado y en estado de ruina. Como su dueño al que da cobijo. Ambos tienen una historia que el espectador debe imaginar. Aún no están muertos, todavía son capaces de levantarse de sus cenizas y hacer un último viaje para rendir cuentas consigo mismos y cerrar de una vez para siempre la herida que les ha estado desangrando.
La primea media hora Jeremy Saulnier se luce como director de fotografía creando unas atmósferas, hermosas, sugerentes y tan inquietantes que recuerdan al mejor cine silente. De hecho pocos diálogos hay en esta historia de venganzas sobre sucesos que debemos intuir en la determinación con la que Dwight Evans (gran trabajo de Macon Blair) un hombre normal desciende a los infiernos de una población marginal anclada en unas raíces que se han ido pudriendo socialmente durante siglos y que ven en las armas la única forma de igualarnos a todos, de sentirse alguien o incluso de vomitar sus frustraciones.
El director maneja el tempo con mucha inteligencia y consigue que la tensión y el suspense se mantengan durante todo el metraje. Oscura y trágica historia, narrada con precisión en la que Saulnier tiene a bien abrir un pequeño respiradero a la amistad y a la esperanza en un futuro mejor y que de paso tomemos aire.
EL JUEZ
8
2 h. 21 m.
USA / 2014
Dabid Dokin
"El juez" parece estar realizada con molde. Un buen molde desde luego, pero carece de la pasión del artesano que deja algo de su alma en lo que está haciendo. La produce un Downey Jr., sin lugar a dudas uno de los mejores actores de su generación, quizás para recuperar sensaciones actorales después de tanto cómic (Holmes, Iron Man) y se rodea de un director de fotografía, música y secundarios de lujo, en los que destaca una vez más Vera Farminga otra gran actriz que sufre la perenne discriminación de papeles femeninos de enjundia, más allá de las consabidas parejas de los protagonistas masculinos.
Para poder lucirse, en su desenfreno actoral Downey elige a una de las pocas leyendas que aún se mantienen erguidas y Duvall, como siempre, no falla, se mantiene en segundo termino le deja a Downey desfogarse y acaba por robarle la merienda acaparando todas las nominaciones, sabiendo que posee el plus de una edad en la que merece todo los halagos por su brillante carrera.
Sorprende por otro lado el giro de 180 grados del director David Dobkin, "niño listo de la clase", que venia labrándose una reputación en comedietas taquilleras intrascendente y que aquí maneja con solvencia el excesivo metraje, a los pesos pesados de sus actores principales y un guión tripartito de manual al que le vendría bien como a la actuación de Rober D. Jr. algo de imperfección, que lo volviera más humano y menos parecido a la patina dorada de la estatuilla del tío Oscar.
LUCES DE LA CIUDAD
10
1 h. 21 m.
USA / 1931
Charles Chaplin
La madre de todas las comedias románticas. Siempre que sean buenas, claro está. Este genial "payaso bajito" (1,60) a sus cuarenta y dos tacos cuando se estrenó la cinta aún era capaz de zarandear nuestras emociones enfundado en su disfraz de vagabundo y hacernos pasar de la carcajada a las lagrimas embobados con sus pantomimas a las que les sobraban las palabras. Tanto es así que se empeño en estrenarla silente, incorporando solo la música y algunos sonidos potenciadores de la atmósfera y la trama. Su aparente sencillez contrasta con los tres años que tardó en rodarla o con las 343 tomas que realizó del encuentro entre Charlot y la florista. Es cierto que murió su madre y que Virginia Cherrill no era un dechado de actriz ni ponía la pasión que al director le hubiera gustado en su personaje, pero también es cierto que Chaplin era un perfeccionista obsesivo compulsivo y su mundo cinematográfico se jugaba mucho con la llegada del sonoro.
Le salió una obra maestra como otras tantas de su carrera. Al famoso equilibrio entre el melodrama romántico y la comedia hilarante hay que añadirle una acertada utilización de la música cuyo tema central "La violetera" del maestro Padilla copió "sin darse cuenta" y tuvo que afrontar la demanda que le puso el maestro gracias al chivatazo que le dio Tony Leblanc cuando escuchó la melodía en el cine.
Fue el menor de sus problemas. ¿Como conseguir que el romanticismo desborde en una pareja artística que apenas se hablaban?. De hecho Chaplín llegó a despedir a Cherrill antes de terminar la cinta y después de probar a mejores actrices tuvo que volver a contratarla (por más pasta) porque estaba escrito para la posteridad que tenía que ser ella. Cuando Charlot la ve en la escena final a través del cristal de la floristería entendemos porque era un genio.
Y además Chaplin vuelve a dejar sus aguijones de crítica social, y a manejarse como nadie en un puñado de "películas de dos rollos", que a modo de escenas independientes encajan a la perfección con la trama y que constituyen una joya cada una de ellas. Al final el sonoro ganó la guerra pero Chaplin demostró que el cine es un arte puramente visual .74 años después "Luces de la ciudad" es una maravilla que no se describe "con palabras".
RELATOS SALVAJES
8
2 h.
Argentina / 2014
Daniel Szifrón
Nadie como los argentinos para psicoanalizarnos. Szifrón ya nos gustó con aquel thriller tan de andar por casa que era "Tiempo de valientes" (2005). Ha tardado casi una década, después de su paso por la televisión, para volver a lo grande, digamos que "salvajemente", de la mano de los hermanos Almodovar que producen, un reparto argentino fabuloso (como casi siempre) y unas historias mínimas que al contrario que las de Sorín, destilan mala baba, humor negro y una buena dosis de catarsis donde verter "aquello que pensamos y nunca nos atrevimos ha hacer".
La variedad de la propuesta de cada uno de los 6 relatos independientes, unidos por el hilo conductor de la apertura de compuertas de nuestros instintos más primarios cuando estamos saturados, permite a Szifrón lucirse con la cámara, los tempos, los actores el montaje y toda la gama de recursos que conlleva el oficio cinematográfico. El Deseo pone calidad a la producción junto con la bso de Santaolalla.
La crueldad, la razón de la sinrazón y la sonrisa cómplice se mezclan con acierto en la tradición del relato corto sudamericano. Personalmente me ha impactado el de la familia que intenta hacer frente a la responsabilidad de su hijo en un accidente. Es el menos espectacular pero lo que ahí se destila te pone los pelos de punta.
EL CHICO DEL MILLÓN DE DÓLARES
6
2 h 3 m.
USA / 2014
Craig Gillespie
Thomas McCarthy sigue siendo una garantia como guionista, aunque esta vez le ceda la dirección a Craig Gillespie quien puede que haya realizado el trabajo más entonado de su, hasta ahora, corta y no muy brillante carrera. Todo ello enmarcado en la visión ligh y familiar de Disney.
Con el tema, basado en una historia real, se puede construir una historia menos complaciente que recuerde a "Diamantes negros" (Miguel Alcantud /2013) o una cinta amable, entretenida y bien intencionada con un reparto entrañable como mandan los cánones de la casa del ratón.
La verdad es que como contrapeso a tanta violencia y sufrimiento que copan las pantallas no viene mal y uno puede tomarse un respiro. Incluso Jon Hamm ablanda su Don Draper y se nos pone tierno con estos chicos indues que pueden cambiar su futuro gracias a la tierra del béisbol y la superbowl si son capaces de lanzar con fuerza la pelotita. Ya lo dijo Robert Redford en "El mejor" ( Barry Levinson / 1984): "Dios, como amo el béisbol".
PENNY DREADFUL
6
8 episodios de 50 m. aprox.
USA / 2014
John Logan / SHOWTIME
"Los horrores de penique", en alusión a las narraciones "pulp" de corte terrorífico que se vendían por fascículos en la Inglaterra del XIX y que era de suponer servían de catarsis a la mano de obra que vivía en condiciones casi de esclavitud para beneficio de los nuevos tiempos industriales. En dichos fascículos podían regocijarse con las desgracias ajenas y no pensar momentáneamente en las propias aquellos que por supuesto no podían acceder a los libros y literatura poética de la época a la que tanto se alude como referencia cultureta en esta serie.
Tanto John Logan, como San Mendes son dos pesos pesados que se bastan y sobran para avalar este atractivo proyecto y por eso sorprende que el resultado se quede más en la forma que en el fondo. Showtime ha puesto muchos peniques en ello y Jose Antonio Bayona ha cumplido con creces para engancharnos con los dos capítulos iniciales. A partir de ahí el rumbo es errático sin saber a que palo quedarnos. La ficción, la aventura, incluso el terror se torna en un pseudodrama de personajes atormentados por su propia y abundante carga de culpas, algo que no estaría mal si estuviera mejor desarrollado, la atmósfera que consiguió la fotografía de Xavi Giménez en los primeros capítulos al igual que el brillante diseño artístico se han ido diluyendo. Tramas, personajes y subtramas se agolpan de forma caótica dando lugar a momentos y capítulos donde o bien por defecto o por exceso la trama no avanza. Trama que por otro lado es demasiado simple a tenor de lo que se prometía inicialmente. Lo mismo pasa con los personajes, en un protagonismo coral en el que destacan las mujeres Eva Green como foco principal ( se luce como poseída ) y Billie Piper que saca todo el jugo que puede a su secundario. El reparto masculino se enroca en lo poco que le ofrecen los guionistas reiterando una y otra vez su rosario de pecados.
Las fuerzas del mal acaban siendo un puñado de carne de cañón, de bolos a los que derribar en un par de repetitivos enfrentamientos de nula credibilidad.
Funciona de momento el empaste entre tanta estrella monstruosa a la espera de que tengan la oportunidad de ser algo más que figurantes de lujo en esta serie que se merece una mejor segunda temporada. Sugiero que le dejen a Bayona el control de las próximas ocho entregas. Por pedir...
VIVA LA LIBERTAD
7
1 h. 19 m.
Francia / 1931
René Claire
El inquieto cineasta francés había coqueteado con la vanguardia, el fantástico, la obra propia de marcado carácter visual y la adaptación literaria. Todo ello en sus primeras películas mudas que le dieron, cuando menos, notoriedad en el París intelectual de la época.
Renegaba de todo: que si lo de las vanguardias fue un encargo, que si las adaptaciones literarias no eran lo suyo, que si el sonoro era un "monstruo terrible", incluso que lamentaba haber utilizado el lenguaje de comedia musical, como en esta película. Afortunadamente aquello de lo que renegaba le salia tan bien o mejor que el resto de su obra.
En esta su tercera película sonora mezcla el genero musical que le fascinó al ver "Melodía de Brodway", con la sátira social y el slapstick del que gustaba en su juventud. Destaca la utilización de la parte musical en la integración de la trama, su crítica radical al trabajo mecanizado en general de los nuevos tiempos y a todo aquello, dinero, poder, amor, matrimonio..., que coarte la libertad individual (curiosamente se olvida de la religión) y pone en valor supremo la amistad. Todo ello en tono burlesco, alegre, ingenuo, utópico y divertido (a ratos). Ha pasado a la historia por aquellas escenas orwellianas donde los trabajadores son parte de un engranaje despiadado de corte militarista, fácilmente reemplazables sin creatividad ni individualidad. Todo ello potenciado por la gran labor del diseño artístico de Lazaree Meerson, que fue premiada con una nominación a los Oscars y al que se considera padre del realismo poético superador del expresionismo alemán en boga en su tiempo. Sabido es que Chaplin se inspiró en esta parte para sus "Tiempos modernos" lo que le valió un pleito con la productora del que se mantuvo ajeno Clair.
Clair por contra no era un genio de la comedia y sus gágs, carreras y patadas en el culo son un pálido remedo de los genios americanos como Lloyd, Keaton o el propio Chaplin. Así el último tramo donde aparece la banda de chantajeadores se hace mucho más pesada y vulgar que la propuesta inicial. Al final como en las cintas de dos rollos de Chaplín la pareja de vagabundos al igual que dos años después el Budu de Renoir, se alejan de la sociedad hacia el horizonte. Podrían ir diciendo aquello de: "si el trabajo es salud, que trabajen los enfermos".
CUANDO DESPIERTA LA BESTIA
5
1 h. 24 m.
Dinamarca / 2014
Jonas Alexander Arnby
En la linea de la sueca "Déjame entrar" (Tomas Alfredson /2008), salvando por supuesto sus infinitas distancias, Arnby prueba con otro mito clásico del terror, los licántropos, igual que Alfredson acertó con los vampiros. El que unos y otros se paseen por las tierras heladas del norte alejados de sus guaridas centroeuropeas denota que el cambio climático esta afectándonos a todos. Bromas aparte, este primer largo de Arnby apunta buenas maneras narrativas visualmente hablando pero la simpleza del guión no eleva el trabajo de sus interpretes y causa una cierta somnolencia ante lo previsible del asunto. Añadamos el bajo presupuesto, para que apenas sobrepase el listón del videoclub, si es que queda alguno.
DOS DÍAS, UNA NOCHE
10
1 h. 36 m.
Bélgica / 2014
Jean-Pierre y Luc Dardenne
En estas estamos. Ya ni siquiera asumen, aquellos que trabajan con cuentas de resultados y estadísticas y no con personas las decisiones de restar números en la macroeconomia para que cuadren las cuentas. El problema es que esos números tienen nombres y apellidos. Lo malo de las estadísticas es, como dijo Bernard Shaw, que es una ciencia tan mentirosa que asegura que: "si mi vecino tiene dos coches y yo ninguno, los dos tenemos uno".
Los Dardenne han sublimado su cine, lo han pulido y sintetizado dejando nada más que lo importante, aquello que traspasa la pantalla y llega directo al espectador, sin artificios ni trucos condescendientes, notarios de una realidad social espeluznante, donde la degradación como persona del individuo, quitarle su dignidad y enfrentar a unos contra otros por las migajas, obligándolos a cavar sus propias zanjas de desigualdad social es y ha sido la cruel formula que da más réditos a quienes ya lo tienen todo.
La narrativa de estos hermanos belgas es impecable, la repetición de un mismo hecho humillante, siempre es dolorosamente nuevo ante cada uno de los interlocutores a los que no se juzga y se les ofrece la oportunidad de exponer sus razones, su verdad. Cotillard está impresionante desde el primer minuto. A uno se le queda el alma encogida cuando sale de la sala y ve que la realidad supera la ficción.
Hay que tener mucho valor para morir de pie y no vivir de rodillas.
ZEMLYA (TIERRA)
6
1 h. 15 m.
URSS / 1930
Aleksandr Dovzhenko
Plantarle un 6 a esta película considerada como una de las mejores de la historia del cine me hace sentir casi como un sacrílego. Por muy cinéfilo que uno sea "Tierra" es más aburrida que enterrar la semilla de una secuoya y esperar a que crezca. Y no creo equivocarme si digo, siempre con todo respeto, que aburrida ahora y hace 84 años, por muy poética que sea la cosa, que lo es, y filosofe sobre el cielo, la tierra, el panteísmo religioso, la vida la muerte y el devenir del futuro mundo tecnológico. Para que lo entendamos: uno puede quedarse maravillado por la composición, aroma, texturas y bla, bla, bla de la cocina de vanguardia, pero te quedas con hambre.
Dovzhenko fue la cuarta pata del banco de los maestros soviéticos (Eisenstein, Vertov y Pudovkin) de los inicios del cine, sobre todo en la etapa silente donde la experimentación y la creatividad corrían desbocados a pesar del lastre propagandístico que imponía el estado y que en general acabó a nivel mundial cercenado por la "vulgaridad" que impuso el sonoro a un arte esencialmente visual.
Encuadrada dentro de la trilogía ucraniana forma parte de su etapa silente donde aún pudo primar su creatividad por encima de las doctrinas que le marcaba Stalin, ya en el sonoro. No gustó al dictador estas filigranas poéticas que iban sutilmente más allá de las consignas colectivistas del partido.
Una vez hecha la "autopsia" fílmica (artículo de Oscar Navales, 2012, Transit: cine y otros desvíos) uno accede a las claves artísticas de Dovzhenko. Destacar: " Tierra puede ser considerada antes una experiencia visual y sensitiva, que un relato cinematográfico al uso en el que podamos hallar claramente unos "clásicos" y "sólidos" cimientos narrativos". Añadiría la, a mi juicio, importante influencia de sus estudios de pintura, que se reflejan en sus cuidados encuadres, su tendencia a los planos estáticos y a sus composiciones sobre la naturaleza, frutos, animales, campos, incluso el retrato, de clara referencia pictórica. Su influencia es notable en directores posteriores desde Godard a Mallick. Me quedo con la belleza de muchas de las imágenes, y con el montaje prodigioso de la siembra y la cosecha.
Y dicho lo cual, no siempre el alma del poeta toca el alma del que recibe sus sentimientos por mucho que los versos, la rima y el ritmo tengan su mérito. Howard Hawks, infinitamente más intrascendente que Dovzhenko, dijo: "Tengo diez mandamientos. Los nueve primeros dicen: !no debes aburrir!". Pues eso.
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| AMPARO BARÓ (1937-2015) |
Tuve la inmensa fortuna de compartir un mes de gira teatral por España con Amparo Baró y Carlos Lemos en aquellos "Festivales de España" que promovía Fraga con teatro de repertorio en interminables viajes por carreteras impensables de aquella España de finales de los 60. Cierto es que yo era un niño de 10 años y que acompañaba a mi padre conductor del autocar en que viajaba la compañía en esos veranos que por entonces se hacían interminables a los ojos de un niño. Con un elenco estupendo en el que figuraban otros grandes como los Vico, o Carlos Lucena, representaban "Volpone", "El enfermo imaginario" y "Los delfines". !Ahí es nada! según tocara y donde fuera, plaza o teatro. Esa fue sin yo saberlo mi primera gira de las muchas que vendrían después.
Cual sería mi sorpresa cuando años más tarde entrevisté a La Baró en su camerino a raíz de la obra que compartió con otras dos grandes de la escena: Julia e Irene G. Caba, "Siempre en Otoño" (Santiago Moncada /1993) y se acordaba de aquel conductor de autocar y aquel niño que les acompañó un mes de su vida.
No tuve la fortuna de trabajar con ella. Siempre la admiré. Su curriculum es tan impresionante que es absurdo destacar nada en concreto. Toda una vida dejando su don sobre cualquier escenario y cualquier género en cualquier medio en el que trabajara. Fue y es una de las grandes, que como muchos son recordados por la última serie de la tele en la que participaron y que sin ella no hubieran sido nada.
El cine español en general, ese casposo, orgulloso y desagradecido nunca fue amigo de los grandes del teatro como en otros países y desaprovechó y desaprovecha muchas generaciones de grandes actores de los que aún queda alguno sobre las tablas. Baró habría triunfado en Hollywood o donde la pusieran. Pues menuda era esta dama "bajita y feucha" como ella decía, que se hacia gigante y hermosa en cada alma de ficción que encarnaba. Un beso Amparo.
COHERENCE
6
1 h. 29 m.
USA / 2013
James Ward Byrkit
A estas alturas de las películas, el argumento de Coherence no es que sea un bombazo de originalidad. Se agradece su planteamiento inicial, que quizás debido al bajo presupuesto disponible apuesta más por el fondo que por la forma. No obstante su mayor virtud se constituye en su mayor defecto. Esto es: no es coherente con la aparente paradoja que propone. El artificio funciona por lo atractivo de la propuesta, la eficaz dirección en su opera prima de Byrkit, guionista colaborador de las sagas de Piratas del Caribe y es joyita que fue "Rango" (Gore Verbinsky / 2011) que sabe contribuir al desconcierto general de los protagonistas y moverse en ese espacio cerrado con acierto y soltura, añadamos el buen trabajo de los interpretes que resuelven con profesionalidad el libre planteamiento de improvisaciones que les propuso el director ante una situación dada, sin que supieran el desarrollo de la trama en cada una de las cinco noches que duró el rodaje.
Donde la cosa hace aguas es en los dos momentos claves. El primero cuando se dan cuenta de por donde pueden ir los tiros de lo que está ocurriendo y el desenlace final. Tanto en uno como en otro las propuestas son sonrojantes y más tramposas que Maverick. No soy amigo de spoliers así que dejemos que cada cual lo vea a su manera. El aficionado a la buena ciencia ficción creo que encontrará en la paradoja del gato de Schrödinger un aliciente de resultado defraudante.
El comportamiento de los personajes ante el suceso es también muy poco coherente y en algunos de ellos roza el ridículo. La subtrama dramática esta cogida por los pelos, sirve para el desenlace pero una vez más la falta de coherencia con las "reglas" que ha marcado el propio guión desvirtúan la guinda final.
Se deja ver con interés y pasa en un suspiro, cosa que también se agradece. Al final uno tiene la sensación de haber presenciado un buen truco de magia realizado por un mago algo chapucero.
TRUE DETECTIVE (1ª Temporada)
8
8 episodios de 56 m. aprox.
USA / 2014
Nic Pizzolatto / HBO
Varias son las virtudes coincidentes para que HBO siga a la cabeza de las series de calidad. Primero, el creador Nic Pizzolatto es un novelista criado en Louisiana, la tierra pantanosa de Nueva Orleans donde transcurre la acción. Conoce por lo tanto bien su entorno, y la idiosincrasia de sus gentes haciendo hincapié en la amalgama de sus creencias religiosas, mezcolanza de ritos paganos y cristianos que se reflejan en una trama, aparentemente principal, bastante sobada, de la que se aprovechan con acierto toda la iconografía que conlleva.
Segundo: el acierto no solo de elegir al más que interesante director Cary Fukunaga que ya despuntó con su versión de "Jane Eyre" en el 2011, sino de ofrecerle el control en la dirección de los 8 capítulos que componen esta primera temporada, dotándola de una unidad de estilo muy apreciable.
Y por último el autentico quid de la cuestión, la relación personal a través de 17 años de estos dos detectives tan dispares unidos por el caso que les ocupa y la brillante composición que de ellos hacen sus protagonistas, si bien es cierto que el personaje de Rustin "Rust" Cohle, interpretado por McConaughey es un hallazgo que dejará huella en la historia de la televisión. Un hombre que ha corrido delante de todos los toros, se ha enfrentado a la pérdida de una hija, a un matrimonio fracasado y cuya filosofía vital es de un lógico y apabullante pesimismo vital entremezclado con una espiritualidad "mágica" innata o procedente de sus experiencias lisérgicas que le proporcionan visiones llenas de interrogantes.
Con un diseño de producción muy cuidado marca de la casa y un magnífico plantel de secundarios, True Detective ha triunfado y nos ha dejado con la incógnita de si Pizzolato será capaz de repetir la jugada con otros protagonistas y con otro caso en la segunda temporada. El listón ha quedado muy alto.
LA EDAD DE ORO
6
1 h.
Francia / 1930
Luis Buñuel
Cuando el de Calanda acaba de ser admitido como miembro destacado en el movimiento surrealista de París gracias a su éxito de "Un perro andaluz" el año anterior y para mas inri, cuando no esperaba seguir haciendo cine dado su carencia de dinero para producir, le viene "Dios a ver" en formato de los vizcondes de Noailles y le sueltan la pasta necesaria con la condición de que haga lo que le de la gana. Buñuel ya tiene treinta tacos y se debió decir: ahora o nunca.
Así que les hizo caso siguiendo los cánones surrealistas y de la mano otra vez de Dalí, cuya influencia en el guión varía según quien cuente la historia, unos, menos y según otros. igual que en "el perro", a pesar que dejaran de colaborar por estas fechas dado que Dalí estaba siendo "abducido" por Gala.
El resultado es una cinta que duro cinco días, hasta que unos descerebrados de extrema derecha atacaron el cine donde se exhibía y el gobierno francés dijo: "Elle se est terminée". La cosa no le debió caer bien a nadie, excepto a los surrealistas, y el cerrojazo fue por medio siglo, aunque en España se estrenó con la II República en el 32.
Visionarla ahora, en general, es un coñazo. Su principal objetivo de molestar a todo dios, ya no puede funcionar. Aunque se sigan molestando aún algunos. Y al final la cosa queda como un ejercicio de libertad creativa inusual, con avances en la forma y el fondo, sobre todo con el sonido que serían precursores, amén de un documento de los postulados surrealistas de hace casi un siglo llevados al nuevo arte cinematográfico. Que no es poco. Por lo demás, si uno se documenta un poco antes de su visionado la comprenderá mejor y disfrutará o no de la declaración poética rebelde de un joven de treinta años, cuyo descaro fílmico pervive en algunos pocos realizadores y ha influido en muchos más, aunque las tragaderas de los poderes contra los que "disparaba" Buñuel ya ni siquiera necesitan censurar. Todo pasa y todo queda.
ALGUIEN A QUIEN AMAR
7
1 h. 40 m.
Dinamarca / 2014
Pernille Fischer Christensen
La mirada elegante y cruda de esta directora en su cuarto trabajo, siempre dentro de las fronteras de Dinamarca, se agradece ante un tema tan sobado y recurrente. La figura de una solitaria y desarraigada estrella de la canción, con pasado traumático, siempre de hotel en hotel, con una hija y un nieto con el que no se relaciona y sustentado por su música y las dos mujeres que se encargan de lo divino y humano de su vida, está apuntalada por la enorme presencia actoral de Mikael Persbrandt que canta, sin playback los acertados temas que jalonan la cinta. El buen hacer del resto del elenco consiguen que la historia posea credibilidad ante lo previsible de su desenlace.
No obstante Pernille logra ir sorteando tópicos del género y no se lo pone fácil a sus protagonistas, porque no existen las soluciones mágicas en este tipo de conflictos donde aflora la emotividad en momentos puntuales, pero la vida sigue y no se puede vivir solo de ellos. Thomas Jacob y su nieto descubren que no queda otra que caminar juntos si quieren encontrar su lugar en el mundo.
Gusto por sus paisajes y tacto con los sentimientos sobrevuelan el metraje a pesar de que en los últimos segundos de la cinta sucumba al estandard más trillado.
LA ISLA MÍNIMA
6
1 h. 45 m.
España / 2014
Alberto Rodríguez
Cuando uno come con ansia no degusta lo que come y probablemente acabe sentándole mal. Esto es lo que me ha pasado con esta cinta. Después del subidón esperanzador de "Grupo 7" (2012) y los parabienes unánimes de la crítica, salivaba por el último trabajo de Alberto Rodriguez, y sin embargo...
A mi juicio tiene una atmósfera de una tierra y un momento histórico muy currada, con un diseño de producción y una fotografía notable. También tiene un par de buenos actores que componen un tipo, más físico por parte de Raúl Arevalo y más orgánico en Javier Gutierrez, pero a ambos les falta mucho volumen, les falta guión a los dos como personajes, a la relación entre ellos que se va por el desagüe de la investigación apresurada de la trama. A Gutierrez le falta ese punto en que podamos creernos que es capaz de liarse a hostias con cualquiera y que goza con ello. Su trabajo es más que notable en muchos momentos pero la composición general de un personaje tan rico en matices e implicaciones no acaba de cuajar. Recuerdo al gran Landa en "El Crack" (J.L.Garci / 1981) cuya silenciosa mirada podía preceder a cualquier cosa y no siempre agradable para el que la recibía.
Alberto Rodriguez, repite con Rafael Cobos en un guión ambicioso, repleto de referencias visuales al cine de género USA, que no se toma el tempo suficiente para que el hilo de la madeja se desenrolle de forma ordenada y nos lleva a un final precipitado y algo frustrante por mucho que las implicaciones aledañas del asunto queden claras para el espectador pero no sentidas.
El casting de secundarios no es muy afortunado o no han sabido desarrollarlos como en "Grupo 7". Los vecinos que callan, los padres de la victima, el hombre que les guia, el guapito, las chicas, los cómplices, los traficantes, el periodista de El Caso...., todos están muy desaprovechados desde Antonio de la Torre a el recién llegado Jesús Castro o Carroza.
Algunos momentos como la persecución en coche nocturna son inquietantes y suplen espectacularidad por calidad dramática. La lluvia, el cañaveral o la tierra blanca y reseca soportan hábilmente el peso de algunas escenas a las que le falta poso y tensión.
"Arde Mississipi" o la más reciente serie televisiva "True Detective", norteamericanas son algunos referentes de detectives en entornos cuyo microcosmos cerrado y personal se enroca en si mismo para tapar sus miserias. Aquí tenemos tierra, directores y actores como los de esta película a los que les sobran virtudes y talento para lograrlo con mejores resultados.
EL ÁNGEL AZUL
9
1 h. 49 m.
Alemania / 1930
Josef von Stenberg
En 1930 la "maciza" Marlene Dietrich no era nadie. Apenas una alumna del prestigioso director teatral Max Reinhardt que deambula buscándose la vida por los cabarets Berlineses. Cuando se estrena esta película su nombre va por encima del afamado y recientemente oscarizado Jennings. Algo tendría que ver, intuye un servidor, la tormentosa relación sentimental y la decidida apuesta profesional de Sternberg con la Dietrich a la que convirtió en mito después de 7 films juntos. A tal punto que hoy en día lo que más se destaca de esta cinta no es el soberbio trabajo de Jennings, ni la cuidada ambientación y trabajo artístico del director, ni las connotaciones de la adaptación de la novela "Profesor Unrat" del prestigioso Heinrich Mann, sino que: aquí nació artisticamente la Dietrich.
Primera película sonora alemana de la cual se hicieron dos versiones, la inglesa mucho más comedida en sus aspectos más atrevidos que la alemana. ( es muy interesante ver las diferencia al verlas juntas y comparar su montaje). La bajada a los infiernos de este modelo de profesor de secundaria de una pequeña localidad alemana portuaria sin especificar está brillantemente narrado, fotografiado y ejecutado por sus interpretes, con el añadido de las canciones de doble sentido del cabaret "el angel azul"y ese expresionismo "sui generis" de Sternberg más marcado que en su anterior "Los muelles de Nueva York" quizás por su vuelta al cine alemán.
La mujer fatal, diabólica, amoral, la rubia que enseña y te puede robar el alma, encarnada como prototipo por la Dietrich se convierte en trasunto del mito de Fausto, de la podredumbre e hipocresía de la educación durante el reinado del rey Guillermo o de la decadencia de la República de Weimar. Tanto da. El universo mal sano y viciado donde las pasiones están por encima de los valores te atrapa en su decadente soniquete, en una espiral degradante que explota en el grito absurdo de un kikiriki preñado de violencia.
Personajes como el payaso mudo o el mago y director del espectáculo, que intenta sujetar las riendas del desastre cotidiano mediante un pragmatismo rayano en la autentica magia son los testigos de la tragedia social inevitable que se avecina en la Europa de la primera mitad de siglo XX.
Kurt Gerron que encarnó al mago acabo asesinado en las cámaras de gas de Auswitch. Emil Jannings llegó a jefe supremo de los estudios UFA alemanes con el beneplácito nazi. Según la biografía de Maria Riva hija de la Dietrich, su madre solitaria y manipuladora nunca conoció el amor. Sternberg sin "su creación" nunca fue el mismo.
EL VIAJE DE TU VIDA
6
1 h. 47 m.
USA / 2013
John Curran
Diggity es una perra negra como el azabache. Diggity no entiende que en los 60 los tiempos estaban cambiando, que una mujer joven sola acompañada de aquellos que como ella escuchan, dan todo y no piden nada a cambio, decida recorrer más de dos mil kilómetros solo por el hecho de sentirse viva y conjurar sus fantasmas personales.
Diggity hizo posible que Robyn Davidson a sus 27 años viviese intensamente junto con ella y sus camellos durante unos meses la vida como la mayoría de nosotros nunca la viviremos aunque para ello no tengamos que atravesar un desierto.
Wasikowska aporta credibilidad, Curran la acompaña fotografiando hermosamente el recorrido. En el tono pausado y respetuoso sobran algunos de los flaschback y la tensión se mantiene en un filo inestable por momentos. Poco aportan los personajes secundarios.
Diggity no entendería nada de esto. Diggity fue amada en el viaje de su vida.
THE EQUALIZER (EL PROTECTOR)
5
2 h. 8 m.
USA / 2014
Antoine Fuqua
Es un placer ver a Denzel con sus 60 tacos sacar petroleo con elegancia y sin mancharse las manos de esta mediocre adaptación de la serie de televisión del mismo título que duró cuatro temporadas a mediados de los 80.
Fuqua no ha levantado cabeza desde hace una década y sigue viviendo y muy bien gracias a la taquilla, de las rentas artísticas de "Trainning Day".
Robert McCall hombre de pasado misterioso y culpable, ha decidido no ponerse mallas pero si jugar a vigilante y expiar sus pecados anunciándose como desenfacedor de entuertos, como caballero andante en un mundo donde ya no existen. Se las sabe todas como una mezcla de McGuiver-Bond y derriba rusos de aspecto de gigantes que no son otra cosa que molinos descerebrados. La tierna doncella descarriada a la que redime y retorna al redil es la estupenda actriz Chloë Grace Moretz de 17 años que pasa por el consabido aro de remedar a Jodie Foster como prostituta adolescente, en su prometedora carrera.
Denzel sigue a lo suyo como "Bricoman" y no deja matrioska con cabeza en más de dos horas que pasan rápido de la mano de este pedazo de negro con el que nos sentimos seguros, aunque todo lo demás sea tan endeble como un armario de Ikea,
WINTER SLEEP
7
3 h. 15 m.
Turquía / 2014
Nuri Bilge Ceylan
Solo he visto otra película de Ceylan. La anterior "Erase una una vez en Anatolia" (2011). Suficiente para concluir que me gusta su cine. Tiene la virtud, al menos en estos dos trabajos, de condensar lo divino y lo humano en sus relatos tocando aquello que nos hace ser lo que somos; indefectiblemente seres solitarios acompañados puntualmente del éxito o el fracaso exterior e interior y de aquellos que nos rodean y con cuya relación establecemos lo que queremos ser y lo que en realidad somos. El tiempo, nos va marcando el ritmo, la melodía y los imprescindibles silencios que procuramos duren poco para no quedarnos con nuestras vergüenzas al aire. Todo ello está en el cine de Ceylan acompañado de una bella y crítica mirada a su tierra natal, concretamente a la región turca de Anatolia y en su último trabajo a su parte central Capadocia (Tierra de bellos caballos) que eran regalados a importantes reyes.
Aydin, personaje sobre el que pivota todo lo anterior, también se siente un poco "rey", ha sido actor, ha conseguido el desahogo económico, es culto, esta casado con una joven bella e inteligente esposa y vive y regenta un encantador hotel en un bello lugar. El tiempo del invierno ha llegado a su vida y el frió existencial le pillará falto de abrigo vital calándole hasta los huesos.
Para ello Ceylan se sirve de la palabra más que de la imagen, con unos extensos diálogos, no siempre brillantes ni esclarecedores pero sí que invitan a la reflexión y al debate, entre sus protagonistas magistralmente interpretados por todo el reparto, encerrados en pequeños espacios reales y psicológicos. Bergman y Chejov proyectan su sombra innegable.
Hasta aquí todo estupendo y la Palma de Oro en Cannes. Pero..., desde mi punto de vista no todo lo que reluce es oro. Parecerse a Chejov no es escribir como el ruso, y el guión de Ceylan es a veces farragoso y repetitivo. Parecerse a Bergman no es solo tomarse el tiempo necesario (Bergman no necesitaba tres horas y cuarto en su filmografía) y el lastre de los personajes y su puesta en escena aún dista mucho de las marcadas influencias de Ibsen y Strindberg del sueco. Y a pesar de la cuidada fotografía, Ceylan no sale airoso en los extensos diálogos en espacios cerrados donde la falta de imaginación o recursos técnicos le lleva a abusar de planos y contraplanos mareantes y simplones que no están a la altura de lo que está ocurriendo. Estaba más acertado en su anterior trabajo. Se ha alabado mucho sus exteriores cargados de simbolismo cuando más del noventa por ciento del rodaje son interiores.
Las escenas con el caballo y el conejo dicen mucho más que minutos y minutos de, a veces, brillante dialogo.
Y dicho esto. el cine de Ceylan me gusta. ¿O eso ya lo he dicho?
SIN NOVEDAD EN EL FRENTE
9
2 h. 10 m.
USA / 1930
Lewis Milestone
El enorme éxito que suscitó "El Gran desfile" de King Vidor en el 25, corroboró que el gran público estaba dispuesto para afrontar en la pantalla el horror que había supuesto la primera guerra mundial. El tono antibelicista que contrastaba el espejismo patriótico, sobre todo en los jóvenes y la realidad del matadero del campo de batalla apostaba por que aquello no volviese a repetirse. Así pues la Universal estuvo lista para comprar los derechos de la novela de Erich Maria Remarque y apenas un año después de su publicación llevarla a la pantalla con la misma triunfal acogida internacional que el libro, suponiendo para Milestone su segundo Oscar como director y llevándose también el de mejor película.
La cosa tenía su riesgo al ser jóvenes soldados alemanes los protagonistas, pero el espectador y el lector comprendió enseguida que aquellos chavales podían ser los hijos de cualquiera.
Más sombría y menos complaciente que "El Gran desfile", atesora infinidad de escenas memorables, destacando las de las batallas, de una modernidad sorprendente apoyadas por la reciente innovación del sonido y que ya las quisieran algunos cineastas de hoy. Milestone también rueda con acierto en las distancias cortas: La arenga inicial del maestro, el mano a mano con el adversario en el cráter, en los hospitales..., y aún le sobra talento para reflejar con convicción la camaradería con los compañeros del frente o apuntes de estilo como el plano fijo de la relación con la chica francesa, el periplo de las botas o la escena poética de la mariposa.
No todo funciona al cien por cien y el excesivo subrayado del motivo principal de la cinta a veces la asfixia y no la deja progresar. Lewis Ayres el actor que consiguió la fama con este trabajo aún está un poco verde en su segunda aparición en la pantalla y su primer protagonista y se le nota el esfuerzo por hacerse creíble.
Clásico del cine bélico-antibélico, aún se queda bastante corto en la exposición visual y descarnada de la carnicería sin sentido (como todas) que supuso "La gran guerra". De poco sirvió el poder del cine. Apenas unos años después seguíamos matandonos con igual y más sofisticada saña. Goebbels y su pandilla de nazis soltaron ratas blancas en el estreno en Alemania y el ministerio del interior la prohibió no sea que alguien se diera cuenta de que no quería ser carne de cañón y prefiriera como se narra en la película que fueran los políticos y generales de ambos bandos los que se molieran a palos en un ruedo y nos dejaran vivir en paz al resto.
Ahora que se conmemora el centenario de aquella pesadilla, la película es de visionado obligado no solo para el amante del buen cine.
UN PERRO ANDALUZ.
!%?
17 m.
Francia / 1929
Luis Buñuel
Si uno quiere ser justo con esta obra no puede cometer el error, a mi juicio, de calificar algo que en su propia esencia es inclasificable. Así lo declararon sus autores Buñuel y Dalí, dos "jóvenes" de 29 y 25 años que tuvieron el valor y la genialidad de jugarse 25.000 pts de la época que puso la madre de Buñuel para trasladar el surrealismo al nuevo séptimo arte, a sabiendas de que su valor comercial sería nulo. El caldo artístico que se cocía en ese París de entreguerras daba para esto y más. Dalí y Buñuel llevaron a la pantalla sus sueños y a la postre los nuestros en una mirada interior fascinada por la liberación del subconsciente sin necesidad de explicaciones, con la única premisa de hacer estallar todas las premisas. Abrieron una puerta que ya nunca más se podría cerrar.
PERDIDA.
5
2 h. 29 m.
USA / 2014
David Fincher
La crítica especializada ha sido unánimemente positiva con esta última entrega del afamado director David Fincher, a excepción de Rex Reed en The New York Observer: "Absurda, ilógica, con excesiva trama sin sentido y artificial como una alcachofa de cerámica... una de las mayores decepciones del año". Con la cual y a pesar de mi admiración por Fincher, estoy de acuerdo.
Cuando uno ve alguna entrevista con el director, sin haber visionado aún la cinta, este trasluce una cierta desgana, unos comentarios de compromiso recalcando que el guión le ha sido encomendado y que el merito o demérito de lo que se cuenta es responsabilidad de la autora del bet-sellers que también guioniza, en que se basa. Y parece que Fincher cumple a la perfección con trasladar a la pantalla la novela en sí, una especie de Instinto Básico del nuevo milenio. Literatura de fin de semana o de mes de vacaciones que te entretiene lo justo y que donas a una biblioteca o regalas cuando haces limpia en tus estantes.
Tercera novela de suspense en que se ha especializado como autora Gilliam Flynn de Kansas, Missouri, en la que se ha querido ver las virtudes de algún ingrediente más que los propios del género, como la frustración de las expectativas matrimoniales y el poder de la presión mediática, con sus juicios paralelos. En este sentido, el título francés es más acorde: "Las apariencias".
Que existan dichos ingredientes no quiere decir que estén bien condimentados y si no fuera por la factura de Fincher, el telefilm de sobremesa no le quedaría muy lejos. Como todo género de suspense funciona en la primera media hora en la que se plantea el misterio, luego la cosa se enreda en tramas y subtramas que no aportan nada, secundarios desaprovechados, y un metraje necesario para dar cabida a las escenas efectistas y un bla, bla, bla con pretensiones psicológicas.
Ben Affleck me cae bien. Apunta como director. Pero la interpretación no es su fuerte. Rosamund Pike se luce en un personaje imposible, con uno de esos papeles más mediáticos que otra cosa y se lleva una nominación a los Oscars. En todo lo demás, excepto en taquilla, los premios la han dado por "perdida".
MI VIDA AHORA
6
1 h. 41 m.
Reino Unido / 2013
Kevin Mcdonald
Camino ya de los veinte años de carrera el cine de Macdonald, se ha ubicado en un limbo resultadista que abarca pero no aprieta, se ve con interés, propicia buenas interpretaciones pero uno acaba con la sensación de que falta algo o mucho, de que se divaga demasiado sin centrarse en nada concreto.
Desde que ella era una niña en "Expiación" (Joe Wright / 2007), me enamoré como actriz de Saoirse y aventuré que sería la Streep del futuro. Camino lleva. Trabaja mucho y no siempre en films que estén a su altura, pero ello le va a dar las tablas y si no se le va la cabeza, que de momento parece bien amueblada, esta irlandesa nos va a dar muchas alegrías en la pantalla.
El hablar más de Saoirse que de la propia cinta ya indica que ella es el valor principal de la misma. Mcdonald comienza con una primera media hora prometedora, el reparto funciona y el contraste brutal que produce el giro de la historia augura lo mejor. Pero no es así. Se pierde tiempo en subtramas que poco aportan, la evolución de esta chica desencantada y urbanita se acelera y no acaba de impactarnos el proceso que la transforma, envueltos en una historia de amor que más que ayudar interfiere en dicho proceso con un final que elude por los pelos el fiasco total, aunque resulta algo forzado.
Por el camino se sacrifican muchos interrogantes que se dejan a la imaginación del espectador. Lo que queda claro es que si se diera el caso que se produce en el film, el peor enemigo del ser humano, como siempre, sería otro ser humano.
LA CAJA DE PANDORA
9
2 h. 12 m.
Alemania / 1928
G. W. Pabst
Este film debe verse y disfrutarse hoy día por varios motivos: Primero, recuperar a un excelente director austriaco de principios del pasado siglo, no solo por esta película, que fue olvidado quizás porque en el contexto del éxito del cine expresionista de la época su estilo no estaba tan marcado como Lang o Murnau y estos le hicieron a través de la historia una potente sombra. Ni que decir tiene que no les desmerece en absoluto.
Segundo, por recuperar a una estupenda actriz estadounidense, icónica por esta película, símbolo sexual a pesar de su 1,57 de estatura y que si bien su carrera no alcanzó la de la Garbo o la Dietrich hubo quien la puso a su altura.
Y ya tirando del hilo, por recuperar al dramaturgo alemán Frank Wedekin creador del personaje de Lulú y en cuyas dos piezas teatrales, "El espíritu de la tierra" (1895) y "La caja de Pandora" (1905) se basan numerosas adaptaciones cinematográficas, la ópera inacabada "Lulú" de Alban Berg y la cinta que nos ocupa. Y cuya obra por si misma puede ser más interesante que sus adaptaciones.
Pabst adapta el asunto, guionizado por el posteriormente famoso director húngaro Ladislao Vadja, para, entre otras, cosas meterle un repasito a la hipocresía de la clase social dirigente en la República de Weimar como ya había hecho Lang con el "Dr Mabuse, el jugador", a su moral disoluta y encubierta que le causó problemas de censura y a su decadencia hedonista que llevaría a su país al desastre.
La película está dividida en actos (genial el tercero ambientado en el mundo teatral) que hacen avanzar el tiempo en la historia y trazan una linea descendente en la vida de esta mujer-niña carente de moralidad y que sin proponerselo arrastra, como ejecutora de un destino fatal trágico impuesto por algún dios en los que se basa el mito griego, a la perdición a todos aquellos y aquellas que quedan atrapados por su hechizo seductor.
Cada espectador podrá sacar mucho más sobre lo que representa Lulú. Pabst había realizado antes un film de tintes psicológicos sobre las teorías Freudianas. También tenemos el mito y sus implicaciones sobre la mujer como portadora de males y desgracias precursora de la Eva bíblica. Y no podemos olvidar el sexo y el deseo como motivo compulsivo y los efectos de su represión o su liberación. Vamos que hay tela que cortar para todos los gustos. El director encuadró esta cinta dentro de una trilogía femenina conocida como "el ciclo erótico". Un gran clásico.
Como anécdota he visto escrito en muchos artículos que aparece Jack el Destripador, y uno piensa que por mucha niebla y mucho Londres que sea, Jack "ejerció" allá por 1888, y más o menos cuatro décadas después en que transcurre la cinta debería estar cuando menos jubilado.
LA DESAPARICIÓN DE ELEANOR RIGBY
6
2 h.
USA / 2014
Ned Benson
La excelente actriz, Jessica Chastain se ha implicado al cien por cien en esta historia con la que debuta en el largo su ex-pareja y guionista de la misma Ned Bensón. Chastain no solo forma parte de la producción sino que indujo al director a reconducir el guión para que este encuentro de amor y desamor incluyera el punto de vista de la mujer que interpreta en igual medida que el protagonista masculino. El fruto fue un trabajo en el que se mostraban las visiones de cada uno de ellos por separado y una puesta en común de ambos que es la que nos ocupa y que se ha lanzado inicialmente por exigencias de rentabilidad. Parece que la buena acogida de la misma nos dejará ver las otra dos cintas que nos darán el sentido completo de la obra.
Lo que aquí se nos adelanta peca de cierta provisionalidad, le faltan elementos para que el perfil de cada personaje revele las claves que nos permitan comprenderlos mejor. Solo sabemos que se aman y que una tragedia común de la que desconocemos sus peculiaridades han hecho que Eleanor Rigby "desaparezca".
Mantiene acertadamente Benson la tensión dramática dejando que todo el peso del asunto lo soporten y construyan Chastain y McAvoy que lo bordan, sobre todo ella. Y acierta también Benson en los secundarios de lujo que aportan la distancia emocional que necesita la trama para que el conjunto sea muy interesante aunque incompleto.
Un drama romántico alejado de los tópicos del género, que plantea preguntas que mucho nos tememos no tienen respuesta.
LA BUENA MENTIRA
7
1 h. 40 m.
USA / 2014
Philippe Falardeau
Falardeau se estrena en USA siguiendo la linea de denuncia de su film "Profesor Lazhar", que tan buena acogida tuvo y que a un servidor no acabó de convencer.
En "La buena mentira", a poco que uno tenga un trocito de corazón, no puede dejar de emocionarse, indignarse y gastar dos paquetes de Kleenex, con esta historia sobre los "niños perdidos de Sudán". Aquellos que lo perdieron todo en la enésima guerra africana y que tras casi 2.000 Km de huida, los que sobrevivieron pudieron llegar a un campo de refugiados en condiciones muy duras. Tras años de espera solo algunos fueron acogidos en USA para intentar rehacer sus traumáticas vidas.
El director hace encaje de bolillos para denunciar sin provocar, para concienciar sin molestar. El envoltorio de telefilm, la excelente banda sonora, el rostro comercial de Whiterspoon y el ligero toque de comedia del buen salvaje, dulcifican el horror en grado superlativo que han sufrido y sufren buena parte de los africanos en general, gracias a nuestra inestimable colaboración occidental, democrática y bienpensante que convirtió África en un puzzle caótico colonial primero y estados títeres después, para sangrarles y seguir sangrándoles hasta la última gota de sus recursos y su sangre que me permiten a mi y a ud. tener un ordenador y acceder a esta crítica.
Si uno es capaz de soportar la vergüenza, la película se ve con agrado, los actores no profesionales nos caen simpáticos y a otra cosa mariposa. Me siento fatal.
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| ANITA EKBERG (1931-2015) |
Anita se negó a que el todopoderoso Howard Hughes le cambiase el apellido americanizandoselo. "Si me hago famosa la gente aprenderá a pronunciarlo". Lo consiguió. Básicamente gracias a su belleza, Miss Suecia en 1.950. El Hollywood de la época fagocitaba a las más destacadas beldades, fueran actrices o no, para que ejercieran de "la chica" de sus estrellas masculinas. Solo algunas mujeres consiguieron que su talento les hiciera un hueco en los títulos de crédito por encima o al lado de los varones.
Trabajó en los 50 y 60 en películas olvidables generalmente hasta que Fellini le dió la inmortalidad al meterla en una noche de verano en la Fontana de Trevi. Comenzaba la década de los 60 y una mujer a punto de cumplir los 30, moderna, liberada se ungía en las Aqua Virgo, fundiendo tradición y modernidad en la linea simbolista que comenzaba entonces el genial director italiano. Los tiempos estaban cambiando que diría Bob.
Pronto, otros símbolos sexuales al igual que ella como Ursula Andress, tomaron su relevo y Anita que estaba hasta el moño del famoso baño tuvo que resignarse y vivir con ello y de ello.
Ahora que nos ha dejado, seguimos tirando de esa escena icónica. Discúlpeme señora Ekberg pero la inmortalidad, tiene un precio.
CHANTAJE (LA MUCHACHA DE LONDRES)
7
1 h. 24 m.
Reino Unido / 1929
Alfred Hitchcock
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Tan solo hacia 6 años que este londinense gordito de 30 años empezó a dirigir películas, hasta esa fecha mudas, por supuesto. Hace lo que le encargan y a pesar de que alguna de sus cintas tiene el favor del público, no acaba de encontrar aquello que le haga diferente de los demás en las diez películas de diversos géneros que rueda hasta el 29. Un autor de teatro Charles Bennett y la adaptación de su obra "Blackmail" le darían la clave. Bennett se convirtió en guionista y colaborador habitual del maestro hasta 1940.
Y aquí comienza la leyenda. "Blackmail" podría considerarse un boceto maestro, un estudio apresurado e informal de todo el cine de suspense que inmortalizaría al genio.
Silente y sonora, Hitchcock la rodó y la volvió a rodar (se conservan ambas copias) para añadirle la nueva revolución que él consideraba convertía el arte cinematográfico en teatro filmado. La precipitación, los problemas con el acento checo de la actriz principal (una de sus primeras rubias) Anny Ondra y la incipiente técnica del sonoro, motivaron el primer doblaje y un cierto desconcierto entre la actuación sin palabras y los nuevos tiempos hablados. Aún así Hitchcock se las ingenia para dejar su toque de genialidad en esa nueva posibilidad de los sonidos y los encauza dramáticamente más allá de los diálogos para conseguir efectos psicológicos sobre el personaje. Si fue o no la primera película inglesa sonora es algo tan discutible como irrelevante.
Hay mucho del Hitchcock "antiguo" y convencional y mucho más del Hitchcock inigualable que manipula a sus personajes, los agobia escrutándolos y desnudándolos ante la cámara (sobre todo a ellas) con voracidad de voyeur, creando una tensión que salta de la pantalla hacia el espectador. El simbolismo y la utilización de los objetos, sus egocéntricos cameos, sus localizaciones famosas de final grandilocuente...
El publico la disfrutó hace 85 años y seguimos haciéndolo. !Vaya con el gordito!.
EL VEREDICTO.
7
1 h. 47 m.
Bélgica / 2013
Jan Verheyen
Verheyen, del que ahora nos llega su decimosegundo trabajo desde 1991 es un hombre mediático en su Bélgica natal. Televisión, radio y cine ocupan su tiempo, aparte de significarse apoyando al partido Alianza Nacional Flamenca de corte liberal-conservador.
En este sentido combativo y de denuncia plantea esta cinta como alegato contra el deficiente funcionamiento de la justicia en su país, dentro de la comunidad europea donde errores de tipo burocrático administrativo parece increible que dejen sin posibilidad de juzgar a una cantidad considerable de presuntos delincuentes.
Toma como ejemplo un caso extremo donde un ciudadano llevado por el dolor de la muerte de su familia, ve como el estado le escamotea el castigo del culpable, precisamente por uno de estos fallos administrativos y acaba tomándose la justicia por su mano.
Cine clásico de corte judicial, bien narrado donde la oratoria de fiscal y abogados toma el máximo protagonismo con logradas interpretaciones para poner sobre la mesa, no solo la denuncia para la mejora del sistema, sino la propia inocencia o culpabilidad del ciudadano que actúa al margen de la ley cuando la considera injusta.
Tema realmente espinoso por el que Vehayen toma partido, cuando a mi juicio debería dejar la cuestión abierta para que el espectador sacara sus propias conclusiones. Aún así la cinta provoca polémica y debate más allá de la sala del cine.
Como debe ser.
BLACK COAL.
5
1 h. 46 m.
China / 2014
Diao Yinan
A Diao Yinan en su tercera cinta le ha venido el oso (de Berlín) a ver. Ya les vale. Pero que haya relegado a "Boyhood" del máximo palmarés.... A lo mejor al presidente del jurado James Schamus le ha tocado la fibra la nacionalidad china y se ha acordado de que él tuvo mucho que ver en la carrera de Ang Lee, aunque las comparaciones con ambos directores sean odiosas.
Dicho esto, fruto del cabreo, este "Carbón negro. Hielo fino" me trae a colación las famosas imitaciones chinas de productos de marca. Esos perfumes que huelen como los originales pero que se esfuman rápidamente dejándonos solo el frasquito de diseño.
Que sea uno de los primeros thrillers chinos y que nos abra una ventana a la más cruda realidad del mix capitalocomunista en que anda la mayor potencia mundial no hace más que reafirmarme en la idea de "copia" del cine negro y de los vicios y defectos del mundo occidental más clásicos.
El asunto tiene la suficiente miga para que saquen jugo los cinéfilos entendidos, para que vomiten las masas y para que los que quedan por el medio nos aburramos soberanamente ante un ejercicio de estilo que funciona a trompicones y que vemos en Diao Yinan un quiero y no puedo. El intento merece reconocerle los aciertos que conlleva pero para un servidor no es suficiente, por mucha metáfora de fuegos de artificio final prima hermana de los de las pasadas olimpiadas, donde tapaban con enormes carteles en Pekín las chabolas y se cargaban barrios enteros de viviendas tradicionales que no quedaban bonitas con la modernidad de una gran potencia mundial.
La utilización de la luz y los colores no es Wong Kar-wai, el guión no es "El sueño eterno", por mucha nieve que aparezca no sale un "Fargo", y Liao Fan y Gwei Lun-Mei son la antimateria de Bogart y Bacall.
A veces lo feo es simplemente feo por mucho que el refrán diga lo contrario del oso (de Berlín).
THE DROP
8
1 h. 46 m.
USA / 2014
Michaël R. Roskam
No hay nada tan aterrador y que conmueva tanto que un niño o un animal te pregunte mirándote directamente a los ojos por qué ha sido maltratado.
Debería ser la gota (the drop) que colmase el vaso y moviera nuestra conciencia a un cambio radical de actitud ante la vida, quizás menos pesimista que el cuento "Animal rescue" (2009) del afamado escritor bostoniano Dennis Lehane, que inspira la novela y a su vez la película. Prácticamente toda la obra de Lehane ha sido adaptada a la pantalla y de momento con acierto.
Ahora le ha tocado al prometedor director Belga Roskam que entra por la puerta grande en USA con este su segundo trabajo después de la nominada belga a los Oscars "Bullhead".
Aparentemente es un thriller convencional, pero el toque urbano, de gente corriente con pasado que aporta Lehane, también guionista, sus estupendos diálogos, el tempo y la tensión que crea Roskam rodando con mimo cada escena y unos actores sembrados en los que Tom Hardy es capaz de hacerle sombra al llorado y siempre genial Gandolfini en su desgraciadamente último trabajo, hacen de "The Drop" un trabajo notable.
El toque final apuesta porque Roskam no quiere ser uno más y ha llegado a sus 42 años para quedarse.
FRANK
7
1 h. 35 m.
Reino Unido / 2014
Lenny Abrahamson
Frank es un personaje misterioso. Vive oculto tras una máscara, una cabeza de dibujo animado que envuelve la suya propia. Frank es un músico dotado de genialidad cuya banda The Sonorprfbs" esta integrada por un grupo de artistas marginales que adoran a su líder y les basta y sobra con poder expresarse con su música sin necesidad del reconocimiento del público ni la industria musical.
El planteamiento de los guionistas parte de la personalidad de tres músicos diferentes, un inglés y dos californianos: Chris Sievey, creador a su vez del personaje de la falsa cabeza Frank Sidebottom, Daniel Johstom declarado esquizofrénico y con trastorno bipolar y Captain Beefheart compositor de música experimental.
La mezcla de los tres en la figura de Frank, amplia la idea inicial de Jon Ronson de narrar sus experiencias con la banda de Frank Sidebottom.
En la linea de otras películas sobre bandas musicales, Abrahamson director irlandés puntero en su país, construye una tragicomedia muy equilibrada, con una peculiar y efectiva banda sonora, sobre la ruptura de ese mundo refugio creado por unos personajes cuando menos pintorescos, (estupenda Maggie Gyllenhaal) por un foráneo que tarda en comprender que el éxito personal como músico no radica en las cifras de seguidores, en la fama, ni en las ventas y que el don de la composición genial no esta reñida, sino lo contrario, con una cierta locura
Hipnótica, divertida, conmovedora. Una "rara avis" en un panorama cinematográfico escaso de propuestas con talento.
 |
| ROD TAYLOR (1.930-2.015) |
Un metro ochenta de galán australiano, con un cuerpo, rostro y mentón digno del mejor Bond. Siempre reconocible para el espectador tuvo sus momentos más destacados en los 50 y los 60, reiniciando su popularidad en la televisión a partir de los 80. Trabajó con los grandes aunque nunca llegó brillar a su altura. No obstante la inmortalidad le llegaría con su protagonista de "Los pájaros" de Hitchcock en el 63 y esa encantadora película de serie B, "La máquina del tiempo" (George Pal / 1960) en que encarnaba al mismísimo H.G. Wells.
Más de cuarenta títulos en cuatro décadas en la pantalla grande, aportando su "percha" y profesionalidad y sobre todo una media sonrisa que encandilaba por igual a jovencitas y maduritas y una sana envidia en el sexo masculino.
Siempre le confundí con Stephen Boyd en "Viaje alucinante" (Richard Fleischer / 1966). Taylor era dos centímetros más bajito pero mucho más guapo.
LOS MUELLES DE NUEVA YORK
9
1 h. 16 m.
USA / 1928
Josef von Sternberg
Stemberg sabía por propia experiencia vital que desde la más humilde y desesperada situación puede surgir un rayo de luz, un viento que haga cambiar el rumbo. Hecho a si mismo el director austriaco estadounidense tuvo su oportunidad con "The Salvations hunters" (1925) que según donde se documente uno fue un fracaso de taquilla y para otros un gran éxito de crítica y publico. A Chaplin le gustó tanto como para ofrecerle dirigir un proyecto, independiente del astro, con su productora. Aunque posteriormente la cinta "Una mujer del mar", nunca fue estrenada por considerarla Chaplin muy artística y poco comercial.
El caso es que en el 28 llegó esta sencilla historia narrada en apenas 24 horas y el director dio un autentico recital en poco más de una hora de lo que era y sería capaz. La recreación del ambiente es su mayor baza. Puede ser Nueva York o cualquier puerto del mundo donde los marineros extenuados de su duro trabajo en sus interminables travesías, desahogan todo su ser en apenas unas horas en las que solo quieren en palabras del protagonista: "pasar un buen rato".
Con una primorosa fotografía en blanco y negro comienza su recital estético acogiéndose a las influencias expresionistas para lanzarse posteriormente de lleno a un naturalismo poético con una brillante imaginación para resolver de forma indirecta y muy bella situaciones claves (el intento de suicidio, el asesinato...).
La cámara se mueve con una soltura increíble en ambientes tanto abigarrados como desnudos, en un baile de contrastes que es el motivo principal de toda la cinta.
George Bancroft está en lo más alto de su carrera y prefigura gestos y maneras de ese John Wayne con el que coincidirá once años más tarde en "La diligencia" (John Ford /1939), al igual que también aparece delineada el prototipo de mujer fatal que encarnaría Marlene Dietrich, descubrimiento del director y parte fundamental de su carrera. Tanto Olga Blacanova como la desconocida Betty Compson están estupendas. Y no podemos olvidarnos de toda la gente de secundarios y figuración que pululan por el Sandbar, el tugurio donde se celebran las noches de llegadas de barcos como si fueran la última del mundo y donde tiene lugar una boda de un lirismo memorable.
Las escenas brillantes se suceden una tras otra en donde el melodrama se hace sentir. Al final los personajes hacen un quiebro al destino reclamándole algo más que un buen rato en la vida.
LA GRAN SEDUCCIÓN.
7
1 h. 55 m.
Canadá / 2013
Don McKellar
Una comedia simpática, entretenida y divertida donde en tono de fábula se produce un enredo de situación entre las gentes de un pueblecito costero, auténtico protagonista y un médico foráneo al que hay que engatusar con las bondades de la vida rural para que esta desaparezca y sus habitantes se conviertan en numerarios de una fabrica de residuos instaladas en tan bello paraje con soborno incluido al gerifalte de la misma. La paradoja tiene miga.
Pero no se trata en este remake de la misma película también canadiense estrenada en el 2003, dirigida por Jean-François Pouliot, de buscarle tres aletas a lo que pescan por estas tierras, ni siquiera de ser quisquillosos con la credibilidad imposible del engaño, sino de dejarnos llevar por estos entrañables y bien interpretados aldeanos capitaneados por el como siempre estupendo Brendam Gleeson, que prefieren currar en lo que sea antes que vivir del humillante subsidio.
McKellar impone un acertado montaje, deja que se luzcan los actores y las casi dos horas pasan en un pis pas. Nada más. Y nada menos.
Y EL MUNDO MARCHA.
10
1 h. 44 m.
USA / 1928
King Vidor
Una joya impagable.
(Vale, tengo que escribir algo más). "The Crowd", la multitud, la masa anónima, las pequeñas e insignificantes piezas que unidas hacen que la locomotora del mundo marche y que individualmente son reemplazadas sin piedad a pesar de ser únicas, por aquellos que viajan en los escasos vagones de primera clase sea cual sea el sistema de vías por el que circulen. En este caso un capitalismo desbocado de la nación más poderosa capaz de ofrecer llegar a lo más alto (según sus baremos) desde lo más humilde. Lo que no contaban es el precio que inexorablemente había que pagar, la deuda acumulada y los "cadáveres" que quedaban en el "american way of life". Marx (Groucho) lo definió muy bien con aquella frase que más o menos decía: "partiendo de la nada he llegado a las más altas cotas de la pobreza".
Y sobre estas piezas, la gente corriente y su cotidianidad vulgar alejada del glamour de las estrellas y sus finales felices Vidor se la juega ante su jefe Mayer que cede gracias al apoyo de Irving Thalberg, quien años después curiosamente se negó a producir la secuela. No era la primera vez, ni la última en que Vidor se arriesga, "The big parade" fue antibelicista cuando no tocaba y al año siguiente "Aleluya" rodada exclusivamente con actores afroamericanos.
Igual que Griffit sintetizó en "El nacimiento de una nación" todos los avances técnicos inventados por él o no, aquí Vidor recoge y destila depurandolos casi todas las influencias y estilos existentes, desde el expresionismo alemán, el montaje soviético, el realismo y el humor slapstick para verterlos en un melodrama conmovedor.
Las escenas magistrales se suceden tanto en el fondo como en la forma. Igual disfrutamos de una panorámica documental sobre el cogollo del Nueva York de la época, como de un mundo orwelliano de oficinistas clonados, a un desayuno familiar explosivo, la ilusión de una nueva vida, el agobio de la rutina, la presión de los parientes, la caída en el alcohol, la desgracia y la fortuna de la mano..., en fin, no tiene desperdicio.
Murray y Boardman están en los papeles de su vida y el brillante final, al que costó llegar superando las presiones del estudio que quería un "happy end", cierra un circulo perfecto.
Mención aparte merece la historia de su protagonista James Murray cuya vida personal tuvo un paralelismo desgraciado con el de su personaje y que dejó profunda huella en Vidor.
Igual que Griffit sintetizó en "El nacimiento de una nación" todos los avances técnicos inventados por él o no, aquí Vidor recoge y destila depurandolos casi todas las influencias y estilos existentes, desde el expresionismo alemán, el montaje soviético, el realismo y el humor slapstick para verterlos en un melodrama conmovedor.
Las escenas magistrales se suceden tanto en el fondo como en la forma. Igual disfrutamos de una panorámica documental sobre el cogollo del Nueva York de la época, como de un mundo orwelliano de oficinistas clonados, a un desayuno familiar explosivo, la ilusión de una nueva vida, el agobio de la rutina, la presión de los parientes, la caída en el alcohol, la desgracia y la fortuna de la mano..., en fin, no tiene desperdicio.
Murray y Boardman están en los papeles de su vida y el brillante final, al que costó llegar superando las presiones del estudio que quería un "happy end", cierra un circulo perfecto.
Mención aparte merece la historia de su protagonista James Murray cuya vida personal tuvo un paralelismo desgraciado con el de su personaje y que dejó profunda huella en Vidor.
EL CORREDOR DEL LABERINTO.
6
1 h. 43 m.
USA / 2014
Wes Ball
Harry Potter creó, mágicamente, la gallina de los huevos de oro de las sagas de literatura juvenil, con pedigrí o sin el. Abrió la puerta para que la "necesitada" industria cinematográfica corriera (tonto el último) a recoger la cosecha. Tras el mago de Howard vinieron los vampiros sin mucha pena ni gloria a excepción de la ñoñeria crepuscular que dio buenos dividendos y ahora el filón son las gincanas post- apocalípticas-distópicas (toma ya). No soporto a los chicos del sinsajo a pesar de Jennifer Lawrence, y cuando aún le queda algo de crédito a "Divergente", parió la abuela con este corredor de laberinto, adaptación de la saga de James Dashner que dado el éxito de su primera entrega en el 2009 y supongo que oliéndose la tostada ya tiene publicadas dos entregas más y la precuela.
La cosa en principio a funcionado bien, el reparto de jóvenes promesas cumple y Dashner o Ball son lo suficientemente hábiles para aplicar aquello de: "menos es más" y sin complicarse la vida esconden el truco, casi como si toda la entrega fuera un preámbulo de lo que vendrá y así consiguen que el misterio dure como una pila alcalina. Uno tiembla cuando se les va la mano a punto de rematar la faena con unas escenas sonrojantes que por respeto al destripe de la trama (otros dicen spoiler) no desvelaremos.
Lo confieso, me ha entretenido.
BOYHOOD
10
2 h. 45 m.
USA / 2014
Richard Linklater
Odiseo tenía claro que su fin último sería llegar a casa, pero en el camino sucedieron muchas cosas, los momentos le fueron atrapando y cada uno de ellos le hizo vivir y morir en ese instante. Su vida, su historia, fueron cada uno de esos momentos. El tiempo no existe, solo existe el ahora, que como la antimateria apenas aparece se esfuma consumiendo nuestro yo para volver a renacer en un ciclo transformador y desgraciadamente con fecha de caducidad.
Estos momentos inasibles los ha atrapado Linklater gracias al cine en una sola cinta, y a diferencia de la fotografía, la pintura, o la escultura, los engarza mediante la presencia física de los mismos actores durante, doce años (otra vez la idea del tiempo) y construye con ellos una odisea de la gente corriente, cuyo viaje está plagado de fascinación, terror, belleza, ilusión, amor y miedos que hacen que la pregunta sin respuesta ¿de que va todo esto?, se llene de contenido.
La niñez y adolescencia de este chico de Texas capta la esencia universal, los elementos comunes independientes de cada historia particular y es por eso nuestra propia historia. Y es por eso que solo tenemos que mirarnos al espejo o revisar una vieja fotografía para que el alma se nos quede prendada de este trabajo paciente y laborioso, donde apenas cabe más de lo que ocurre en un saco lleno de vida.
Hay más personajes. Adultos que también comporten su propio viaje. Las relaciones padres-hijos surgen en una red de intrincados y no siempre estables puentes que conectan las islas de cada cual formando un archipiélago donde poder refugiarse de la soledad.
Patricia Arquette, Ethan Hawke, Ellar Coltrane y Lorelei Linklater han sido excelentes voluntarios para un exitoso experimento que, sin duda ha marcado un hito en la historia de ese arte llamado cine.
EL HOMBRE MÁS BUSCADO
7
2 h.
Reino Unido / 2014
Anton Corbijn
Probablemente el hombre más buscado será el propio Hoffman cuya ausencia va a ser muy difícil de sustituir. El octogenario Le Carre está viviendo lo suficiente para ver que todo cambia para que todo siga igual y que sus espías de siempre se adaptan y evolucionan con los nuevos tiempos, apuntando en otras direcciones pero siempre fieles a su palabra, o mejor dicho a la ausencia de ella, para que el mundo sea "un lugar mejor".
Corbijn se toma su tiempo y crea la atmósfera necesaria en el Hamburgo del nuevo milenio, Le Carre pone la tensión y los demás personajes ceden protagonismo y se apartan a un lado porque saben que Philip Seymour se basta y se sobra para agarrarnos por donde a cada uno le duela y compartir con su personaje, su soledad, su desesperanza, su profesionalidad, su palabra, sus cigarrillos y su monumental cabreo y hastío.
Inolvidable.
BETIBÚ
7
1 h. 39 m.
Argentina / 2014
Miguel Cohan
Un nuevo thriller solvente de la productora hispanoargentina o viceversa, Haddock films.
Sin llegar al nivel de la oscarizada "El secreto de sus ojos", mantiene las constantes de una narración cuyo crescendo sin prisa pero sin pausa nos va metiendo en una historia donde descubrimos que la realidad iguala, cuando no supera a la mejor novela de ficción. El mundo del periodismo de investigación y de la literatura se ven superados por ese poder cuya sombra se hace cada vez más presente sin pudor, con la cual más vale que no nos crucemos.
El reparto está estupendo, mención especial para Daniel Fanego. El final da algún que otro escalofrió y en general se disfruta como digno representante de género.
EL HÉROE DEL RIO
10
1 h. 11 m.
USA / 1928
Charles Reisner / Buster Keaton.
En 1911 el exitoso barítono estadounidense Arthur Collins grabó "Bill steamboat", canción que sirvió de inspiración a Keaton para el film y que Walt Disney, admirador de la cinta de Keaton no dudó en utilizar para el tercer corto de Mickey Mouse que le catapultó a la inmortalidad.
Perteneciente a su etapa dorada, a pesar de no triunfar en su momento "Steamboat Bill Jr." (título original) es otra pieza maestra de este genio de la comedia. Si dos terceras partes de su metraje son más "reposadas" con un humor basado en gags de situación, el tramo final es un increíble y espectacular slapstick donde Keaton vuelve a realizar un tour de force como autor, director y actor, jugandose el tipo una y mil veces y dejando para la historia la famosa secuencia en que la fachada de una casa se le viene encima, que como es sabido rodó sin trampa ni cartón y sin ser doblado. El huracán que azota la zona junto al Mississippi se convierte en protagonista zarandeando a Buster de un lado para otro y una vez más el pequeño gran hombre demuestra lo que vale para acabar en los brazos de su amada y mojada Marion "cacahuete" Byron. Genial.
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Biografía CLINT EASTWOOD.
Patrick McGilligan
Ed. Lumen / 2010 / 831 págs.
No es el primero ni será el último libro sobre este mito del celuloide que a sus 84 castañas aún sigue rodando. De hecho en el mismo año 2010 se publicó su biografía autorizada con prologo de él mismo por Richard Schickel.
Patric McGilligan reputado historiador de cine, asumió el encargo editorial de escribir esta biografía y uno tiene la sensación de que se nota lo de encargo. No he leido nada de sus otros trabajos sobre Nicholson, Altman, Cuckor, Lang..., pero su estilo rezuma en muchas partes algo de automaticidad repitiendo el esquema de ir desglosando cada estreno del actor-director como si fuera una ficha de archivo que tuviera que ir rellenando campos: guión, tiempo de rodaje, equipo..., taquilla. Y escasean las anécdotas sobre el rodaje tanto técnicas como personales.
El balance general sobre el personaje y su obra no es bueno. Y a pesar de su extensa documentación y argumentación también se transluce una tendencia hacia los aspectos negativos de sus trabajos por encima de los positivos, que casi siempre se rebajan.
En cuanto al lado humano nos describe a un hombre de escasa formación, poco o nada leído, que se fue haciendo así mismo gracias a su don de gentes y galanura con las mujeres, su autentica pasión casi por encima de las películas, vengativo con aquellos que consideraba le traicionaban, de ideas políticas conservadoras, tacaño, con más amigotes que amigos, a los que no dudaba en abandonar personal y profesionalmente si ya no le convenían por las razones personales o profesionales que fuesen y plagado de hijos e hijas reconocidos y sin reconocer a los que "abandonaba" junto con sus madres en mayor o menor medida. Preocupado obsesivamente por su forma física y por alcanzar un reconocimiento como profesional dado que sabía que su punto de partida y buena parte de su carrera arrastraba muchas debilidades.
Tras este panorama negativo, descubrimos a su famosa productora Malpaso como una mera pantalla para enriquecerse, cuando era Warner quien soportaba toda la infraestructura y gastos. Una primera mitad de su carrera como director y productor con actores poco reconocidos, generalmente procedentes del mundo de la televisión que no pudieran hacerle sombra y con un estética en sus producciones más fruto de su tacañearía de medios que de una busqueda de estilo. Famoso por rodar en muy poco tiempo, no pulir los guiones, con dos tomas como máximo y ganar en la promoción y publicidad aquello que no se había rematado en el rodaje.
La taquilla, en general, siempre estuvo de su parte, ya desde el principio, con la serie de tv. en la que comenzó y que se prolongó 8 temporadas, su trilogía europea con Sergio Leone que le catapultó a la fama y sus innumerables "Harry el Sucio". A partir de cumplir los 70 su filmografía da un giro y toma conciencia de que puede hacer realidad aquello que la publicidad ya le venía regalando sin merecerlo. Proyectos de más enjundia, contratación de actores de prestigio, más tiempo y presupuesto en rodaje (sin pasarse) y "quitarse de enmedio" como actor, hacen que la suerte, su famosa suerte según McGilligan, le sonría y empiezen a caerle premios y reconocimientos como autor tanto dentro como fuera de su país y hoy en día en su último tramo de vida goze de un estatus profesional fuera de toda duda.
Todo un personaje, con diferencias y similitudes a los que interpretaba en la pantalla. La desmitificación de un mito. La cara lavada de aquellos que siempre la dan maquillados.
JERSEY BOYS
5
2 h. 14 m.
USA / 2014
Clint Eastwood
Desde el 2005 lleva este musical danzando y cantando por todo USA, acumulando premios y haciendo caja. La nostalgia por un estilo y un grupo, "The Four Seasons", "los más populares después de The Beatles en USA", reza la publicidad. Chicos de barrio de origen italiano con amistades peligrosas con las mafias de Nueva Jersey. Tuvieron su momento álgido a comienzos de los 60 y cuyos principales motores Franki Valli y Bob Gaudio no han parado hasta la fecha. Si a uno le gustan las armonías vocales y los gorgoritos en falsete de Valli ya tiene mucho ganado con esta adaptación del octogenario Eastwood, rodada sin alma, sirviendo un guión que parece no querer esforzarse dándolo todo por ganado de antemano. La taquilla les ha puesto en su sitio.
El biopic es convencional, el foco se diluye sin que ninguna trama agarre más allá de un anecdotario de hechos cronológicos narrados de forma plana y lineal y a excepción del emergente Vincent Piazza como el manirroto líder inicial y guitarrista Tommy de Vitto, el resto de protagonistas están tan apagados como el tono general de la cinta. Ni siquiera al gran Christoper Walken le dejan meter baza. Desproposito de metraje y un final sobre los créditos de los más tristes y patéticos que puede tener un musical.
Una más, o mejor dicho una menos en la extensa y quizás sobrevalorada filmografía de Clint (no se pierdan su biografía no autorizada de Patrick McGilligan), que sigue imparable sabiendo que desgraciadamente la voz de: !Corten! está cada día más cerca.
HÉRCULES
6
1 h. 35 m.
USA / 2014
Brett Ratner
A veces el cine te hace viajar en el tiempo y no me refiero a la época en que transcurre la historia de la película, sino a la forma de realizar la misma. Si uno ha sido niño en la década de los 60 y ha pasado las tardes de fin de semana en las sesiones dobles de cine de barrio, este "Hércules" te lleva de la mano en volandas a esa butaca de patio con olor a ozono pino donde el mal y el bien estaban delimitados y uno creía que el amor, el valor, la amistad y la aventura tenían la misma equivalencia en la realidad que en la pantalla.
Lo mejor de este segundo "Hércules" del año es su falta de pretensiones, encantadoramente previsible, los simpáticos y arquetípicos personajes sin doble fondo. Todo aquello que, sacado del cajón del debe con honestidad, sin artificios estéticos y sin ocultar las trampas, acaba sumando en el haber del entretenimiento, si puede ser acompañado de aquellos pequeños con los que compartir un puñado de aventuras de mentira, y decirles que hace muchos siglos cuando no había videojuegos, los seres humanos inventaban mitos y leyendas que todavía siguen a nuestro lado.
EL SECUESTRO DE MICHEL HOUELLEBCQ
3
1 h. 33 m.
Francia / 2014
Guillaume Nicloux
No estoy cabreado por haber sido capaz de aguantar 55 m. de este rollo macabeo en sánscrito para intelectuales de carnet de cineclub. La definición viene no tanto porque piense que define lo visto sino porque se pueda ajustar a lo surrealista y absurdo de la propuesta.
Desconozco la rompedora e iconoclasta obra de Houellebecq que parece ir contracorriente de todo y sin embargo gana un Gouncourt. Supongo que en su obra estarán las claves para digerir con sutileza todo aquello que no he sabido encontrar en esta película, donde se caricaturiza a si mismo en un secuestro llevado a cabo por tres personajes raritos y entrañables de andar por casa con los que confraterniza y suelta tres o cuatro boutades para, supongo, escandalizar a aquellos iniciados en sus entresijos.
Lo que realmente me cabrea son los adjetivos de la crítica especializada en relación al grado de diversión que provoca la cinta. Perlas como: "fresca, agradable, entusiasta, divertidísima, insólito e hilarante". Cada adjetivo en un articulo diferente. Todo lo cual me lleva a pensar que no se que pensar. Me rindo, lo dejo, salgo y abandono. Me voy a recuperar adjetivos con los Hermanos Marx, Keaton o Allen. Por decir algo.
EL NIÑO
8
2 h. 15 m.
España / 2014
Daniel Monzón
Daniel Monzón se proclama si no lo era ya, como un más que solido director capaz de manejar presupuestos elevados (para España) sin defraudar a la audiencia con una brillante producción y combinando sabiamente comercialidad con calidad, en un equilibrio que algunos le ponen en su debe y otros en su haber. Por aquí ya sabemos que somos muy dados a ser muy exigentes con lo nuestro y siempre comparamos con lo anterior o queremos inventar aquello que lleva mucho inventado. "El niño" no es "Celda 211" y el policía nacional de esta historia que encarna Tosar no es Malamadre, ni tienen porque serlo.
La historia se centra en un protagonista geográfico más que nada y en el contrabando menor y mayor que fluye entre sus playas y barriadas. En este marco, hombres y mujeres (como casi siempre pocas y con escaso papel en el cine), sobreviven, trabajan, se enriquecen, matan y mueren en el negocio de la droga, cuyos máximos beneficiarios no tienen porque mancharse ni de agua ni de arena.
El guión esta muy trabajado, la acción principal con los helicópteros intachable, la tensión con caídas periódicas permanece durante un metraje elevado que Monzón consigue que no pese y hay actores, tan, tan buenos que cubren y sobran para que los novatos en clara desventaja no perjudiquen el resultado final. Hay momentos entre Tosar y Eduard Fernández impagables.
El "pobre" Jesús Castro, que culpa tiene de ser tan guapo y de ofrecer ángulos que nos evocan la imagen de Newman. Solo la imagen por supuesto. Pero el cine va de imagen, las escenas se pueden repetir si es necesario y francamente Jesús Castro y la saharaui Miriam Bachir aprueban con dignidad su estreno como actores. Se le critica a Castro su impasibilidad y cara de poquer ante cualquier situación. Independientemente de que en la vida real también hay gente así, a uno le viene a la memoria ese señor que no despegaba los labios del puro, siempre con cara de estreñido, que ni lloraba ni reía y del que no sabíamos de donde venia jamás, como el personaje de El niño, llamado Clint Eastwood, que no ha variado mucho y que para bien o para mal ha llenado y llena muchas salas de cine. Ojala que Castro aprenda de los "monstruos" con los que le ha tocado trabajar y tenga suerte con los encasillamientos a los que somos muy dados por aquí.
Es cierto que la dualidad entre las dos historias que corren paralelas y su necesidad de cuadrarlas restan profundidad en los personajes y se lastran unas a otras dentro de un resultado notable. A uno le hubiera gustado robarle minutos a la persecución de coches final y saber un poco más de ellos. A lo mejor en la próxima película de Monzón.
TEMPESTAD SOBRE ASIA
7
2 h.
URSS / 1928
Vsevolod Pudovkin
Pudovkin forma parte de la élite del cine nacionalizado y de vanguardia de la Rusia revolucionaria de principios del siglo pasado. Esta que nos ocupa cierra su trilogía sobre la toma de conciencia del proletariado ante los abusos del mundo capitalista que acaban forjando héroes combativos del pueblo.
Decide en este caso ambientarla en Mongolia con actores no profesionales nativos, cosa que desconcierta al publico patrio con acceso a las pantallas en cuyo corazón los mongoles no tenían demasiada prioridad.
Pudovkin va a lo suyo. Por un lado cumple con la exigencia doctrinal impuesta aunque tenga que inventarse una colonización inglesa que nunca existió, omitiendo que quien mangoneaba Mongolia por esas fechas eran facciones de "rusos blancos" en plena guerra civil rusa, que expulsaron a los dirigentes chinos, se aliaron con la religión poniendo a un emperador títere Lama en el poder y que a su vez, eso sí, fueron expulsados por los bolcheviques, que mantuvieron a la postre otros gobiernos títeres, sojuzgando a los sufridos descendientes de Gengis Kan.
Pero a Pudovkin lo que le interesa es por una parte el documental étnico, sus ritos y tradiciones del budismo tibetano que ocupan buena parte del metraje rompiendo el ritmo narrativo, pero constituyendo un documento impagable y por otra parte realizar pequeñas películas dentro de la película. Asi tenemos estupendas escenas de western, de aventuras, drama y una parte final más experimental de ritmo acelerado que nada tiene que envidiar a su colega Eisenstein.
Como dice una canción de Serrat: "me gusta todo de ti, pero tú no". Esa es la sensación que tengo con este film, admiro las partes pero creo que el conjunto no está bien ensamblado y que la peripecia personal del protagonista, una de las señas de identidad de Pudovkin en contraposición al cine comunal de Eisenstein, no funciona como debiera. En especial destacaría el inicio estepario en la Yurta, cuando va a vender las pieles al mercado y sobre todo la escena en que el soldado inglés tiene órdenes de matarlo.
Cine donde la religión y el capitalismo son aliados y sinónimos, mezcla de realismo documental y simbolismo vanguardista, a veces parece que estamos viendo una película mucho más adelantada a su tiempo.
EL CONGRESO
7
1 h. 58 m.
Israel / 2013
Ari Folman
Después del buen sabor que nos dejó "Vals con Bashir" (2008) ya tardaba el siguiente trabajo de este director israelí de 52 años, que ha acabado descolgándose con esta "estravaganzza", rara avis, que va por libre muy vagamente inspirada en "El congreso de futurología" (1971) del autor polaco de ciencia ficción Stanislaw Lem (1921-2006).
Compartimentada y caótica, utiliza el metalenguaje para hablarnos del cine, de la personalidad, de la sociedad que tenemos encima donde la única solución posible para remediar la desastrosa realidad que hemos construido es evadirnos a otra virtual donde podamos ser lo que deseemos a través de nuestro mejor activo: la imaginación. ¿Que es mejor, el mundo real o el "irreal"? ¿Qué es mejor lo que nuestro cerebro debe admitir o lo que puede crear, lo que siente o lo que quiere sentir?. Allá cada cual. Otras cintas ya han tratado directa o tangencialmente el tema, recordemos el mundo virtual de "Matrix" o como el paralitico soldado de "Avatar" pude sentir trotar a su antojo en su personaje de ficción. El tema da para mucha tertulia.
Tres cuartas partes son de animación, una animación primorosa y lisérgica que bebe de muchas fuentes y que nos invita a disfrutar, a dejarnos llevar sin ser exigentes con la coherencia narrativa.
Los humanos de carne y hueso defienden que presencias como la de Robin Wright o actuaciones por pequeñas que sean como la de Paul Giamatti, Harvey Keatel o Danny Hustón siempre estarán un paso por delante de cualquier digitalización de última generación.
AMIGOS DE MÁS.
7
1 h. 39 m.
Canadá / 2013
Michael Dowse.
-"Ningún hombre puede ser realmente amigo de una mujer que le resulta atractiva. Siempre quiere tener relaciones con ella.
- Entonces un hombre puede ser amigo de una mujer que no le resulte atractiva.
- No. También quiere acostarse con ellas." ("Cuando Harry encontró a Sally." / Rob Reiner / 1989).
Pues ya está casi todo dicho. Dowse consigue ese milagro que se repite incomprensiblemente y ciclicamente cada cierto tiempo, en el que una comedia romántica, es a la vez eso: divertida y romántica.
Por enésima vez diremos aquello de que la quimica entre sus protagonistas funciona, con una Zoe Kazan que parece haber hecho un pacto diabólico para no aparentar ni de lejos ni de cerca los 31 añitos que lleva en este mundo y un Radcliffe que a base de oficio y buen hacer actoral esta sobrellevando como puede ese cambio corporal de la adolescencia a la juventud ante la mirada implacable de la cámara.
Los amigos y familiares secundarios entrañables y graciosos de siempre y una verborrea digna del mejor Allen, sumado al buen ritmo que le imprime la dirección hacen que "el chico encuentra chica o viceversa" parezca nuevo a base de darle la vuelta al calcetín una vez más.
Es una acierto que el novio original de la chica no sea el malo de la película para que esta se quede con el prota y en el debe, ese final forzado y a toda prisa que no está a la altura. Servidor lo ha pasado bien.
OCTUBRE
8
1 h. 42 m.
URRS / 1928
Sergei M. Eisenstein / Grigori Aleksandrov
" "Octubre" no es un filme para ser sentido sino para ser pensado" (J.L. Valdez / Blog La bitácora de Hobsbawan). En general puedo estar de acuerdo con esta afirmación pero algunas de sus escenas probablemente influidas por la nuevas ideas en la el campo de la psicología de principio del siglo pasado van directamente al inconsciente a través de los sentidos. El caballo colgado del puente es un buen ejemplo de ello.
Siempre que se habla de Eisenstein y su gran obra cinematográfica se obvia incomprensiblemente a Grigori Aleksandrov que no solo codirigió esta cinta sino que colaboró estrechamente con Eisenstein en buena parte de su obra y juntos postulaban el montaje como la autentica esencia del nuevo arte.
"Octubre" es para bien y para mal un encargo del poder para celebrar el décimo aniversario de la revolución de Octubre. A las pautas de realismo a las que contribuyen personajes y entornos reales, amén del escaso tiempo transcurrido desde los hechos, los directores aportan un compendio de imágenes simbólicas donde brilla la creación mediante metáforas no siempre bien entendidas por un público poco instruido y por un Stalin que hubiera preferido menos florituras y más panfleto, del que ya va cargado.
Así pues el resultado en conjunto es una mezcolanza donde la vanguardia y la propaganda se justifican con un montaje, una vez más brillante entresacado de los 49.000 metros de película de la que solo quedaron 2.800 fruto de la selección de sus autores y de la tijera del estado que según fue pasando el tiempo acomodaba personajes y situaciones según sus intereses. El asalto al palacio de invierno narrado de forma épica parece que fue algo más anodino, con escasa resistencia de un gobierno provisional ya difunto y con apenas cuatro muertos y algunos heridos. Eisenstein se inspiró parcialmente en el libro del norteamericano John Reed, "10 días que estremecieron al mundo".
Quizás el distanciamiento un poco mayor en el tiempo y anterior a la revolución de los hechos narrados en "La Huelga" y "El acorazado Potemkin" dieran al director una mayor libertad creativa dentro de un orden. En cualquier caso el visionado hoy día de "Octubre" aburre en igual medida que asombra y maravilla.
LOCKE
6
1 h. 25 m.
Reino Unido / 2013
Steven Knight
Knight, reconocido guionista que lo mismo te deja k.o. con "Promesas del este", que se da un garbeo por Narnia, crea una serie de ganster para televisión o termina aliándose con Dan Brown, no deja de sorprendernos. Como realizador se estrena con una del machote Jason Statham y ahora vuelve a sorprendernos con un drama psicológico-telefónico de casi hora y media de un tipo que no sale de su coche y afronta sus consecuencias vitales, como si fuera el mismo Zenón de Citio, padre del estoicismo.
Lo que tiene que hacerse se hará si es lo correcto por encima de cielo y tierra, es lo que se plantea este encargado de obra especialista en cimientos que ve como los suyos propios están a punto de resquebrajarse.
La cosa, aunque lo parezca no es original, baste recordar la obra teatral "La voz humana" de Coteau allá por 1.930, y el cine ha dado también un buen puñado de ejemplos parecidos.
Para que la cosa funcione medianamente bien y no acabemos hasta el moño de variaciones de planos sobre el mismo tema (a veces si apagáramos el sonido creeríamos que estamos ante un spot de BMW y que vamos a escuchar aquello de "¿Te gusta conducir?), para que funcione decía, hace falta un buen actor o actriz y hay que reconocer que Tom Hardi da la talla por mucho que constantemente se este remangando la mangas de la camisa y ajustando su relój.
El Knight guionista se las arregla para mantener el interés, la tensión y equilibrar el drama, incluso con sutiles toques humorísticos. En definitiva uno es lo que es y sus circunstancias y hay que tener el valor de cambiar el intermitente cuando la ocasión lo requiere.
LUCY
6
1 h. 30 m.
Francia / 2014
Luc Besson
Lleva Besson más de 30 años empeñado y consiguiendo demostrar que la industria cinematográfica francesa es capaz de producir entretenimiento de serie del más variado pelaje al estilo USA. Si además cuenta con Scarlett y Freeman, las fronteras se difuminan.
Este batiburrillo de acción marca de la casa y pseudociencia entretiene lo suyo y pasa en un suspiro en el que se agradece que el director sea conciso con el metraje. Besson dice haberse asesorado sobre la parte "científica" y sin embargo insiste en que solo usamos un 10 % de nuestra capacidad cerebral, hecho que hoy por hoy es considerado un mito, cuando no refutado. Otra cosa parece ser que nuestras conexiones neuronales pudieran ser más eficientes. En cualquier caso aquí se aplica la máxima adaptada de la frase periodística: "que la verdad no te impida contar una buena historia".
GABRIELLE
7
1 h. 44 m.
Canadá / 2013
Louise Archambault
No es una película redonda, pero sí una película absolutamente necesaria. Segundo largometraje de la prometedora directora canadiense Louise Archambault, elegido para representar a Canadá en la próxima entrega de los Oscars.
Con toque de documental y mezclando actores profesionales con los auténticos protagonistas de la historia, un grupo de discapacitados que pertenecen al coro de "Las Musas" en un centro especializado. Entre ellos esta Gabrielle, que ha demostrado gran capacidad de trabajo y valentía, como cualquier otro actor, para encarnar este personaje que busca encontrar su lugar en el mundo y realizarse completamente como ser humano. La química entre el actor Alexandre Landry que está esplendido y Gabrielle es poderosa, emotiva y rezuma sinceridad.
La directora ha ejercido de funambulista para contar una realidad que no cayera en extremos sin dejar de poner sobre el tablero, las dificultades que conlleva la vida de estos hombres y mujeres necesitados de cuidados y la relación con las personas y familiares de su entorno donde, aún con el máximo amor y generosidad, no dejan de aflorar conflictos y prejuicios.
La película quiere ser optimista y transmitir un mensaje de igualdad y solidaridad. La sonrisa de Gabrielle y su grupo no tiene precio.
LA PASIÓN DE JUANA DE ARCO.
8
1 h. 50 m.
Francia / 1928
Carl Theodor Dreyer
La Francia de los años 20 era terreno abonado para experimentar con el nuevo arte cinematográfico. Las lecciones aprendidas de Griffit, Eisenstein y la corriente expresionista alemana germinarían en nuevos experimentos y vanguardias, desde Gance, Buñuel, Germaine Dulac o en este caso el Danés Dreyer, al que habría que sumarle la influencia del sueco Sjöstrom, que aprovecha la invitación y el encargo de La Societé Genérale des Films dado el éxito que tuvo en Francia su película "El amo de la casa" (1925).
Dreyer propone como enfoque a tres mujeres influyentes en la historia francesa: Maria Antonieta, Catalina de Médicis y Juana de Arco. Parece ser que se sorteó y le toco a la patrona nacional que había sido beatificada pocos años atrás.
Poco sabemos de ella históricamente y menos aún en la película aunque la fuente principal sea la misma: las actas de sus 29 interrogatorios que aquí se simplifican en uno. Dreyer también se apoyó en el libro sobre Juana de Joseph Delteil.
Poco le interesa al director el contexto histórico y sí la lucha entre el cuerpo y el alma que se produce cuando esta joven de apenas 19 años es obligada a elegir entre seguir viviendo a costa de renegar de sus creencias y condenar su alma.
Dreyer está convencido de que el rosto es el espejo del alma y se aplica a ello en un ejercicio de estilo arriesgado y novedoso donde durante la mayoría del metraje son solo los rostros los que comunican las pasiones de lo que allí está ocurriendo. Renuncia al entorno, a pesar de haber construido costosos decorados que brillan por su ausencia, utiliza un contraste de gran fuerza expresiva de la fotografía en blanco y negro, potenciada sobre fondos y espacios blancos y se apoya en la dirección de la interpretación de Maria Falconetti, actriz teatral que a pesar de sus 36 años solo necesita de sus ojos y sus sutiles matices faciales para acercarse brillantemente a la espiritualidad que le pedía Dreyer. Dentro del contexto de actuación exagerada del cine mudo y ante los primerísimos primeros planos su actuación es realmente sobresaliente. Travellings extensos, abuso de picados y contrapicados, encuadres, tratamiento de objetos y planos muy influenciados por el expresionismo y el cine soviético, se añaden a un ejercicio general de estilo donde la imagen toma un protagonismo absoluto por encima de los hechos.
Este tour de force no es capaz de mantenerlo durante todo el metraje y el ritmo y la planificación se rompen en un final donde a mi juicio sobran las escenas de la revuelta restando eficacia a las sobrecogedoras tomas de la quema.
El resultado final es una obra única, considerada maestra que en mi caso paticular en este primer visionado no ha ejercido la huella dramática y espiritual que pretendía el director aplastada por el derroche de innovación formal.
Los negativos originales se destruyeron en incendios por dos veces y la película desapareció hasta 1981 en que fue encontrada una copia enlatada que no fue abierta hasta tres años después en un armario de un sanatorio psiquiátrico en Noruega.
UNA CITA PARA EL VERANO
4
1 h. 30 m.
USA / 2010
Philip Seymour Hoffman
Si desafortunadamente Hoffman no hubiera fallecido de improviso este año que se nos va dejándonos huérfanos de uno de los grandes actores contemporáneos, este su primer film como director de hace cuatro años, no habría llegado a nuestras pantallas. Y ya que estamos la crítica no habría sido tan benevolente con un trabajo fallido que no malo, sobre la adaptación de la obra teatral "Jack goes boating", de Bob Glaudini, que el mismo Hoffman estrenó en el off-Brodway dirigida por Peter Dubois y que gozó de cierto éxito como para que Hoffman decidiera llevarla a la pantalla.
Supongo que descubriría lo complicado que es trasponer cualquier pieza teatral al lenguaje fílmico sin hacer teatro filmado. El director parece confiar en el éxito del texto, que tampoco es como para tirar cohetes, o al menos en su interpretación y la de su pareja, en este caso la estupenda Amy Ryan, la cual paradojicamente no participó en el montaje teatral. Y aunque ambos están esplendidos y sus escenas funcionen, no es suficiente para salvar un guión que necesita un gran empujón creativo por parte de una dirección que no es capaz de centrarse y picotea aquí y allá con un resultado muy irregular y desafortunado.
Nunca sabremos hasta donde hubiera podido llegar como director este hombre que hizo reales tantos personajes en la ficción. Cuando los revisitemos, seguro que desaparecerá en el pellejo de cualquiera de ellos y no podremos pensar en otra cosa. Grande.
BELLE
7
1 h. 45 m.
Reino Unido / 2013
Amma Asante
Uno pensaba que ya no se hacían películas así. Me refiero tan pulcras y cuidadosas para no herir la sensibilidad de un espectador que a día de hoy tiene las tragaderas hasta arriba de violencia y sexo. Aquí hay amor y horror, pero todo con una finura y una elegancia que sorprende, en general, positivamente.
El toque de atención y repaso social que Amma Asante nos ofrece utilizando la historia, viene bien en estas fechas de disturbios raciales y la aún perenne discriminación de la mujer por mucho que se haya avanzado en relación al siglo XVIII en contados lugares del mundo.
La prometedora directora ganadora de vario galardones con su opera prima "Un estilo de vida" (2004) ha tardado casi una década en presentarnos este segundo trabajo, de impecable factura y puesta en escena, para contarnos de forma muy equilibrada, algo convencional y siempre previsible, un episodio de la lucha por los derechos civiles en contra de la esclavitud y la ruptura por amor de los grandes intereses sociales en los que la mujer era utilizada como moneda de cambio. La abolición de la esclavitud en Inglaterra aún tardaría 35 años y en países como España más de un siglo.
Todo transcurre sin sobresaltos y salimos del cine con la satisfacción de habernos zampado un plato tradicional, bien cocinado y que no va a repetirnos durante la noche.
El reparto funciona correctamente a excepción del genial Tom Wilkinson que hace suyos los mejores momentos de la cinta y Emily Watson que con apenas una escena de contenido es capaz junto con Wilkinson de hacer subir muchos enteros lo que se nos está contando.
Amma Asante ya ha concertado con Warner su tercer trabajo para el que no esperaremos otra década y que aguardamos con interés.
HOMELAND (4ª Temporada)
10
12 episodios de 52 m. aprox.
USA / 2014
SHOWTIME / Howard Gordon / Alex Ansa
Prueba superada y con sobresaliente. Tres temporadas les duró el argumento de "Prisioners of War" de Gideón Raff. ¿Y ahora qué?, preguntaba la audiencia. Pues ahora media docena de guionistas, entre ellos los creadores de la serie, se han puesto las pilas y nos han regalado una obra contundente en doce capítulos, diez horitas más o menos del mejor genero de espionaje de los últimos tiempos.
Todo el elenco se lo curra muy eficazmente y la afortunada Claire Danes se ve sometida a una presión actoral constante sobre su personaje Carrie Mathison cuyo perfil moral se pone al limite, reflejando que aquellos que se dedican a lo suyo acaban siendo: "nadie en tierra de nadie", como dice el personaje interpretado por F. Murray Abraham.
El crescendo medido, consigue equilibrar intriga, acción y vida personal de los protagonistas, al igual que difumina la frontera entre los de uno y otro bando lo suficiente para que sin justificar nada, se vislumbren las razones de unos y otros.
Al final, creo que con buen criterio, han apostado por atar cabos personales y dejar abiertos todos los frentes para esa quinta, que como dijo aquel: "no hay quinto malo".
GARRAS HUMANAS
7
50 m. aprox.
USA / 1927
Tod Browning
Cuando Charles Albert a sus 16 años decidió dejar su hogar en Kentucky, cambiarse el nombre por Tod (tramposo) y recorrer el país enrolado en compañías circenses y de variedades, estaba llenando el deposito de ideas y experiencias de un mundo que plasmaría posteriormente en la pantalla y por el que básicamente sería recordado.
Es presumible que su temprana etapa a las ordenes nada más y nada menos que de Griffit le enseñaran casi todo lo que debía saber para convertirse en director de películas. Hizo de todo, pero son los films de terror, sobre todo el "Dracula" de 1931 que inmortalizó a Bela Lugosi, su binomio con Lon Chaney que dejó un puñado de cintas y su impactante, extravagante y políticamente muy incorrecta "Freaks" (1932) los que han escrito su nombre con categoría de mito en la historia del cine.
Durante mucho tiempo considerado un "artesano del género de terror", hoy goza de adoración y culto y sus trabajos son revisitados a la nueva luz de un existencialismo descarnado, bizarro y brutal del que a falta de más datos por mi parte no sabemos si el propio Tod era consciente.
Es lógico pensar que el grave accidente automovilístico que sufrió, destrozándose una pierna y falleciendo Elmer Booth, uno de los actores que le acompañaban, dejara huella y poso en su manera de entender la vida y el destino.
"The unknown", título original de 1927, año en el que Browning estrenó dos cintas más, está considerada como una obra maestra de las mejores de su filmografia por unos críticos, mientras que otros, o ni la nombran o directamente afirman que fue una de las peores que realizó con Chaney. Sobre gustos...
Hay en los minutos que nos han llegado, menos de una hora, pues la cinta estuvo desaparecida mucho tiempo, un aroma exótico como de cuento misterioso, con moraleja y pregunta existencial: ¿que serias capaz de hacer por amor?. Bien podría encajar en la serie de Amazing Stories de los años 80 de Spielberg, o en aquellas miticas "Historias para no dormir" de Chicho Ibañez Serrador.
La sugerente fotografía de Merritt Gestard, que se adapta tanto al mundo zíngaro de las variedades como al desnudo y frió hospital de reminiscencias expresionistas de Lang, en un Madrid apenas nominal (aparecen guardias civiles y carteles en español), la rotundidad física de una esplendorosa y veinteañera Joan Crawford y sobre todo el omnipresente rostro de Chaney al que le sobran los intertitulos para expresar el amor, el horror, la frustración, el odio..., y vaya usted a saber que más cosas que pasan por la cabeza de Alonzo, lanzador de cuchillos falsamente carente de brazos que quiere redimirse de su misterioso pasado al enamorarse ciegamente de su parteneire del espectáculo, y ve como esta acaba en los musculosos brazos del guapo forzudo de la compañía.
En su momento el trauma físico al que recurre Alonzo debió causar más impacto que el que nos provoca hoy su atormentada psique. Es notable también la capacidad de Browning para simplificar todo aquello que no sea el conflicto principal de la trama, que unido a su escaso metraje la hace más contundente y directa.
Chaney utilizó un autentico hombre sin brazos, especialista en manejarse con los pies para trucar sus habilidades con los mismos consiguiendo un resultado inquietante a la vez que imposible debido a los angulos en que aparecen los pies con relación al torso. Otra más de las "frikadas" del irrepetible Tod.
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CHEF
5
1 h. 55 m.
USA / 2014
Jon Favreau
Desde que en el 2008, este efectivo actor secundario nos sorprendió con una potente dirección en "Iron Man", que supuso su tarjeta de presentación como realizador, Jon Favrau no ha vuelto a levantar cabeza como máximo responsable de una cinta, sacando adelante encargos millonarios que funcionaban en taquilla rutinariamente.
Este "Chef" parece ser un proyecto más personal, de mucho menor presupuesto y como dice la canción: "con una pequeña ayuda de mis amigos", que dan lustre al cartel y poco más.
La combinación culinaria de segundas oportunidades, road movie, canciones y conflicto padre-hijo, acaba siendo un revoltijo de ingredientes desaliñados y bastante poco sabrosos con un humor tibio y un metraje que pasado los primeros veinte minutos se hace repetitivo y más que previsible.
No hay quien se crea ninguna de las relaciones que "el jefe" mantiene ni con su ex-mujer, ni con su "amiga", ni con su hijo a pesar de que no paran de subrayarlas con los diálogos.
A la postre parece que el propio director es el único que cree en su personaje defendiéndolo con una notable eficacia. No es suficiente y el bocadillo sabe más a sándwich envasado de gasolinera que a producto artesanal, por mucho son cubano que lo acompañe.
BOARDWALK EMPIRE (5ª Temporada. Final)
10
8 episodios de 51 m. aprox.
USA / 2014
HBO / Terence Winter
y
Todo lo bueno se acaba. Terence Winter nos regaló, la impagable "Los Soprano" y ha vuelto a dejar el pabellón en lo más alto con este imperio del paseo marítimo de Atlantic City de los años 20. Todos los aspectos han sido un lujo en una producción sobresaliente apadrinada por Scorsese.
En estos ocho capitulo han sabido atar todos los cabos y cada personaje, histórico o no, ha asumido su protagonismo. A la postre todos estos mafiosos germinaron de estratos marginales y desfavorecidos en donde sobrevivir en una jungla implacable no les daba muchas alternativas y asumieron que las reglas eran igual de duras para todos en un ciclo de poder y caída inevitables.
Los viejos códigos de "honor" y paisanaje de la mafia mueren al acabar la prohibición y la sangre joven representada por Lucky Luciano impone las nuevas reglas que rigen hasta hoy donde el negocio está por encima de lealtades, tradiciones, nacionalidades y credos, mientras que en paralelo los peces gordos utilizan la política y el mercado de valores para seguir robando de forma "legal" sin tener que sacar las ametralladoras a la calle.
Steve "Nucky" Buscema, ha sido el pilar ejemplar de un elenco de actores fantásticos que nos han dejado una de las mejores series de la televisión.
¿Podrá Terence Winter seguir explotando en una tercera serie el mundo del hampa en otras décadas intermedias? Ojalá.
THE WALKIN DEAD (5ª Temporada)
7
8 episodios de 45 m. aprox.
USA / 2014
AMC / Frank Darabont
La serie, como sus protagonistas, hace lo que mejor sabe hacer: sobrevivir. Ya van cinco temporadas y lejos de decaer la cosa se mantiene con nuevos giros y personajes que en esta última entrega se suceden con rapidez. Los guionistas vuelven a subdividir la atención con diferentes subtramas que convergen al final sin detenerse demasiado en ninguna de ellas y las 8 entregas de esta temporada pasan volando.
Tras un comienzo "fuerte", no apto para muchos estómagos, todo vuelve a su cauce tras el tercer capitulo y los integrantes de esta familia van perdiendo y recuperando integrantes al tiempo que despachan "caminantes" según la tónica habitual. Han tenido el acierto a mi entender de rectificar lo que se prometía una linea a seguir convencional y los interrogantes dejan abierta la puerta para que sigamos atentos y enganchados al destino del grupo. Continuara...
COMO ENTRENAR A TU DRAGÓN 2
8
1 h. 42 m.
USA / 2014
Dean DeBlois
La serie de novelas para niños creada en el 2003 por la londinense Cressida Crowell, goza de perfecto estado de salud más allá del papel gracias al primoroso trabajo del equipo de DremWorks potenciado por el 3D y la ágil y elaborada dirección de DeBlois que repite el éxito de hace cuatro años con la primera entrega.
Los personajes han crecido y evolucionado y la aventura, de guión más o menos convencional se las arregla para seguir contentando a grandes y pequeños con un fondo ecologista y pro animal que se agradece a la vez que mantiene unas rupturas de las convenciones del genero que ya hicieron "diferente" las andanzas de estos vikingos y que añaden un rasgo de madurez psicológica que pueden dejar poso inconsciente en los más pequeños y abrir el debate con sus mayores. Rupturas que por motivos de la trama no se deben desvelar aquí.
En algunos momentos el ritmo puede decaer, y como es lógico ya no goza de la sorpresa inicial, pero Hipo, Desdentado y su mundo han llegado para quedarse y los volveremos a encontrar próximamente.
BEGIN AGAIN
7
1 h. 44 m.
USA / 2013
John Carney
Tócala otra vez, John. Porque John Carney repite la jugada que tan bien le salió con la adorable "Once", siete años después. Es cierto que ya no nos sorprende y que los apellidos de los protagonistas y el tono de la producción le dan un toque menos sincero y fresco, pero la esencia, esto es, la pasión por la música y las canciones sigue ahí y hace de hilo conductor para una comedia romántica agradable que deja su recadito a la industria a tenor de los nuevos tiempos.
Ruffalo y Keira están entrañables y todo rezuma un buen rollo de cuento de hadas neoyorkino que apetece y es necesario para sobrellevar la tragedia nuestra de cada día.
Las canciones de Gregg Alexander se disfrutan lo suficiente para que acompasemos el ritmo y dentro de los cánones del género se permite la licencia de un final diferente que invita a recordar aquello de: "hoy es el primer día del resto de mi vida". ¿Sera capaz Carney de volver a tocarla dentro de otro lustro?
NAPOLEÓN
8
5 h. 10 m.
Francia / 1927
Abel Gance
Abel Gance va sobrado. Mucho más incluso que este Napoleón de aspecto vampírico (Albert Dieudonné). Su pasión por el cine le lleva, sobre todo en esta época de madurez, a abordar proyectos de gran metraje como "La rueda", cuando no inmensos como el proyectado de 6 films sobre la vida de Bonaparte del que solo pudo realizar el primero, ya con una duración de más de cinco horas.
Lo ejecuta con pasión casi febril durante dos años y aporta una galería de innovaciones técnicas que a la postre son su mayor legado, que van desde el propio plano conceptual y simbólico de las imágenes, a los múltiples fundidos, liberación de la cámara que se ubica en mano o en sitios insólitos, los cortes rapidísimos que ya había ensayado en "La rueda"..., etc, etc, llegando incluso a la misma sala de proyección con su sistema de Polyisión con varias pantallas y proyectores. Lo dicho, sobrado. Y además se le nota que es consciente, que quiere subrayar la importancia de lo que está haciendo y de como lo hace, aunque tenga que utilizar los propios intertítulos y su propia firma en cursiva como broche final.
¿Y que es del propio Napoleón?. Pues Gance le deja un hueco hierático, de símbolo de la Gran France, padre de la patria, dios olímpico transmutado en semi hombre, semi águila, que siendo un genio introvertido y mesiánico desde su más tierna infancia (genial la pelea de bolas de nieve) llegará a apuntalar la revolución que cambió el mundo occidental y prefigurar la unidad europea, aunque por el camino se cargue a la mitad de su pueblo y a la otra mitad de Europa. Nos quedamos con las ganas de saber si en las siguientes cintas que nunca llegaron a realizarse, Gance seria algo más critico con las sombras del Gran Corso. Aquí todo son luces, aunque sea un patoso en asuntos amatorios.
En cinco horas hay de todo, grandes escenas y momentos y mucha repetición a la que habría que meterle la tijera, lecciones de historia, personajes famosos bien caracterizados, grandes movimientos de masas, infinita variedad de planos y todo a un ritmo la mayoría de las veces vertiginoso. Algunas subtramas herederas del folletín decimonónico relacionadas con Josefina y un tono épico y chauvinista que debió acojonar al propio Griffit.
Una gran fiesta del cine, una genialidad desorbitada donde uno puede salir con muchas cosas en la cabeza inolvidables y un dolor de la misma a la altura del magno evento.
Coppola en el 81 la restauró y le dio un empujón para que las nuevas generaciones vieran y oyeran (música de su padre) que en el 27 sabían de que va esto del cine.
LAS VIDAS DE GRACE
10
1 h. 36 m.
USA / 2013
Destin Cretton
Cuando están apunto de encenderse las luces y uno no quiere moverse de la butaca, no quiere abandonar a esos personajes que te han dejado huella en el alma, con los que has sufrido, te has reído y les deseas lo mejor aunque sepas que son ficción, aunque sepas que muchos como ellos siguen perdidos en sus propios laberintos, no te quedan fuerzas ni ganas para analizar si tal o cual aspecto podría haberse mejorado para que fuera mejor película de lo que es. Solo quieres que el poso se asiente en algún lugar de tus buenos recuerdos y no se pierda jamás.
Cine indi, alejado de los oropeles, premiado en festivales y circuitos sin alfombras rojas, con un guión y un montaje maravilloso, un reparto de actores para enmarcar, una bso exquisita y un joven director hawaiano en su segundo film que ya puede jubilarse si quiere y darse por satisfecho. Ojalá que no. ¿Que de que va "Short term 12"?. Dense el lujo de descubrirla.
UN TOQUE DE VIOLENCIA
6
2 h. 10 m.
China / 2013
Jia Zhang Ke
El extenso e interesante documental "Historias de Shangai" es el único trabajo que conozco de este director chino de 44 años y cuyos trabajos atesoran un buen puñado de premios.
Aquí se atreve con un guión del propio director sobre la novela de Su Tong, que zarandea o mejor dicho vapulea a una sociedad, la suya y por extensión al resto del mundo, donde la población se pregunta: ¿que pecado he cometido? para ser maltratada y explotada sin piedad por aquellos que nos gobiernan. En su caso en un sistema que ha sabido sintetizar en beneficio de unos pocos lo mejor, para ellos, del comunismo férreo y el capitalismo más salvaje para convertirse en la segunda potencia mundial. No es de extrañar que la cinta no hay sido bien vista por el poder.
El mensaje es claro y estremecedor, pero a mi juicio, no ha sabido contarlo con la habilidad suficiente para que empaticemos lo suficiente con esos personajes cruzados vagamente que comparten la violencia que genera tanta frustración y desencanto. El ritmo es desigual y el metraje comienza a pesar en algunos momentos.
CORAZÓN DE LEÓN.
7
1 h. 40 m.
Argentina / 2013
Marcos Carnevale
Hermosa y bienintencionada comedia romántica cuya variable que la hace singular funciona a pleno rendimiento, bien engrasada con diálogos de humor inteligente en una primera parte deliciosa. Sin embargo va perdiendo fuelle, las situaciones se estancan y Carnevale tira de tópicos del genero para terminar el asunto con un mínimo de dignidad.
Se hecha en falta un guión que sin pasarse, meta más el dedo en la herida y lo que la eleva por encima de la media es la soberbia interpretación de todos sus personajes, demostrando una vez más que del filón de actores argentinos se sigue extrayendo lo mejorcito de del arte dramático.
EL LOBO DETRÁS DE LA PUERTA
6
1 h. 41 m.
Brasil / 2013
Fernando Coimbra
Mucho lobo y con muchos dientes para un cazador "novato" como Coimbra, que aún así sale vivo de una historia desgarradora que debería tener una segunda oportunidad.
El discurso narrativo avanza a trompicones con una exposición rápida y directa del hecho desencadenante de la historia donde las elipses se suceden dejando a los personajes huérfanos de los sentimientos que el hecho les provoca. A continuación no tiene reparos en demorarse excesivamente en escenas y situaciones que se quedan muy cortas para la complejidad de lo que sienten los personajes, que por otra parte carecen, a mi juicio de la tan cacareada "química"y uno no acaba de ver aflorar el deseo, la pasión o la paranoia que conduce a un final que por si solo da un tremendo empujón, por muy mal que se rodase, que no es el caso.
Coimbra como guionista ha sabido dar luz a una historia entresacada de cualquier periódico diario, donde se nos informa de hechos que detrás llevan equipajes de dolor o de locura, a veces incomprensibles.
EL AMANECER DEL PLANETA DE LOS SIMIOS
7
2 h. 10 m.
USA / 2014
Matt Reeves
La segunda entrega de esta nueva época de la franquicia simia no solo ha consolidado la misma con unos beneficios de taquilla abrumadores sino que encarrila la historia y dignifica el producto que puede dar mucho juego.
El guión es de manual. Trillado y mil veces visto pero y he aquí la gracia, Reeves le quita todo exceso formal haciéndolo llevadero. Incluso modera con buen criterio el sonido y se contiene dejando todo el protagonismo a la factoría Weta, que a pesar de que inicia la cinta con una cacería digital más propia de un videojuego, da posteriormente un paso de gigante con las nuevas innovaciones en la técnica de captura de movimiento y el universo digital reclama su sitio para quedarse en el cine del futuro. Eso si, con el aporte actoral humano entre bastidores que sustenta todo el desarrollo posterior. Tanto Andy Serkins como Tobby Kebbells hacen un trabajo excelente. También hay gentes de carne y hueso, poco más que figurantes que hacen de frontón para que los primates se vayan acostumbrando a que el planeta lleve su nombre. Tercer éxito pues de Reeves, director que parece especializado en sacar petroleo de material a priori poco prometedor como monstruos de bajo presupuesto (Monstruoso), remakes de películas que no lo necesitaban (Déjame entrar) y guiones tan sobado como el culo de un mono. Con perdón.
EL HERMANITO
10
1 h. 24 m.
USA / 1927
Ted Wilde / J.A. Howe / Lewis Milestone
Chaplin, Keaton y LLoyd. Y no necesariamente por ese orden. Los tres genios de la comedia antes del sonoro, después y siempre. Cada cual los pondrá en su orden de preferencia, para mi los tres están juntos en el número uno del cajón.
Es cierto que Lloyd ha estado durante más tiempo "escondido", dado que sus herederos tardaron bastante en ceder los derechos de sus obras para la difusión televisiva y que Chaplin quizás prolongó sus éxitos algo más con el sonoro, pero visto en perspectiva ellos si que son el auténtico tridente goleador que provocan, en palabras del propio Lloyd: "el mejor sonido del mundo: la risa". Y no solo eso, por supuesto.
En el 27, Lloyd estaba consagrado y su meticulosidad y preparación de cada uno de sus trabajos obtenían resultados fascinantes.
"The Kid brother", es una gozada de principio a fin, con un ritmo "in crescendo", marca de la casa y un equilibrio entre el slapstick medido, la aventura, el amor y el drama más que notable. Tras un comienzo progresivo donde la comedia y los gags inteligentes se suceden sin parar, el conflicto heredero de la película "Tol´able David" (Henry King / 1921), se afianza en una historia de superación personal ayudado por el amor para desembocar en una pelea antológica, un mono increíble (Keaton lo volvió a fichar) y un final que destila gusto por el detalle.
Un buen reparto, que supuso la última colaboración de su habitual pareja en la pantalla Jobyna Ralston y unas ganas tremendas de volver a encontrarnos con este hombre vulgar de gafas de concha capaz de demostrar que cualquiera podemos ser héroes si creemos en nosotros mismos.
LA CUEVA
6
1 h. 20 m.
España / 2012
Alfredo Montero
Dice el director Alfredo Montoro que pretendía hacer una película cámara en mano como "El proyecto de la bruja de blair" (Daniel Mirick / Eduardo Sanchez /1.999) pero mas asequible al gran público y menos mareante. Lo ha hecho.
Su propuesta es otra variante de películas de cuevas o de atrapados en recintos claustrofóbicos, pero aporta que se ha rodado básicamente dentro de una cueva real. Montoro se maneja bien y aunque la productora que le ha dado el empujón después de ver una primera versión en Sitges le ha hecho desechar la mitad de la película y volverla a rodar con la ayuda del prometedor guionista Javier Gullón, el producto final le ha quedado muy vendible y nos hace pasar un buen o mal rato.
Paradojicamente me gusta más la dirección de Montoro hasta que se desata el conflicto. Le funcionan las elipses y presenta a los personajes y la situación de una forma muy agil, incluso divertida. Una vez que comienza el drama ese tempo acelerado impide que lo que ocurre tenga una maduración y un proceso que lo haga creíble, más allá de las idas y venidas y estrecheces que pasan los actores. Los personajes, lo poco que sabíamos de ellos desaparecen en favor de la brutalidad y de los sustos sin que lleguemos, al menos por mi parte, a sentir algo de verdad en lo que está ocurriendo. Oportunidad perdida. El remake americano para el que han vendido los derechos puede, lo dudo, que de más volumen a los personajes. Lo fácil será desbarrar en un guiñol sanguinolento y Montoro no lo ha hecho. Se agradece.
BORGMAN
6
1 h. 53 m.
Holanda / 2013
Alex van Warmerdam
La idea de la que parte Wardermam no esta mal. Revisionar y actualizar las historias medievales de los íncubos y súcubos, diablos menores que se van apoderando de las gentes para sus fines incluso llegando a causarles la muerte. El estilo formal con que nos lo cuenta también posee originalidad, fuerza y nos inquieta durante un buen rato del metraje, pero pronto el desarrollo se estanca, la cosa no avanza y la "faena" se deja sin rematar, en la confianza de que el espectador aporte de su cosecha lo que le falta a la cinta. En Sitges coló y le dieron el premio a la mejor película.
Las frustraciones y deseos reprimidos sexuales de la dueña de la casa son el punto debil por donde estos demonios fastidiosos agarran y no te sueltan. Warderman juega inteligentemente con el susto que nunca llega y mantiene la atmósfera ayudado por esa casa tan moderna, fría y aseptica donde parece que el mundo viejo de miedos y leyendas ha sido superado con creces por la tecnología y la razón. Pero "ellos" siguen acechando.
Algunas subtramas son relleno sin alma y los actores cumplen sin estridencias.
Es cierto que el hecho de que los "malos", sean morenos de pinta eslava y con aspecto desaliñado que vienen a por el pan y la sal de los rubios, guapos y triunfadores holandeses deja un mosqueo tan desasosegante como la película.
EL ABUELO QUE SALTÓ POR LA VENTANA Y SE LARGÓ.
5
1 h. 54 m.
Suecia / 2013
Felix Herngren
Parece ser que Robert Guftanson el actor que interpreta al anciano protagonista, es un cómico de gran popularidad en Suecia llegandosele a apodar: "el hombre más gracioso en Suecia". Además una de sus especialidades es, a sus 49 años, los personajes de ancianos. Podría ser el equivalente a un José Mota español. Su versión del abuelo que saltó por la ventana es tan anodina como la caracterización que luce y la propia versión de una novela que en 2013 había vendido tres millones de ejemplares.
Dicen los que la han leído que es divertidísima. Pues nada a leerse el libro porque la cinta es tediosa y plana, aunque en algunos momentos aflora la sonrisa en gags que nos retrotraen a la serie televisiva de Benny Hill.
El asunto se subdivide en dos tramas. La primera es un thriller disparatado que promete en sus primeros minutos y que luego se vuelve previsible al tiempo que es destrozado por las incursiones de la segunda trama, un remedo insustancial de Forrest Gump, donde lo mejor son algunas ambientaciones a modo de postales del cine de género.
Hacía tiempo que no deseaba tanto saltar de la butaca y largarme.
UN LARGO VIAJE
7
1 h. 56 m.
Australia / 2013
Jonathan Teplitzky
"Railway man", tenía todos los ingredientes para ser una gran película. Desafortunadamente no ha sido así, pero ello no quiere decir que el resultado final la haya convertido en una mala película. La crítica la ha vapuleado y la taquilla le ha dado la espalda. Sin embargo pienso que posee los suficientes alicientes como para tenerla en consideración.
Desde un arranque prometedor, prácticamente lo mejor cinematograficamente hablando, hasta un final donde la fuerza de lo que se nos está contando va mucho más allá que la forma en la que se nos cuenta, pasando por unas interpretaciones realmente notables de los actores principales. Que otro director y otro guión hubiera dado mejores frutos es un futurible que no deja de morir en el campo de la especulación.
Lo que hay es una historia de ritmo pausado que mantiene el interés en su primera media hora y atraviesa sus baches narrativos de forma algo tosca y en el que se acaba imponiendo un perdón increíble y necesario, única salvación utópica para que el mundo pueda redimirse y seguir adelante. En general no creo en la piedra filosofal que convierte el odio en amor, pero individualmente Eric Lomax y su torturador pudieron exorcizar sus demonios interiores y seguir viviendo
LA QUIMERA DEL ORO
10
1 h. 35 m.
USA / 1925
Charles Chaplin
La verdad es que se me hace muy difícil escribir algo que sea medianamente digno con relación a esta obra maestra que he vuelto a revisitar una vez más, y una vez más me golpea directamente al corazón, me provoca la risa más franca y sencilla y me llena de una melancolía agridulce invariable con el paso del tiempo.
Tercer largo de Chaplin al que le costó que le dejaran abandonar los cortos porque no confiaban en que el público aguantara un largo de Charlot. Chaplin demostró en más de una ocasión que se equivocaban y a pesar de su inmenso ego no se si llegaría a soñar que pasado casi un siglo seguimos muy lejos de cansarnos. Aunque en realidad nunca dejó la técnica de rodar cortos, lo genial era que fue capaz de unirlos ensamblando una historia de largometraje.
Aquí cada una de las partes es antológica y se podrían visionar independientemente. Escenas como la "degustación" de la bota, el baile de los panecillos o la cabaña al borde del precipicio, son magistrales e irrepetibles.
Es cierto que Chaplin juega con los sentimientos más primarios y a veces sensibleros del público, como ese final que acabó por suprimir en el reestreno sonoro que hizo en el 42, pero lo compensa con creces. El oro siempre es más fácil de encontrar que el amor verdadero y la pobreza nunca será tan triste como la soledad de esa nochevieja en que las velas se van consumiendo sin nadie a tu lado.
UN PLAN PERFECTO (AMIGOS CON HIJOS)
5
1 h. 47 m.
USA / 2011
Jennifer Westfeldt
La actriz Jennifer Westfeldt, salta a la dirección con una comedia con pretensiones sobre las relaciones de pareja y como el tiempo y los hijos aportan una variante que puede dar al traste con los sueños de vivieron felices..., etc., en una sociedad acomodada de treintañeros wasp que se sienten frustrados si no pueden ir a un Bristó a tomarse una copa sin niños o tener una vida sexual variada. La dirige con corrección formal desprovista de un sello personal, deudora de series televisivas como Friends (ya quisiera) y con un reparto de comparsas, entre ellas Jon Hamm su marido, que giran en torno a ella misma como protagonista femenina absoluta.
La cosa no pasa de ser agradable y olvidable, sin mojarse demasiado en el drama que puede suponer la llegada de los hijos o que estos formen parte de familias separadas. Todo ello aderezado con humor de trazo grueso y sexual que tampoco es ni siquiera políticamente incorrecto.
Pronto se cumplirán diez años que nos dejaron los chicos de Friends y todavía siguen sin herederos.
SABOTAGE
4
1 h. 49 m.
USA / 2014
David Ayer
No es la primera vez que "Días de cine", el legendario programa sobre el cine en la 2 de rtve, me hace picar, por el respeto que siempre me ha merecido, alabando alguna que otra cinta más bien deplorable, como es el caso.
Independientemente del criterio subjetivo de cada cual, uno viene detectando que si la distribuidora es poderosa, se cortan un pelín, cuando no se agarran a un clavo ardiendo de sus escasas virtudes para promocionarla. Algo empieza a oler a podrido.
Como podrido esta el reguero de cadáveres masacrados en los que se regocija, para bien de los aficionados al gore, un David Ayer que en trabajos como "Sin tregua" (2012) parecía que apuntaba maneras. El juego de engaños no va tanto dirigido a la trama sino al espectador, presentándonos un grupo interesante de personajes con un Arnold más sobrio y comedido en un rol "diferente" y un robo que aporta algo de intriga. Todo ello lo refuerza con la presencia de Olivia Williams que aporta seriedad al asunto. Y dicho esto, todo ello Ayer lo tira a la basura y se dedica a disparar a diestro y siniestro con unas escenas y giros del guión que realmente causan vergüenza ajena en proporción geométrica al paso de los minutos, con un final al que solo le falta un subtítulo que diga: "Si ha llegado hasta aquí ud. es tonto". Yo el primero.
DOS VIDAS
7
1 h. 37 m.
Alemania / 2012
Georg Maas / Judith Kaufmann
Cuenta su director Georg Maas que la película pudo caer en el olvido al ser rechazada en los festivales más importantes y que gracias a que fue propuesta como candidata a los Oscars por Alemania, pudo conseguir el interés de los distribuidores internacionales. Afortunadamente, porque "Dos vidas" es una buena película, con buenas interpretaciones y un guión basado muy libremente en la novela inédita "Edad de hielo" de la escritora alemana Hannelore Hipe, que mantiene el interés del espectador ante otra más de las derivadas que van saliendo a la luz de el régimen de la extinta RDA.
Si bien Maas lo ha construido como un thriller de intriga sustentado por el espionaje de la "guerra fría", es en el núcleo familiar de la protagonista donde la tensión se hace palpable y se refleja que el paso del tiempo, la paz y la estabilidad emocional hacen que las causas por las que uno estaba dispuesto a dar la vida cobren otro sentido más humano y menos político. Judith Kaufmann aporta su sabiduría fotográfica y el ajustado metraje acota una buena historia en la que se hecha en falta precisamente algo más de desarrollo sobre los personajes y sus reacciones ante la verdad.
El final nos deja una sensación de desasosiego que confirma que cuando caen las dictaduras y los sistemas solo arrastran a un pequeño porcentaje de aquellos que contribuyeron a ellos y los hicieron posibles.
EL GRAN DESFILE
9
2 h. 6 m.
USA / 1.925
King Vidor
Vidor llevaba ya en su mochila 29 films cuando su amigo y productor de la MGM Irving Thalberg le consiguió algo más de la media del presupuesto general de producción de la Metro para esta cinta y también para "The Merry Widow" de Stroheim, para compensarle en este caso los tijeretazos que le metió a "Esposas frívolas". Ambas cintas curiosamente protagonizadas por John Gilbert.
La unión de Thalberg y Vidor dió como resultado una cinta redonda desde todos los puntos de vista, aunando, calidad, critica social, amor, humor, espectacularidad y sobre todo un rendimiento en taquilla de quince millones de dólares de la época, que apuntalaron a Vidor para seguir con holgura una carrera que le llevó al olimpo de los grandes.
La cinta, quizás pasada un poco de metraje, ya que a mi juicio el director se recrea demasiado en la comedia romántica que ocupa buena parte de la primera hora, por mucho que funcione la química entre Gilbert y la estupenda Renee Adoree, funciona como alegato antibelicista sin perder comercialidad y entretenimiento. La sociedad acomodada que repite una y otra vez a lo largo de la historia su entusiasmo por mandar a sus hombre a las guerras en busca de honor, victorias y aventuras sin escarmentar ante el horror y la muerte que estas le devuelven, la camaradería con los compañeros que no entiende de clases sociales, el descubrimiento del amor pasional en contra del acordado familiarmente, y la cruda realidad del frente con su carnicería indiscriminada y sus actos de odio, heroísmo y compasión. Todo tiene cabida en la cinta de Vidor, sirviendo de modelo a seguir para tantas y tantas cintas que tomarán ejemplo e inspiración en este trabajo.
Un clásico.
OPEN WINDOWS
6
1 h 37 m.
España / 2014
Nacho Vigalondo
Sin duda hay que agradecerle a Vigalondo esa pasión por la fantasía, por las historias alambicadas y por el riego formal que ha asumido en esta última entrega. La verdad es que disfruté con "Extraterreste" (2011) y me quedé a medias con su opera prima los "Cronocrimenes" (2007), igual que con este batiburrillo informático cuyo fondo y forma deja más poso que el thriller algo casposo que aflora a la superficie.
Sasha y Elijah se toman con profesionalidad esta historia imposible de un nuevo Fantomas 3.0 que acaba por marearnos con la virtud de su originalidad entre tanto salto de pantalla.
Al final nuestro "disco duro" se satura y nos pide que apaguemos y reiniciemos. Dudo que en el almacenamiento de nuestra memoria quede hueco para "Open Windows".
EL EXTRAORDINARIO VIAJE DE T.S. SPIVET
7
1 h. 45 m.
Francia / 2013
Jean-Pierre Jeunet
Bien podría titularse: "Jeunet se va al oeste", como en su día hicieron los Hermanos Marx, o Tintín, o tantos otros poseedores de un mundo particular que aportan su singular mirada sobre ese mítico territorio norteamericano con el que el cine nos ha llenado la cabeza de historias y leyendas.
De Jeunet como de Wes Anderson siempre podemos esperar mágicas sorpresas, gozo visual, diversión y un viaje al otro lado de sus espejos donde reina una estética colorista, de guiñol barroco, a veces inocente y otras tenebroso.
Jeunet observa los tópicos de esa tierra vasta y hermosa pasando de la vida en el rancho donde Lewis y Clark se mezclan con John Ford, a una "railway-movie", espectacular y bella con un divertido homenaje a "El emperador del norte" (Robert Aldrich / 1973), para terminar desinflándose con un último tramo donde el trauma del chaval se diluye en tono de comedia convencional.
Podía haber sido una obra redonda, bien interpretada, pero como la máquina del movimiento perpetuo que inventa T.S. tiene caducidad antes de que termine el metraje.
9
38 m.
Francia / 1923
Germaine Dulac
Germaine Dulac (1.882-1.942) es un ejemplo más de esos hijos, en este caso hija que proviniendo de una familia militar acomodada acaba en el lado contrario sumergiéndose en un interés cultural muy variado y abrazando los presupuestos socialistas y feministas de la época.
Su vasta cultura general, su interés por la fotografía y sus dotes literarias la hacen converger en el cine como medio total de expresión y fundar su propia productora con su marido, con lo cual suponemos que sabe muy bien lo que quiere y como lo quiere cuando aborda el corto que nos ocupa. El guión viene de la mano de dos reputados dramaturgos de la escena francesa y la fotografía, precursora del cine "noir" no le va a la zaga con dos directores que también colaborarían con Abel Gance o Feyder.
Es pues un trabajo muy elaborado perteneciente al grupo llamado: "Escuela impresionista francesa", donde la forma de narrar debía reflejar la conciencia del personaje. Dulac lo consigue sin lugar a dudas y más tarde acabaría también experimentando con el surrealismo.
Todo aquí está al servicio de los pensamientos y sentimientos de Madame Beudet, atrapada en un matrimonio, suponemos que de conveniencia, donde la asfixia existencial, le lleva a fantasear y a ejecutar el asesinato de su marido, un ser pagado de si mismo cuya concepción de lo que es el matrimonio y de las mujeres en general entra de lleno en el paternalismo y machismo que salvando las distancias aún perdura en buena parte de la sociedad occidental
El gusto por el detalle, la sutileza de las intenciones, la fuerza de muchas de las escenas en tan solo 38 minutos y su belleza formal, la desestructuración de la realidad, rodean a una contundente critica feminista con un final realmente genial. O mejor dos porque Dulac añade una coda desoladora que pesa como una losa cerrando las salidas al laberinto hipócrita que la sociedad masculina ha construido para atrapar al segundo sexo que diría Beauvoir.
En definitiva una pequeña gran joya muy pulida, llena de matices y en la que quizás sobran algunas escenas del negocio del marido y del matrimonio Labas.
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