!COSAS VEREDES! (3) Cine & libros y algo más.










!ME TRASLADO! 




Cambio de "local" para intentar mejorar en lo posible o al menos poner algo de orden. Si os apetece nos vemos en:

                                cineziete.wordpress.com











S U M A R I O

INCIERTA GLORIA.
IMPERIUM.
LA BELLA Y LA BESTIA.
YO NO SOY MADAME BOVARY.
FARGO III (TV)
THE LEFTOVERS III (TV).
AMERICAN GODS I (TV).
YERULDEGGER. MUERTOS EN LA ESTEPA (Libro)
DOÑA CLARA.
THE YOUNG POPE I (TV)
DE AQUÍ A LA ETERNIDAD.
LAND OF MINE (BAJO LA ARENA).
LA COMUNIDAD DE LOS CORAZONES ROTOS.
ZONA HOSTIL.
GOLD, LA GRAN ESTAFA.
EL FUNDADOR.
KONG. LA ISLA CALAVERA.
TRANSEUNTES.
LA CHICA DESCONOCIDA.
MADAME DE...
O.J. MADE IN AMERICA (TV)
EL VIAJANTE.
LOGAN.
ROSY & JOHN (Libro)
FENCES.
LA SOGA (Libro)
RANGOON.
HISTORIA DE UNA PASIÓN.
BAJO EL SOL.
MELODIAS DE BROADWAY.
LA VIDA DE CALABACÍN.
T2. TRAINSPOTING.
HEDI, UN VIENTO DE LIBERTAD.
CAMILLE (Libro)
EL NACIMIENTO DE UNA NACIÓN.
EL BÍGAMO.
JACKIE.
THE AMERICAN WEST (TV).
MOONLIGHT.
FELICES SUEÑÓS.
BATMAN. LA LEGO PELÍCULA.
LA CARROZA DE ORO.
MANCHESTER FRENTE AL MAR.
EL DÍA MÁS FELIZ EN LA VIDA DE OLLI MÄKI.
THE AMERICANS V (TV)
AVES DE PASO.
LOS CUSTODIOS DEL TESTAMENTO (Libro).
MELANIE. THE GIRL WITH ALL THE GIFTS.
LA EXCEPCIÓN A LA REGLA.
BILLY LYNN.
EL ÚLTIMO REY.
SOLO ANTE EL PELIGRO.
BALLERINA.
LION.
COMO PERRROS SALVAJES.
MÚLTIPLE.
VIVIR DE NOCHE.
TONI ERDMANN
"QUE ESTÁS EN LOS CIELOS" (Obituarios)
CAUTIVOS DEL MAL.
LOVING.
LA VIDA SECRETA DE LOS ÁRBOLES (Libro)
SHIN GODZILLA.
LOS DEL TÚNEL.
FIGURAS OCULTAS.
LA CIUDAD DE LAS ESTRELLAS. LA, LA LAND.
LA TORTUGA ROJA.
LE FILS DE JOSEPH.
EUROPA 51.
PROYECTO LÁZARO.
LA AUTOPSIA DE JANE DOE.
SOLO EL FIN DEL MUNDO.
VIKINGOS (TV)
THE CROWN I (TV)
DESIERTO.
LA ZONA DE INTERÉS (Libro)
VIVIR.
TRAIN TO BUSAN.
CONTRATIEMPO.
SILENCIO.
COMANCHERÍA.
PASSENGERS.
ASSASIN´S CREED.
CARA DE ANGEL.
!CANTA!.
ROGUE ONE: UNA HISTORIA DE STAR WARS.
JUEGOS PROHIBIDOS.
INFILTRADO.
HASTA EL ÚLTIMO HOMBRE.
EL EDITOR DE LIBROS.
RECURSOS INHUMANOS (Libro)
ANIMALES NOCTURNOS.
LA DONCELLA.
ULTIMÁTUM A LA TIERRA.
VAIANA.
1.898: LOS ÚLTIMO DE FILIPINAS.
MAREA NEGRA.
GIMME DANGER.
LA REINA DE ESPAÑA.
ALIADOS.
DIARIO DE UN CURA RURAL.
CORAZÓN GIGANTE.
LA PUERTA ABIERTA.
HISTORIA DE ESPAÑA CONTADA PARA ESCÉPTICOS. (Libro)
CON LA PATA QUEBRADA.
LAS FURIAS.
UN TRAIDOR COMO LOS NUESTROS.
MIDNIGHT ESPECIAL.
UN LUGAR EN EL SOL.
LA LLEGADA.
ANIMALES FANTÁSTICOS Y DONDE ENCONTRARLOS.
UN AMERICANO EN PARÍS.
MANDA HUEVOS.
DESPUÉS DE LA TORMENTA.
JACK REACHER: NUNCA VUELVAS ATRÁS.
AMERICAN HONEY.
GRACIAS, JEFE.
MI CHICA Y YO.
PANDORA Y EL HOLANDÉS ERRANTE.
LILTING.
GIRLHOOD.
EL DESTIERRO.
ORO EN BARRAS.
BREVE HISTORIA DE SIETE ASESINATOS (Libro)
A ESMORGA.
EL APÓSTATA.
LA CAMARERA LYNN.
PELO MALO.
EXTRAÑOS EN UN TREN.
LA BAILARINA.
100 METROS.
SULLY.
QUE DIOS NOS PERDONE.
MAGGIE´S PLAN.
YO, DANIEL BLAKE.
UN TRANVIA LLAMADO DESEO.
OUIJA: EL ORIGEN DEL MAL.
CUANDO TIENES 17 AÑOS.
TROLLS.
LA CHICA DEL TREN.
LA PRÓXIMA PIEL.
EL GRAN CARNAVAL.
EL CONTABLE.
VERANO EN BROOKLYN.
 SNOWDEN.
THE MECHANIC: RESURRECTIÓN.
EN UN LUGAR SOLITARIO.
UN MONSTRUO VIENE A VERME.
LA FIESTA DE LAS SALCHICHAS.
SING STREET.
!QUE ESTÁS EN LOS CIELOS! (Obituarios)
LOS OLVIDADOS.
EL CREPÚSCULO DE LOS DIOSES.
ELLE.
LOS EXILIADOS ROMÁNTICOS.
EL HOGAR DE MISS. PEREGRIN PARA NIÑOS PECULIARES.
FLORENCE FOSTER JENKINS.
EVA AL DESNUDO.



La totalidad de mis críticas de cine publicadas como ELZIETE a lo largo de los años puedes encontrarlas también en FILMAFFINITY.COM









INCIERTA GLORIA

 7
1 h. 45 m.
España / 2017
Agusti Villaronga




Vuelve Villaronga a la guerra incivil española después de siete años de la premiada "Pa negre". En este caso como marco para un melodrama sintetizado de la extensa novela de Joan Sales (1912-83). Dramas personales dentro de otro gran drama colectivo, ubicado en un frente de Aragón en "stand by", donde los combatientes van cavando trincheras que les servirán de refugio o de fosa común cuando los generales decidan que es hora de regar sus campos con la sangre de los de siempre a mayor gloria incierta de patrias, repúblicas, dioses o libertades que ya se saben como acaban.
Una producción muy cuidada, un reparto entregado y un director que se siente cómodo dan lugar a una historia de amores, pasiones, frustraciones, venganzas... en la mejor tradición trágica. Un historia que quizás hubiera encajado mejor en una miniserie televisiva de calidad que pudiera dar más desarrollo a personajes y situaciones. 

 Valorada por la crítica y no tanto por el público suscita amores y odios. Dos bandos endémicos como siempre en un país al que le cuesta llegar a consensos.














IMPERIUM

 6
1 h. 49 m.
USA / 2016
Daniel Ragussis




Desde que abandonó Howard y la magia en el 2012, Radcliffe no para de asumir todo tipo de personajes. Parece una carrera desenfrenada para demostrar que es un buen actor más allá del rol de Potter (lo es) y que se atreve con todo. El problema es que no acaba de dar con la película, el guión o el director apropiado y va saltando de género en género sin pena ni gloria sin que por ello desmerezca su labor actoral.

Aquí la excusa es el supremacismo blanco y los grupos de ideología nazi y fascista que en mayor o menor medida siguen a lo suyo esperando su momento o al menos encontrando su hueco en este mundo que no aprende de sus errores.

No profundiza el director Ragussis en ello y se contenta con un thriller de corte casi televisivo a mayor gloria de su estrella que consigue que el conjunto mantenga la dignidad y un cierto interés educativo, aunque sea somero, para las nuevas generaciones.

Y a otra cosa mariposa, que diría el Radcliffe.








LA BELLA Y LA BESTIA

 7
2 h. 3 m.
USA / 2017
Bill Condon





La verdad es que daba un poco de pereza visionar la séptima adaptación cinematográfica de este cuento francés del XVIII que posee varias versiones a su vez y que bebe de las fuentes de Apuleyo, narrador romano del siglo I.
La poética versión de Cocteau en 1945 y el musical de animación de la propia Disney en el 1991, son dos joyas más que suficientes. Sin embargo Disney apoyada en los avances tecnológicos a decidido hacer caja con nuevas versiones de sus clásicos con más o menos variantes y puestas al día. En este caso poco aporta más allá del perfil más digno de Bella como mujer y el guiño a la tolerancia sexual en el papel de Lefou. Aspectos  educativos poco más que anecdóticos pero que se agradecen para las nuevas generaciones.

Mejorar la versión animada era tarea imposible así que mejor que poner en el proceso de clonación toda la artillería artística de producción. Disney enseña músculo y pone a un ejercito de profesionales para recrear el cuento con todo lujo de detalles. Curiosamente la recreación en CGI de la Bestia es lo menos logrado. 

El caso es que pasan los minutos de las dos horas y nos seguimos emocionando con los mismos pasajes aunque ya nos los sepamos. A Hermión-Watson, le tenemos cariño, la hemos visto crecer y le deseamos lo mejor en su carrera cuando su belleza adolescente le deje hueco para que puedan florecer de forma adulta sus capacidades dramáticas.

"La belleza está en el interior". Había que decirlo. 





















YO NO SOY MADAME BOVARY

 6
2 h. 8 m..
China / 2016
Feng Xiaogang





Para el común de los cinéfilos, supongo que  Zang Yimou a la cabeza y probablemente Wong Kar-wai forman todo el vocabulario conocido de la cinematografía china. Obviamente la nómina de directores y la producción es infinitamente superior, siempre con predominio de hombres sobre mujeres. De vez en cuando la puerta de los festivales da paso a otros nombres como Jia Zhangke o en este caso a Feng Xiaogang. Este último prolífico y reconocido autor en su país, sobre todo de comedias.

Su reciente Concha de Oro en San Sebastian y otros premios internacionales ha facilitado su llegada a las salas y a vuelto a impulsar la carrera de su director.

Este cuento chino, no es otra cosa, basado al parecer en otro del siglo XVII que a su vez da lugar a la novela "Yo no maté a mi marido" del propio guionista de la película, parte de una premisa interesante que da pie a una sátira sobre la burocracia china tan grande o más como su país y la ética personal. Y en las más de dos horas del excesivo metraje el director y su esforzada actriz protagonista parecen encallarse narrativamente al igual que el pleito de diez años del personaje principal en situaciones repetidas y en un vaivén en el tono que no acaba de agarrarse ni a la comedia absurda ni al melodrama quedándose en un tibio y frustrante termino medio.

El nombre de la  protagonista del cuento original Pan Jinlian, debido a sus malos actos, parece ser que da lugar en China al sinónimo de "mala mujer". De ahí el título original "Yo no soy Pan Jinlian" que se ha occidentalizado para su comercialización con el del personaje de Flaubert.

Así pues esta comedia dramática pasaría con más pena que gloria sino fuera por la apuesta estilística en la que se enmarca parte de la proyección en un circulo dando lugar a un arriesgado, interesante y bello trabajo de encuadres y fotografía a modo de estampas sucesivas que refuerzan el carácter de cuento y le confieren un encanto especial. Dicho marco se sitúa en las acciones que transcurren en el medio rural y adoptan un formato cuadrado que a su vez puede expandirse cuando acceden a la capital. Se dice que dichos formatos fueron un acuerdo entre director y autor, dado que este último no estaba muy convencido del "experimento circular". 

En cualquier caso dicho experimento acaba siendo su mayor virtud ensanchando las posibilidades creativa y la mente del espectador que acaba descubriendo otra forma de mirar que incide en la forma de sentir y nos recuerda que el cine sigue siendo algo mágico.



















FARGO III (TV)
6
10 episodios / 1 h. aprox.
USA / 2017
Noah Hawley




Supongo que Noah Hawley, creador y guionista de esta exitosa serie televisiva al rebufo y beneplácito de los hermanísimos Coen a querido hacer "algo diferente" dentro de los parámetros del thriller rural en que es de obligado cumplimiento que se enmarque la serie, en esta tercera entrega en la que se acompaña de un grupo más nutrido de guionistas. Lo consigue. Para bien y para mal.

Es precisamente ese marco el que pesa sobre su metafórica propuesta, descolocando al espectador, socavando la trama policial y a los personajes, que se convierten en excusa y arquetipos al servicio del mensaje que Hawley quiere transmitir. La atmósfera es la de siempre, el elenco estupendo y no faltan las dosis de acción y violencia marca de la casa, pero la cosa va de otra cosa, valga la redundancia.

A saber: Aquí estamos los mortales de a pie con mayor o menor éxito relativo en nuestro devenir (los Stussy del mundo), peleándonos por nuestras pequeñas miserias, tratando de encontrar algo de amor y estabilidad que nos de un sentido a nuestra existencia, mientra que los que nos gobiernan solo aparecen como policías o como recaudadores fiscales. Los primeros con pocas luces e interés por descubrir a los verdaderos culpables que nos amenazan y los segundos muy eficientes en su interesada labor exprimitoria. Las escasas excepciones simbolizadas por Carri Coon y la agente de tráfico son poco menos que granos insignificantes en el culo de un sistema que huele fatal. Aún así aceptamos las reglas y la vida sigue hasta que un monstruo viene a vernos.

De él solo conocemos poco más que unas iniciales que vaya usted a saber que significan si es que significan algo y que es ciudadano del mundo, vamos que está en todas partes. La composición que hace el gran David Thewlis de Varga es antológica y lo mejor de la temporada. Este monstruo insaciable que nos devora y regurgita sin parar en su insaciable sed de poder y de "verdadera riqueza", representante de ese 1% que controla el 80% de la riqueza mundial entra como Pedro por nuestra casa cuando y como le apetece y arrasa con todo, dejándonos en "crisis". Es significativo que sus acólitos despiadados sean un ruso y un oriental (¿chino?). Nadie está a salvo, ni siquiera la verdad, que siempre será la que quiera el estado esté este en la antigua Alemania Oriental o en la Norteamérica actual.

Para reforzar este sentimiento de desamparo y desubicación, Hawley va cambiando el foco del protagonismo, para demostrar que en el fondo nadie lo tiene en propiedad y que todos somos prescindibles. Al final Hawley nos lanza una apuesta: ¿Creemos que podremos cambiar algo o que todo seguirá igual?. Uno es pesimista.

A mayor inri Hawley introduce en la trama el azar y el sin sentido en las situaciones. No hay un orden superior que tenga un plan y nos redima. 

Todo ello merece el reconocimiento notable a su creador, pero el espectador medio de "Fargo" que esperaba otro caso de la crónica de sucesos rural queda descolocado ante tanta filosofía existencial por mucho que en el fondo esta, ahora sí, esté basada en la cruda realidad. 

  




















THE LEFTOVERS (TV)

 7
8 episodios / 1 h. aprox. / Sesión 3
USA / 2017
Tom Perrotta / Damon Lindelof





Poco más que añadir a lo ya comentado en este blog sobre las dos primeras temporadas, en el que terminaba diciendo que me parecía una decisión acertada finalizar la serie agarrándose a sus notables aciertos que no estirarla en elucubraciones muy del gusto de Lindelof y que al final iban a desvirtuar el conjunto. Aún así en esta última sesión Lindelof se ha despachado a gusto con su paranoias en busca de audiencia dado que la serie en general, a pesar de las buenas críticas, nunca gozó del favor mayoritario del público.

Mantiene eso sí las grandes interpretaciones, la atmósfera, la cuidada producción y una bso atractiva y simbólica,. Durante tres temporadas el drama sobre la existencia ante la ausencia repentina e injustificada de aquellos a quien amamos de la obra de  Perrotta nos ha regalado grandes momentos entreverados con los delirios fantásticos de Lindelof que nos han puesto de los nervios. Pero como dice el refrán: "Bien está lo que bien acaba". Y el último episodio redime toda la última sesión sino todo el conjunto, atrapando y sintetizando lo mejor de la serie y con un final para recordar lleno de belleza y poesía. Menos mal.











AMERICAN GODS (TV)

 8
8 episodios / 60 m. aprox. / Sesión 1
USA / 2017
Bryan Fuller / Michael Green




Por si alguien lo duda, no solo de superhéroes de Marvel y DC se compone el mundo del cómic. Autores como el inglés Neil Gaiman, Alan Moore o Moebius-Giraud han forjado su leyenda en las páginas del comic-book que no es otra casa que tebeos para una franja más adulta. Gaiman alcanzó la cumbre con  "The Sandman" a finales de los 80 donde las leyendas, los dioses, el mundo onírico y el folclore popular campaban a sus anchas. A partir de ahí, novelas, guiones, cómics, cine... y muchos premios para un autor original que indaga en los ancestros de nuestras fantasías y nuestros mitos.

La televisión, la de ahora, la de la última década que está ensanchando las posibilidades del cine en cuanto a desarrollo de la narración con un nivel de calidad más que notable era y es terreno abonado para estas historias.

En su lucha por hacerle algo de sombra a HBO, la cadena de cable premium norteamericana STARZ se ha apuntado un buen tanto con esta primera temporada de "American Gods", (no se pierdan tampoco "Black Sails"). Una adaptación libre, a lo mejor para los puristas demasiado libre, de la novela del mismo título de Gaiman. En la que los viejos y ancestrales dioses propios y foráneos traídos por los europeos al nuevo mundo se resisten a ser piezas de museo ante los nuevos y flamantes dioses representados por las nuevas tecnologías y los medios de comunicación.  A la cabeza de la revuelta está Odín padre de la mitología nórdica cuyo culto y orígenes se pierden en la niebla de los tiempos. Le presta su cuerpo y sus dotes actorales Ian McShane que como siempre lo borda ya sea en "Los pilares de la tierra" o "Deadwood" y que ha encontrado en la televisión su popularidad y reconocimiento. El resto del elenco no se queda atrás precisamente.

Los creadores Fuller y Green han sabido dotar la serie, junto con los diversos directores de una atmósfera propia del original de Gaiman donde la violencia, el sexo y la fantasía encuentran su equilibrio sin renunciara a nada, con un humor ácido y corrosivo, notables efectos especiales y un ritmo que se toma su tiempo cuando lo necesita. Mención aparte son las subtramas a modo de cuentos o historias que no despistan del hilo conductor principal sino que lo complementan con brillantez y ponen la guinda a una producción muy cuidada y disfrutable.

Pues eso, a disfrutarla que hay segunda temporada o lo que quieran los dioses. 





















YERULDELGGER. MUERTOS EN LA ESTEPA.
Ian Manook /2013
Edit. Black Salamandra / 2016
477 págs.



Manook, seudónimo del francés Patrick Manoukian, periodista, editor y escritor ya en la sesentena viene a aportar al género negro su experiencia como editor de artículos y revistas de viaje trasladando el thriller de toda la vida a las estepas de Mongolia.

 Ese ese es su mayor acierto. Y lo hace con rotundidad, respeto y amor por las costumbres, la belleza, las luces y las sombras de esas tierras y gentes herederas de Genkis Khan, cuya idiosincrasia y tradiciones ocupan un lugar casi olvidado en el siglo XXI a la sombra de los imperios rusos y chino que los atenazan. Manook al hilo de la trama ejerce labor didáctica y nos abre las puertas de las yurtas de su mundo, donde nunca hay que entrar sin avisar de que "sujeten a los perros", ni con el pie izquierdo, ni apuntar con nuestros pies a la estufa central...

Todo ello no sería suficiente dado el género y Manook, se apunta el segundo tanto. Un policía "perdedor", Yaruldelgger un gigante lleno de cicatrices en el alma y en el cuerpo que está de vuelta de todo y ya no tiene edad como para andarse respetando las reglas. A su lado caminan mujeres fuertes, que nada tienen que envidiar a su protagonismo. De forma descarnada Manook nos lleva de la mano en una intriga, donde la acción y el humor dejan un hueco equanime a la crueldad y a la  barbarie humana.

A veces es previsible y algunas situaciones y personajes son mejorables pero Yaruldelgger y Mongolia ya forman parte por derecho propio de la familia. 





DOÑA CLARA

 7
2 h. 20 m.
Brasil / 2016
Kleber Mendoça Filho




Es difícil desligar a Doña Clara de Sonia Braga y viceversa. La actriz se fusiona de tal manera con el personaje que es capaz de enmascarar la ficción y convertirnos casi en espectadores de un documental sobre un personaje que se resiste a que su mundo y ella misma tengan una jubilación anticipada por otro mundo que viene acompañado de una brutal revolución tecnológica y que quiere adelantar el relevo sin ninguna piedad ni respeto sobre aquellos que permitieron con su vida que este último se produjese. La sabia y venerable tradición del consejo de ancianos, del respeto y el aprovechamiento de la sabiduría existencial de aquellos que han vivido y todavía viven o aquello de que la veteranía es un grado parece no tener ya sentido en este nuevo mundo punto cero o punto com o solo punto.

Doña Clara aún vive (y de que manera), aún ama y aún puede recordar, cosa que cada vez es un lujo en tiempos donde el Alzheimer parece haber encontrado su lugar para esperar a quienes se acercan a la meta final, en un acto de refinada crueldad robándoles el equipaje acumulado, la conciencia de haber existido. Doña Clara ha perdido a su amor, ha eludido la presencia de la muerte y tiene hijos a los que poder transmitirles un mundo que nunca conocerán. Doña Clara resiste y se agarra a la vida bañándose cada mañana en ese mar que ha sido el compañero más fiel.

No puede luchar ni cree que deba hacerlo con el mp3, pero no renuncia a sus vinilos. Con lo que si puede, debe y sabe luchar es con los de siempre, con las plagas de corruptos y especuladores que ocultos tras los logotipos de modernidad carcomen las entrañas sin piedad de todo aquello que sea susceptible de alimentar su insaciable voracidad.

Mendoça Filho tira de los recuerdos de su madre, de su Recife natal en este su segundo trabajo y nos lleva o se deja llevar de la mano de Doña Clara, hipnotizado e hipnotizandonos con su compañía hasta que alguien le debió advertir que ya se había pasado de metraje hace tiempo. Larga vida Doña Clara. 


















THE YOUNG POPE (TV)
8
10 episodios / 54 m. aprox. / Sesión 1
Italia / Francia / USA / España
Paolo Sorrentino



Con cuatro millones por capitulo, Sorrentino, se lo debe haber pasado en grande entrando como un elefante en una cacharreria en" la casa del Señor" (el Vaticano) y su Iglesia Católica, Apostólica y Romana. Lo de entrar, figuradamente, porque no han tenido lógicamente permiso para rodar en las localizaciones reales y han tenido que reconstruir casi todo.

La sátira y la crítica es brutal y probablemente desmesurada, tanto como el goce para los sentidos que el cine de Sorrentino provoca, lleno de sutiliza, sensualidad, originalidad y humor. 

Nada comercial como a primera vista puede parecer con los nombres de las estrellas de cabecera (esto no es el Pájaro Espino y Law no es afortunadamente Richard Chamberlain). El punto de partida de un Papa que juega a la inversa en contra de todo el andamiaje en que se apoya la Iglesia y que ya puestos no le gana nadie a conservador y retrógrado podía haber dado para una obra maestra, quizás si Sorrentino hubiera tenido que acotarla en dos o tres horas. El mejor ejemplo son los dos primeros capítulos magistrales. !Pero diez horas!. Así es que uno tiene una cierta sensación de que se va improvisando, buscando un tono general que nunca se llega a conseguir del todo y alternando momentos y secuencias inolvidables con otras que no están a la altura cuando menos. 

El toque surrealista, la iluminación y la utilización de la música marca de la casa dan los mejores momentos junto con una producción de lujo y unos actores, sobre todo Law y Silvio Orlando irreprochables.

Otra cosa es lo que Sorrentino nos quiere contar o no sobre la espiritualidad, Dios y demás parafernalia existencial que queda a gusto del consumidor y en el que a mi parecer se mezclan los aciertos con las pajas mentales.

La serie ha tenido éxito y habrá segunda temporada en la que Sorrentino ya es consciente de que no puede seguir estirando a Pio XIII. Habrá que esperar con interés la fumata blanca.  























DE AQUÍ A LA ETERNIDAD

 7
1 h. 57 m.
USA / 1953
Fred Zinnermann






A los 18 años James Jones (1921-1977) se alistó en el ejercito de los USA. Corría el año 39 y Jones vivió toda su juventud inmerso en el ejercito, guerra mundial incluida. De sus experiencias en los cuarteles y en los campos de batalla hizo virtud y el eje central de su obra literaria, donde el ejercito en sí es el auténtico protagonista. No he leído ninguna de sus novelas, algunas adaptadas a la pantalla como esta que constituyó un best-seller de su época en el 51. Una extensa novela de casi 900 páginas escandalosa, en su momento, en la concepción de los personajes y sus relaciones así como en los entresijos de un ejercito con más sombras que luces.

Harry Cohn, el preboste de la Columbia compró los derechos y se empeñó en llevarla a la pantalla, con criterios más comerciales que otra cosa. El gran reto fue, tras el fracaso del propio Jones en intentarlo, sintetizar las 880  págs. en menos de dos horas. El guionista Daniel Taradash lo consiguió (se llevó un Oscar por ello) pero a mi juicio ese fue el mayor problema, tener que sintetizar, esquematizar y condensar los diversos palos que toca la novela y que como se demostró posteriormente en la serie de televisión del 79 con Natalie Wood eran necesario muchos más minutos para abarcarlos. El otro gran problema fue tener que ceder ante la censura y el ejercito que colaboró en la película descafeinando los aspectos más sórdidos de la vida militar y las características de los personajes, sobre todo femeninos. Y aunque todo está sugerido, la olla a presión de la novela pierde más de la mitad de su fuerza.

Zinnermann que venía laureado después de "Solo ante el peligro" tuvo sus más y sus menos con Cohn pero consiguió a la postre dejar su impronta en un buen puñado de escenas memorables, junto con la magnifica fotografía en blanco y negro de Burnett Guffey (para mi de lo mejor).

El reparto que como casi siempre no iba a ser el que luego fue sirvió para el lucimiento de Clift (a pesar de estar siempre medio borracho con Sinatra), consolidar a Lancaster como actor dramático (algo pasado en algunas escenas), devolver a Sinatra a la popularidad, en este caso como actor (Oscar incluido, con o sin ayuda de la mafia según la leyenda) y sobre todo impulsar a las dos excelentes actrices como Donna Reed (otro Oscar) y Deborah Kerr sacándolas de sus encasillamientos de mujeres fieles y sumisas, a pesar de que sus roles de prostituta y ninfómana fueran ridículamente enmascarados en la cinta. Sin olvidar al siempre ejemplar Ernest Borgnine, haga lo que haga.

Director y película también se llevaron el Oscar. Como dice una canción de Serrat: "me gusta todo de ti, pero tú no". Esa es la sensación que tengo con esta película de imágenes y secuencias memorables (los soldados escuchando el toque de corneta de Clift, la escena del beso en la playa, la primera imagen de Donna Reed en el Club, la pelea en el callejón, la visita de Lancaster a Kerr en casa de esta en ausencia de su marido...) pero que no acaba de convencerme o mejor dicho golpearme con la crudeza original de la novela y se me queda blandita, aún en su época.

Y como todo hay que decirlo, el final de Clift es cuando menos estrambotico y en el ataque japonés vemos como los aviones ametrallan la explanada cuando solo hay un soldado y pasan de disparar cuando, como diría el dúo sacapuntas, la misma explanada está "abarrotá". 




























LAND OF MINE (BAJO LA ARENA)

 7
1 h. 40 m.
Dinamarca / Alemania / 2015
Martin Zandvliet



Las guerras, o mejor dicho los odios, rencores y atrocidades que conllevan empiezan mucho antes de que estas tomen una fecha oficial de inicio y final y por lo general los rescoldos de las mismas nunca se apagan. Lo llevamos en el ADN de nuestra especie.

Dinamarca, cuna del terror de las sagas vikingas y ejemplo de estado del bienestar actual, asume con esta propuesta de Zandvliet la autocrítica sobre uno de los episodios más sórdidos y crueles de su historia reciente: 2.000 soldados alemanes tuvieron que desactivar millones de minas a mano y en condiciones poco menos que suicidas. La mitad de ellos murieron o quedaron mutilados. Muchos de ellos fueron esa última generación de "niños" a los que el nazismo no tuvo reparo de utilizar en sus últimas bocanadas para que se inmolaran en nombre de su locura de mil años.

Tiene cuidado el director en acotar y estrechar las responsabilidades y en última instancia redimir a su país con ese sargento brutal del que desconocemos su pasado pero que ha debido acumular mucho horror en la contienda y que acaba por entender que todos somos víctimas en cualquier guerra. A diferencia de sus superiores que ejercen de vencedores sin ningún resquicio para el perdón.

No parece que las condiciones en las que se da la acción sean las reales. He leído que estas labores las supervisaban "los hijos de la Gran Bretaña" y que las cuadrillas las comandaba un oficial alemán. En cualquier caso la cinta cumple su labor de concienciación, se sigue con tensión e interés y cuenta con una fotografía y una producción artística notable.

Todo ellos le ha reportado premios y nominaciones, aunque a mi juicio peca de esquemática y algo superficial. Notables también las interpretaciones del joven elenco y de Rolland Moller como el sargento.














LA COMUNIDAD DE LOS CORAZONES ROTOS

 7
1 h. 40 m.
Francia / 2015
Samuel Benchetrit



Mágica, poética, surrealista..., esta adaptación de dos de las historias de "Crónicas del Asfalto", una autobiografía de los primeros treinta años, en cinco tomos del propio director, a través de las peripecias existenciales de los vecinos de una comunidad de vecinos del extrarradio de París. 
Un potente reparto, impecable en sus personajes, con la inclusión del propio hijo de Benchetrit en la tercera historia escrita para la ocasión conforman un micromundo, un sistema satélite de la realidad convencional donde puede ocurrir de todo, hasta encontrar aquello que buscamos, que necesitamos para seguir viviendo y que ya dábamos por perdido, en el rincón más insospechado. Las almas y los cuerpos de estos personajes se reconocen en un lamento misterioso, un gemido común, de un dios misterioso, que llega con el viento para expresar por ellos lo que callan.

En formato 1:33, como si de viñetas de un cómic se tratara, Benchetrit nos toca en la llaga, nos escuece y nos hace cosquillas a la vez, sin caer en la comedia ni en la tragedia, en una dimensión especial y paralela que nada tiene que ver con ese otro mundo que nos venden en la televisión. 




























ZONA HOSTIL

 7
1 h. 33 m.
España / 2017
Adolfo Martínez






Supone por un lado el estreno de Adolfo Martínez en la dirección de una producción española. Martínez cuenta con una dilatada carrera de 14 películas, todas ellas mexicanas desde el 84. Ninguna de ellas del género bélico, aunque dice tener experiencia en segundas unidades con el género en Hollywood.

También supone un paso adelante significativo del cine español en un género que faltaba en estos últimos tiempos en que se atreve con propuestas que otrora le estaban vedadas por falta de presupuesto generalmente. No es que ahora haya mucho tampoco, pero aún así se sale adelante con bastante dignidad como en este caso.

Un incidente real ocurrido en Afganistán en 2012 da pie para su reconstrucción dramatizada en la pantalla. El ejercito español ha participado directamente en la película, incluso el helicóptero accidentado es el mismo que participó en los hechos.

El guión en su simplicidad, básicamente un hecho de acción, mantiene el suspense y el ritmo narrativo con eficacia donde la mayor baza es la credibilidad que dan los actores a sus personajes alejados de los clichés a que nos tiene acostumbrado Hollywood. La camaradería y el trabajo en equipo profesional de las fuerzas armadas es el mensaje que desde el ejercito se quiere trasmitir y que el director hace suyo sin mayores complicaciones. Prueba superada.




















GOLD, LA GRAN ESTAFA

 6
2 h. 1 m.
USA / 2016
Stephen Gaghan





En algún momento las cosas en sí dejaron de tener valor y se sustituyeron por una realidad imaginaria de lo que esas mismas cosas podían dar de si. La especulación por tanto se adueñó de la forma de enriquecerse. Los bienes, se venden y se compran mucho antes de que den su fruto, se les da un valor hipotético que se puede comprar en forma de acciones que a su vez sube  cuanto más gente las compre. Si se las vende en un momento al alza puedes hacerte rico independientemente de que la cosecha al final fuera buena, mala o inexistente. Y por supuesto desde el sillón, sin mancharte las manos de tierra o lo que fuese. Un gran invento del pícaro cerebro humanono que no para de inventar de donde sacar sin trabajar. Luego la cosa se fue sofisticando, complicando y a su vez manipulando para inflar y desinflar lo que hiciese falta. Un camino miserable y peligroso en el que muchos lo perdieron todo y como casi siempre, la mayoría, los inversores más pequeños. En nuestra historia reciente aún queman los rescoldos. Y lo más curioso es que se repite con periodicidad cíclica a nivel mundial porque la fiebre del "oro" no tiene cura.

Una de esas historias, la de la empresa Bre-X es en la que se basa, como siempre adaptándola a los intereses dramáticos de la ficción la nueva entrega de Stephen Gaghan, que nos había dejado un buen sabor de boca con "Siriana" hace ya once años.
Aquí el guión, que en este caso no es suyo, flojea lo suficiente para no acabar de encontrar el tono, entre el género de robos y estafas y el drama humano que McConaughey se curra con tesón con otro alarde de cambio físico que muestra con desmesura e impudicia, creo que innecesariamente.

El caso es que la historia de lealtades, amistad y denuncia de los entresijos especulativos mantiene el mínimo de suspense y se deja ver con interés pero sin pasión. A la hija de Ron Howard Bryce Dallas no acaban de escribirle el guión que merecen sus dotes como actriz pero se las apaña para dignificar a sus secundarios.




















EL FUNDADOR

 7
1 h. 55 m.
USA / 2016
John Lee Hancock




El mundo está plagado de buenas ideas, pero escasean aquellos que son capaces de llevarlas al éxito contra viento y marea. Normalmente para ello se necesita ambición, ego, mala leche, tesón, necesidad y como no, suerte. Ray Crock (1902-1984), un vendedor que no acababa de encontrar su camino, vio la oportunidad en el pequeño negocio en San Bernardino, California, de los hermanos McDonald y fue capaz de convertirlo en un imperio que aún perdura aún a costa de los propios McDonald y su apellido y no digamos ya de la excelencia en el producto y su elaboración que se fueron quedando por el camino en mor de los beneficios. Como se fueron quedando aquellos que ayudaron en momentos cruciales al propio Crock.

Un nombre que inspiraba confianza americana, una manera cómoda y barata de reunir a la familia en torno a la comida, rapidez en el servicio, especialización y un atractivo diseño de sus locales fueron los ingredientes esenciales del milagro.

Hancock lo cuenta con ese estilo suyo, que rebasa por poco el listón del telefilm de sobremesa, sin estridencias formales, sin querer ahondar ni hacer demasiada sangre en un cine tan familiar como McDonald, bien producido, que se sustenta en personajes reales, reconocibles a los que insuflan vida protagonistas bien elegidos. En este caso un Keaton que casi nunca defrauda y que está viviendo a sus 66 años una segunda edad de oro.



















KONG: LA ISLA CALAVERA

 7
2 h.
USA / 2017
Jordan Vogt-Roberts




Uno no puede menos que acabar por rendirse ante el descaro, la desvergüenza y la frescura exenta de pudor de este parque de atracciones monstruosos plagado en cada rincón de referencias cinéfilas, ("Apocalipsis Now", "Parque Jurásico", "Indiana Jones", "La isla misteriosa" y por supuesto "King Kong"...) mezcla de tonos y géneros y un CGI (imágenes generadas por ordenador) glorioso. Todo ello envuelto en un delicioso pulp evocador del cine de aventuras de cuando eramos críos y una parafernalia de planos bellísimos que parecen recopilados y reinterpretados de las películas de referencia. Ante tanto despliegue sobra el argumento y los actores (no se puede pedir todo) y el elenco de nombres y caras conocidas son meros clichés que se meriendan (y nunca mejor dicho) los técnicos de efectos especiales.

Vogts-Roberts apena ha entrado en la treintena, le gustan los cómics, los videojuegos y el cine. Y se nota en esta tontería deliciosa, entretenida y hasta en algunos momentos emotiva.

Se va encargar de llevar a la pantalla el mítico "Metal Gear". Vogts-Roberts tiene mimbres para romper la mala racha de videojuegos llevados a la pantalla. Veremos.


























TRANSEUNTES

 7
1 h. 34 m.
España / 2015
Luis Aller




El profesor de cinematografía Luis Aller estuvo recopilando durante 20 años planos de Barcelona y sus gentes para componer este puzzle, este mosaico fragmentado, inmenso e inevitablemente incompleto de 7.000 teselas con el que intentar utopicamente atrapar la unidad en la infinita diversidad siendo el propio marco, Barcelona en este caso, el principal protagonista.

La moraleja del asunto es más que evidente: todos somos transeúntes, estamos de paso con una fugacidad inmisericorde en la vida y nuestra preciada individualidad se diluye en un océano común, siempre cambiante, siempre en movimiento, siempre el mismo.

Aller experimenta con todas las posibilidades técnicas haciendo del montaje su epicentro, donde las referencias a "El hombre de la cámara" (Dziga Vértov / 1929) o "Berlín, sinfonía de una ciudad" (Walter Ruttmann / 1927) son innegables.

Trufa el director su caleidoscopica mirada con microhistorias de corte social con desigual acierto temático o interpretativo, que sirven entre otras cosas de desahogo referencial para un espectador no acostumbrado a este tipo de propuestas.

Uno hecha en falta, la incorporación de la revolución tecnológica que aportaría con sus posibilidades de inmediatez de interconectarnos un elemento aún más interesante y actual a la propuesta.  


















LA CHICA DESCONOCIDA

 7
1 h. 53 m.
Bélgica / 2016
Jean Pierre y Luc Dardenne





El cine social de los Dardenne siempre es crudo, áspero, despojado de todo artificio y se toma todo el tiempo, necesario o no, desde el punto de vista artístico para que la realidad no se les vaya de las manos. Dicen que esta nueva entrega no es fiel a su estilo, que es menos social y "más de género". No puedo estar de acuerdo. La muerte o el asesinato de una persona en la vida real no es una novela noir, no es un género por mucho que tan macabro suceso dé para "entretenernos", brillantemente en muchos casos, pero en el fondo banalizar la situación.
Las implicaciones éticas y morales, aunque sean por ausencia de los implicados van más allá de la resolución del caso. Eufemismo este "del caso" que convierte a las víctimas en una simple x en una ecuación donde solo importa el resultado y no la propia victima. Como bien aporta Jordi Costa en su crónica sobre la película en El País, los Dardenne se esfuerzan en dar dignidad a esas víctimas, utilizando si se quiere el género para crear suspense y tensión no en la resolución sino en los culpables, que en definitiva no somos otros que los seres humanos que en nuestro egoísmo personal construimos y permitimos modelos sociales donde el valor de la vida de cada cual y su muerte son indisolubles de su estatus.

No hay persecuciones, ni pesquisas sagaces, hay compromiso con la gente, tensión, miedo y reflexión. A mi me parece más que suficiente.










MADAME DE...

 7
1 h. 42 m.
Francia / Italia / 1953
Max Ophüls





Si uno no hubiera visto ninguna de las películas de Ophuls esta sin lugar a dudas podría servir de ejemplo de su maestría como director, de su estilo fluido con la cámara dolly, amante de los objetos y los detalles y de su pasión por ese mundo centroeuropeo de principios del siglo XX. No por ello, a mi juicio, la mejor de su obra, de la que fue su penúltimo trabajo.

A las críticas iniciales que la consideraron una obra "menor" y a la posterior revisión por los gurús de Cahiers du Cinéma que la etiquetaron de obra maestra, me quedo con la virtud del término medio. A saber:

La cortedad de la novela en que se basa, de la novelista y poeta Louise de Vilmorín, amiga personal del director y cuya vida amorosa probablemente daba más juego que la novela en sí. Ophuls sacó petroleo del relato.

Los personajes de Vittorio de Sica y de Danielle Darrieux fueron diseñados en el guión pensando en ellos. A de Sica que admiraba a Ophuls y que había intentado ya trabajar con él anteriormente, el director alemán "se lo debía" y Darrieux, que por cierto acaba de cumplir 100 años, estaba en lo más alto de su fama y parece que fue condición indispensable por parte del director para realizar la película.

Sus alardes como director y la puesta en escena (magnifico vestuario) acaban por ser el protagonista principal de una historia que refleja, como la abundancia de espejos que utiliza, la vanidad efímera de sus protagonistas, la superficial, frívola y despreocupada sociedad en la que viven ajena a lo que se les viene encima y a la miseria exterior a su mundo privilegiado, palidamente reflejada en esos familiares abarrotados de niños. Una clase social de matrimonios de conveniencia donde las pasiones se ocultan bajo un manto de apariencias hipócritas, siempre lastradas por el freno de la moral. Sobre todo en las mujeres, carentes en general de una educación amplia, abocadas a ser "La señora de...", perdiendo su propia individualidad. A esto es a lo que entiendo se refiere el título y no a la intención de ocultar nombres que pudieran ser reconocibles, como se ha escrito abundantemente.

También discrepo sobre las "excelsas actuaciones" en este caso del trío protagonista, que me parecen algo sobrevaloradas dentro de su notable nivel. Dicen que Boyer andaba algo perdido ante las motivaciones que movían a su personaje y que Ophuls cansado de las preguntas del actor sobre ello acabó por responderle que estaba escrito así y punto. En cualquier caso me parece el personaje más interesante, capaz de mantener un equilibrio social donde los coqueteos de su mujer no dejan de ser un capricho permitido, un juego admisible en beneficio de su propio ego que solo se convierte en inadmisible cuando "su posesión" ya no le pertenece aunque siga encerrada en su jaula de oro.

Funciona el juego de los pendientes y el humor que entrevera una pasión algo tibia que no acaba de emocionarme lo suficiente más allá del análisis  racional anteriormente expuesto. Todo ello desembocaba en un final cíclico donde los pendientes se convertían en herramienta del destino. Al final y después de haberlo rodado, Ophuls lo desechó y apostó por otro más arriesgado y abierto, con una coda final de, a mi juicio, dudosa efectividad.






















O.J.: MADE IN AMERICA (TV)
9
5 episodios / 1 h. 30 m.
USA / 2016
Ezra Edelman





El reciente Oscar al mejor documental son siete horas y media (divididas en 5 episodios) de una brillante exposición sobre el ascenso y caída de O.J. Simpson, un afroamericano de extracción humilde subido a los altares sociales gracias a su habilidad como deportista. De como Simpson hizo uso de esa fama, del trágico asesinato de su segunda esposa y un amigo por el que fue juzgado y del contexto social discriminatorio y racista para la comunidad negra en que todo ello ocurrió a lo largo de los años, nos habla Ezra Edelman.
Y lo hace con buen pulso narrativo, mezclando el formato tradicional de los documentales al uso, con relevantes imágenes de archivo y una muy cinematográfica utilización de las localizaciones y sus atmósferas, consiguiendo mantener la tensión y el suspense en unos hechos a pesar de que sabemos su resolución de antemano. Consigue por otro lado el testimonio de la mayor parte de los implicados en los momentos relevantes de la vida de O.J. El resultado es apasionante y descorazonador.

Tanto tienes, tanto vales. O.J. se vió atrapado y beneficiado al mismo tiempo por ser un héroe para dos comunidades que venían enfrentándose desde el mismo comienzo de la llegada de los colonos al nuevo mundo. Siglos de explotación y odio acumulado. Simpson gracias a sus triunfos deportivos vivió como un blanco adinerado y se mantuvo al margen del sufrimiento generalizado de los de su raza, por un sistema judicial y policial brutal que gozaba de total impunidad. Cuando sus propios problemas personales de convivencia familiar (aquí uno de los puntos más débiles del documental) concluyeron con el asesinato de su mujer y un amigo, Simpson, su dinero y sus abogados no tuvieron el menor pudor en utilizar la baza racial para aprovechar los deseos de siglos de venganza en salvar el culo en definitiva a un rico y famoso. Ejemplo poco edificante de como los que consiguen superar las adversidades de su condición se aprovechan de los que nunca han podido conseguirlo, en su propio beneficio.

Por el camino vemos policías corruptos y racistas, amigos interesados, abogados "demasiado listos y demasiado tontos", olvido y desprecio hacía las víctimas, pruebas evidentes de delitos que no lo son tanto si uno tiene dinero, jurados nada imparciales, y manipulación de la opinión pública por los medios que ofrecen a cada uno lo que quiere ver y oír. En definitiva una cata del mundo en que vivimos.

O.J. saldrá a finales de este año de prisión. Tiene 70 años y su inmenso ego puede que aún nos reserve algunas sorpresas.

















EL VIAJANTE

 6
2 h. 5 m.
Irán / 2016
Asghar Fahardi




Con sus tres películas anteriores Fahardi no necesitaría más si cabe para tener un hueco en el Olympo del séptimo arte. Quizás por esto y por su juventud, las expectativas de lo que puede quedar por venir son muchas y muy altas. La que nos ocupa se ha llevado entre otros premios el Oscar a la mejor película de habla no inglesa. No es la primera vez que a un director, actor o actriz se le compensa con el premio que mereció su anterior trabajo y no se lo dieron. A mi juicio "El pasado" (2013) era la que debía tener la estatuilla.

Ya sabemos que en el cine de Fahardi hay que esperar, en este caso media hora, hasta que se produce ese hecho que trastoca la vida de los personajes, a veces esa "media hora" es brillante y otras algo tediosa como en este caso.

A partir de ahí y si uno pone de su parte se pueden rascar varias capas de implicaciones y mensajes de índole personal y social, pero en este caso y a mi juicio uno tiene que poner más de su parte que en otras propuestas del iraní. Algunas son evidentes como la presión social que ejerce sobre los protagonistas el sacar a la luz los hechos y el estigma que puede suponer para cada uno de ellos en un régimen donde las cosas están cambiando pero aún permanece enquistada una educación moral y machista fuertemente enraizada (nunca se llama a la policía. Por algo será.) por mucho que el joven, moderno y culto matrimonio den clases y representen al estadounidense Miller.

Esa es otra. Fahardi quiere subrayar los paralelismos entre la obra del famoso dramaturgo y su historia. Más allá, otra vez de lo evidente, (no quier caer en spolier) la cosa no anda muy fina y las escenas del teatro al igual que las de la famosa furgoneta lastran un ritmo ya de por si lento, cuando no son superfluas o incongruentes, aunque Fahardi consigue mantener el suspense. La pareja protagonista carece de la química necesaria para que el desenlace nos haga reflexionar sobre lo que cada uno de ellos está dispuesto a sacrificar por el otro. Ella, actriz y personaje sale mejor parada por mucho que en Cannes le dieran el premio a él.

Creo que en este caso lo que Fahardi tenía en su cabeza no ha sido capaz de sacarlo a la superficie con la suficiente fuerza dramática por muy sutil que quiera ser en la forma. Otra vez será.












LOGAN

 7
2 h.15 m.
USA / 2017
James Mangold






Han pasado ya 17 años desde que se estrenó en el 2000 "X-Men" de Bryan Singer y los superhéroes llegaron para salvar las taquillas. A estas alturas el debate de si se es o no fiel a los originales de los cómics deja de tener sentido. Por otro lado en los propios cómics nada es ya lo que eran en los 60 de un Stan Lee que el próximo Diciembre cumplirá 95 años.

Dejemos pues consideraciones sobre lineas temporales y demás y centrémonos sobre cada película en concreto y la visión de cada director sobre el superhéroe de turno. Aquí la cosa va de despedidas. Patrick Stewart y Hugh Jackman dicen adiós al profesor X y al icónico Lobezno que han sabido interpretar con eficacia independientemente del acierto de cada una de las propuestas en que han participado. La anterior "Lobezno inmortal" (2013) del propio James Mangold no muy brillante por cierto. Claro que esto de decir adiós en el mundo artístico como en casi todo es muy relativo. Ya veremos.

Lo que es indudable es que la industria seguirá tirando de los personajes cuando le convenga.

Logan apuesta por un argumento simple, donde las referencias al clásico western "Shane" (Raices profundas) son explicitas. Se limitan los efectos especiales, la abundante violencia se hace más adulta con escenas de acción repetitiva y la historia se sustenta en la relación generacional entre "el abuelo, el padre y la niña" (un hallazgo  Dafne Keen, de madre gallega). El tono crepuscular busca la emotividad autoconsciente de que se está entregando el relevo a nuevas generaciones. Una pizca de humor y las consabidas referencias a los tebeos y ya está el guiso. En este caso bastante apañadito y para un servidor disfrutable. 















ROSY & JHON
Pierre Lemeitre
Edit. Alfaguara / 2016
160 págs.




Como en su día me pasó con "Alatriste" de Reverte, al descubrirlo tardíamente, corrí a "devorar" todo lo que se había publicado. En este caso Lemaitre ya había dado por recién terminada su tetralogía del comandante de la Brigada Criminal de París, Camille Verhoeven. Por disponibilidad de mi biblioteca de cabecera los estoy leyendo en orden inverso temporal. Amén del Goncourt que recibió por "Nos vemos allá arriba" y "Recursos inhumanos" fuera de la linea del citado comandante.

Su tetralogía policíaca se ha preñado de premios y su bajito, por no decir otra cosa, protagonista, aparte de tener mano para el dibujo no es espéctacular en sus deducciones pero su reflexiva intuición acaba por dar con las claves de sus casos.

Obviamente el personaje central es la excusa. El auténtico protagonista es el caso en sí y la forma personal, irónica, despiadada y brillante con que Lemeitre nos los cuenta. Toda una gozada. Un alarde de síntesis en este caso aún más si cabe dado que el proyecto original fue un encargo digital para SmartNovel cuyos episodios no debían sobrepasar las tres páginas. Ciento sesenta le han bastado en papel para esta historia que nos mantiene en vilo hasta que "explota" a ritmo de Gilbert Bécaud. 






FENCES

 7
2 h. 19 m.
USA / 2016
Denzel Whashington





Hay que agradecer a Denzel Whashington su empeño personal por llevar a la gran pantalla a August Willson (1945-2005), un prestigioso (dos pulitzers, Tony...) dramaturgo estadounidense que a través de sus 10 obras que conforman "The Pittsburg Cycle" reflejan la vida de los afroamericanos en el siglo XX tomando como epicentro uno de sus barrios, el Hill Distric.

La obra teatral original de "Fences" se estrenó a mediados de los ochenta (he visto diferentes dataciones sobre su publicación o estreno) con James Earl Jones a la cabeza del reparto. Ya en su día Willson intntó sin éxito llevarla al cine. Su reposición en las tablas por Whashington y Davis ha sido todo un éxito cosa que no podemos decir de su transposición a la pantalla.

En su corta carrera como director Whashington no ha demostrado que eso sea lo suyo. Aquí se atiene a rodar el texto y se olvida de la imagen y ya se sabe que una imagen...

Es precisamente en los breves interludios donde desaparece la palabra donde el director nos enseña algo de su sensibilidad cinematográfica. Casi dos horas y media de un texto y unas actuaciones brillantes que acaban por no serlo tanto debido a que todos son demasiado conscientes de que lo son. No sé si me explico. A la postre es en los secundarios donde hay más verdad y menos "actuación".

Por otro lado y sin desmerecer a Willson, su texto tiene un buen puñado de lineas donde es difícil creer que esos afroamericanos de escasa cultura puedan hablar así y se trasluce que es el autor el que habla a través de ellos. La fuerza icónica de sus estrellas y el sustrato de la obra original son más que suficientes para mantener en pie a una película y a unos actores que merecían otro director. Viola (grandisima actriz) se benefició de que este año había que compensar a los afroamericanos y Michelle Williams vio su proeza de encogernos el corazón con sus escasisimos minutos en "Manchester frete al mar" sin el merecido Oscar. 

  











LA SOGA
Matthew FitzSimmons /2015
Edit. AdN /2016
476 págs.





El artículo "Tengo información confidencial" publicado por Lluis Fernández en La Razón resume perfectamente la impresión que me ha producido este best-sellers. A saber:

 1.- Con un estilo y una prosa común pero tremendamente eficaz FitSimmons te atrapa y no te suelta en las casi 500 págs.

 2,- El autor maneja los tópicos trillados del thriller y nos los vuelve a presentar en un plato atractivo y reconocible lleno de suspense, acción e intriga.

 3.- Deja los suficientes cabos sueltos como para que si la cosa funcionase (y vaya si lo ha hecho) haya secuelas (tiene firmados ya cinco entregas).

 4.- FitSimmons, cuando ya te has rendido te cuela el hecho clave que destapa todo el asunto sin el menor pudor a su incongruencia. (Y eso me cabrea)
Por lo demás este profesor de instituto que enseña teatro ha dado el pelotazo de su vida publicando en Amazon y reventando las ventas. Esperemos que la adaptación al cine o la televisión pula unos personajes que se lo merecen y que en las sucesivas entregas FitSimmons no se saque conejos de la chistera. No los necesita.





RANGOON

 7
2 h. 34 m.
India / 2017
Vishal Bhardwaj





Hollywood ha tenido desde siempre un hermano o un "primo de zumosol" en la otra parte del mundo: Bollywood. Este juego de palabras entre Bombay y Hollywood no define en exclusiva toda la industria cinematográfica Indú, pero alude fácilmente a su poderío sustentados por millones de espectadores de su área geográfica y de su poder como industria. De su inmensa producción apenas nos llega alguna influencia en películas occidentales como "Slumdog Millonaire" (Danny Boyle / 2008) con sus 8 Oscars. O algunos títulos aislado de cine de autor en festivales y muy poco o nada de su cine más comercial o de entretenimiento como el que nos ocupa.

Incomprensiblemente nos llega este título que muy pocos llegarán a ver y que me ha dejado anonadado ante su descaro y su perfectamente engrasada maquinaria. El desconcierto inicial ante una propuesta tan alocada y ecléctica con un batiburrillo de géneros increíblemente ensamblados, deja paso al convencimiento de que detrás hay un director y unos actores de amplisimo curriculum que saben perfectamente a que están jugando y le sacan el máximo rendimiento.

La película gira y se reinventa cada 15 minutos en un metraje de dos horas y media, pasando por la comedia, el musical, el drama, el panfleto político, la aventura, la épica, los superhéroes, el homenaje al cine, el conflicto bélico...., realmente sorprendente. Pasado el shock inicial y aceptando y comprendiendo las reglas de este juego uno se deja llevar y disfruta del drama y la caricatura, de lo desmesurado y lo íntimo de un cine que recuerda a aquel Hollywood de los años 50, de buenos y malos, con finales con beso que en un rizar el rizo Vishal Bhardwaj se encarga de dinamitar para que nunca tengamos claro que viene en la próxima escena.

Flirtea incluso con lo políticamente incorrecto al ensalzar al ENI (Ejercito Nacional Indio) creado por el político Subhas Chandra Bose que vio en el conflicto de la Segunda Guerra Mundial la oportunidad de liberar a su país del yugo Británico aún a costa de aliarse con las potencias del Eje.  Los personajes del ejercito británico son dibujados sin piedad como el paradigma de lo que llamamos "malos de película", consiguiendo quizás el efecto contrario, al menos en occidente de lo que propone el director.

Pero lo que sobre todo trasluce la cinta es un equipo técnico y artístico, sustentando todo el entramado, de muchos kilates profesionales. Y es que no es Hollywood todo lo que reluce. 






















HISTORIA DE UNA PASIÓN

 7
2 h. 5 m.
Reino Unido / 2016
Terence Davies





Terence Davies no puede evitarlo. Su pasión por la pintura le puede y la belleza formal de su cine acaba por anegarlo todo por muy brillante que esta sea.
Reconozco sin embargo que, como el ritmo lento de sus películas cada una de ellas me gusta un poco más y en la primera hora de metraje su reconocible estilo se conjuga con diálogos mordaces y chispeantes de un grupo de mujeres que afilan sus inteligencias en las largas horas del tedio impuesto por la sociedad machista en general de la época y puritana en particular de las creencias religiosas. La reflexiones sobre dicha sociedad, el matrimonio, el amor, la existencia misma dan mucho juego e incluso divierten en su dramático trasfondo.

De la insigne poetisa, cuyo reconocimiento y fama vino muchos años después de su muerte ya en pleno siglo XX, no se sabe mucho. Poco más de lo que nos cuenta Davies, que tampoco profundiza demasiado en la relación de amor platónico con  los dos personajes que motivaron hipotéticamente el cuerpo central de su poesía: El Pastor Benjamín Franklin Newton y su cuñada Susan Huntington. Davies se abandona en la segunda parte de la cinta a la composición de planos pictóricos sucesivos ilustrando la decadencia física y familiar de Dickinson.

Una Dickinson que pone en valor el trabajo actoral de Cinthia Nixon bien secundada por el resto del elenco. Al igual que las hermanas Bronte, y en particular su tocaya Emily, su espacio vital siempre fue reducido con padres inflexibles y autoritarios. La literatura era la vía de escape del torbellino de sentimientos mezcla de anhelos y frustraciones vitales que explosionaron en unas obras inmortales. Davies nos regala algunos de los poemas sobre el amor, la muerte y la inmortalidad que tanto obsesionaron a la escritora.

El resultado es un acercamiento notable a la obra y al personaje.























BAJO EL SOL

 8
2 h. 3 m.
Croacia / 2015
Dalibor Matanic





A finales de los 80 tuve la suerte de conocer y convivir con un grupo de artistas yugoslavos en un festival de teatro universitario en Nantes. Gente encantadora. Desconozco la etnia de cada uno de ellos. Formaban una piña y eran muy buenos con sus propuestas vanguardistas. Muy europeos.

Apenas unos años después, estalló la guerra, su guerra, una guerra incomprensible en mitad de una Europa civilizada y a finales de un siglo que parecía estar ya ahíto de cadáveres. Fanáticos de tal o cual bandera aupados como siempre por los dioses de cada cual desmembraron las almas y los cuerpos de miles de inocentes ante la mirada pasiva e incrédula de todos sus vecinos europeos. No sé que fue de ellos.

Dalibor Matanic nos lo cuenta en tres historias que en el fondo son la misma con profundo lirismo, sin extremismos, más allá del de las cicatrices y las heridas abiertas de sus personajes que intentan conjugar los verbos amar y odiar sin saber muy bien como, desconcertados ante la barbarie y la sin razón. El director Croata nació yugoslavo en Zagreb, Croacia. Sabe de lo que habla. La cámara toma distancia con sus personajes, respetuosa, con exquisito gusto en los encuadres y una bella fotografía. Personajes brillantemente interpretados por partida triple por una pareja de jóvenes actores que lo dan todo, especialmente con sus silencios, que Matanic guionista sabe que son la única forma de expresar lo que la palabra no alcanza.

La cinta destila amor y melancolía por su hermosa tierra. El tiempo, tres décadas, enquista el dolor y las ganas de venganza pero los anticuerpos del amor en nuevos inocentes que nada querrán saber del pasado dejan la puerta entreabierta para la siempre socorrida esperanza.

Hermosa y necesaria película.



















MELODÍAS DE BROADWAY

 8
1 h. 52 m.
USA / 1953
Vincente Minnelli





Hace uno o dos años en un concurso televisivo de amplia audiencia tres jóvenes entre 20 y 30 años no sabían quienes fueron Fred Astaire y Ginger Rogers. Algo impensable para los de mi generación en la que el cine era y sigue siendo el mejor entretenimiento del mundo (y más cosas por supuesto). Me dieron pena y mucha envidia por lo que les quedaba por descubrir. O no. Puede que ni siquiera les interese. Los tiempos cambian, los cines como los dinosaurios van siendo piezas de museo, pasa la vida y el show debe continuar.

Tony Hunter en los 50 también ha vivido tiempos mejores al igual que el propio Astaire, pero una vez más, como el cine, se resiste a tirar la toalla porque sabe que desde que el chaman, el brujo, el contador de historias existe, el ser humano quedará enganchado a ellas para poder soñar con otra realidad que no es más que las sombras platónicas del mito de la caverna.

!Vaya! parece que el personaje interpretado por Jack Buchanan me ha dejado huella. No es el musical que más me gusta de Minnelli, ni siquiera es mi favorito en general, pero es encantador y sobre todo como proclama su mantra, entretenido. Después de dar un buen repaso al mundo del cine en "Cautivos del mal" con otro tono, ahora le toca al mundo de las tablas con su farándula de cómicos, todo un microcosmos más cercano a las miserias de la vida que no al idealizado y romántico que nos pinta Minnelli con sus colores.

 Fred seguro que ganaría a los puntos a Gene como bailarín pero como actor Kelly le saca notable ventaja y eso se nota. La primera parte está empastada tiene sentido, los número se integran como siempre en el contexto como ya patentó Minnelli desde "Cita en San Luis" en el 44, pero después la sucesión de números de baile encadenados con la excusa del libreto de la función hacen que el asunto se diluya como el propio Fred y más cuando dichos números sin desmerecer no están a la altura de otras películas ni de sus bailarines.

"The Band Wagon" fue una obra estrenada creo que en el 31 por Astaire y su hermana Adele, de la que solo ha quedado el título y un par de números. No funcionó en taquilla, pero forma parte de los clásicos de un género que empezaba a declinar, al menos en ese formato. Produjo el inefable Arthur Freed y Minnelli demostró una vez más que domina el formato. Al director aún le quedaban en la recamara "Brigadoon" (1954) y "Gigi" (1958) pero eso es otra historia.























LA VIDA DE CALABACÍN

 10
66 m.
Suiza / 2016
Claude Barras






Una joya. De esas películas inolvidables y un buen tirón de orejas o de otras partes a los académicos que no han tenido el valor de darle el Oscar que le correspondía en favor de la todopoderosa multinacional que año tras año acapara las estatuillas. Afortunadamente y sin desmerecer el trabajo de dichas multinacionales surgen cada año proyectos sobre todo en Europa que aportan otra mirada y otro enfoque al campo de la animación. La técnica del stop-motion siempre ha sido puntera en este sentido con los estudios  Armand y Laika a la cabeza.

Desde Suiza nos llega una historia tan tierna como desgarradora sobre la infancia de esos millones de niños que suelen ser los "daños colaterales" de sus mayores y que inician su andadura con una inmensa losa que no siempre son capaces de sobrellevar. No quieren sus autores cargar las tintas sobre ello aunque lo afrontan con sinceridad y valentía y apuestan por un mensaje de fe y esperanza en el mañana basado en la comprensión del otro, la solidaridad y la amistad.

Estos "siete magníficos" chavales se unen como una piña para salvarse a si mismos y dar ejemplo al tiempo que nos hacen sonreír y si pudiéramos los adoptaríamos a todos. Sus caracteres están trazados con sencillez y eficacia, el diseño general encuadra a la perfección el mundo aún inocente de la infancia y el mensaje final deja claro que queda mucho por hacer. Lo dicho, una joya.




























T2: TRAINSPOTTING

 7
1 h. 57 m.
Reino Unido / 2017
Danny Boyle



Me gusta el cine de Danny Boyle. Sea cual se su temática es capaz de aportar su propio estilo juguetón y desenfadado, arriesgado en su momento, seña de identidad actual. Su amplio curriculum nos ha ofrecido un buen puñado de títulos siempre notables, siempre irregulares algunos fallidos y casi siempre divertidos.

Dice la famosa canción que "20 años no es nada" pero si que lo son, doy fe de ello. El caso es que volver al sitio donde uno fue feliz como decía otra canción, no es una buena idea casi nunca. Y el casi es lo que salva esta nueva visita, autocomplaciente en la mayoría de su metraje, que vive de la nostalgia y el recuerdo de su predecesora. En ello tiene su virtud y su mayor defecto. Es agradable saber que fue de los personajes, pero sin tener que ver la película uno sospecha como acabaron y casi mejor recordarlos en su mejor momento.

Obviamente ambas películas y los espectadores del 96 y del 2017 no son comparables pero inevitablemente lo hacemos y lo que fue revulsivo ahora roza lo rutinario. Se me ha hecho larga y mira que Boyle imprime ritmo, pero...

En fin que todo el mundo tiene derecho a abrir el viejo álbum de fotos y echarse unas risas de las pintas de antaño, de lo que pudo ser y de la mierda que ha sido (otra canción) y ver que todo a cambiado, que todo sigue igual.

Me gusta el cine de Danny Boyle. Ya lo he dicho.

















HEDI, UN VIENTO DE LIBERTAD

 7
1 h. 28 m.
Túnez / Bélgica / Francia /ar 2016
Mohamed Ben Attía




Producen esta opera prima los hermanos Dardenne. Cine por lo tanto social, austero, directo y sin florituras, generalmente con un protagonista sea este masculino o femenino al que la cámara sigue a todas partes. Mohamed Ben Attia, tunecino, es digno discípulo de sus productores en un relato que tiene mucho de autobiográfico. Ben Attia cambió su vida "acomodada" (empresariales, vendedor de coches en Renault) por su pasión por el cine y de momento debuta en el largo con buen pie y buenos padrinos.

La historia es sencilla y universal: hay que elegir entre lo que nos ofrecen o lo que queremos ser. En sociedades como la tunecina donde la familia influye poderosamente en el destino de los hijos la elección se torna más dramática y aunque el director no lo reconoce abiertamente el paralelismo con los regímenes autoritarios y los nuevos y efímeros vientos de la primavera árabe son evidentes.

El mayor acierto es  la credibilidad que desprenden los personajes, su cercanía con el mundo real. La tensión y la liberación que refleja con gran acierto el actor Madj Mastora en su resentimiento hacia la manipulación de su madre y la losa de las tradiciones y el autentico amor que siente por la bailarina (estupenda Rym Ben Messaoud) hacen que le entendamos y compartamos su dilema y el de su tierra. Algunos deciden abandonarla otros reconstruirla. 

Los elocuentes silencios de su protagonista parece que gustan más en festivales internacionales que en la juventud de su propio país. Nadie es profeta en su tierra. 
















CAMILLE
Pierre Lemaitre
Edit. Alfaguara / 2015
320 págs.





El prestigioso premio francés Goncourt del 2013 con el que fue premiada su novela "Nos vemos allá arriba" me hizo descubrir a este novelista, ya sexagenario, profesor de literatura que se animó a escribir sus propias novelas a los 56 años cuajando un brillante camino en la novela negra francesa plagado de premios y que a raíz del mencionado Goncourt se están traduciendo y publicando en España. Tras pasar por las páginas de quizás su obra más social "Recursos inhumanos", me adentro en la tetralogía del peculiar (1,45 de estatura) comandante de la Brigada Criminal Camille Verhoeven.

Lemaitre te engancha desde las primeras páginas con algún hecho brutal que desmenuza sin ningún tipo de prisa a pesar de su estilo ágil y la distribución en fragmentos narrativos que dan aún más si cabe un ritmo que nunca desmaya. Alterna los puntos de vista de los personajes y construye tramas originales que esconden muchas sorpresas. No escatima la dureza ni el humor negro ni la crítica social haciendo que sus novelas vuelen más allá del thriller convencional. 

Detallista tanto en las atmósferas como en la psicología de sus personajes a los que dibuja, principales o secundarios con breves y precisas pinceladas o con puntilloso detalle. Uno no puede menos que acudir al tópico de que cuesta abandonar su lectura. Es uno de los grandes del género.






EL NACIMIENTO DE UNA NACIÓN

 6
1 h. 59 m.
USA / 2016
Nate Parker




Uno tiene la sensación de que el actor Nate Parker  en su debut como director se ha "hinchado de balón" o como se diga la expresión futbolera. Vamos que ha visto tan claro el gol comercial y oscarizable que al final lo ha echado fuera. Bien es cierto que sus pasados problemas con la justicia en el caso de una violación a una compañera de universidad por el que fue absuelto y que ha salido a colación por los detractores interesados del mensaje de la cinta, aprovechando además el posterior suicidio de la chica han contribuido notablemente ha que sus expectativas de hipotéticos premios no fueran más allá del ya de por si meritorio reconocimiento en Sundance.

Ya desde el título hay una intención de llamar la atención, un cierto tono de revancha y desagravio ante el clásico homónimo de 1915 firmado por Griffith y sus tintes racistas que dieron alas a un débil KKK que resurgió gracias al poder del cine.

En este sentido bienvenido sea el título pero como las comparaciones siempre son odiosas, lo que supuso como alarde, novedad y compendio de nuevas posibilidades para el arte que estaba emergiendo a principios del pasado siglo la película de Griffith deja muy mal parada a la deslavazada, pelín pretenciosa, rutinaria y mil veces vista propuesta de Parker, que no acaba de encontrar el tono ni manejar los tiempos de lo que quiere y como lo quiere contar.

Claro que ante los hechos que cuenta, por mucho que lo sepamos no deja de encogersenos una vez más el corazón y es bueno que con periodicidad, aunque sea con mayor o menor acierto se nos recuerde lo que fue y sigue siendo cualquier tipo de esclavitud. No tenemos más que encender el televisor o escuchar al nuevo presidente de los USA para intuir que el problema aún está muy lejos de solucionarse y personalmente no soy optimista, dado que la base de la pirámides que nos hemos dado como formas de gobierno a lo largo de la historia siempre se sustentan en diferentes, brutales o sutiles, tipos de esclavitud. Cójase la reforma labora actual de nuestro país.

Un chico joven, influido por un destino mesiánico enraizado en sus tradiciones religiosas atávicas (siempre la religión) explota y responde a la violencia indiscriminada y cruel a su raza con violencia indiscriminada y cruel. El sistema dominante se siente intimidado y lo cercena de raíz sin asomo de autocrítica. ¿Les suena?. Cambien los factores y el producto sigue y seguirá siendo el mismo.



















EL BÍGAMO

 7
1 h. 20 m.
USA / 1953
Ida Lupino





Ida Lupino, excelente actriz no llegó a alcanzar la fama de las grandes divas de su época pero dejó su huella en un puñado de films notables entre ellos, algunos como el que nos ocupa, dirigidos por ella misma convirtiéndose así en una de las siempre escasas directoras de la historia del cine y más en esa época. Pudo hacerlo gracias a su propia productora "The Filmakers" que creó junto con su marido el guionista Collier Young que también participó en el guión de este film y que curiosamente fue marido de sus dos protagonistas.

Las mujeres venían dejando su impronta detrás de las cámaras sobre todo como guionistas. Ya a principio del siglo XX en los comienzos del séptimo arte mujeres como Lois Weber o sin ir más lejos la española Helena Cortesina en los años 20, o Dorothy Arzner en los años 30 entre otras propias y foráneas.

Las películas de Lupino con 9 títulos eran de bajo presupuesto o serie B lo que no era óbice para que sacara el mejor partido de ellas y abordara temas poco comunes en el cine comercial de su época, atreviéndose incluso con el noir.

Aquí toca un tema tan delicado como la bigamia, hecho que se plantea desde el mismo comienzo de la cinta para lanzar el mensaje de que cada persona es un mundo y no debemos juzgar a nadie de forma general sin conocer las circunstancias particulares que en cada caso les han llevado a trasgredir la ley. Valiente propuesta sobre el valor de la individualidad en una época donde el saco del McCarthismo se estaba llenando injusta e indiscriminadamente.

La propia Lupino asume el rol protagonista con su habitual solvencia junto con el siempre eficiente Edmond O´Brien del que cuesta creer, dado su tendencia al sobrepeso fuera elegido por una asociación de mujeres jóvenes contemporaneas como uno de los más atractivos del país. La tercera en el triangulo es una Joan Fontaine que si bien se estaba alejando de sus mejores momentos en la década pasada, venía de trabajar el año anterior con Welles en "Otelo" y el éxito comercial "Ivanhoe".

La directora cuenta la historia en menos del metraje habitual de forma eficiente, conocedora del oficio y con un ritmo narrativo notable. Son de esas pequeños y notables trabajos que pasan lejos de los grandes focos y que vale la pena recuperar.

















JACKIE

 9
1 h. 35 m.
USA / 2016
Pablo Larrain






!Vaya como ha entrado Larraín en el cine USA!, cuajando hasta la fecha y a mi juicio su mejor trabajo en una trayectoria que ya de por si no era manca ni mucho menos. Aquí Aronosfky que produce le deja meter mano y cámara a un personaje tan delicado e icónico en la imaginaria USA y mundial, símbolo de un mundo y una época ni mejor ni peor que otras pero que nutrió de la tan necesitada ilusión por un mundo mejor después de dos terribles conflictos mundiales y la espada de Damocles de una guerra nuclear total y devastadora.

Como suele ocurrir en la historia cinematográfica ni el director ni la actriz eran la primera opción. El propio Aronosfky y Rachel Weisz se retiraron del proyecto. Afortunadamente el primero y a tenor del resultado de la Portman no creo que Weisz, grandísima actriz, lo hubiera mejorado.

El tratamiento que le han dado Larrín y Oppenheim como guionista a un tema que fácilmente se podía ir de las manos hacia senderos más comerciales y hagiográficos, no solo hacía la primera dama (a Jackie esta expresión le sonaba a nombre de caballo) esta tratado con elegancia, respeto y fino bisturí que disecciona las múltiples personalidades y reacciones reales o no de esta mujer en un momento puntual y en un entorno determinado a la que la cámara sigue como una lupa en un alarde técnico y actoral combinado de quitarse el sombrero.

La fotografía, los encuadres sobrios y precisos, la atmósfera creada por el vestuario y la dirección artística sacan el máximo rendimiento a una concisa puesta en escena. Capitulo aparte merece la bso incidental soberbia que ha compuesto la joven inglesa Mica Levi, donde no podía faltar la referencia al musical Camelot (Lerner y Loewe / 1960), favorito de JFK y metáfora de su breve "reinado".

Algunos critican que Larrain ha aflojado con esta propuesta su carácter social  y reivindicativo. No lo creo. Con tacto y respeto Oppenheim abre sutiles fisuras donde se entrevee que no era oro todo lo que relucía y que a veces relucía más que otra cosa. Pero no creo que la cosa vaya de política sino de una mujer, más allá incluso de la propia Jacquelin Lee Bouvier sino  de una madre, esposa, sometida a un rol agobiante donde en un momento dado convergen todas las miradas y trata de estar a la altura de su responsabilidad pública siendo al menos por una vez ella misma.

Portman debió llevarse el Oscar. Dicho queda.

















THE AMERICAN WEST (TV)

 6
8 episodios / 45 m. aprox.
USA / 2016
Jhon Ealer




Centrándose en media docena de los personajes más populares e icónicos la miniserie producida por Redford hace una recreación documental sobre la conquista del territorio al Oeste de las colonias primigenias de la Costa Este que conformaron el Norte y el Sur de los jóvenes Estados Unidos después de su guerra de Secesión.

Traza sin profundizar en tan vasto material, las lineas esenciales, generalmente de tipo económico que llevaron a la invasión y colonización de un territorio que ya estaba habitado por los nativos americanos y que fueron masacrados, así como flora y fauna en pos de los inmensos recursos naturales a explotar y como vía de desahogo para los conflictos sociales que había dejado la posguerra en un Sur arrasado y ocupado por las fuerzas unionistas.

Los comentarios esquemáticos de historiadores, escritores y artistas trufan una recreación de corte comercial en un formato que repite machaconamente una y otra vez lo que ya estamos viendo y deja mano libre a la ficción dramática sobre muchos hechos que carecen de documentación precisa y sobre los cuales hay múltiples versiones e incógnitas.

La prensa sensacionalista, las novelas de 10 centavos y más tarde el cine, alimentaron en el industrializado Este las leyendas de unos y otros en un territorio de una belleza indescriptible y cuyo adjetivo de salvaje en el peor de los sentidos lo puso como siempre el hombre. Hombres herederos de una vieja Europa que cruzaron el océano huyendo de la pobreza, cuando no de la justicia en busca de una nueva vida  construyendo una poderosa nación a costa de lo que fuera y donde la ley y el orden siempre llegaban con retraso.

Los que pagaron el pato fueron los de siempre, los "diferentes", nativos casi exterminados recluidos en reservas y los afroamericanos que a resulta de los tejemanejes políticos tuvieron que ver y sufrir que sus recien adquiridos derechos y libertades quedaban básicamente en papel mojado 100 años más y lo que les queda. Por no hablar de las mujeres.

Como un primer acercamiento al tema no carece de interés.

























MOONLIGHT

 8
1 h. 51 m.
USA / 2016
Barry Jenkins





Saltó la sorpresa en los Oscars y la nada aparentemente oscarizable y comercial "Moonlight" se llevó tres estatuillas incluida la de mejor película "a pesar" de la metedura de pata de los encargados de la distribución de los sobres (que les costó el puesto) y la cara de tonto que se le quedó al mítico sex symbol de Beatty y al equipo de "La, la land" que se tuvo que conformar con media docena de las 14 nominaciones que atesoraba. Personalmente uno se alegra de que otro tipo de propuestas como la que nos ocupa tengan su reconocimiento en premios tan mediáticos como los Oscar.

Digo lo de "aparentemente" porque en el fondo "Moonlight" y no tanto en la forma bebe de muchos de los clichés de otros melodramas de estudio en buena parte de su metraje, dividido en tres etapas de la vida de un chaval de raza negra sin padre conocido que amén de lidiar con una madre drogadicta sufre el perenne racismo autóctono que entre otras cosas conlleva unos estereotipos de clase y actitudes en el que la homosexualidad es un pecado añadido a ojos de todos los colores en pleno siglo XXI

Probablemente y aparte de sus valores que los tiene, la crítica del año pasado a los académicos por olvidarse de la buena cosecha de artistas negros en todos los campos habrá tenido su influencia compensatoria en esta edición.

El mayor acierto de la cinta es la sensibilidad con que Jenkis dirige apoyado en una excelente y polifacética fotografía de Linus Sandgren que ofrecen algunas escenas de profundo lirismo y emotividad y el cariño y comprensión con que trata a sus personajes sean protagonista o secundarios que a su vez son capaces de trasmitirlo fuera de la pantalla. Jenkis en un ritmo a veces demasiado pausado y falto de diálogos que pudieran dar mayor volumen psicológico a sus personajes, los desnuda sin juzgarlos y vela, nos queda la duda si con acierto o no, la violencia y la sexualidad que gravitan en torno a la vida del personaje dejando que la tensión se refleje en los silencios del trío de actores que encarnan al protagonista con eficacia.

"Moonlight" forma parte de ese cine actual y necesario que debe correr siempre en paralelo a ese otro donde el entretenimiento y el espectáculo son su razón de ser.






















FELICES SUEÑOS

 6
2 h. 14 m.
Italia / Francia / 2016
Marco Bellochio



Este director italiano de extensa y reconocida carrera fílmica a sus 78 años ha decidido adaptar el éxito literario de la novela autobiográfica del periodista turinés Massimo Gramellini, cuya vida a gravitado sobre el trauma de la muerte repentina de su madre cuando el tenía 9 años. La incertidumbre sobre los hechos de su muerte y su dependencia edípica fueron una constante que nunca llegó a superar del todo.

Bellochio ya había experimentado sobre problemas psicológicos en cuatro de su películas con la colaboración del psicólogo Massimo Fagioli desde finales de los 70. Aquí vuelve sobre estas cuestiones con momentos de gran lirismo en una narración no lineal que maneja de forma notable a pesar de, a mi juicio, un excesivo metraje y redundancia en el planteamiento. El hermetismo del personaje protagonista apenas liberado de su carga momentáneamente en un catártico baile para recordar, lastra la evolución del mismo, apenas sin aristas y los minutos pesan en el espectador.

Todos supongo hemos vivido de pequeños esos momentos angustiosos en que nuestra madre se ha escondido, como un juego o como una advertencia y la sensación de pérdida y desamparo es inigualable, tanto como la felicidad por reencontrarla. Bellochio llega a tocar con sus imágenes esa unión intangible y eterna con la madre que nos dio la luz.

Aún dedica algunos momentos para la denuncia social, recurrente en su carrera y el sentido o sinsentido de una vida que hay que vivirla a pesar de.















BATMAN: LA LEGO PELÍCULA

 8
1 h. 44 m.
USA / 2017
Chris McKay



Si uno es capaz durante la primera media hora de salir indemne de un importante mareo entre tantas baldosas de LEGO danzando como locas o un considerable atraganto de  guiños y reguiños sin pausa a el curriculum cinematográfico y televisivo del hombre murciélago, puede que acabe cogiéndole el gusto a esta alocada y disparatada puesta en escena del universo DC, brillantemente dirigida ahora en solitario por Chris Mckay en la segunda incursión del mundo LEGO en la gran pantalla. 

Después, ya algo más calmado viene el mensaje y la moraleja y pausas para que podamos disfrutar de los chistes y los gags. Consigue formar parte por derecho propio del mundo fílmico de Batman, incluso superando a otras propuesta de carne y hueso. La unión hace la fuerza y cada pieza de la vida es importante. Un mensaje simple barrocamente adornado con toda la parafernalia de un buen blockbuster.
























LA CARROZA DE ORO

 6
1 h. 43 m.
Francia / Italia / 1952
Jean Renoir




Basada libremente en el sainete de juventud (1825) de Mérimée
fue un encargo italiano a un Renoir recién llegado de su etapa norteamericana , con las imposiciones de ser rodada en inglés para el mercado norteamericano y aprovechar la fama de la Magnani como cabeza de cartel.
El sainete que ya había sido estrenado en época de Mérimée, aunque forma parte de un teatro que escribió solo para lectura, tuvo su estreno también en España con versión de Azaña en 1931 convertido como tantas otras cosas en disputa política por la crítica dependiendo del bando de las dos españas a la que se perteneciera. En la época en que le llegó a Renoir, la Comedie Francaise la había revitalizado con un estreno reciente.

Renoir pasó de su carácter francés y se lo llevó, se supone que por la inclusión de la Magnani, a terreno italiano, a la colorida y farsesca Comedia del Arte que le permitía un mayor juego estético, sobre todo con el color con el que había experimentado en su anterior obra "El rio" (1951), para mayor éxito de su hermano Claude Renoir con la fotografía.

La verdad es que Magnani se salia de los cánones de la famosa Colombina (palomita) criada clásica de la Comedia y se acerca más al tratamiento posterior que del personaje le dio Goldoni. Con todo y sin desmerecer la calidad actoral de Magnani se hace complicado para el espectador verla como el deseo amoroso de sus tres pretendientes (político, militar y torero), cuyos enredos no muy brillantes dentro del género se enmarcan en un guión a cuatro manos que se resiente de ello.

La siempre vistosa Comedia del Arte, el encanto de sus personajes, la ambientación, el tratamiento del color y un arranque divertido cercano al sainete original sustentan el asunto. Añadasele la mano del maestro con la cámara y como maneja los espacios para que la cosa tenga su interés, más allá del homenaje al teatro, al cine y el metalenguaje entre realidad y fantasía. 




















MANCHESTER FRENTE AL MAR

 8
2 h. 15 m.
USA / 2016
Kenneth Lonergan






Cuatro obras teatrales y tres películas a sus 54 años dan cuenta de que el dramaturgo y director neoyorquino por unas u otras razones se lo toma con calma. A tenor de la calidad de cada una de sus obras parece que la espera vale la pena.

Lonergan es heredero directo de la edad de oro de la dramaturgia americana de los años 40 y un puente evidente entre los textos teatrales y los guiones cinematográficos amén de un notable director con recursos artísticos para llevarlos a la pantalla, tiene suerte con sus actores o sabe elegirlos y dirigirlos. Sus nuevos trabajos y ahora más que nunca se esperan con interés al margen del gran público y la industria hollywoodense.

En esta ocasión fue Matt Damon quien le dio la idea inicial cuando Lonergan se encontraba intentado que no le recortaran su anterior y por cierto sobresaliente trabajo, que personalmente me gustó más que este siendo los dos tan notables como imperfectos. Damon quería hacer su debut en la dirección  y protagonizar el brillante guión de Lonergan pero la cosa se dilató, otros compromisos..., en fin que acabó como productor para beneficio de un Casey Affleck que algo sobrevalorado a mi juicio se hace con el personaje en todos los sentidos y  encumbra su carrera aupado por el tío Oscar. Oscar que no hubiera desmerecido se llevara la gran Michelle Williams quien consigue en una escena todo lo que Lonergan carga a Casey durante excesivos minutos.

Y dicho esto, esta historia de culpas y redenciones donde la comedia asoma sutilmente por las rendijas de los hechos cotidianos es de lo mejorcito del año, e incluye escenas realmente devastadoras que el director maneja con mesura y acierto. Manchester by the Sea es parafraseando a Sabina el lugar donde has sido feliz y no deberías volver, donde la vida te lo ha quitado casi todo y solo puedes renunciar a ella o seguir arrastrándote hasta que algo o alguien te haga levantar la mirada otra vez. Lonergan nos sobrecoge y le acompañamos en el sentimiento.  
















EL DÍA MÁS FELIZ EN LA VIDA DE OLLI MÄKI

 8
1 h. 32 m.
Finlandia / 2016
Juho Kosmanen




Comentaba Fernando Fernán Gómez que sus mayores éxitos y fracasos eran los de su vida privada, que su faceta como actor, director o escritor solo eran su trabajo.

 Olli Mäki trabajó en este controvertido "deporte" del boxeo y tuvo también éxitos y fracaso en el, aunque hoy con 80 años el alzheimer se empeñe en borrarselos. Probablemente estará más agradecido al director finlandés de que se haya interesado por su historia de amor que por sus biografía deportiva.
Una historia de amor en unos años 60 para cuya recreación se eligió la película en blanco y negro. No solo lo consigue sino que la cinta le debe buena parte de su acierto a dicha fotografía de Jani-Petteri Passi que nos regala un abanico de secuencias, sobre todo nocturnas, de gran calidad estética y dramática.

Dirige con fluidez narrativa y acierto en su debut Juho Kosmanen, haciendo buen uso del montaje y poniendo en valor la imagen por encima de las palabras para contarnos lo que sienten y viven sus protagonistas, acercándose a la más pura esencia cinematográfica. En esa linea se encuentra la actuación de los actores que parecen estar más metidos en lo que les ocurre a sus personajes que en interpretarlos, aportando una verosimilitud casi documental.

También habla del boxeo. El finlandés de los años 60 tan diferente al super profesionalizado de otros países como diferente es la película de otras famosas en su género al que complementa de manera exquisita.

Olli Mäki volvería a ganar y a perder, pero creo que siempre tuvo claro cual fue el día más feliz de su vida.

















THE AMERICANS (TV)

 6
Sesión 5 /13 episodios / 45 m. aprox.
USA / 2017
Joe Weisberg




Probablemente sea esta temporada la que ha dado los síntomas de agotamiento lógicos cuando ya se llevan muchos capítulos encima y la razón pide que el círculo acabe por cerrarse con la dignidad que merece la propuesta. Una de las mejores series de espías que ha dado estos tiempos de oro de la ficción televisa, junto con "Homeland".

Las nuevas subtramas y personajes no han tenido el carisma suficiente y la buena de Page ha cargado sobre sus jóvenes espaldas todo el drama y las incógnitas que generan sus "esquizofrénicos" padres. Para los que ya somos seguidores tomemoslo como un coger aire para el tirón final y una posible continuación en otra serie donde la misma Page tome el relevo en otro mundo social y políticamente diferente. (Es una sugerencia).













AVES DE PASO

 7
1 h. 24 m.
Bélgica / 2015
Olivier Ringe






Hermoso film. Apuesta Olivier Ringe en su tercer trabajo por intentar recuperar esa infancia donde la libertad de pensamiento y las utopías todavía se resisten a extinguirse en un mundo donde la tecnología teledirigida acorrala a los cada vez menos inocentes chavales, sobreprotegidos y a veces solo eso por unos padres que suplen con regalos el tiempo que no pueden o no quieren dedicar a sus hijos.

Estas dos niñas aún no entienden de barreras impuestas sean físicas o de otros intereses que no sean vivir acorde con sus sentimientos embarcándose en un loable propósito de dar lo mejor, de verdad, a su "hijo adoptivo", un pato, un ser vivo que como todos los seres que habitamos el planeta merecemos una vida digna.

Una sencilla historia de superación y amistad a tres bandas que Olivier cuenta con respeto y exquisito tacto hacia sus protagonistas. Las niñas están estupendas y uno no puede menos de emocionarse sinceramente y horrorizarse en otros momentos como el de la granja de patos. 

A cosechado los mayores premios de cine infantil, categoría que le viene pequeña. Lamentablemente su escasa distribución y promoción ante las poderosas multinacionales del entretenimiento familiar, privaran a la mayoría de acompañar a Catty, Margoux y su pato en el viaje de sus vidas.















LOS CUSTODIOS DEL TESTAMENTO
Tom Egeland / 2007
Ediciones B / 2008
507 págs.




Tom Egeland, periodista, director de informativos televisivos en Oslo y desde hace algunos años escritor a tiempo completo desde su éxito con su particular "Codigo Da Vinci", publicado unos años antes que el best seller de Dan Brown y con el que guarda tantas coincidencias que la sombra de plagio por parte de Brown pudiera tener sentido. Otra cosa es que el tono, el ritmo y el carisma de los personajes del americano superan al noruego en este tipo de literatura donde el lector medio aprende, generalmente en tiempo veraniego, que las sacrosantas historias que nos han contado sobre las religiones y sus personajes están supeditadas a siglos de cribas e interpretaciones y que en historia como en tantas otras cosas desconocemos más de lo que sabemos. Todo ello se presta a que escritores más o menos amenos e ingeniosos nos hagan pasar unas horas entretenidos entre tumbas, iglesias, mausoleos, momias, santos y demás parafernalias por las que la humanidad a rezado y sobre todo matado en nombre de la versión interesada de cada cual.

En este sentido esta farragosa por momentos novela de Egeland aporta el suficiente material para que al menos durante unas páginas pensemos lo relativo de nuestras más firmes tradiciones, aprendamos un buen puñado de cosas sobre los vikingos y los egipcios y lleguemos a la conclusión como se apunta en una frase de Gandhi que: "Dios no tiene religión"-

Por lo demás adolece de carisma y fuerza narrativa sobrándole quizás algunas páginas.







MELANIE. THE GIRL WITH ALL THE GIFTS

 6
1 h. 51 m.
Reino Unido / 2016
Colm McCarthy





McCarthy (el director, no el infausto senador) proviene del mundo de la televisión en el que ha participado en series de renombre como "Sherlock". Aquí en su segundo largo podríamos decir que prolonga su estilo televisivo como si de una miniserie de dos capítulos se tratara. Dicho sin ánimo peyorativo dado el nivel actual de las series. Las similitudes con "Walking Death" o el videojuego "El último de nosotros son evidentes y apostar por "otra de zombies" puede ser caer en lo fácil o hacer el ridículo. Ni lo uno ni lo otro.

Sin aportar demasiado al género si que cuenta con bazas a su favor. A saber: una acertada producción que ha rentabilizado el bajo presupuesto sabiendo buscar localizaciones reales que dan autenticidad al ambiente apocalíptico donde se desarrolla la acción. La tomas aéreas de la ciudad abandonada de Prypjat en Ucrania junto a Chernobyl, son todo un acierto.

Dos: el hongo. Los hongos son unos seres vivos misteriosos que no pertenecen ni al reino animal ni vegetal y que como de casi todo, desconocemos mucho más de lo que sabemos, como que algunos de ellos son, debido a sus ramificaciones subterráneas los seres más grandes del planeta y que utilizan la simbiosis con animales y plantas para conseguir sus objetivos vitales. Incluso el Ophiocordyceps unilateralis le hace al cerebro de ciertas hormigas algo parecido a lo que se plantea en la cinta.

Y por último Sennia Nanua, un jovencita de 15 años británica que debuta en la pantalla de forma tan hambrienta como su personaje y se los merienda a todos con su presencia y desparpajo augurando una carrera prometedora. Al tiempo.

Se ha dicho que el fin de nuestra raza antes de que nos autosuicidemos o caiga el meteorito puede ser un virus o una bacteria o un hongo, formas aparentemente pequeñas que nuestro gran ego no presta la atención que merece. La apuesta intermedia de que sean el medio para hacernos evolucionar de otra manera es la última baza de la propuesta.











LA EXCEPCIÓN A LA REGLA

 5
2 h. 6 m.
USA / 2016
Warren Beatty




Probablemente el título haya sido premonitorio. La única película de las cinco dirigidas por Beatty que no ha sido nominada a los Oscars. Y es que la cosa le ha salido flojita al mítico y ya octogenario bueno de Warren.

Es cierto que llevaba décadas queriendo meterle mano al irrepetible personaje del multimillonario Howard Hughes (1905-76) que por las fechas en las que transcurre la película andaba por la cincuentena probablemente con mejor aspecto que Warren en la cinta, más de veinte años mayor. El propio Beatty debutaba por entonces con "Esplendor en la hierba" (Elia Kazan / 1961). No parece que al director esto le haya importado mucho y ya puestos a falsear nos relata dos episodios sobradamente conocidos de la vida de Hughes (accidente aéreo con el prototipo XF-11 y el vuelo de su mastodóntico Hércules) que ocurrieron en la década anterior.

La cosa no habría tenido mayor importancia si el guión no fuera tan errático, y el pulso tan débil, abandonando su prometedor arranque de chica y chico de provincias que quieren realizar sus sueños en el país de los sueños,  (y pesadillas): la meca de un universo de cartón piedra plagado de estrellas refulgentes y la mayoría fugaces. Pero pasados los minutos iniciales es el propio Beatty quien se apodera del asunto egocentricamente para meterse en el disfraz de un patético Hughes que nunca llega ni siquiera a rayar la superficie del controvertido personaje. 

Para disimular que se ha merendado su propio producto lo remata con un parche final tan patético como el propio Hughes.
El resto del elenco trata de salir con dignidad del entuerto y los escaso minutos en los que aparece La Bening (señora de Warren) son como siempre un lujo. En este caso el único.

Si Warren no hace otra excepción a la regla de estrenar una película cada ocho años puede que no tenga ya oportunidad de dejarnos un mejor sabor de boca fílmico como el sabe para despedirse.












BILLY LYNN

 9
1 h. 50 m.
USA / 2016
Ang Lee




A veces en los primeros minutos una película te produce una sensación más allá de nombres, técnicas o argumentos que te hace sentir que es especial y si esa sensación, subjetiva por supuesto, se mantiene a lo largo del metraje pasará a formar parte de tu recuerdo para siempre. He tenido la suerte de que Blly Lynns haya sido una de ellas.
El maestro Ang Lee se ha dado un tremendo batacazo económico y la crítica ha sido despiadada. Se habla más de su "fallida" propuesta técnica de rodar a 120 fotogramas por segundo que del contenido de la cinta. Prefiero los que arriesgan y abren caminos que aquellos que van a lo seguro. Lee ya forzó la técnica en su anterior trabajo "La vida de Pi" y se llevó un Oscar como mejor director. Aquí no puede uno por menos que pensar que el vitriolico guión de el también oscarizado Simon Beaufoy y Jean-Cristophe Castelli  sobre la guerra, todas en general pero la reciente de Iraq en particular les ha pasado factura en los tiempos que corren.

 Al igual que en la película la realidad puede ser la que fuere pero las apariencias siempre tienen que ser gloriosas y mediáticas. El cine ya se encargó de forma memorable en ocasiones de reflejar como los diferentes gobiernos USA trataban a sus soldados en casa cuando regresaban de Vietnam, Afganistán o donde fueran a morir. Carne de cañón olvidada en vida y arropada por bonitas banderas y cuidados cementerios si morían como debían en el campo de batalla. Soldados generalmente de extracción humilde y marginal, de escasa cultura que ven en el ejercito el reclamo monetario y de reconocimiento social inmediato y momentáneo que les es muy difícil conseguir por otros medios.

Amén de la evidente metáfora sobre lo anteriormente expuesto, Lee basándose en la novela del escritor de Carolina del Norte Ben Foutain se centra en el hecho de ser soldado y qué puede significar eso para un joven del mundo occidental del siglo XXI.

Lo valores que tradicionalmente nos han vendido nuestros dirigentes de turno como la defensa de la Patria, la Nación y nuestro estilo de vida (sustentado por otro lado en la explotación de otros países del tercer mundo) ya no son las firmes columnas de antaño y los soldados del pasado siglo pródigo en grandes guerras, nuestros abuelos y padres hace tiempo que descubrieron que su país es la piel de los seres que aman más allá de lineas fronterizas y que el enemigo de a pie por encima de fanatismos políticos y religiosos se parece mucho a nosotros mismos. Al final se combate por uno mismo, por sobrevivir un día más y los lazos y dependencia de los compañeros con los que te juegas la vida y de los que dependes tienen los nudos muy fuertes y perecederos para poder mantenernos cuerdos ante tanto horror.

De todo ello nos habla Ang Lee en, a mi juicio, una gran película antibelicista, magistralmente montada, apostando por los diálogos, con una técnica que pocos disfrutaran (apenas hay un puñado de cines en el mundo que puedan proyectarla tal como está concebida) y con unos riesgos en su planificación y en sus planos dignos de elogio. La parte de la Superbowl es para enmarcar.
Estupendo el elenco actoral, con la sorpresa del novato Joe Alwyn (otro riesgo acertado de Lee) y una Kristen Stewart cada día más grande.

Película en muchos sentidos adelantada a su tiempo que el paso del mismo confió la coloque en el lugar que se merece.























EL ÚLTIMO REY

 5
1 h. 35 m.
Noruega / 2016
Nils Gaup




Haakon IV por mucho que diga el título en español no fue el último rey de Noruega, aunque durante su reinado se pusieron fin a 110 años de guerras civiles en que los "vikingos" noruegos además de asolar el mundo conocido también se mataban entre ellos para no perder las buenas costumbres.

La debilidad de sus normas de sucesión y tener una tradición de compartir el poder entre distintos reyes zonales les llevaría inevitablemente a conflictos entre las diferentes facciones cuando empezaron a querer centralizar el poder en un solo rey. Durante más de 100 años la norma más extendida para la sucesión fue el asesinato del rey anterior.

Entre las diferentes facciones estaban los Birkebeunernes (piernas de abedul) norteños de extracción humilde y los Baglers, comerciantes ricos del sur apoyados por la iglesia de Roma.

Cuenta la historia noruega que dos avezados esquiadores Birkebeiners (Torstein y Skejervald) pusieron a salvo al futuro rey  Haakon en una mitificada huida de sus perseguidores Baglers. Dicha huida quedó homenajeada desde 1932 con la carrera popular de esquí de fondo que lleva el nombre de los partidarios del rey y en el oleo del pintor noruego Knud Bergslien de 1869.

La película de Nils Gaup rayana en un digno telefilm de sobremesa apenas esboza el contexto histórico general y se centra en la hazaña de los esquiadores en una aventura de corte convencional con personajes planos apoyados eso si por una buena labor de vestuario y espectacularidad en las persecuciones donde los esquís comparten protagonismo con la belleza del paisaje.

Se agradece lo comedido del metraje.



















SOLO ANTE EL PELIGRO

 10
1 h. 20 m.
USA / 1952
Fred Zinnemann





El niño grande, hedonista y atolondrado se ha hecho mayor. Acaba de cumplir 50 años de los años 50 y aunque sigue siendo un Don Juan impenitente (durante la película se lió con la Kelly de 21 añitos), no cuadra mucho con el personaje de 30 años aguerrido que acaba de casarse con una jovencita. Además está en hora bajas de popularidad y con una úlcera sangrante que le está haciendo polvo y un rostro donde afloran sabias arrugas. El film es de bajo presupuesto y media docena de actores de renombre (Peck, Heston, Douglas, Clift, Brando, Lancaster) han rechazado el personaje. Se encuentra en un momento crucial de su dilatada carrera de 25 años y más de 80 películas. Se encuentra solo ante el peligro de que este sea su canto del cisne. Se rebaja el sueldo a cambio de una participación en beneficios. El resultado forma parte de su leyenda. 

Cooper se llevó el Oscar en una de sus mejores interpretaciones y la película fue muy popular, a despecho de John Wayne y su amigo Ward Bond a los que no les hacía gracia que la cinta fuese una alegoría de la caza de brujas comunista del senador McCarthy  apoyando al Comité de actividades antiestadounidenses. Paradojicamente Cooper también declaró en contra aunque de aquella manera, queriendo nadar y salvar la ropa. A la postre fue Wayne quien recogió su Oscar dado que Cooper no se presentó a la ceremonia de entrega. Más adelante  Wayne haría piña con Howard Hawks para crear otro sheriff mítico cuya testosterona no necesitaba de la ayuda de nadie, aunque se la prestaran Walter Brennan, Dean Martín y Ricky Nelson en "Rio Bravo" (1959).

Zinnemann y su director de fotografía habían tomado buena nota de la obra fotográfica de Mathew B. Brady (1822-96) y el primer  plano de inicio donde se recortan las ramas de unos arboles sobre un cielo lechoso ya auguran lo mejor. Pensaron utilizar el color pero el trasfondo dramático de la historia no podía ser de otra manera.

Zinneman da un recital de eficacia, sobriedad y variedad de recursos y planos siempre a favor de lo que está ocurriendo. No más de tres tomas por escena. La música de Dimiri Tionkim que también hizo la de "Rio Bravo", ocupa un lugar destacado en la historia del Western. La sensación de estar rodada en tiempo real aumenta la tensión. A Cooper apenas lo maquillaron. El sudor, la tensión y las arrugas de su rostro (aparte la úlcera) reflejan todo un mundo interior de convicciones profundas donde la consciencia del propio miedo y su superación es el primer paso necesario para el valor de los héroes que no dejan de ser humanos.

Esos humanos que por una u otras razones de conveniencia miran hacia otro lado, mientras que hombres como el guionista Carl Foreman entre muchos otros ven truncadas sus carreras sintiéndose tan solos y desamparados como el sherif Kane. Algunos como Chaplin teniendo que abandonar un país que otrora lo idolatraba.

Foreman se inspiró en un relato corto: "The Tin Star" de John Cunningan publicado en la revista Harper´s. El productor Kramer, hábil como casi todos los productores de la época hizo que fuera Foreman quien comprara los derechos por mucho menos de lo que le hubieran costado a él.

Debutaron Lee Van Cleef y Grace Kelly. Villano donde los haya el primero y estrella icónica y futura princesa la segunda. A ambos les quiere la cámara a pesar de que aún están "verdes". No como la estupenda Katy Jurado (Kelly y ella no se podían ver) que se merienda a todos en sus escenas.

"High noon" (Mediodia) título original, a pesar de que se rodó en horarios que dejaban sombras, no deja para la historia ni una en cuanto a ser uno de los mejores western de la historia.  




























BALLERINA

 8
1 h. 29 m,
Francia / 2016
Éric Warin / Éric Summer






"Ballerina" se remite a los clásicos cuentos de hadas, con "Cenicienta" como referencia más directa, pero la cinta es un remix o compendio de otras muchas influencias sobre todo cinematográficas como "Karate Kid" o "Billy Elliot". Ya sabemos que casi todo está inventado, lo importante es el uso que se haga de su reutilización y el dúo de directores franco canadienses hace una mezcla divertida, con un ritmo impecable, mensajes de superación y emotividad bien dosificados y ningún empacho en mezclar el mundo de la danza clásica (aunque el "Cascanueces" se estrenó en fecha posterior a la que transcurre la acción) con la música actual para que las nuevas generaciones entiendan que no son excluyentes. Supongo que la cinta aumentará el alumnado en las clases de danza.

Todo ello conforma un producto atractivo que ha sido bien recibido, para ver solo o en familia con el plus añadido de la magia de un París bien ambientado donde la estatua de la libertad convive con la torre Eiffel  cosa que nunca ocurrió en la realidad pero que sirve a la historia y homenajea a "Sabotaje" de Hitchcock. Un diseño de personajes clásico y atractivo, mucho baile y moderado metraje.

El equipo de animación, responsable de títulos como "Madagascar", "Kung Fu Panda" o "Mulan" cumplen a la perfección su cometido de dar vida a unos personajes que se apoyan en la pasión para alcanzar sus sueños.

Me lo he pasado muy bien.





















LION

 7
2 h.
Australia / 2016
Garth Davis




El australiano Garth Davis salta de la televisión al cine recolectando un puñado de nominaciones con una de esas historias emotivas que llevan la etiqueta de "basada en hechos reales". Y que uno no pueda por menos de tener el kleenex a mano con la historia de este niño indio perdido no significa que Davis lo haya hecho bien del todo.

Tras una primera hora muy prometedora en la que Davis conjuga a la perfección la historia con una habilidad para moverse por espacios sugerentes con una mirada notable para crear atmósferas agobiantes y de desolación desde la más cruda realidad, se abandona en el segundo tramo en manos del melodrama convencional, atascando el ritmo con repeticiones innecesarias y dejándose llevar por la inercia de lo seguro y previsible. Una pena.

Con todo atesora los suficiente alicientes para sobrecogernos ante la miseria y desigualdades humanas, en este caso de una India que despunta como país emergente mientras que miles de niños abandonados malviven en las calles y terribles orfanatos. Tanto su protagonista Dev Patel como el resto de secundarios (estupenda Kidman) y equipo técnico realizan un excelente trabajo a pesar de los constantes subrayados innecesarios del director.

Nos alegramos de que Lion/Saroo ponga el foco en tantos otros niños que no han tenido ni tendrán su suerte.
















COMO PERROS SALVAJES

 6
1 h. 33m.
USA / 2016
Paul Schrader





A este veterano de 71 años que ha firmado los guiones de "Taxi Driver", "Toro salvaje" o dirigido "Affliction" como botón de muestra, hay que tenerle un respeto, o al menos ser condescendiente con esta cinta de la que él mismo es consciente que juega en otra liga muy diferente. Pero arropado por Cage y Dafoe, con la colaboración del novato Cook que se comprometen con sus personajes y sobre todo por el hecho de que le han dado carta blanca para hacer lo que le viniera en gana, lo ha hecho. Y lo ha hecho como un viejo profesor que enseña a todo un equipo de recién graduados en la escuela de cine, con el que ha realizado la cinta, las posibilidades mágicas de este oficio tanto en el rodaje como en la sala de edición. Incluso se ha permitido el lujo de debutar como actor sin desmerecer en absoluto.

La historia es lo de menos. Aunque si uno quiere puede rascar en la falta de moralidad y escrúpulos de muchos individuos que pululan por las calles norteamericanas con una pistola en el bolsillo, desarraigados sociales y mentales cuyo paso por las instituciones penitenciarias les ha machacado aún más y que lo único que desean es exprimir la vida antes de matar o morir. Generalmente lo último a manos de una policía que también había que darla de comer aparte.

Con un comienzo vibrante, burro, violento y totalmente liberado en cuanto a la propuesta formal, la cosa promete durante la primera media hora, pero al final solo mantiene algún que otro ramalazo brillante de estilo, jugando con la fotografía, los colores y los encuadres.

Que nadie busque un thriller sesudo, clásico o convencional y se deje llevar por el absurdo y el desbarre de un señor que si le dejan divertirse sin más, lo hace.
















MÚLTIPLE

7
1 h. 54 m.
USA / 2016
M. Night Shyamalan




Shyamalan resiste como un jabato lamiéndose sus heridas autoinflingidas en una carrera que comenzó muy arriba y que parecía después de batacazos descomunales e incomprensibles haber tocado fondo para no levantarse jamás. Pero aquí sigue dando guerra con un género donde el misterio siempre está presente aliándose con lo fantástico y en el que no cabe duda se ha hecho un nombre con 14 films con tan solo 46 años. Lo mejor (lo peor es difícil después de "Airbender..." ) aún puede estar por llegar.

Mientras tanto, aborda una cinta donde el terror, el suspense y la psicología se dan la mano encarnados en un Alan Bates contemporáneo para mayor lucimiento del camaleónico James McAvoy, en una propuesta sugerente con aroma de novéla gráfica, cuyo guión del propio director no acaba de rematar como se merecía el asunto. Ya le pasó lo mismo en su anterior film "La visita" (2015).

Shyamalan evita afortunadamente la truculencia visual con el acertado fuera de campo y la acción y la palabra corren parejas sin que a la postre brillen ambas más allá del mantenernos interesados, que no es poco. A sido bien recibida por la crítica que buena falta le hacia a un director que como Juan Palomo ha tenido que acudir al bajo presupuesto, donde a la postre le va mejor a su probada imaginación.

El final queda abierto a una secuela ya anunciada donde confluiría con el mundo y los personajes de "El protegido" (2000).  En cualquier caso las posibilidades del personaje central darían para un mayor y mejor desarrollo aunque no tenga que ser necesariamente bajo la batuta de Shyamalan. Veremos. Tampoco hay que perderle la pista a Anya Taylor-Joy, (21 añitos) que se une a la prodigiosa cantera de actrices jóvenes que está dando la última década y media del cine norteamericano. Al tiempo.
















VIVIR DE NOCHE

 6
2 h. 9 m.
USA / 2016
Ben Affleck




Uno tiene la sensación de que el excelente material que suministra Dennis Lehane con sus novelas se le ha quedado grande a Affleck que no ha podido o no ha sabido exprimirle todo su jugo en dos horas de metraje. Mucha tela que cortar para solo 120 minutos. 

Affleck ha demostrado que detrás de la cámara es más que solvente pero solo con las elipses o quizás por ellas la cosa no acaba de funcionar como debiera. Le falta tempo y foco sobre lo que quiere contar más allá de recrear con acierto situaciones y atmósferas. A ello hay que sumarle y no es poco, el error a mi juicio de casting con el personaje principal: él mismo. El careto (por lo de careta con perdón) del omnipresente Affleck, voz en off incluida, resta muchos enteros al asunto. Y dado que el director ha sabido rodearse de un equipo artístico y actoral de primera no debería haber descuidado ese aspecto que puede dar la sensación de egolatría. McConaughey, Chris Penn, Tom Hardy..., entre otros le hubieran resuelto la papeleta.

 En fin que otra vez será. Mientras tanto las escenas de acción, la ambientación, el vestuario y los escasos minutos de los secundarios de lujo valen la pena en una revisitación del género sin aportar nada ni novedoso ni sugerente.  

















TONI ERDMANN

 7
2 h. 42 m.
Alemania / 2016
Maren Ade




Que envidia me dan aquellos que ante este drama con toques de humor absurdo o surrealista lo adjetivan de "hilarante" y "desternillante". O aquellos que le han dado el pleno al quince en los últimos premios del cine europeo calificándolo de obra maestra.  Siempre es bueno que la gente disfrute con el cine, pero como todo es subjetivo o al menos relativo, en mi caso no puedo compartir tal entusiasmo en buena parte del, a todas luces, exagerado metraje.

La propuesta de la directora Maren Aden que también guioniza, es la tercera en su carrera, desconocida por estos lares y que le ha puesto en el mapa internacional. Vaya por delante que es una buena película con un planteamiento original, un importante trasfondo social y existencial, magníficamente interpretada y con un puñado de momentos emotivos. También es repetitiva, lenta, farragosa y fría.

Uno se pregunta cual habría sido el resultado en manos de ingleses o italianos, aunque lógicamente tiene el valor añadido de la carga autocrítica a la Alemania actual hecha por alemanes desde un "humor" alemán.

Toni Erdmann es el disfraz que tiene que ponerse un padre para que su hija lo reconozca. Toni Erdmann es el espejo absurdo y ridículo de un mundo absurdo y ridículo inmisericorde que desde una posición de poder mueven y manejan a su antojo a los más desfavorecidos en una economía de mercado de la que Alemania es valedora principal con su política de recortes, siempre sociales, siempre en otros países. Toni Erdman es el humor al que agarrarse para sobrevivir, el absurdo para combatir el absurdo de la vida.

Toni Erdman es muy valiosa y necesaria, pero en su justa medida. Tampoco nos pasemos.
















QUE ESTÁS EN LOS CIELOS




HARRY DEAN STANTON (1926-2017)


ACTOR




FRANK VINCENT (1939-2017)


ACTOR



SAM SHEPPARD (1943-2017)


Escritor / Actor

MARY TYLER MOORE (1936-2017)


Actriz



JEANNE MOREAU (1928-2017)


Actriz




TERELE PÁVEZ (1939-2017)


ACTRIZ




BASILIO MARTÍN PATINO (1930-2017)


DIRECTOR



AL JARREAU (1940-2017)


MÚSICO
NATI MISTRAL (1928-2017)


ACTRIZ / CANTANTE
JERRY LEWIS (1926-2017)


ACTOR / HUMORISTA/ DIRECTOR

SEIJUN SUZUKI (1923-2017)


DIRECTOR





BILL PAXTON (1955-2017)


ACTOR











CAUTIVOS DEL MAL

 10
1 h. 54 m.
USA / 1952
Vincente Minnelli





Autentico compendio y pasión por el cine. Ese cine que daba sus últimas grandes cosechas ante la inevitable carcoma de la televisión que no podía ser erradicada ni con el CinemaScope y que al final acabó con el sistema de estudios donde productores como el que representa Douglas en el film eran quienes de verdad cortaban el bacalao o en este caso el celuloide. Auténticos dictadores-embaucadores-autores en mayor o menor medida en cada una de sus facetas llevaron las riendas de una época dorada tan llena de luces y sombras como el mejor noir.

Minnelli, minusvalorado por cierta parte de la crítica, abandona momentáneamente los musicales y el derroche de color y nos deja para la historia una ejemplar síntesis homenaje a todo ese mundo del celuloide donde por mucho que alguien quiera todo el protagonismo siempre será un trabajo de equipo en el que estrellas y directores son el fulgor externo de un interior mucho más complejo que los hace brillar. Ese mismo equipo que en una de las escenas memorables (y tiene muchas) se convierte en espectador embelesado de su propio trabajo.

El autohomenaje con múltiples guiños y referencias a personajes reales del mundo del celuloide, sus formas de trabajo y manías es florido y variado empezando por el propio productor de la película John Houseman aunque el retratado por Douglas sea en mayor medida David O. Selznick.

Cínica y despiadada expone con toda su crudeza que el show, la película, deben continuar por encima de todo y de todos y que su proceso de creación es una fiebre cercana a la locura que puede terminar en el éxito o el fracaso más absoluto pero del que uno queda envenenado para siempre. Minnelli impone un ritmo magistral donde cada una de las tres historias contadas en flashback siempre empujan hacia adelante y nunca se ven lastradas porque ya conozcamos de antemano el destino de los personajes. Los arquetipos (actores, directores, guionistas, productores) y sus características principales no son todos los que están pero son sin lugar a dudas la encarnación de los más relevantes que conformaron el Hollywood dorado.

Cada una de sus escenas no tiene desperdicio en el guión oscarizado de  Charles Schnee sobre la historia corta original de George Bradshaw "Tributo a un mal hombre". Titulo original que fue sustituido por "El malo y la bella" con fines propagandísticos dado que en ese momento Lana Turner era la estrella de la MGM. Quizás el único error de la cinta aunque implícitamente también reflejaba ese modo de hacer las cosas en los grandes estudios.

El reparto no deja lugar a fisuras con un Minnelli que supo moderar a Douglas  y potenciar a Lana Turner (en la propia película en un rizar el rizo se ve algo de esto) y en el que Gloria Grahame se llevo el Oscar a la mejor secundaria con el récord de menos minutos en pantalla (9 m. 32 seg.) que mantuvo hasta 1976.  Aunque servidor se lo habría dado a Jean Hegen por "Cantando bajo la lluvia". Minnelli, injustamente, ni siquiera fue nominado aún reconociendo que el nivel de ese año en la dirección era apabullante.

El talento del equipo de producción artística también se llevó su cosecha de estatuillas que por cierto aparecen por primera vez en pantalla en la película.

Para los amantes de las listas de "las mejores de...", siempre hay que reservar un hueco para "Cautivos del mal".
















LOVING

 8
2 h. 3 m.
USA / 2016
Jeff Nichols






En el 2016 hemos tenido dos propuestas de Nichols. La cuarta y quinta en 9 años de una prometedora carrera. "Take Shelter" (2011) nos dejó la impresión de que Nichols podía ser uno de los grandes y personalmente con cada nueva entrega uno tiene la doble sensación de esperar lo mejor o el temor de que la cosa no sea para tanto. Es cierto que no se puede acertar en todo y de los errores se aprende. Muchos de los maestros del cine "solo" nos dejaron media docena de títulos inmortales.

Con "Midnigh Special" sonaron las alarmas en buena parte del metraje, pero aquí el director de Arkansas vuelve a tomar las riendas y nos regala una delicia fílmica que se adentra en el biopic más convencional para enfocarlo con una mirada más personal, más digna, evitando los clichés del género y centrándose en los sentimientos de sus protagonistas más que en el hecho del proceso histórico que supuso su caso en el devenir de los derechos civiles en USA y los matrimonios interraciales.

Cortes rápidos de montaje le confieren un ritmo continuo dentro de la serenidad de la propuesta donde la contención general no impide que la tensión y el drama humano estén siempre presentes  ( ese sheriff de Martin Csokas...).
Tanto Edgerton, que continua imparable su carrera, como Ruth Negga realizan composiciones admirables y soportan todo el peso de un guión centrado en su amor, del propio Nichols.
Notable la fotografía, la música y la producción artística. En el debe y para mi gusto algunos planos repetitivos y algo más de entusiasmo en las reacciones finales donde previsiblemente cualquier humano acabaría por liberar de forma más explicita las tensiones acumuladas.

El matrimonio Loving sentó un precedente legal positivo ante un aspecto del racismo que lamentablemente sigue imperando no solo en USA.

Aún queda otra propuesta de Nichols del 2016 sin estrenar que esperamos con ilusión.










LA VIDA SECRETA DE LOS ÁRBOLES
Peter Wohlleben
Edit. Obelisco / 2016
224 págs.



En nuestro insensato e irracional afán de antropocentrismo (el hombre como centro de todas las cosas) machacamos hasta la exterminación toda la vida que nos rodea, tan única e indispensable como la nuestra en este maravilloso e increíble equilibrio que hace del planeta un lugar irrepetible, al menos para nuestra especie.

Uno que no es una lumbreras ya intuía desde pequeñito que todos los seres vivos sienten y padecen en planos de existencias más o menos alejados del nuestro. Si con aquellos que más se nos acercan o nos acercamos como los mamíferos nos la suda que no haremos con el mundo vegetal, De hecho exterminarlo.

Este libro, quizás básico para los más puestos en la materia y algo repetitivo y farragoso para los menos iniciados a pesar de que Wohlleben dosifica con acierto los capítulos, no deja de ser imprescindible para poner en valor a esos compañeros de viaje de ritmo vital más lento y longevo que el nuestro, para comprenderlos mejor a pesar de los muchos interrogantes que aún quedan por descubrir y para amarlos y respetarlos como se merecen. De hecho sin ellos no existiríamos.

Descubriremos como se quejan, se comunican, se desplazan, reproducen, luchan por su existencia, se asocian..., descubriremos a sus amigos y enemigos (el hombre como siempre el peor).

No volveremos a mirar igual a "los chicos de la calle", esos que enclaustramos en nuestras ciudades para que nos sean útiles a costa de acortarles sus posibilidades de vida y cuando paseemos por los bosques de fronda que aún puedan quedar sabremos que no estamos solos, que forman parte de un todo con nosotros mismos.     





SHIN GODZILLA

 5
2 h.
Japón / 2016
Hideaki Anno / Shinji Higuchi






Godzilla o Gojira, romanizaciones del nombre original en japonés, al igual que Spiderman con Marvel, vuelve a casa. Esto es a los estudios japoneses Toho que lo estrenaron en la pantalla en 1954 a las ordenes del director Ishiro Honda (1911-93), dentro del género Tokusatsu (de efectos especiales) subgénero Kaiju (monstruos). Desde entonces hasta hoy comparte fama y honores desde el lado oriental con King-Kong quien ostentaba el cetro mundial en solitario desde 1933. Incluso llegaron a encontrarse en el 62.

Esta es su aparición número 31 en la gran pantalla, 29 de ellas de la mano de Toho. El monstruo elevado a la categoría de mito y símbolo inicial de los ataques nucleares que sufrió Japón en la segunda guerra mundial a pasado por todas sus posibilidades dramáticas. Ahora Toho recupera su carácter simbólico para conjugar en él todas las frustraciones de Japón que quedan redimidas en su lucha perenne e infatigable contra el destructor de su imperio perdido. Dicha perdida achacada a las desavenencia entre sus dirigentes y la burocracia esclerótica de su sistema funcionarial político que ya denunciaba Kurosawa en "Vivir", amén de su dependencia de los USA ganadores de la guerra.

Así pues esta nueva versión ambientada en el Tokio actual se tiñe de patriotismo discursivo compartiendo el cincuenta por ciento del metraje con las destrucciones del monstruo donde los efectos especiales se llevan la palma.

Para uno que no es muy fan ni del monstruo ni del género, se deja ver y hasta aburre un poco, aún sospechando que está muy por encima de la media de su franquicia, que como el monstruo seguro que volverá.














LOS DEL TÚNEL

 6
1 h. 35 m.
España / 2017
Pepón Montero



 Hay que agradecerle a gentes como Dani Rovira o Arturo Valls que abandonen momentáneamente su cómoda posición (ganada a pulso por otra parte) como populares presentadores o humoristas e inviertan, tiempo, trabajo y pasta en proyectos como este que buscan salirse de los clichés de las comedietas de chico encuentra chica o seguir explotando el humor zafio y chabacano de otros productos inclasificables.

 Apoyándose en dichos clichés intentan superarlos y ofrecernos que la sonrisa permanente no este reñida con la inteligencia. Tanto en "100 metros" (Marcel Barrena / 2016) como en este túnel se pretende que nos miremos a nosotros mismos y nos aceptemos como somos. A partir de ahí podemos intentar mejorar.

 La ácida visión de esta cata de un grupo humano estándar refleja los parámetros de frustración personal que vamos acumulando día a día  en pos de sueños incumplidos que sustituimos por apariencias para que la presión social no nos aplaste y nos marque como parias de un sistema absurdo sobre el que mal vivimos.

 Como en esos comienzos de año en que nos llenamos de nuevos propósitos, los del túnel, después de una experiencia traumatica piensan en ella como una epifanía que les hará cambiar sus vidas para mejor, sin comprender que cambiar nuestra forma de ser es mucho más difícil y requiere más valor y sacrificio que salir de cualquier catástrofe, y el primer paso es reconocerse a si mismo.

 Película coral donde Arturo Valls defiende con dignidad  con sus limitaciones como actor un personaje que al igual que todos los demás está equilibrado y controlado por Pepón Montero para que ninguno caiga en el exceso.

 A esta modesta película se la califica de inclasificable. Bendito sea.










FIGURAS OCULTAS

 7
2 h. 7 m.
USA / 2016
Theodore Melfi



El productor neoyorquino Theodore Melfí decidió hace un par de años pasarse a la dirección con una agradable y sugerente comedia como fue "St. Vincent". Su éxito le llevó a ser propuesto para encargarse de la enésima puesta al día de Spiderman, pero lo rechazó en favor de este biopic, sobre las mujeres afroamericanas que tuvieron puestos de relevancia en la NASA durante los inicios de la carrera espacial a finales de los 50.

Dirigida con escuadra y cartabón según los cánones del biopic para todos los públicos no pasará a la historia más allá de poner en valor y dar a conocer a estas mujeres que sufrieron las discriminaciones machistas de la época (cada época tiene las suyas) con el añadido de la segregación racial.

Para ello y como viene siendo habitual se modifica aquello que sea necesario de la realidad para que respetando la esencia del asunto los detalles hagan más dramática y atractiva la cinta. Llama la atención por otro lado la cantidad de inexactitudes históricas de todo tipo que acumulan este tipo de películas que pretendidamente quieren reflejar hechos reales.

Se ve con agrado, las interpretaciones son solventes y todo transcurre previsiblemente y sin sobresaltos. 














LA CIUDAD DE LAS ESTRELLAS (LA LA LAND)

 8
2 h. 7 m.
USA / 2016
Damien Chazelle




Cuando un Toyota Prius sustituye a un Buick Riviera convertible algo en el mundo ha cambiado, uno se ha vuelto más pragmático y menos soñador. De algo de esto vive "La la land", una comedia dramática envuelta en musical con la que  el joven (32) director y guionista Damien Chazelle en su tercer largo se ha subido al cajón del olimpo del tío Oscar. Es cierto que tan solo dos años atrás avisó con "Whiplash" (3 Oscars) y esta vez han sido 6 aunque no el de mejor película con suspense incluido aportado por Warren Beatty y los encargados de distribuir los sobres de los ganadores.

Anécdotas a parte, Chazelle sigue amarrado a su amor por el jazz que tan buenos réditos le está dando. En este caso la nostalgia por los grandes maestros que en su día se atrevieron a innovar el género se hace extensible al mundo del cine. A ese Hollywood de estrellas ya extinto que han dejado de ser referencia para las nuevas generaciones y donde ir al cine y a sus templos (Rialto, Roxy, Majestic...) era creer que el mundo podía ser diferente y nadie se asombraba de que los personajes se pusiesen a cantar y bailar en medio de una autopista, por ejemplo.

Fred, Ginger, Kelly, Ingrid, Bogart..., crecimos los que ya peinamos canas soñando en ser como ellos o que la vida nos diera un poco de la magia de sus historias. Coger tímidamente la mano de nuestra pareja en la penumbra del cine se convirtió en un ritual sagrado del siglo pasado.

A todo ello apela Chazelle con una esplendida fotografía de colores saturados que quieren ahuyentar los grises de una vida rutinaria. El tímido y respetuoso musical va progresivamente dejando paso a una historia de amor que acaba por alejarse de las pantallas y los asientos del Buick y se acomoda en los del eficaz Prius que acaba por llevarnos seguros a nuestra cita con la realidad y el destino.

Un último giro temporal que nos remite a la trilogía de Priestley sobre el tiempo en sentido inverso nos revela la importancia de las encrucijadas y de los caprichosos que pueden ser los dados de los dioses.

Enma Stone que personalmente me recuerda a la belleza nada convencional de la Davis, esta inmensa y a poco que no se tuerza su carrera y cuente con directores que den la talla podrá emularla.

"La la land" no es perfecta y juega con las convenciones pero nos hace que volvamos a reír y llorar bajo la lluvia a la luz de cualquier farola por mucho que sepamos que estamos en un decorado en la oscuridad de la caja de los sueños. 
















LA TORTUGA ROJA

 8
1 h. 20 m.
Francia / 2016
Michael Dudok de Wit





Los afamados estudios Ghibli japoneses y uno de sus ya míticos fundadores Hayao Miyazaki después de amagar con retirarse o tomarse un descanso al final, tanto unos como otros vuelven una vez más en forma de coproducción con Francia y Bélgica en esta joya de la animación que supone el estreno en el largo de su director el holandés Michael Dudok que ya contaba con un Oscar en el 2001 por su corto de animación "Padre e hija". Al parecer fue este corto el que motivo a Miyazaki para coproducir esta historia hermosa y entrañable sobre los ciclos de la vida.

Con una técnica de linea clara muy propia del cómic belga y una prodigiosa animación la isla y su entorno donde transcurre la historia adquieren un protagonismo de una belleza singular. Allí un hombre desconocido surgido de las aguas completará su existencia en una metáfora sin palabras, no las necesita, donde lo real y lo irreal se dan la mano y los sueños y la realidad conviven con la lucha por la supervivencia en una naturaleza generosa y cruel a partes iguales de la que solo el amor y el humor representado por los cangrejos nos puede hacer salir victoriosos y transcendernos en nuestros hijos.

Puro cine.


















LE FILS DE JOSEPH

 6
1 h. 45 m.
Francia / 2016
Eugéne Green




Décimo trabajo de este neoyorquino de 70 años cuya carrera se ha desarrollado íntegramente en Francia siendo esta su primera película estrenada en nuestras salas.
Heredero del cine europeo de los 60 y 70 cultiva un estilo muy personal de fuerte carácter teatral marcado por el arte, sobre todo barroco y la espiritualidad.

La abundancia de primeros planos frontales, la casi ausencia de interpretación de los actores que dejan todo el protagonismo al texto, su ritmo pausado con entradas y salidas de plano y personajes siempre enfrentados  constituyen un entorno muy particular, nada convencional y no apto para todos los paladares. El resultado a mi juicio ofrece momentos muy interesantes y otros de una frialdad que no juega a favor de la historia.
Dividida en capítulos de referencia bíblica con los que establece analogías en el desarrollo de situaciones y personajes, Green nos cuenta la historia de un adolescente que parafraseando la famosa frase de Kennedy se plantea no ya lo que su familia podría haber hecho por él sino lo que él puede hacer por su familia. En este caso construirla.

Con un humor sutil y personal desgrana situaciones alejadas del realismo convencional trufadas de referencias artísticas y aún encuentra hueco para dar un repaso ácido al mundo del arte,  superficial e ignorante con una Maria de Medeiros en un rol delicioso de crítica literaria.  















EUROPA 51

 10
1 h. 43 m.
Italia / 1952
Roberto Rossellini






Rosellini y su obra fue uno de los afortunados directores que evitaron el hipotético olvido de la historia fílmica gracias a su puesta en valor por los autores varios de la biblia francesa de la modernidad cinematográfica "cahiers du cinema" pocos años después del estreno de la cinta que nos ocupa. No todo lo que se dijo en cahiers sobre este o aquel director tiene que ir a misa pero en este caso con Rosellini a mi juicio, acertaron de pleno.

En pleno fervor creativo le cae de las estrellas del cielo de Hollywood una de las más rutilantes. La sueca Ingrid Bergman con un Oscar y varias candidaturas decide de motu propio que hay más cine y quizás mejor en otros mundos fuera de la galaxia de los grandes estudios californianos y le escribe una carta al director italiano después de visionar "Roma ciudad abierta" y "Paisa", ofreciéndole sus servicios.

¿Quien le dice no a semejante mujer y actriz?. Surge el amor por encima de sus respectivos cónyuges y el escándalo social iniciando una colaboración profesional y personal que dará su fruto en cinco películas que si bien no triunfan en su momento en taquilla nos deja obras maestras como esta casi olvidada Europa del 51.

Si uno no puede menos que enamorarse de Ingrid en "Casablanca", aquí pasa a la categoría de diosa de adoración perpetua. Decir que La Bergman está inmensa es poco. La evolución de su personaje y la gama de registros aguantando unos primero planos no habituales en Rosellini supera con creces cualquiera de sus personajes americanos.

 Bergman baja a los suburbios, a la realidad de ese nuevo cine del que Rosellini abrió la puerta y mira las cosas por primera vez descubriendo a la inmensa mayoría que no vive entre oropeles y que apenas subsiste en un mundo convaleciente de dos guerras mundiales y a la espera de una tercera que solo puede ser evitada con amor a los demás y respeto a sus diferencias, sin juzgarles. Esta forma de entender la vida muy próxima al origen del cristianismo sin los dogmas de las iglesias, se basa en los postulados de la filósofa parisina Simone Wells (1909-43) que cuadra con el  marcado compromiso social de la obra del director. Las analogías del personaje de Irene con Cristo no se eluden y al igual que El, es rechazada, incomprendida y queda al margen de una sociedad que no está preparada para subvertir sus rígidos moldes ortodoxos clasistas.

La perdida de su hijo es la espoleta que le hace despertar de su mundo superficial e irreal, estableciéndose a su vez un paralelismo entre el personaje y la actriz que llena de verosimilitud su actuación. Rosellini maneja los tiempos y los ritmos con maestría y mima a su actriz-mujer tanto o más como hizo Von Sterbeng con La Dietrich.

La omnipresencia de Bergman no impide que Rosellini se luzca en planos y atmósferas sobre un guión muy elaborado firmado por cinco guionistas incluido el director y que aún deje un hueco para que la gran Giulietta Masina se permita el lujo de robarle planos a la diosa nórdica.


























PROYECTO LÁZARO

 6
1 h. 52 m.
España / 2016
Mateo Gil






Siete años han pasado desde aquél western particular bellamente fotografiado, bien producido y del que salió airoso como director al servicio de un guión que no era suyo, dado que Gil se ha labrado un nombre en la industria como guionista generalmente a las ordenes de Amenabar.

Aquí sin embargo ha cargado las tintas y nunca mejor dicho en la escritura y le ha salido una película muy discursiva con un planteamiento de corte filosófico y pesimista sobre, no ya las posibilidades de la ciencia, sino el uso de ellas siempre bajo el paraguas protector y condicionante de la inversión económica antes que el bienestar social general. Apuesta Gil, no se sí con base científica o no, por los múltiples efectos secundarios y el método de prueba y error que conllevan los avances en el campo de la medicina regenerativa. Y donde deberíamos poner limites. Podría haber adoptado una visión esperanzadora y positiva que también es posible pero cuando el ser humano mete la mano....

El caso es que el producto final se enroca en si mismo con una apañada producción que da el pego futurista, trufada de flashback donde la vida del protagonista  y su relación con la persona que amaba reclaman más desarrollo en detrimento de ese despertar futuro y sus consecuencias previsibles que se estira lánguido y frío.

Correctas interpretaciones y tema para debatir fuera de la sala que no es poco.












LA AUTOPSIA DE JANE DOE

 4
1 h. 39 m.
Reino Unido / 2016
André Ovedral




Muy de tarde en tarde uno vuelve, motivado por cierta unanimidad en la crítica, a darle una nueva oportunidad al género del terror, tan desvirtuado, a mi juicio desde hace décadas, cuando el gore y el uso y abuso de clichés sustituyeron como aderezo indispensable a nuestros temores varios, al misterio y la intriga, a que lo fantástico  e improbable abriesen una puerta por donde asomarse a nuestro mundo "real".

El guión de terror que el noruego Ovedral, cuyo último trabajo data del 2010, encargó para este su tercer film quiere partir de esos buenos presupuestos pero...., ni Ovedral como director ni el guión escrito a dos manos están a la altura más allá de un inicio prometedor que muere en si mismo y se aferra en definitiva a las consabidas y trilladas atmósferas de pasillos, luces intermitentes, tripas, ruidos, puertas y demás parafernalia de sustos, afortunadamente aquí dosificados con mesura.

Al menos el gran Brian Cox impone su presencia y va remendando aquí y allá las endebles costuras del asunto que se permite algún momento dramático (escena del ascensor) tan fuera de lugar y pretencioso como orgulloso se siente el director de él calificándolo de lo mejor de la cinta.  Previsible, inexacta en sus pocas afirmaciones científicas y sonrojante en el tratamiento de algunas escenas, sobre todo las de la novia, la autopsia de esta Juan Nadie puede archivarse en la estantería de ese videoclub añejo y olvidado destinado al polvo del olvido en la ya eterna espera de que el nuevo mesías  del género resucite de entre los muertos.













SOLO EL FIN DEL MUNDO

 6
1 h. 37 m.
Canadá / 2016
Xavier Dolan




Al "niño prodigio" canadiense de inusitada madurez como director y en la elección de sus temas, aún le quedan dos añitos para entrar en la treintena. De su cine hasta la fecha, se espera lo sorprendente, lo no convencional. Ahora se rodea de una parte de los más granado de la nómina actoral actual francesa para abordar un texto teatral tan sorprendente y complejo como su cine. El autor de dicho texto el francés Jean-Luc Lagarce (1957-1995) habla y nunca mejor dicho, sobre la imposibilidad del  ser humano de expresar lo que autenticamente siente. Los personajes acumulan sus sentimientos y frustraciones como globos siempre a punto de explotar y hablan sin parar abriendo la espita para no acabar explotando consumidos por su propio mundo interior. Jean-Luc que no gozó en vida de mucho éxito está siendo reconocido después de su muerte por sida. El texto pertenece a la última etapa de su vida donde da un giro a su obra dándole un tinte autobiográfico, buscando en la vuelta a sus orígenes familiares no ya una redención o un perdón por haberlos abandonado sino una confirmación de que no se equivocó al hacerlo.

Mundo claustrofóbico y cerrado que Dolan quiere potenciar con encuadres cerrados sobre los rostros, para que las palabras no tengan más escapatoria posible que los ojos de los protagonistas y se repitan sin apenas más sentido que el de la incomunicación convirtiendo casi la totalidad del metraje en una sucesión de cabezas parlantes. Dolan por lo tanto arriesga en un ejercicio de estilo al servicio del texto pero también al servicio de su propia experimentación de su cine y se siente orgulloso de su trabajo. Cuando por momentos abandona este mantra cae en flashback que por contraste resultan convencionales.  El resultado no apto para todos los paladares es una obra áspera, aburrida y reiterativa que pone a prueba la paciencia del espectador, donde fracasa el drama familiar convencional a favor de una segunda lectura más filosófica y existencial con unos actores entregados a sus roles donde no cabe esperar unas interpretaciones realistas por mucho que el entorno lo parezca y en la que sale beneficiada una Cotillard camaleónica que siempre consigue destacar independientemente de cual sea el proyecto.


Fue premiada y odiada en Cannes abierta a la polémica sobre el cine de Dolan donde parece no haber medias tintas entre sus seguidores y detractores. Uno siempre prefiere a aquellos que puedan fracasar arriesgando con nuevos caminos.
















VIKINGOS

 7
Sesión 1-2-3-4 / 49 episodios / 44 m. 
Irlanda / Canadá / 2013-14-15-16
Michael Hirst / History Channel 






Hablamos del "Canal Historia". Eso lleva la premisa de calidad en cuanto a la ambientación y recreación de épocas pasadas y un fuerte carácter didáctico. Dar a conocer momentos históricos de la forma más fiel posible al mismo tiempo que entretener con las historias que nos narra. En este caso dichas historias se apoyan en el rey semilegendario de Dinamarca Ragnar "Calzones peludos" (Lothbrok) que vivió entre los siglos VIII y IX d.c.

Su vida y andanzas provienen básicamente de relatos literarios de leyendas escritas 200 años después y no está claro si todo lo que se le atribuye no es un compendio de varios personajes sintetizados en su figura. Su fama le viene dada por sus éxitos en las numerosas razzias o incursiones en Inglaterra, Francia y Noruega (se dice que llegó a remontar el Sena hasta París), sus famosos hijos cuya vida si está documentada y su "modus operandi" de pedir rescates por abandonar sus conquistas.

Con todo ello Michael Hirst utiliza las licencias que le interesan para aderezar dramáticamente la historia y presentar a unos personajes más asequibles para la audiencia.

Un casting acertado en los roles principales, fotografía, vestuario, atrezzo y localizaciones nos hacen viajar a las tierras nórdicas y entender un poco mejor como eran estos "hombres del norte" (y mujeres), sus costumbres, sus dioses y religión y matizar su barbarie, poniéndola en su contexto. Durante cientos de años asolaron parte del mundo conocido (algunas ciudades españolas) e incluso tocaron tierra americana mucho antes que Colón.

Lo dicho: "Vikingos" entretiene y enseña que no es poco y nos invita a indagar sobre este rey escandinavo y su mundo al margen de la serie, para descubrir sus diferencias con ella.



















THE CROWN (Serie TV)

9
Sesión 1 / 10 episodios / 55 m. aprox.
Reino Unido / USA / 2016
Peter Morgan / NETFLIX





No siempre un presupuesto elevado (en este caso mucho) lleva aparejado la excelencia artística. Afortunadamente los cinco millones por capítulo de  "The Crown" han rendido cuentas en un producto de una calidad impecable. Otra cosa es la reflexión que pueda provocar que en nuestro zona privilegiada del mundo nos gastemos semejantes sumas en "entretenimiento" de alta calidad mientras que cada vez más personas rozan los indices de pobreza. Dicho comentario que podría no ser oportuno en una crítica como la que nos ocupa, toma su razón de ser cuando dicha serie precisamente nos pone de manifiesto los entresijos de una casa real, en este caso la Británica, donde su nivel de vida y los lujos de su entorno están cimentados sobre siglos de colonialismo explotador que aún continua enmascarado bajo regímenes de países "independientes", dirigidos por autocratas dictadores autónomos que acumulan toda la riqueza del país dejando a sus ciudadanos tan pobres como cuando eran directamente administrados por las coronas foráneas correspondientes, a cambio de seguir cediendo los derechos de explotación de sus recursos a dichas coronas o repúblicas de rancio abolengo explotador.

Y dicho esto para justificar que uno puede disfrutar como el que más con esta serie sin olvidar lo que representan sus protagonistas.

Isabel II cumplió 90 años cuando se rodó esta primera temporada. Amén de su personalidad privada ha sido testigo y parte de casi un siglo de grandes cambios mundiales, estructurales y de pensamiento. El reputado guionista londinense Peter Morgan ya había sido nominado al Oscar por "The Queen" ( 2006) y había demostrado que no se le daban nada mal los entresijos de cortes reales y  la política (Frox / Nixon / 2008), tanto en la gran pantalla como en los escenarios.

Morgan pues mezcla ambos conceptos con equilibrio y sabiduría apoyado por un equipo artístico y actoral de primera, donde destaca la composición del gran John Lithgow  como Winston Churchill. Gozosa para todos los sentidos, con un excelente diseño de producción, fotografía, vestuario, música...,
"The Crown" al menos en esta su primera temporada se posiciona en lo más alto de un mundo, el de las series, que ya de por si ha puesto en las últimas décadas el listón cada vez más alto, independientemente de que en la excesiva oferta haya de todo y no siempre bueno. NETFLIX se apunta pues un tanto importante como productora de series de calidad al margen de tanto superhéroe venido a menos.

Dicen que quieren 10 temporadas que abarquen hasta la muerte de Lady Di  en el 97. Morgan de momento solo se compromete una temporada más. A tenor de los visto la cosa promete.












DESIERTO

 3
1 h. 34 m,
México / 2015
Jonás Cuarón




El hijo y el nieto de cineasta y escritor ilustre debieron de contagiarse de la parte negativa de ese hermoso y desolado paisaje no tan yermo como aparenta que da título a la cinta para escribir un guión impropio en su banal simpleza de los apellidos que atesoran.

Hace relativamente poco pasaron por televisión otra película de cuyo nombre y autor no consigo acordarme de la que esta es un clon mucho menos entretenida dentro de los limites ambas del telefilm de sofá de sobremesa.
Cuaron se esfuerza en fotografiar la belleza del paisaje y el ritmo narrativo no es despreciable pero la propuesta es tan plana, repetitiva y a la postre aburrida y previsible que no hay quien la salve.

Ninguna concesión con los personajes, meras marionetas al servicio de una acción manida y ningún intento tampoco de ahondar en la problemática social y personal de un conflicto desgraciadamente real. Es cierto que la elección  de Trump puede añadirle un plus de morbo pero eso no les justifica. 

Garcia Bernal con quien Cuarón repetirá en su próximo proyecto y Dean Morgan poco pueden hacer con tales mimbres. Hay que destacar por merecida la labor del entrenador de animales y los tres perros milanois que conforman el personaje del perro de presa de Dean Morgan, que cumplen su cometido con brillantez aunque personalmente no soy partidario de utilizar animales en rodajes y la fama que pueden coger esta determinada raza al encasillarlos en un rol que no siempre se corresponde con su autentica naturaleza.

Se me olvidaba que fue premiada por la Federación Internacional de Críticos de Cine en Toronto. Ellos sabrán.
















LA ZONA DE INTERÉS
Martín Amis / 2015
Edit. Anagrama
312 págs.





Decimocuarta novela del consagrado escritor británico Martin Amis. El Holocausto en particular y el nazismo en general desde el punto de vista de la "banalidad" diaria del funcionariado militar alemán encargado de uno de los campos de exterminio. El Horror con mayúsculas como telón de fondo de un día a día donde "el trabajo" como cualquier otro, exige de sus responsables soluciones, eficiencia, resultados ante los superiores y "molestias" que hay que sobrellevar.

Martin nos sobrecoge mientras nos narra los pensamientos de tres de sus protagonistas situados en ambos extremos del conflicto y en el caso de Thomas en una especie de equidistancia del mismo. Cada uno se enfrenta en su propia zona de interés a un reflejo de la autentica realidad de si mismo, sin que la imagen que les devuelve ese espejo no pueda dejar de producir espanto y una vez reconocida ser insoportable.

Cada uno de ellos la sobrellevará o justificará en función de sus propias circunstancias. Insertado en un mundo esquizofrénico donde los conceptos del bien y del mal son suplantados por el "nuevo orden", surge del lodo una historia de amor. Un triangulo envenenado por la frustración, el odio y la esperanza que a la postre habrá que cuidar con mucho esmero para que difícilmente pueda sobrevivir desintoxicándose del ambiente en que creció. 

Original en su planteamiento, con una prosa ágil y fluida Martin aporta una nueva mirada necesaria sobre un periodo no tan lejano que no cabe olvidar. Sus semillas siguen desperdigadas en algún lugar de nuestro más reprobable adn esperando peores tiempos para florecer de nuevo en toda su maldad.





VIVIR

 9
2 h. 23 m,
Japón / 1952
Akira Kurosawa




Tan solo hacia dos años que "Rashomon" del propio Kurosawa habría la puerta en Cannes al cine oriental en occidente y él mismo se significaba como uno de sus más destacados representantes a pesar de su marcada influencia del propio cine occidental. "Vivir" bebe del neorealismo italiano iniciado en la posguerra con "Roma, ciudad abierta" siete años antes por Rosselini. El funcionario Watanabe y su necrótico mundo funcionarial burocrático nos es muy reconocible. Ese Japón de edificios desconchados, en reconstrucción, nos es tan familiar como si fuera cualquier ciudad europea en la que la guerra a reseteado nuestras vidas y nos obliga a mirar a la vida desde otra perspectiva.

Hay personajes en "Vivir" cuyo prioridad es poder comer y divertirse. Son las nuevas generaciones que ya no creen en el sacrificio de toda una vida en bien del estado, de la familia, de unos códigos de comportamiento que han llevado al desastre. La joven funcionaria dimite de su puesto. No quiere pasarse 30 años donde nada es productivo, donde acabara como Watanabe momificada.

Watanabe ha creído en un dogma, se ha sacrificado por un hijo que como suele ocurrir no ve en él más que un lastre y una fuente de herencia. Ha desperdiciado su vida como un hombre gris..., hasta que la inminencia de la muerte pone en valor su propia vida y le enfrenta ante el espejo de su propia soledad e intenta redimirse, en algún último acto que pueda dar sentido a su existencia. 

Kurosawa está en el cenit de su carrera, en la mita de su obra en la madurez vital y profesional y nos regala uno de sus mejores trabajos (para él su favorito), dándole un toque poético y filosófico a la cotidianidad de una historia de un hombre común.

En su abultado metraje marca de la casa (a mi juicio se extiende demasiado en la parte del funeral) da todo un recital de recursos de dirección con una variedad técnica espéctacular donde los primerísimos primeros planos se alternan con escenas muy atmosféricas, influencias del cine negro y tempo oriental. El periplo por los bares y clubs es impagable, así como algunos momentos como la supresión del sonido cuando Watanabe sale de la consulta médica. Una vez más el cine no necesita de diálogos ni añadidos para comunicar sentimientos.

Takashi Shimura uno de sus actores fetiche junto con Toshiro Mifune, con sus cuarenta y tantos años realiza una composición antológica transformándose en un anciano a punto de jubilarse y al borde de la muerte. 

Basada parcialmente en "La muerte de Ivan Ilich" (1886) de Tolstoi, refleja la angustia existencial ante la vida y la mortalidad del ser humano. Kurosawa siempre gustó de referencias literarias en su filmografía, pero aprovecha para dar un repaso a su patria en reconstrucción y a un sistema político tan burocrático y corrupto como el de nuestros días.

La memoria de si mismo que Watanabe deja en el pequeño parque que ayuda a realizar es el mensaje de esperanza en un futuro donde si hay voluntad se puede disfrutar de la vida en las pequeñas cosas prácticas, inmediatas, que hacen que esta sea mejor para uno y para los demás. 

Toda una lección de vida y de cine.



















TRAIN TO BUSAN

 7
1 h. 58 m.
Corea del Sur / 2016
Yeon Sang-Ho






Sorprendente el brío y la energía con la que el director surcorenao de cine de animación para adultos ha debutado en el cine de acción en vivo. Conocíamos su interesante trabajo sobre la religión en "The Fake" (2013) y la precuela animada de esta invasión zombi "Seoul Station" (2016).

Parece que el tema zombi siempre tan manido y a la vez efectivo le ha animado a continuarlo con personajes reales. El género se mezcla con el de las películas de desastre y todo sus clichés para una historia mil veces contada y vista, pero que dado la fascinación que nos causan los muertos vivientes (véase "Walking dead") sigue dando réditos.

Sin lugar a dudas y en este caso no es el fondo sino la forma en que Sang-Ho lo cuenta con un ritmo trepidante que no da lugar a descanso y una panoplia de recursos de cámara, tratamiento de los espacios y buenas actuaciones (sobre todo de los zombis) que nos atrapa desde el primer minuto y no nos suelta hasta un final excesivamente subrayado y con una sobrecarga emotiva innecesaria. 

Parece que Sang-Ho seguirá dejando aparcada de momento la animación a raíz de este éxito premiado en su país y con buen acogida internacional. Estaremos atentos.  














CONTRATIEMPO

 7
1 h. 44 m.
España / 2016
Oriol Paulo




El barcelonés Oriol Paulo (42 años) se ha consolidado como un buen alumno aplicado como guionista y director de sus estudios patrios y foráneos. Se ha hecho un nicho en las televisiones y su anterior película "El cuerpo" (muy mediocre a mi juicio) le ha reportado algunos premios. Ahora que parece que con esta última propuesta en la que lo vuelve a intentar con el suspense da un paso positivo hacia adelante mejorando notablemente, la crítica especializada se ceba con la cinta y la tira por tierra. Somos así. Y para gustos pintan colores.

Sus guiones siguen siendo pelín pretenciosos, enmarañados y por momentos confusos, pero "Contratiempo" me ha mantenido pegado a la pantalla durante todo el metraje y sus vueltas y revueltas en ningún momento me han aburrido. Ya es mucho en una película de ese género. El reparto funciona, aunque Casas no acabe de cogerle el punto al personaje, la trama es arriesgada en el fondo y en la forma (método rashomon sui géneris) y el desenlace final, como muchos otros momentos referente de otras películas ("La Huella" (Mankiewick/ 1972) por ejemplo), funciona siempre y cuando uno no sea muy fan de Ana Wagener (no doy más pistas).


















SILENCIO

 6
2 h. 39 m.
USA / 2016
Martin Scorsese




Scorsese iba para sacerdote católico. Fue monaguillo. Pero las películas de su cine de barrio decidieron que se convirtiera en uno de los clásicos del séptimo arte a caballo entre dos siglos. Entre col y col gansteril (entiéndase sus más afamadas películas) siempre que pudo o le dejaron metió su cuña sobre la religión y la fe, ya sea cristiana o budista y escandalizó a unos cuantos. No podía gastarse mucho en ello dado que era poco probable su rentabilidad pero ahora a sus 67 años consagrado, 47 millones de dólares se los pueden permitir.

Decir, con la maestría en su oficio que el director atesora, que la película es mala es mucho decir. No lo es en absoluto. Y si uno degusta del buen cine hay de donde tirar, pero....
La máxima de Howard Hawks de no aburrir cuentes lo que cuentes establece una linea roja por la que Scorsese en esta propuesta camina al limite, cuando no lo traspasa. Ninguna concesión al espectador. Se convierte así en una propuesta muy personal sobre sus propias inquietudes religiosas aunque ponga sobre la pantalla el dilema universal de que el Dios cristiano (entre otros) exige a sus creyentes un tremendo acto de fe para asumir el silencio que dicho Dios ejercer ante los horrores cotidianos del día a día de este valle de lágrimas, justificado durante siglos porque aquí venimos a sufrir (la mayoría) para luego ser recompensados en el cielo. Peligroso axioma que depende de como se interprete en esta y otras religiones puede conducir y conduce a actos extremos de fanatismo.

El cambio de ritmo narrativo se entiende si Scorsese quiere aproximarse al del cine clásico oriental en alguna de sus propuestas, pero lo exageradamente extenso del metraje y la reiteración de situaciones no parece justificada, cuando después de un comienzo que nos retrotrae al más puro cine martirológico cristiano propio de semanas santas acaba por llevarnos después de dos horas más, a un desenlace a mi juicio insustancial con un Lian Neeson-Ferreira corroborando en pocos minutos lo que ya sabíamos desde el inicio.

 La moraleja final: si reniegas de tu fe para que no masacren a los demás, es como si te declaras culpable para que dejen de darte hostias los que te están interrogando. El jesuita Rodriguez que encarna magníficamente Andrew Garfield debería tener sobrada experiencia a mediados del XVII sobre el asunto a tenor de lo que la iglesia católica europea venia haciendo con todos aquellos herejes y demás que no compartían su religión. El inquisidor japonés no es pues, a pesar de lo lejano y exótico de su país para un europeo nada diferente al Torquemada de turno del viejo continente.

Basada en la novela del escritor católico japonés Shusako Endo publicada en 1966 y de la que ya existía una versión anterior en el 71 del director japonés Mashairo Shinoda. Scorsese llevaba 30 años dándole vueltas al proyecto hasta que al final a podido ver la luz. 



















COMANCHERÍA

 10
1 h. 42 m.
USA / 2016
David McKenzie




Tuvimos que esperar al último momento del pasado año para disfrutar de una de las mejores cintas del mismo.  La frase hecha "Hell or high water", título original, tiene su traducción en "Contra viento y marea" haciendo una doble alusión  a realizar aquello que fuere necesario sin importar las circunstancias y a una clausula en los contratos de arrendamiento que obliga al pago al inquilino independientemente de que pueda tener problemas objetivos para hacerlo. Ambas acepciones son determinantes en la trama de un guión excelente de Taylor Sherydan. "Comanchería"  remite a que la acción se desarrolla en una parte del territorio de la etnia Comanche, oeste de Texas, donde  transcurre la acción.

Es interesante la etimología de la palabra en relación con la trama. Comanche es el nombre que le dieron sus vecinos Uta: "enemigo, el que lucha contra mi" y que fructiferó al adoptarlo los españoles, pero el propio pueblo Comanche se autodenomina en su idioma "seres humanos".

Así pues y como dice el personaje de Ben Foster, todos somos comanches en su doble acepción. Los personajes pues, seres humanos, con sus aciertos y errores están en continua lucha consigo mismos y con los demás para salvar sus vidas y sus almas "contra viento y marea". Cada uno de ellos y sus relaciones no tienen desperdicio y los actores lo aprovechan al máximo. Bridges (67 años) hace tiempo que está por encima del bien y del mal. Pine, en su mejor papel hasta la fecha, se reivindica por encima de guapito aventurero y Ben Foster lo borda, merecía la nominación y se consagra en un personaje inolvidable.

A estas alturas todavía no he dicho que estamos hablando de un Western. Con mayúsculas. Ese género con el que comenzó la narrativa cinematográfica, "The Great Train Robbery" (Edwin S. Porter / 1903). Y que pongasele la etiqueta que se quiera (crepuscular, neo-western) sigue siendo inmortal y dando periódicamente lo mejor de la cosecha. Ahí están los paisajes, los indígenas, los personajes que cabalgan hacía un horizonte-destino incierto e inevitable, la violencia, las armas, la familia, la amistad...y el humor. Desde Ford a los Cohen el género fiel a sus principios evoluciona y cristaliza en esta propuesta de un David McKenzie, escocés, que no es nuevo en este oficio y que en su noveno trabajo se ha puesto en el punto de mira de los grandes.

Texas, lo que fue y lo que es a pesar de que no se filmó allí. Seres humanos (comanches) que aún tienen por lo que luchar, redimirse de sus faltas o acabar sus día con dignidad. Un elenco de secundarios ejemplar, como la bso y la fotografía. Y un duelo final tan lleno de tensión y clímax como el mejor, sin necesidad de desenfundar más que las razones de cada cual.

Se nota que me ha gustado y mucho ¿verdad? No se la pierdan.
















PASSENGERS

 6
1 h. 56 m.
USA / 2016
Morten Tyldum






Da la sensación de que la carrera del  director noruego Morten Tyldum no va a tener ningún problema para triunfar en la industria cinematográfica estadounidense. Posee a tenor de lo visto en sus dos trabajos anteriores, más que suficiente calidad como director y un gran encaje a la hora de acomodarse a que los guiones conviertan sus interesantes propuestas en cine comercial para todos los públicos, sea del género que sea. Así pues el descarnado thriller de "Headhunters" o la vida de Alan Turing en "The imitatión game", acaban como este "Passangers" por rendirse a la taquilla. Una lástima dado que los actores y el propio Morten daban para mucho más.

La cinta que nos ocupa por tanto dentro de los parámetros palomiteros, es indudablemente entretenida, con un diseñó de producción y una dirección artística que acapara el cincuenta por ciento del protagonismo, un homenaje al maestro Kubrick que eleva el conjunto y una pareja protagonista con carisma, química y buenas actuaciones.

En los primeros veinte minutos quedó la semilla de lo que hubiera podido ser si hubieran apostado por un drama humano de consecuencias y dilemas morales difícilmente solucionables. Al final, avanza a trompicones con cambios en el tono y género para retrotraernos a otras cintas ya vistas y caminos mas trillados.

Los "frikis" de la ciencia tienen cacho para poder sacar a la superficie todas las inexactitudes científicas pródigas en este género de viajes interestelares, velocidades luz, distancias, gravedades y demás que el resto de los mortales aceptamos sin más en bien de la aventura cuando se apagan las luces.


















ASSASSIN´S CREED

 4
1 h. 45 m.
USA / 2016
Justin Kurzel






Así, sin despeinarse, el director australiano Kurtzel pasa de Shakespeare ("Macbeth"/  2015) a un videojuego superventas. Dicen los que están al loro que la culpa la tuvo Fassbender que rodando con Kurtzel y Cotillard la tragedia del rey escocés les convenció para "dar el salto" al mundo de templarios y assasins que Ubisoft venía explotando con pingües beneficios. Fassbinder además, encantado con el asunto, asumió la producción ejecutiva.

El resultado ha sido tan decepcionante como el "Macbeth". Aunque al menos el barón de Glamis y Cawdor tenía mucho ganado del original. Y el caso es que si se hubieran esforzado los guionistas, el propio juego bebe de las fuentes de "Alamut", novela del esloveno Vladimir Bartol publicada en 1.938 que narra con acierto las peripecias de estos fanáticos religiosos, su líder y su fortaleza. Pero no.

No conozco el juego. Dicen su adeptos que tampoco les ha convencido la adaptación. La película se luce en las luchas coreografiadas y Fassbinder y Cotillard asumen sus personajes planos con oficio y solvencia, pero ni aún así.
Todo se queda a menos de cuarto y mitad en una historia deslavazada y carente de emoción, donde la mezcla entre pasado y presente es siempre un palo en la rueda del ritmo y la trama.

El videojuego tiene casi una veintena de secuelas, spin-offs (extensiones independientes), cómics, libros... Mucho me temo que Aguilar volverá a lanzar el vuelo. Esperemos que con mejor guión.




















CARA DE ÁNGEL

 7
1 h. 31m.
USA / 1952
Otto Preminger






En el 48 el controvertido magnate, entre otras muchas cosas, Howard Hughes, se hizo a golpe de talonario con la RKO. Entre sus producciones se encuentra este thriller noir un año antes de que la propia compañía fuera absorbida por Paramount que se hizo con sus derechos.

La cosa no pintaba bien. Preminger odiaba el guión original, adaptación del argumento del director, escritor y productor neoyorquino Chester Erksine. Hughes y Simmons se odiaban mutuamente por cuestiones profesionales y personales. A la Simmons le quedaban por ley 18 días de contrato con Hughes y llegó incluso a cortarse el pelo para no hacer la película. Hughes le puso una peluca. Y todos odiaban a Preminger cuyo carácter les devolvía ese odio. Aquí la anécdota famosa de Mitchum, harto ya de abofetear una y otra vez a la Simmons por exigencias del director decidió que Preminger probara su propia medicina. Preminger quiso echarlo pero Hughes no le dejó. (La escena de la bofetada al final no quedó muy allá)

Así estaban las cosas pero... Preminger metió mano al guión , dirigió con su habitual solvencia y Simmons y Mitchum están perfectos en sus roles, en unos personajes que se salen sutilmente de sus arquetipos del cine negro; incluso en el caso de la Simmons de los personajes a los que nos tenía acostumbrados. La ambigüedad en la relación, uno de sus mayores logros y la química entre ambos funciona, apoyados por unos actores de reparto eficaces y convincentes.

Tanto el personaje de Mitchum como el de la Simmons ofrecen al criterio del espectador mucho más de lo que reflejan en pantalla y sus peculiaridades psicológicas quedan flotando sin que Preminger con buen criterio tenga necesidad de subrayarlas. Los ingredientes del noir están ahí pero mirados con la sutileza de Preminger. Un par de momentos espectaculares y una buena ración de cine de tribunales van rompiendo la linealidad de la acción por otro lado previsible, hacía un final para el recuerdo.  La música compuesta por el ruso nacionalizado estadounidense Dimitri Tionkin y la fotografía de Harry Strading con dos Oscars y 12 nominaciones en su carrera, son más que notables.

El problema básico de esta propuesta es que llega tarde dentro de la filmografía del cine negro y su guión y personajes arquetípicos recuerdan a otros títulos inmortales como "Perdición", "El cartero siempre llama dos veces", "Retorno al pasado"..., consiguiendo con todo gracias a sus matices hacerse un hueco entre ellas.

















!CANTA!

 8
1 h. 40 m.
USA / 2016
Garth Jennings / Christophe Lourdelet





Hay que levantarse con el día nublado o cogérsela con papel de crítico excelso para no disfrutar con esta nueva propuesta de los estudios "Illumination" al tiempo que se nos van los pies marcando el ritmo de su acertada selección musical utilizado como bso.

 Acostumbrados como nos tienen a que cada nueva propuesta en el mundo de la animación de un paso más en alardes técnicos, la que nos ocupa se contenta con un más que digno diseño de personajes y un guión cuyo defecto, la simplicidad, más me parece un acierto.

 La escasa profundidad de los personajes que se le hecha en cara, a mi modesto entender no es tal, sino una buena síntesis (recordemos que esto no es shakespeare) de un muestrario social, en el que Garth Jennigs que también dirige traza con breves y divertidas pinceladas los anhelos y problemática de cada uno de los personajes. Personajes que atrapados en su timidez, prepotencia, machismos y roles sociales incluido la delincuencia encuentran en la música un modo de liberar su alma. Añadamosle un sincero homenaje a un mundo del espectáculo en decadencia donde los teatros y grandes salas están siendo sustituidos por la sala de estar o la habitación de cada uno, para rematar con una crítica a los "talent show" ya sean de adultos o niños, de cocina o de música donde por mucho que se enmascare se fomenta la competencia a muerte entre los concursantes. 
Estos" triunfitos" son entrañables, divertidos y nos dejan un poso dulce al salir de la sala. No tiene porque ser Pixar-Disney todo lo que reluce en la animación estadounidense.

















ROGUE ONE: UNA HISTORIA DE STAR WARS

 7
2 h. 13 m.
USA / 2016
Gareth Edwards




Los antecedentes presagiaban lo peor. A saber: Disney compra los derechos de la saga y se dispone a exprimir la burra temiéndonos que sin escrúpulos. La primera en la frente: resetear de forma infame, chapucera y descarada todo lo que venía labrándose, de forma irregular eso sí, anteriormente, resucitando sin pudor a los viejos iconos para despedirlos malamente de la mano de J.J. Abrams. Y como guinda elegir para este "flashback satélite" de la saga a un director cuyos dos primeros proyectos abundan en la mediocridad. Pero...
Parece que en este caso, "La Fuerza" que todos llevamos dentro a acompañado a Gareth Edwards y ha parido probablemente la mejor de la saga desde hace años, recuperando un espíritu setentero que nos retrotrae a los inicios y que parecía estar tan perdido y distante como esa galaxia tan lejana donde ocurrieron los hechos o ocurrirán, que con este lió de ir "pa lante y pa tras" en la historia ya no se sabe.

Más adulta, sin perder esa inocencia de las aventuras juveniles, con un reparto entregado y solvente, buena galería de personajes, la dosis justa, necesaria y equilibrada de referencias sin sustentarse en ellas conforman una cinta entretenida de más de dos horas, evocadora, que no teme el sacrificio final en bien de la saga y que nos deja un mensaje de que en la lucha por la libertad son muchos los que caen y son olvidados por el camino sin los cuales nada hubiera sido posible.

Edwards y su equipo han rodado con lentes y escenografías (algunas de ellas originales de los 70) para poder acercarnos a los inicios y lo consiguen.

A veces los "secundarios" le roban el protagonismo a los propios protagonistas. Buen comienzo pues para que la Guerra siga dando guerra en paralelo, aunque lamentablemente, o no, esta propuesta quede cerrada en si misma.   




























JUEGOS PROHIBIDOS

 9
1 h. 26 m.
Francia / 1952
René Clément




Posee uno de los comienzos y finales probablemente más desolados, desgarradores y desasosegantes de la historia del cine. Cuenta además sin lugar a dudas con las mejores interpretaciones infantiles desde Jackie Coogan en "The Kid"(Chaplin/ 1921) de la mano de Georges Poujouly y sobre todo de una Brigitte Fossey en estado de gracia. Ambos prolongarían su carrera profesional con desigual éxito a lo largo de sus vidas.

Lo que en principio iba a ser un corto se convirtió en un largo que le dio a Clément su consagración para la historia llevándose el Oscar a la mejor película extranjera en el 52.

El horror, el amor y el humor (negro) se dan la mano para contarnos desde el punto de vista de la inocencia infantil, quizás llevada al extremo en tono de fábula por ese libro que se abre al principio, que la muerte no puede estar más agusto que entre esta especie descerebrada, envidiosa y egoísta que la invoca y utiliza de forma gratuita con total desprecio sobre la vida que somos los seres humanos, Durante todo el film, la parca, está presente de una u otra manera sin que a nadie parezca importarles sus causas y consecuencias.

Los vecinos en esa Francia rural ocupada por los nazis reflejan en sus conductas básicas el origen de los conflictos humanos. Los niños no tienen más remedio que reconvertir la presencia de la muerte en un juego que les permita dejar espacio a un amor puro donde refugiarse que pronto será destruido por aquellos que han envejecido lo suficiente para aprender a sobrevivir por encima de todo y de todos.

Uno a la vez que sonríe aceptando el humor como único medio balsámico no puede menos que acabar sobrecogido ante este brutal retrato de la pérdida de la inocencia. Clément lo narra con maestría y belleza apoyándose en la excelsa fotografía en blanco y negro de Robert Juillard, sobresaliente director de fotografía que comenzó como cámara su dilatada carrera y que ya había trabajado para Bresson en "Diario de un cura rural" el año anterior.
















INFILTRADO

 6
2 h. 7 m.
USA / 2016
Brad Furman




Reconozco que ya desde la valorada "El inocente" (2011) y no digamos la olvidable "Runner, Runner" (2013), Brad Furman no está en la lista de mis directores favoritos. Su manera de narrar no acaba de funcionar, a mi juicio, con la claridad y fluidez necesaria y tampoco posee un estilo personal. Sus películas se me antojan un quiero y no puedo lleno de escenas referenciales a otras películas con desiguales aciertos.

Todo ello es aplicable a este nuevo trabajo sobre las memorias del agente encubierto Robert Mazur que contribuyó a riesgo de su vida y la de su familia en desmantelar canales de blanqueo del dinero de los cárteles de la droga. No parece el físico de Cranston el más apropiado para encarnar al propio Mazur y ello se resiente sobre todo en la atracción sexual latente entre el personaje y su ayudante interpretado por Diana Kruger por mucho que ambos pongan empeño. Por otro lado las similitudes y distancias del icónico personaje Walter White que catapultó a Cranston pesan mucho en cada uno de sus personaje y en este en particular y Cranston hasta la fecha no ha podido superar el listón que él mismo se impuso. Aquí ejerce además de productor ejecutivo.

También he de reconocer que estuve a punto de abandonar en la primera media hora cuya atmósfera ochentera se vencía demasiado del lado del telefilm de sobremesa. Afortunadamente y a pesar del ritmo sincopado y la farragosa trama la cosa va a mejor con algunos momentos interesantes.

Al final a uno no le queda más remedio que imaginarse las peripecias de este personaje en manos de un director más solvente.















HASTA EL ÚLTIMO HOMBRE

 8
2 h. 11 m.
USA / 2016
Mel Gibson





Mel Gibson (director) ha vuelto. Ha tardado una década y ya en la sesentena lo hace con el brío de los tipos duros que protagoniza en sus películas. Se agradece que ocupe los titulares por su notable valía profesional y no por su controvertida vida privada.

La vida y milagros de este joven objetor de conciencia durante el conflicto bélico en el Pacifico van mucho más allá de lo descrito en la película. Gibson a tenido que recortar y simplificar porque la realidad superaba la ficción tanto como para que produjese el efecto contrario y no fuera creíble lo increíble de su valor y hazañas.

La historia de este joven de Virginia corre en paralelo a la de Albin York en la primera guerra mundial que inmortalizaron Gary Cooper y Howard Hawks. En ambos sus fuertes convicciones religiosas y sus traumáticas experiencias familiares les condujeron al mismo objetivo aunque por diferentes caminos. Doss se negó a empuñar un arma.

Gibson, al que se le debería incluir junto con Eastwood entre los últimos directores que apelan al clasicismo, estructura de forma estándar sus dos partes (presentación del personaje y su entorno) y la batalla. En ambas domina la narración y sabe sacar partido de forma notable a los clichés como si no los hubiéramos visto mil veces. Ayuda y mucho el buen trabajo actoral de todo el elenco. Con un Gardfiel que ha tenido la suerte de acceder a este personaje nada más quitarse las mayas de un Spiderman que podía haber  limitado su carrera como actor, aunque no ha dejado de encarnar a otro superhéroe, en este caso real.

La batalla, prolonga sin desmerecer la crudeza que ya nos ofreció Spielberg en "Salvar al soldado Ryan" también hace una década. A pesar de estar trufada de inexactitudes técnicas militares que harán las delicias de los aficionados al tema, la esencia del sacrificio y del horror se describe sin ambages. Hubiera reforzado el asunto el que la media de edad de los soldados, mucho más jóvenes en la realidad, hubiera sido reflejada. 

"Hacksaw ridge", ocupará por derecho propio un lugar en la vitrina de las mejores películas de un género en desuso o zafiamente utilizado (ahora en la etapa Trump, renacerá sobre todo en la televisión, con fines menos pacifistas). El mensaje oportuno y necesario de Doss-Gibson en los tiempos que corren mucho me temo que como siempre formará parte de esas excepciones que confirman la regla cruel  de tener siempre un enemigo al que temer y exterminar.































EL EDITOR DE LIBROS

 7
1 h. 44 m.
Reino Unido / 2016
Michael Grandage




Las películas son las que son, no las que a cada uno de nosotros nos hubiera gustado que fueran. Para bien y para mal. Explorar la turbulenta personalidad de Thomas Wolfe daría para una o varías películas y criticar que Fitgerald o Hemingway aparecen solo como una breve y estereotipada pincelada de sus complejas personalidades es pedir peras a un olmo. El olmo es lo que ha decidido que sea en su debut en la gran pantalla Michael Grandage y el guión de Jhon Logan que llevaba casi una década siendo deseado sobre el libro de A. Scott Berg ganador en el 78 del National Book Award.

Dicho lo cual, estamos ante una producción con la calidad habitual en la puesta en escena británica, de corte academicista donde Grandage da el salto del teatro a la pantalla arrastrando aromas de escenario y saliendo airoso en lineas generales.
Si bien es cierto que se queda en la superficie de muchas cosas si que esboza el proceso creativo, la labor siempre delicada y a veces contradictoria del editor, los sacrificios y sacrificados que conlleva la vida de aquellos que acompañan a los que desarrollan sus profesiones con pasión y nos acerca y descubre al gran público a personajes tan importantes para la literatura contemporánea del siglo XX como fue Max Perkins y genios como el malogrado Thomas Wolfe, que lo mejor que podemos hacer es leerle. Un Wolfe al que da vida un Jude Law al que se le tacha de realizar una composición histriónica. Supongo que quienes lo dicen conocen como era el auténtico Wolfe. Yo no. Así que no me molesta demasiado y agradezco su esfuerzo. Colin Firth alcanza momentos memorables en su contenida interpretación. La parte femenina tampoco me desagrada. Tanto Kidman (quizás hubiera sido mejor reflejar la edad real de su personaje 20 años mayor que Wolfe) como Linney arañan con profesionalidad lo que sus personajes llevan dentro y que el guión les limita.

Resumiendo que aunque el olmo no de peras da una buena sombra que no es poco.















RECURSOS INHUMANOS
Pierre Lemaitre / 2015
Edit. Alfaguara / 2017
390 págs.





Descubrí a Lemaitre con la original y estupenda "Nos vemos allá arriba" (Salamandra / 2014), ambientada en la primera guerra mundial. Ahora en su último trabajo da un salto hasta ayer mismo describiendo bajo la excusa (McGuffin que diría Hitchcock), de un thriller, el horror y el impacto brutal que supone el ser un número más en la creciente lista de desempleados que con periodicidad aritmética produce sistemáticamente el sistema capitalista occidental en el que subsistimos generalmente mejor que en otras partes del mundo donde las guerras y dictaduras, muchas de ellas provocadas por el mismo sistema, hacen que a pesar de todos los pesares nos consideremos privilegiados.

Lemaitre se luce en la descripción en primera persona del via crucis de su protagonista y de su relación familiar y supera la parte más convencional del thriller con giros inesperados y cambio de narrador, dotando al conjunto de una trama que se sigue con angustia e interés, algo previsible en su conjunto y que se va alejando progresivamente de lo personal y social para rendirse en última instancia a la acción, que presupongo más cercana a su faceta como escritor reputado de novela negra.

El dilema que a la postre plantea la novela invita a reflexionar sobre lo que es y no es importante en la vida. El trabajo digno como derecho constitucional que ni siquiera son capaces de proporcionarnos nuestros dirigentes no debería ser un fin en si mismo, ni una esclavitud, ni un arma para sojuzgarnos y amedrentarnos, a cambio de apariencias y oropeles sino un medio para poder ser más libres y más ricos sin que la riqueza dependa de las cifras de nuestro salario. 






ANIMALES NOCTURNOS

 8
1 h. 55 m.
USA / 2016
Tom Ford






Siete años ha tardado este consagrado diseñador de moda Tejano, gurú de Gucci y Ives Saint Laurent en ofrecernos su segundo trabajo. Como el primero, "Un hombre soltero", un trabajo mimado al detalle y muy elaborado donde su vena de diseñador le confiere un estilo propio que a veces subraya en demasía pero siempre brillante.
" Tony y Susan" la novela publicada en el 93 por el neoyorquino Austin Wrigh (en España "Tres noches"),  en que se sustenta el guión del propio Ford, es una lúcida reflexión sobre el amor, las esperanzas vitales, la decepción, el paso del tiempo, el poder de la ficción y la venganza. Posee una estructura fragmentada donde el tiempo real, pasado y presente se entreveran con el tiempo novelado donde se inserta un thriller alegórico que sirve de contrapunto entre dos mundos aparentemente alejados pero con muchos elementos comunes.

Ford ha sabido llevarla a la pantalla de forma notable en un ejercicio formal una vez más provocativo donde una excelente Amy Adams demuestra que está en uno de sus mejores momentos, el siempre grande Shanonn y un Gyllenhaal que no acaba de encontrarle el punto a un personaje cuyas reacciones, sobre todo en la parte de ficción, están al borde de la credibilidad.

El abierto y controvertido final a un servidor le ha parecido estupendo. Otro acertado ejemplo de que el cine no necesita básicamente palabras para transmitir emociones y todo un mundo interior. Esperemos que Ford no tarde otros siete años en ofrecernos su peculiar mirada a través del cinematógrafo. 














LA DONCELLA

 8
2 h. 25 m.
Corea del Sur / 2016
Park Chan-Wook




El director surcoreano sublima a nivel estético y formal lo que ya demostró en su anterior trabajo "Stocker". "Inspirada" en la novela "Fingersmitch" ("Falsa identidad" título en español) publicada en el 2002 de la escritora galesa Sarah Waters, quien leído y aprobado el guión hace incapie en subrayar lo de "inspirada". La acción en la Inglaterra victoriana del XIX es trasladada por Chan-Wook a los años 30 del siglo XX en la dominación colonial de Japón sobre Corea. Esto le permite al director una mezcla de estilos asiáticos-occidentales (Japón tenia una fuerte influencia de Inglaterra) para regodearse en atmósferas y espacios de una sugerente belleza donde el abigarramiento gótico inglés se marida con el equilibrio y la simplicidad oriental, para mayor lucimiento de la dirección artística y de vestuario.
El director mima cada plano y ejerce junto con nosotros de voayeur en una relación feminista donde las mujeres luchan por liberarse de ser meros instrumentos en manos masculinas y encontrar su propio espacio y su propia identidad. Las dos actrices, la debutante Kim Tae-ri y la veterana Mim-hee Kim realizan una excelente composición de personajes y su química como amantes funciona sin problemas.

Chan-Wook como es habitual alarga el metraje, a mi juicio excesivamente y la trama se resiente. Trama que se estructura en el llamado efecto "Rashomon" en alusión a la película de Kurosawa, donde los diferentes puntos de vista de los protagonistas sobre los mismos hechos nos van desvelando que nada es lo que parece. Sensual, erótica, preciosista, con sus gotas de violencia marca de la casa, y sus referencias al poder sugestivo de las historias y el mundo de Sade, "La doncella" se constituye en una de las propuestas más sugerentes del año.















ULTIMÁTUM A LA TIERRA

 8
1 h. 29 m.
USA / 1951
Robert Wise





"El día en que la tierra se paró" probablemente es junto con "El planeta prohibido" (Fred M. Wilcox / 1956) las dos películas más icónicas de la ciencia ficción con sabor pulp, por mucho que la segunda tuviera reminiscencias shakesperianas.

"Una más de platillos voladores de la época", pensaba su actriz protagonista Patricia Neal a la que le costaba tomarse en serio alguna de las escenas. Pero mira por donde el mensaje pacifista en tiempos de tensión popular con la guerra fría caló en el público y el ortopédico y todopoderoso robot Gort (Gnut en la historia original, "Adios al maestro", de Harry Bates) y su jefe el "marciano" (aunque no se especifica se deduce por la distancia de donde dice venir) llegaron para quedarse. Al menos en la memoria colectiva y cinematográfica.

Otros muchos factores coincidieron, como la acertada elección del actor teatral, primerizo en la pantalla que el jefe Zanuck supo elegir tras la renuncia de Claude Reims como primera opción y desestimar a Spencer Tracy por ser demasiado conocido como para creernos que era un  E.T.
El semblante, la altura y el buen hacer de Michael Rennie inmortalizaron al personaje. Por altura (2,37) eligieron al portero del teatro chino de Grauman y figurante ocasional Lock Martin para que se embutiera en el asfixiante traje de Gort, a pesar de que tuvo que ser doblado y ayudado con cables y maniquíes para que pudiera llevar en brazos a cada uno de la pareja protagonista.

Klaatu / Rennie mezcla de Jesucristo y el científico de la bomba atómica Oppenheimer ejerce como haría pocos años después en el 56 Berlanga con el protagonista de "Calabuch" de sabio que se mezcla con el pueblo llano de incógnito para ayudarnos en nuestra ignorancia científica y vital. Aquí es donde la película juega sus mejores bazas con un plantel de secundarios acertados. Los todavía pedestres efectos especiales, funcionan y los theremin (peculiar instrumento electrónico) que utilizó Bernard Herrmann marcaron historia en la creación de la atmósfera sonora inquietante de los visitantes del espacio.

La historia, cuyo guión le da la vuelta al original en el que el "maestro" era Gnut y el humano un mandado, se sigue con interés, manteniendo la tensión a pesar de los cortes sufridos en el montaje final y la sobreabundancia de escenas de policías y militares moviendo sus vehículos.  




















VAIANA

 8
1 h. 47 m.
USA / 2016
John Musker / Ron Clements / Don Hall / Chris Williams




Los veteranos Musker y Clements (Hércules, Aladdin, La Sirenita) hacen piña con los "nuevos" Hall y Williams (Big Hero 6) para seguir manteniendo el estandarte de Disney en lo más alto. La técnica, prodigiosa en la animación, no deja de sorprendernos un poco más cada día. Aquí da otro paso más con ese tratamiento del agua y la textura carnosa y redondeada de los personajes. "Moana" (en maorí océano) en España pasará a llamarse "Vaiana" (agua de la cueva) porque el primero ya lo tenía registrado una casa de cosmética como gel, amén de una actriz porno fallecida Moana Pozzi.

Sea como fuere el caso es que esta nueva producción podía haber compartido el Oscar a la mejor cinta de animación junto con su competidora "Zootropolis", también de Disney. Todo queda en casa aunque en la publicidad de "Moana" dicen que es de los creadores de "Zootopia" y "Frozen", se refieren a Disney y no a sus directores y guionistas. 

Es cierto que el guión es previsible y mil veces visto, pero el diseño de personajes es fantástico, el ritmo perfecto, dosificando con acierto los episodios, divertida, feminista y con un equilibrio acertado entre lo musical (notable bso) y la acción.

Merece darse un garbeo de dos horas con toda la familia por el sol y el agua cristalina de los mares del sur acompañados de tan buen rollo. Moana se ha ganado un lugar en el el hall de la fama de las chicas Disney. Como ella misma dice, no es una princesa sino la hija del jefe. The Time They are a Changin, que diria el Dylan.  














1898: LOS ÚLTIMOS DE FILIPINAS

 7
2 h. 9 m.
España / 2016
Salvador Calvo




La fecha que precede en el título a la famosa y manida frase, podría ser la que marca la diferencia básica con la versión de 1945 firmada por Antonio Román donde también contaba con un elenco de renombre. En esta los efluvios patrióticos se han ajustado más a la realidad y de todos es sabido (al menos los que estudiamos bachiller) que el 98 fue tiempo de pérdidas y desgracias que nuestros más destacados artistas de principio del pasado siglo se encargaron de resaltar. Uno no puede menos que pensar en el título de la trilogía de Valle Inclán: "Martes de Carnaval" (Entiéndase por Marte el dios de la guerra)

Nuestros gobiernos de quita y pon (liberales y conservadores) estaban (que poco han cambiado) más preocupados en sus sillones que en atender el creciente imperialismo de las nuevas potencias y las demandas de independencia de sus propias colonias. Así perdimos, Cuba, Filipinas y Puerto Rico, a costa de las vidas de muchos españoles que las dieron como carne de cañón.

Si tuviéramos industria cinematográfica la historia patria daría para muchas y excelentes películas. Ahora que ya nos vamos soltando en géneros como el thriller nos atrevemos con "Gernika" que salio mal y con este episodio (el sitio de Baler en la isla filipina de Luzón). Aquí la cosa ha salido más que digna desde el punto de vista cinematográfico con un presupuesto (6 millones de euros) bien empleado en el que se ha aplicado Salvador Calvo en su salto desde la televisión (a veces se le nota de donde proviene) para narrar una historia fiel en lo fundamental a lo ocurrido y cuyas inexactitudes (se ha omitido que una fragata estadounidense intentó rescatar a los sitiados cayendo en manos filipinas y el tratamiento de personajes como de sus pensamientos y perfil psicológico es pura ficción) pueden contrastar aquellos que les interese el suceso.

El principal activo de la cinta es su excelente plantel de actores que lo dan todo (Gutierrez y Fernández se salen) con un Tosar a la cabeza y un Hipólito cuya maestría actoral afirmada en las tablas aún espera su gran papel en el cine. Los jovenes no se quedan atrás. El guión, aguanta las dos horas con pequeñas subtramas de resultado desigual y las escenas de acción se resuelven con acierto.

Las  bellas tomas aéreas y la fotografía Heinrich Gärtner contribuyen a que "Los últimos..." entreabra una puerta por la que el cine español (si consigue financiación) pierda el miedo y sus complejos y se lance a la aventura. 













MAREA NEGRA

 7
1 h. 47 m.
USA / 2016
Peter Berg



En abril del 2010 la plataforma petrolífera Deepwater se hundió en el Golfo de México, fruto de una explosión, provocando el mayor vertido de petroleo de la historia y una catástrofe ecológica sin precedentes. A pesar de su título en español nada de esto, ni de sus causas y consecuencias nos ofrece esta película del neoyorquino Peter Berg.

Berg aplica de forma sobresaliente, todo hay que decirlo, la plantilla del género de desastres, de forma previsible y espéctacular como mandan los cánones para crear la tensión necesaria que justifique la entrada. Al menos no se olvida de los que perdieron la vida en la tragedia y espolvorea pequeñas dosis de crítica, de la mano de un como siempre convincente Malkovich, recordándonos que el rendimiento económico siempre  está por encima de la seguridad. Lo demás es puro espectáculo rodado con brío y apuntalado por caras conocidas (estupendo Russell) y notables efectos.
















GIMME DANGER

 8
1 h. 48 m.
USA / 2016
Jim Jarsmuch






Queda en manos de los fans de "The Stooges" si falta o sobra algo en este documental en el que Jarsmuch parece rendir homenaje y conmemorar el regreso en el 2013 de esta banda de Detroit de finales de los 60 (del 67 al 73) que marcó un antes y un después anticipando el punk-rock y con una puesta en escena acaparada por un "simiesco" James Newell Osterberg más conocido como Iggy Pop.

Jarmuch lo cuenta, dejándose la parte más obscena y desagradable de las actuaciones de Iggy en el cajón, de forma ágil y divertida mezclando de forma equilibrada los testimonios de los miembros de la banda, las imágenes de archivo y la animación en un montaje notable y atractivo, sin olvidar los temas más emblemáticos de sus tres álbunes principales que no tuvieron gran repercusión mediática, al contrario que sus inclasificables y siempre provocativos directos.

Seis años de vivir al limite de un grupo de jóvenes desarraigados que desarbolados por la droga vivieron su sueño de cambiar el mundo en un tiempo donde el rock parecía tener la fuerza para cambiarlo.

Ahora, algunos de ellos ya fallecidos, renacen en la pantalla y los escenarios para dar testimonio de esa frase tan sobada que dice que los viejos roqueros nunca mueren. 

   







LA REINA DE ESPAÑA

 6
2 h. 8 m.
España / 2016
Fernando Trueba





Vale, la cosa no es como para tirar cohetes. No es de lo mejor de Trueba ni de lejos. También. Pero hay que reconocerle, al menos los que estamos próximos a la edad del director, que la nostalgia nos puede y que aquel cine español casposo (como algunas de las escenas de la que nos ocupa, autoconscientes como parodia o no), siempre gracias a los magníficos secundarios como aquí, nos hizo evadirnos a veces en sesiones dobles y sobre todo reírnos en una España que a todas luces era diferente según el slogan de Fraga y en la que los hijos de la guerra perdida bastante tenían con sobrevivir.

A la "ñiña de sus ojos" y su troup le va muy bien, mal y regular (acertada la incorporación de Javier Cámara, intranscendentes los foraneos). El homenaje a los cómicos, de cine o teatro, con sus chistes internos que nunca hicieron gracia al gran público, nos hacen sonreír a aquellos que somos de la farándula y el excelente elenco no deja una y otra vez de recordarnos a los Isbert, Menéndez, Orjas, De Andrés, Vazquez, Bur....y tantos y tanto otros.

Esta reina de España no pasará a la historia. La Católica tuvo muchos más años de propaganda y aquí el propio Trueba se ha hecho la suya negativa con unas declaraciones que a pesar de que entiendo no han sido muy afortunadas. Corten.   
















ALIADOS

 6
2 h. 4 m.
USA / 2016
Robert Zemeckis




Zemeckis (65 años), ha sido siempre un director notable en eso que podríamos llamar cine de entretenimiento, con un puñado de títulos para el recuerdo a la sombra de Spielberg que le ha producido algunos de ellos. Ahora anda en hora bajas, pero sigue manteniendo al espectador medio entretenido durante dos horas que no es poco.

Falló al intentar "comercializar" la hazaña del funambulista en "El desafío" máxime cuando teníamos reciente el sobresaliente documental de James Marsh y vuelve a "pinchar" al intentar imitar o recuperar esas historias de amor y aventuras de la época dorada del cine que en manos de directores ya legendarios las convirtieron en iconos difícilmente superables.

Choca a los que ya peinamos canas volver a Casablanca en color. El blanco y negro nos privó de la rica paleta de colores de esas tierras pero nos transportaba a un ambiente y una atmósfera que era el caldo de cultivo esencial para que luces y sombras crearan magia y ensueños, de los que Zemeckis se queda muy alejado.
La solvencia de la pareja protagonista se ve mermada por un guión donde la tensión sobrevive de milagro entre situaciones poco creíbles, de ritmo y planificación irregular. A Pitt no le favorecen sus retoques faciales a la hora de poder expresar sus sentimientos y Cotillard mantiene su alto estatus a duras penas con un personaje mal dibujado que va perdiendo protagonismo a  medida que pasan los minutos. Dan la sensación de estar incrustados en la historia más que ser los protagonistas de ella. Secundarios desaprovechados y un estupendo vestuario rellenan una propuesta donde Zemeckis se marca algunas escenas forzadas y pretenciosas que acaban por descabalar el asunto.

Con todo y con ello se deja ver si uno tiene buena compañía y algo apetecible para picar.  En su próximo proyecto el director vuelve a recurrir a Tom Hanks, por algo será.














DIARIO DE UN CURA RURAL

 6
2 h.
Francia / 1951
Robert Bresson




En mi periplo tardío por el universo cinematográfico me acerco por primera vez a Bresson, uno de los directores más valorados por la élite de los eruditos en la materia. Tercero de sus largometrajes, generalmente considerado una obra maestra, multipremiado y exponente del estilo depurado Bressoniano dentro de su famosa diferencia entre cine (teatro filmado) y cinematógrafo algo mucho más puro y artístico enraizado en su faceta inicial como pintor y fotógrafo. Esta película además lleva el aval de otro de los genios del cinematógrafo, el ruso Tarkovsky, que la sitúa la primera en su lista de películas preferidas. Añadamoslé, por si fuera poco su existencial y trascendente temática sobre la relación del hombre con su Dios, su visión trágica y jansenista de la vida, todo ello adaptación de la obra cumbre del novelista parisino Georges Bernanos (1888-1948) publicada en 1936.

Ante tal cumulo de avales y trascendencia uno que abandonó sus estudios de filosofía allá en su juventud y que esto de la teología y la tragedia existencial lo va superando a base de agnosticismo y alegría de vivir al día cada segundo me pilla descolocado y me aburro solemnemente durante las dos horas de metraje, en un magnifico blanco y negro, abundantes encadenados, repeticiones de planos de la escritura del diario hasta decir basta (la mano y la letra son del propio Bresson), del acercamiento de la cámara hasta encuadrar una y otra vez el rostro del afligido cura, para intentar aprehender lo esencial de su interior... El joven Laydu, actor belga profesional, aporta contención y su propia experiencia como católico a un personaje atormentado dejando que su rostro sin apenas gestos trascienda la pantalla. Bresson no estaba muy a favor de la actuación profesional para su idea del cinematógrafo. La actuación de Laydu, para seguir abrumándome, esta considerada de las mejores de la historia. Parece ser que su personaje influye ciertamente en muchos aspectos en el de Robert de Niro en "Taxi Driver".

Me gusta como expresa Bresson la soledad de este cura en esos planos de páramos rurales en que la figura negra negrísima del sacerdote se constituye en un minúsculo punto entre esos arboles desnudos con esas maravillosas ramas que llenan de nervios la pantalla. Me gustan los ambientes casi de película de terror de algunas escenas y me resultan indiferentes todos los personajes secundarios se suiciden o no que no le aceptan en su mundo rural y egocéntrico.

Me hago el firme propósito de revisitar esta cinta más adelante para descubrir todas esas maravilla que ahora se me escapan, el día que me sienta deprimido y filosófico. Mientras tanto hay otras doce propuesta de Bresson por disfrutar. 






















CORAZÓN GIGANTE

 8
1 h. 34 m.
Islandia / 2015
Dagur Kári





El modesto cine islandés (de 4 a 8 películas de producción anual) está llamando últimamente la atención. La que nos ocupa junto con "Sparrows" y "Rams" llevan 130 premios recientes en festivales internacionales.
Una vez más lamentar que su escasa distribución nos prive de historias tan aleccionadoras y entrañables como este "Fusi" (título original) una aparentemente sencilla historia sobre como nos vemos a nosotros mismos y como nos ven los demás, sobre el hecho de dar sin esperar recibir, sobre las oportunidades que nos puede ofrecer la vida y como en buena parte solo nosotros mismos somos los responsables de nuestra felicidad.
Fusi es un niño con cuerpo desmesurado de hombre encajado en una rutina acomodaticia que le permite vivir en su propia burbuja. "Un bicho raro" para el resto de una sociedad llena de prejuicios y estereotipos. Un día cupido llama a su puerta, pero ya se sabe que este dios siempre caprichoso en el fondo no hace otra cosa que clavarte una flecha y eso siempre es doloroso te pongas como te  pongas. Esa flecha sin embargo puede servir de acicate para que nos pongamos en movimiento aunque no sepamos bien hacia donde.
Fusi despierta de su letargo y a través de tres mujeres, su madre, su amiga y una niña vecina se descubre en la mirada de los otros y decide apostar por sigo mismo.
Kári lo cuenta con cariño, con un ritmo suave y continuo plagado de momentos emotivos, agridulces y siempre sinceros. El cómico Gunnar Jónnson omnipresente e inmenso en su contenida y matizada interpretación junto con la actriz Ilmur Kristjándottir se bastan y sobran para engancharnos en la complicadas aristas de sus vidas.















LA PUERTA ABIERTA

 8
1 h. 29 m.
España / 2016
Marina Seresesky





El cine español lleva ya unos añitos ofreciendo buenas cosechas, más allá de ivas mortales, escasa distribución y financiación, nula industria, comedias de garrafón y thrillers de encargo televisivo. Nuevos realizadores/as y otros que aguantan el tirón siguen empeñados en demostrar que talento sobra, en esta España donde la cultura se grava y penaliza no sea que nos de por pensar más allá del partido del miércoles-viernes-sábado-domingo-lunes.

La argentina Maria Seresesky ha conseguido no obstante sacar adelante un proyecto con un elenco más que notable, comprometido con la cinta y con unos resultados actorales sobresalientes a nivel coral en el que Carmen Machi a la cabeza está prodigiosa en un alarde de contención que nos transmite mucho más de lo escrito en el guión.

Una fábula, un cuento sainetero y desgarrado en una corrala madrileña, microcosmos humano por excelencia donde unos seres habitan mundos paralelos, subterráneos, tan alejados del Estado del Bienestar como coincidentes en las miserias propias de cada uno de nosotros. Dura y emotiva a partes iguales, arropada e impregnada de aromas de comedia teatral, consigue una galería de personajes para el recuerdo, que no necesitan de los desmanes ni la pretendida sofisticación de otros afamados directores patrios que no me apetece citar.

Excelente planificación y montaje. Seresesky mueve su cámara con soltura en el constreñido espacio de la corrala al servicio de su propio guión y con un apoyo musical de Mariano Marín excelente.

Las nominaciones a los pasados Goya de Machi y Pávez saben a poco y confirman lo excesivo del doblete de, la por otro lado espléndida, Enmma Suarez. 

Estupenda propuesta a la postre que como otras muchas solo encuentra su camino en festivales, dado que no interesa a las televisiones y que las salas tienen rendir obligada pleitesia a los blockbuster de turno que ni antes y ahora menos están los tiempos como para filantropías culturales.
















HISTORIA DE ESPAÑA CONTADA PARA ESCÉPTICOS.
Juan Eslava Galán. / 1995-2010-2016
Edit. Planeta 2016
558 págs.




Releo una nueva edición de este "clásico", que suelo recomendar y regalar, para seguir recordando y disfrutando de donde venimos los sufridos y paganos (no es la acepción religiosa) españolitos de a pie, mezcla de variopintas culturas casi siempre foráneas que nos esquilmaron y siguen haciéndolo aquellos que nos "conquistaron" desde fuera o dentro de nuestras fronteras. Galán, siempre con ácida ironía y humor da su sipnóptica, esclarecedora y brillante visión de la historia que el lector escéptico al que apela el autor haría bien en recordar que no es nada más y nada menos que eso, una visión mas, por mucho que uno intuya que el auténtico fondo del asunto más allá de mitos, batallas y fechas señaladas se ajuste a la cruda realidad.

En esta nueva y actualizada edición añade Galán los últimos años de nuestra España más reciente donde según él se ha asentado una pseudodemocracia cleptómana (de ladrones) apalancados en las siglas de sus partidos dejando al autor más escéptico aún sobre el futuro inmediato de esta Hispania (tierra de conejos) preñada de herencias fenicias, griegas, celtas, cartaginenses, romanas, visigodas, musulmanas, siempre propensa a la atomización territorial en aras de intereses particulares y con un legado de reyes y dirigentes casi siempre al servicio de intereses foráneos en lo más alto del top de la inutilidad y la corrupción. Así nos va.







CON LA PATA QUEBRADA

 6
1 h. 23 m.
España / 2013
Diego Galán




Poco o nada que añadir a lo comentado anteriormente de la versión masculina posterior que Galán realizó a raíz de la buena acogida de este documental que tira de una selección de archivos de la cinematografía nacional para reflejar la sociedad española en general desde el primer tercio del pasado siglo y la visión, casi siempre pedestre, estereotipada y discriminatoria que de la mujer reflejaba el cine patrio, plagado por otro lado de excelentes actrices.
Se vence Galán a la nostalgia cinéfila con un trazo poco fino sin ir más allá de lo evidente y cargando las tintas en los años de la dictadura donde veíamos escenas sin inmutarnos sobre el trato vejatorio a la mujer que hoy pondrían el grito en el cielo.

















LAS FURIAS

 6
2 h. 5 m.
España / 2016
Miguel del Arco




Los títulos de crédito finales nos subrayan que lo que hemos vistos ha sido "la primer película de Miguel del Arco". Después de verla no sabemos si esta apreciación sirve como excusa a sus desaciertos o que pagado de sus aciertos nos augura más y mejores trabajos. Uno tiene la sospecha de que ambas cosas.
Del Arco se ha labrado un prestigio sobre los escenarios como director que pretende perpetuar en la pantalla. Aún le queda un buen trecho por recorrer a tenor de estas Furias que sirven de puente entre lo teatral con reminiscencias de tragedia clásica y lo cinematográfico.

Mimbres hay, sobre todo y a pesar de todo actorales, con un reparto impecable que saca petroleo de unos personajes anárquicos e irregulares, siempre excesivos en un contexto que peca de pretencioso donde otros muchos directores han conseguido mejores resultados. Mucho quiere abarcar Del Arco en un metraje dilatado, donde se alternan las reiteraciones con escenas para el recuerdo.

En cualquier caso un trabajo interesante y prometedor sobre las relaciones humanas donde Las Furias, siempre caprichosas han arrastrado a su director por caminos muy cercanos al abismo.
















UN TRAIDOR COMO LOS NUESTROS

 7
1 h. 47 m.
Reino Unido / 2016
Susanna White




El novelista británico John le Carré, a sus 85 años sigue dando guerra, sea esta fría o no. Con la que nos ocupa una decena de sus novelas han sido adaptadas a la gran pantalla con desigual fortuna desde aquel "El espía que surgió del frío" (Martín Ritt / 1965).  Ahora le toca a este traidor, novela publicada en el 2010 en la que la directora británica White bregada en el mundo de la televisión con excelentes trabajos, consigue en su segundo largo un trabajo de una profesionalidad irreprochable con el sello de las mejores producciones británicas, mostrándose White  meticulosa y elegante en cada plano

Lo que ahora toca son las mafias rusas y la sempiterna corrupción política de la que andamos sobrados por estos lares. White apoyada por una excelente bso  de Marcelo Zarvos al igual que la fotografía de Anthony Dod Mantle, donde abundan las bellas tomas aéreas, sirve a una novela que sin ser de las mejores de le Carré mantiene el interés lo suficiente como para justificar el precio de la entrada. El elenco actoral cumple a la perfección con sus roles, con una composición destacada de Skarsgärd y un Damian Lewis que deja constancia de que hay que contar con él más allá de "Homeland".
















MIDNIGHT SPECIAL

 6
1 h. 51 m.
USA / 2016
Jeff Nichols





Se estrenan a la par dos propuestas, dos visiones diferentes sobre el mismo género, la ciencia ficción de dos de los directores más punteros de este nuevo siglo: Villeneuve y Nichols. La primera erudita y farragosa con aromas de Kubrick y esta que nos ocupa excesivamente simplista en formato thriller y con la referencia innegable de Spielberg. En ambas el sobrado talento de sus directores destila minutos de cine de primera, pero en general ambos pinchan, se vuelven descuidados con los guiones, en este caso del propio Nichols y pagan la cuota de películas que no están a la altura de sus, esperemos, largas y fructíferas carreras.

Ambos saben lucirse creando atmósferas y tensión, en este caso Nichols arranca "in media res" y nos ofrece lo mejor de la cinta en su primera mitad. Después se relaja, abandona subtramas y personajes (el de San Sheppard), incluye otros a medio cocer que entorpecen más que ayudan como es el caso de la madre (sin demérito de la estupenda actriz que es Kristen Dunst) y el especialista de la NSA ( Adam Driver que va de Jeff Goldblum) y acaba tirándose por la pendiente de un cine previsible y trillado donde hay que dedicarle minutos a promocionar el vehículo de turno que paga parte de los gastos de producción.

No esta mal que los guiones dejen al espectador el suficiente espacio para imaginar el perfil de los personajes pero en este caso son demasiado los cabos sueltos que acaban por producir el efecto contrario. La trayectoria de Nichols es estupenda y prometedora y desde este sentido de admirador de su obra uno acaba decepcionado de lo que pudo ser y no fue.




















UN LUGAR EN EL SOL

 8
2 h. 2 m.
USA / 1951
George Stevens




A George Stevens el destino le puso en sus manos la cámara que rodó la entrada de las tropas norteamericanas en el horror de Dachau dando a conocer al mundo la tragedia del holocausto y de lo que es capaz de hacer el ser humano en su versión más sombría. Hasta entonces era un director de la casa conocido por sus musicales con Fred y Ginger y un puñado de comedias ligeras con interpretes de la talla de Tracy y La Hepburn. Pero a partir de la traumatica experiencia de la guerra el tono de su cine cambió y se volvió más descarnado.

Stevens, a pesar de las nominaciones a sus películas y dos Oscars como director incluida la que nos ocupa no está hasta la fecha claramente identificado como "uno de los grandes" y hay quienes le consideran solo un buen artesano. Esto es precisamente lo que de él pensaba Montgomery Clift, quizás cabreado porque Stevens se desembarazó para el rodaje de su inseparable coach de metodo a la que Clift consultaba todo. Por contra las chicas, Winters y Taylor hablaban maravillas de él como director de actores. Sea como fuere Stevens nos dejó un puñado de films en diferentes géneros que forman parte de la historia significativa del séptimo arte.

La novela cumbre del norteamericano Theodore Dreiser , Una tragedia americana", publicada en el 26 con una fuerte carga autobiográfica y a la vez inspirada en un hecho real, ya había sido estrenada sobre las tablas y en una primer versión de 1931 precisamente también por la Paramount bajo el título homónimo, dirigida nada menos que por Stemberg y que no gustó mucho al público de la época.

Paradojicamente esta nueva versión a pesar de ir a contracorriente con el cine vitalista de los años de posguerra fue un éxito premiado, quizás por el tirón comercial de sus jóvenes, guapos y excelente trío protagonista (aunque a Shelley Winters le tocó el patito feo que condicionaría  de alguna forma su posterior y por otro lado brillante  carrera) y básicamente porque la pareja de guionistas desnivelan la balanza hacia el drama romántico donde el amor gana la partida a la medra social más presente en la novela original. Para ello no tienen reparo en hacer más guapa y atractiva el personaje de Taylor que el de Winters (¿Quién no se enamoraría de esta Elizhabeth Taylor de 17 años a parte de la cámara?).

Clift encarna al apocado y sufridor sobrino Eastman, acomplejado por su pasado y temeroso de perder su futuro como nadie, Shelley Winters impone su poderosa presencia y su maestria actoral en cada uno de sus planos y Elizabeth Taylor sorprende con una madurez como actriz tan brillante como su belleza.
Stevens tuvo dos años para editarla a conciencia dado que la Paramount retraso el estreno para que no interfiriese con "El crepúsculo de los dioses". El resultado es un montaje exquisito sobre una planificación muy cuidada. El trabajo de fotografía en blanco y negro por apoyar el tono de tragedia del asunto consigue momentos notables de contraluces y sombras que apoyan los múltiples encadenados que utilizó Stevens. Capítulo aparte el tratamiento del sonido, con una presencia clave de la radio en un par de escenas fantásticas. 

  Lo previsible del asunto no impide que Stevens consiga tensión en las escenas de clímax que rueda con elegancia, aguantando el tiempo de los planos en un estudio psicológico de los personajes, por otro lado es el propio director el que juega a su favor con esta previsibilidad e inserta planos en el desarrollo de la trama que anticipan lo venidero. Famosos son los primerísimos primeros plano sobre todo de La Taylor rodados con una lente especial.

El personaje de George Estman consigue permanecer todo el tiempo en el fiel de la balanza consiguiendo por parte del espectador comprensión, lastima al igual que rechazo por su comportamiento, no siendo otra cosa que un títere en manos del destino.

A "Un lugar en el sol" le costó encontrar su título ya que el estudio no quería repetir el de la novela original cuya adaptación había fracasado en el 31 y se llegó a ofrecer una prima de 100 dolares para quien sugiriese uno adecuado. Ivan Moffat socio del director dio con el título inmortal. Pero nunca cobró.
























LA LLEGADA

 6
1 h. 56 m.
USA / 2016
Denis Villeneuve





Villeneuve está imparable y va camino, si no lo está ya, de consagrarse como uno de los directores estrella del nuevo milenio, pero...
Quizás va o le empujan con demasiada velocidad y atrevimiento (ahora va a por Blade Runner y Dune) y su arte, que lo tiene y mucho, a tenor de lo visto en esta "Llegada"  y su anterior trabajo "Sicario" puede volverse descuidado y acumular la misma cantidad de aciertos que desaciertos impropios e imperdonables de la maestría que atesora.

"La llegada" tiene elementos de esa ciencia ficción de "calité" con aromas de Kubrick en el mejor de los casos y algo de "Contac", el guión de Eric Hisserer basado en el relato de Ted Chiang es un cajón de sastre donde se mezclan lo sublime con lo pretencioso y el ridículo más trillado y sonrojante.

Es en la parte en la que Villeneuve toma los mandos con interés creando atmósferas inquietantes y bellas (excelente fotografía) donde el asunto se eleva muy por encima de la media y es allí donde Villeneuve pone el piloto automático cuando asistimos a un circo de militares, conflictos mundiales, países malotes, bombas absurdas, subtramas ridículas y personajes innecesarios que reducen a la mitad el interesante y apasionante fondo de la cuestión. Por otra parte cuestión farragosa e incomprensible o mal desarrollada durante casi todo el metraje para una inmensa mayoría de espectadores. Por no hablar de las inevitables controversias siempre que se aborda y se juega con el tiempo, viajes temporales, linealidad temporal, etc.

La apuesta por el lenguaje, por la palabra como la mejor "arma" para entendernos y la aceptación de aquello bueno o malo que nos deparé la vida es hermoso como moraleja final y quitarnos un poco el sabor agridulce que nos ha provocado la cinta.

Al personaje, bien interpretado por Amy Adams le sobra todo el contexto mundial y la parafernalia militar plagada por otro lado de incoherencias y protocolos nada creíbles, para conducir la mejor parte de la cinta y tomar conciencia de ese regalo interesado que nos vienen a traer otras formas de vida tan diferentes o tan similares. 

















ANIMALES FANTÁSTICOS Y DÓNDE ENCONTRARLOS

 8
2 h. 13 m.
Reino Unido / 2016
David Yates



Rowling lo ha vuelto a hacer. Ha perpetuado el mundo mágico de Harry Potter sin Harry Potter. Esta Midas de la literatura infantil no hay duda que tiene magia y como no podía ser de otra manera el cine se congratula de que la franquicia siga haciendo sonar la caja. Quien mejor que para demostrar que la cosa funciona que Yates que tiene en su curriculum cuatro de las entregas potterianas.

Y lo hace con brillantez, con un diseño de producción que corta el hipo nominaciones y premios incluidos. La dirección artística es soberbia y el diseño de vestuario de Colleen Atwood exquisito. No recuerdo un Nueva York de los años veinte mejor en pantalla que este que nos ofrece las nuevas técnicas infográficas. Si Méliés levantara la cabeza estaría orgulloso de los trucos del nuevo cinematógrafo.

La historia es sencilla, al igual que los personajes que adolecen de poco perfil psicológico que suplen con buenas actuaciones apuntalados como hemos dicho por todo el equipo artístico. Su punto animalista se agradece en la educación de los chavales y una gran mayoría de adultos amén de añadir exotismo y diversión. Yates le imprime ritmo y la mezcla de noir y magia  funciona (impagable Pellman en ese garito que nos recuerda a otro galáctico famoso) como para seguir creyendo en la franquicia que prevee cuatro títulos más. Dicho sea de paso el 80% de los beneficios de los libros o al menos del primero son donados a niños en situación de pobreza.

Los secundarios, "buenos y malos", le roban los planos a los protagonistas; la atípica pareja entre el pastelero Kowalski (genial Dan Fogler) y Queenie la lectora de mentes (la cantante, compositora y actriz Alison Sudol) son de lo mejorcito de la cinta.

Por contra adolece de esos finales clónicos en los blockbusters donde todo se destruye y que resultan repetitivos y cansinos. Peaje que consiguen paliar con una coda final entrañable. Si uno se abandona un poco se produce la magia y aflora el niño que llevamos dentro.


    


















UN AMERICANO EN PARÍS

 10
1 h. 55 m.
USA / 1951
Vincente Minnelli




Por unos pocos centavos Hollywood, la máquina de sueños te transportaba durante casi dos horas a otro mundo donde el gris de la realidad no existía, un mundo en colores donde recibías un chute de irrealidad optimista que te dejaba al salir de la sala oscura una resaca de buen rollo con ganas de besar a tu pareja y emular a Fred o a Gene y saltar y bailar.
¿Por que no? La guerra se había ganado y la sociedad de consumo apoyada en el pleno empleo iba viento en popa. En este sentido el musical cumplía y sigue cumpliendo un papel catártico y vitalista que hacia honor al refrán de que !la música amansa a las fieras",  provengan estas de donde provengan.

En este sentido el musical de Minnelli a medias con Kelly es irreprochable con todo el talento de la maquinaria artística de los estudios, en este caso la MGM a pleno rendimiento.

Salia muy caro irse a París a rodar como quería Kelly y lo único que le permitieron fue arriesgar con una bailarina desconocida francesa que vio en un ballet de París, una jovencita Leslie Caron de diecinueve añitos que comenzaba aquí su leyenda. Así es que la Metro puso a su equipo a trabajar y un nuevo París surgió en los hangares de California en un trabajo de dirección artística sobresaliente que se llevó el Oscar, entre otros cinco (Película, argumento, guión, vestuario, color).

El productor Arthur Freed llevaba ya un tiempo queriendo hacer algo con la música homónima de George Gershwin hasta que consiguió que le aprobaran el proyecto en el que algo tuvo que ver el éxito de la británica "Las zapatillas rojas" de Powell y Pressburger en el 48.

 Minnelli que andaba algo liado con su divorcio de Judy Garland compartió la batuta con Kelly que además se encargaba de las coreografías, todas ellas magnificas desde la encantadora sencillez hasta el almibarado y espéctacular  ballet final donde durante aproximadamente 17 minutos la palabra se retira y el baile se adueña de la pantalla en un tour de force donde el equipo artístico hecho el resto tomando como referencia el mundo de los pintores impresionistas.
Por cierto que dicho número no fue concebido hasta mediada la producción en un parón por una varicela que contrajo Nina Foch, y mientras que Kelly tardaba 6 meses en llevarlo a cabo con un desorbitado presupuesto de medio millón de dolares, a Minnelli le dio tiempo de rodar otra película. 

La historia, una fábula simple y bienintencionada, una historia de amor que da pie a ambientes y secuencias memorables, con el humor siempre presente y un reparto tan engrasado como la maquinaria del estudio. El resultado el mejor musical hasta la fecha que pronto sería destronado por "Cantando bajo la lluvia". Pero eso es otra historia,  





























MANDA HUEVOS

 6
1 h. 35 m.
España / 2016
Diego Galán






Que Galán sabe y entiende sobre cine en general y español en particular está probado aunque solo sea por su serie para televisión "Memorias del cine español" y su extensa labor como crítico entre otras muchas cosas relacionadas con la profesión a sus 72 años. Así que la idea de echar un vistazo retrospectivo a la sociedad patria a través de como ha representado su cine a la mujer ("Con la pata quebrada" / 2012) y ahora al hombre nacional le viene al pelo.
Lo hace seleccionando entre un ingente material y con buenas dosis de humor e ironía aunque de forma algo superficial, buscando más la nostalgia y la anécdota que profundizar en su análisis. Si uno tiene ya una edad es un buen recordatorio de lo que tuvimos que pasar. !Manda huevos!









DESPUÉS DE LA TORMENTA

 6
2 h. 8 m.
Japón / 2016
Hirozaku Koreeda




Sigue el director japones conjurando sus demonios en torno al universo de la familia a un ritmo constante (un film cada dos años) y algunos seguimos esperando que vuelva a destapar el tarro de las esencias, ese que nos embriagó sobre todo con "Still Walking" hace ya casi una década y no podemos dejar de tener la sensación de que con cada cinta Koreeda pierde un poco de su magia como cineasta y transita caminos más formales.

Repite pareja protagonista (ambos excelentes en sus personajes) y "Después de la tormenta" se hermana con "Still Walking" con otra mirada, en palabras de su director, más "otoñal". Sin embargo y como suele decirse más que parecerse se dan un aire, sin que la que nos ocupa acabe por emocionarnos y admirarnos en su ejecución como la primera, probablemente su mejor trabajo.

El tono pausado, costumbrista al que ya nos tiene habituados explora las relaciones familiares rotas de un hombre marcado por la relación con su padre ya ausente y cuyas prometedoras expectativas vitales se le han ido escurriendo entre los dedos sin darse cuenta de como ha llegado a aquello que no quiere ser.

La asunción de su actual realidad viene de la mano de un último intento de aferrarse al espejismo del esposo, hijo y padre que pudo ser y no fue. Todo ello sazonado con aforismos sobre la vida en la sabia experiencia de su madre, que sabe de la importancia de amar y valorar lo que se tiene antes de que el tiempo se agote sin conseguir lo que se quiere.











JACK REACHER: NUNCA VUELVAS ATRÁS.

 6
1 h. 58 m.
USA / 2016
Edward Zwick



Reacher/Cruise, no hace caso al título de la cinta y vuelve por segunda vez "atrás", en un tipo de film cuya corrección formal y guión clónico sigue entreteniéndonos casi dos horas si aceptamos pulpo como animal de compañía y queremos dejar la mente  en blanco otro tanto. El personaje creado por el novelista británico Lee Child ha protagonizado con esta dieciocho entregas en papel (tentadora franquicia).
Tanto la primera adaptación para la pantalla como la segunda están cortadas por el mismo patrón, aunque a esta le falta el humor de la primera y sobre todo Robert Duvall. Cruise, que produce, parece estar cómodo reduciendo su arte, que lo tiene, (aquí lo deja aflorar un par de minutos) en estos personajes de acción que hacen sonar la caja registradora y que a pesar de sus carencias están algo por encima de la media de otras propuestas del género sin protagonistas tan carismáticos.
Todo es previsible y digestible en un cine atiborrado de edulcorantes, conservantes y todo tipo de aditamentos artificiales que hay que consumir con moderación.  










AMERICAN HONEY

 9
2 h. 43 m.
Reino Unido / 2016
Andrea Arnold




A la crítica nacional no le ha gustado nada esta cuarta entrega de la obra de la directora británica a pesar de contar con el premio del jurado de Cannes y otro puñado de premios y nominaciones. 
Servidor se declara devoto del cine que propone Andrea Arnold. Sus tres películas anteriores siempre imperfectas, (nadie lo es) denotan una mirada y un pulso cinematográfico, a mi juicio de lo más sobresaliente del panorama mundial. Arnold siempre arriesga, se ha atrevido con la adaptación muy personal de un clásico literario como"Cumbres Borrascosas", y su herencia de cine social va más allá con un tempo y una estética de lo sencillo cargada de belleza por muy sórdida que sea la historia. Buen ojo para elegir a sus intérpretes, sus bandas sonoras y un tandem notable con su director de fotografía de cabecera el irlandés Robbie Ryan al que le ofrece ir más allá que en sus colaboraciones con Ken Loach. A lo que habría que añadir su faceta como guionista cuidadosa e inteligente.
La progresión de la directora es evidente y como se ha escrito esta podría ser su obra maestra personal hasta el momento y en mi opinión se acerca a serlo a nivel general.

Cambia de ambientes que no de registros. Abandona los bloques suburbanos y sale a los espacios inmensos del medio oeste norteamericano para embarcarse en un road movie fruto de sus propias experiencias y seguirle los pasos a una juventud desarraigada en una américa profunda lejos del glamour de las costas, con un fuerte déficit social  y desarraigo familiar.

Parece ser que estas "bandas" de jovencitos captados a salto de mata aquí y allá, subsistiendo con un mínimo salario en régimen de comuna, con la finalidad de vender suscripciones a todo tipo de revistas, constituyen un fenómeno mucho más complejo y a veces peligroso en el que Arnold no profundiza. Más bien lo utiliza como vehículo para meterse en la piel de esos jóvenes desnortados que vagabundean al filo de la navaja en busca de su propio lugar en el mundo al tiempo que se asoma a una realidad social con brutales diferencia de clase, donde la mayoría trabajadora, si es que tiene trabajo, vive a años luz de lo que en Europa consideramos estado de bienestar.

Dicen los críticos nacionales, que no pasa nada en la cinta, que es muy larga (casi tres horas)..., y aún siendo evidente que no se ajusta a los cánones al uso y menos al cine de palomitas (una de las muchas virtudes de Arnold), las tres horas podrían alargarse hasta el infinito como en esos temas de Jazz o Blues cuyas cadencias repetitivas nos envuelven en una atmósfera irreal que nos atrapa y detienen el tiempo.

Hay furgoneta y paisaje, pero el epicentro son los personajes cuyas historias, sentimientos y peripecias son retratados ante diversas situaciones, algunas de ellas espeluznantes en un su dramática simplicidad, desnudando sus cuerpos y sus almas ante un vacío que les obliga a vivir con intensidad cada momento y soñar en los más intimo con un futuro improbable.

La novata Sasha Lane es todo un descubrimiento, Shia LaBeouf se implica y lo da todo; la quimica entre ellos funciona (acabaron como pareja en la vida real) y la nieta de Elvis compone un jefa tirana para el recuerdo. El resto del elenco aporta credibilidad, espontaneidad y frescura al tiempo que en sus miradas encontramos esa mirada vacía que busca y no encuentra. 

A la critica internacional le ha gustado y a un modesto servidor no solo le ha encantado la cinta sino que le ha dejado poso. Arnold sigue siendo una de mis directoras favoritas. 
















GRACIAS, JEFE.

 4
1 h. 24 m.
Francia / 2015
François Ruffin



Ruffin, periodista de corte social medio metido a político, se estrena en el cine con un documental satírico cargado de ironía rozando un limite en el que tanto se puede reír uno de aquello que se critica tanto como de quienes sufren lo criticado. Decir que sigue la linea marcada por Michael Moore es concederle demasiado crédito a Ruffin a pesar de que los franceses, paradigma de chauvinismo le hayan premiado con el Cesar al mejor documental. Documental de escaso valor artístico y cuyo componente de denuncia se pierde en algo más parecido a esos programas de televisión que gastan bromas o que tratan de descubrir hechos delictivos poniendo trampas a los delincuentes (estos últimos con mayor rigor que el documental  que nos ocupa).
Ruffin, creador del periódico local Fakir, que autopublicita en la cinta, se define durante  el metraje delante de sus hijos como un Robin Hood que roba a los ricos para dárselo a los pobres dando una sensación de estar muy contento consigo mismo.

La sensación que da es que toma una pequeña muestra de esos damnificados por los insaciables y despiadados tiburones financieros como Bernard Arnault para autopromocionarse con la película poniendo un parche, por muy loable que este  sea, en una familia que se deja manejar y no tratando el problema en profundidad con los cientos de familias que quedan desamparados ante empresarios desalmados como Arnault y la falta de apoyo de las administraciones de turno.

En fin que parece que al final todos tenemos que decir: Gracias, Ruffin. Pero no es eso.







MI CHICA Y YO

 8
1 h. 19 m.
USA / 1932
Raoul Walsh






!Ah...!, aquellas comedias de los años 30, tan despreocupadas, disparatadas, irreales y sobre todo tan divertidas. Reflejo de unos tiempos tan buenos y tan malos como estos para los de siempre pero donde en la igualitaria oscuridad de la sala de un cine aún podíamos creer que el mundo era como en las películas. A sus 45 años en el momento del estreno de esta comedia el maestro Walsh llevaba al menos una cincuentena de películas en sus alforjas desde los inicios del séptimo arte.

La excelente Joan Bennet en pleno florecimiento a sus 22 años empieza a destacar en esta descarada y pizpireta camarera que le da la replica a un maduro Tracy descubierto por John Ford en el teatro y que a dos años de su debut en el cine ya había  realizado 16 películas. Se rodaba en poco tiempo, todo iba muy deprisa, casi tanto como el ritmo inigualable que impone a sus cintas Raoul Walsh. Nadie como él para contar tantas cosas en tan poco tiempo, en este caso menos de una hora y media. La acción es constante, mezclando en un batiburrillo alocado y delicioso la trama romántica con la screwboll clásica, unos diálogos de metralleta y una utilización de los espacios que ya quisieran muchos directores actuales.

Durante algo más de una hora he vuelto a recuperar la fe en la comedia sin pretensiones y sin prejuicios (esta está rodada antes del código Hays y se nota, entre otras cosas por la mofa y escarnio descarado de la aún vigente en ese momento "ley seca"), bien interpretada y mejor dirigida. Un placer.




















PANDORA Y EL HOLANDÉS ERRANTE

 8
2 h. 2 m.
Reino Unido / 1951
Albert Lewin



Apenas 6 películas componen la filmografia de Albert Lewin. Filmografía que como en el caso de la cinta que nos ocupa buscó más la excelencia artística que el favor del público al uso de la época. Un cine culto de inspiración literaria en su temática muy elaborado en su guion (no en vano fue jefe de guionistas de la MGM) y en su producción (mano derecha del mítico Irving Thalberg). "Pandora..." fue un fracaso comercial y se la tildó de pretenciosa entre otros adjetivos. El paso del tiempo le ha devuelto la consideración que merece: un trabajo a contracorriente, con una dirección irreprochable, muy cuidado estéticamente con una fotografía en un Thecnicolor alejado de la paleta de colores brillantes exquisitamente utilizado por el posterior director Jack Cardiff y un guion de corte onírico donde las leyendas de "Pandora" trasunto de la Eva o primera mujer que trajo las desgracias al mundo (la mitología siempre tan fascinante como machista) y "El holandés errante", aquel que pactó con el diablo para navegar sin contratiempos y fue castigado a vagar en solitario con su barco eternamente.

Tan culto y mágico material es fusionado por Lewin con clase y acierto en una historia de amor, celos y tragedia de corte clásico, poblado de citas literarias en un mediterráneo (en esta caso de costa española) apropiado para sus reminiscencias griegas. Ambientada en los años 30 y salvo licencias como los peinados de los 50 todo remite a ese tono de leyenda helenística con un vestuario excelso de Ava Gardner que nos lo recuerda constantemente.

Lewin dosifica bien el aparente excesivo metraje desahogando la trama principal con escenas de acción tan variopintas como el récord automovilístico o la corrida de toros, animal indispensable en la iconografía mítica clásica o los saltos temporales. El reparto funciona con un Mason, distante, misterioso y grave en sus parlamentes y sobre todo, y lo que ha quedado en la memoria popular, la imagen de una Ava Gardner en plenitud que se calza el papel de diosa como un guante abocada a su trágico destino que la redima de sus caprichos en busca del amor pleno.

Las similitudes y diferencias de su personaje y el entorno en el que se desarrolla con su propia vida real están recogidas, entre otras cosas, en el estupendo documental sobre su vida de Isaki Lacuesta, "La noche que no acaba" (2010)


















LILTING

 8
1 h. 31 m.
Reino Unido / 2014
Hong Khaou




Sutil, emocional, divertida, está historia de amor a varias bandas rodada con un pulso delicado, respetuosos y exquisito parece impropia de un debutante a pesar de sus 41 años, como el camboyano Khaou que además firma el guión. Khaou ha sabido rentabilizar artísticamente sus escasos medios de producción a través del micromecenazgo.

La ausencia del amado, ya sea compañero o hijo marca el devenir de los personajes principales. Los lazos familiares culturales y el paso del tiempo condicionan la búsqueda en el otro de sus propias justificaciones y consuelo ante la tremenda soledad en que se encuentran. Ambos acabaran por descubrir la aceptación de lo inevitable, en un acercamiento donde surgirán las dolorosas fricciones de un entendimiento complejo simbolizado por la diferencia de culturas y esa traductora que acaba  implicándose más allá de su trabajo. Un perfecto trabajo actoral y de dirección donde el humor nunca deja de estar presente ejerciendo de contrapeso para una delicada miniatura llena de gozosa sensibilidad.  


















GIRLHOOD

 5
1 h. 52 m.
Francia / 2014
Céline Scianma




Entiendo y valoro lo que nos quiere contar Céline Scianma en su linea sobre la feminidad que viene explorando en sus anteriores trabajos. Pero todo lo que me emocionó en la estupenda "Tomboy" (2011) aquí no acaba de engancharme, por mucho que el elenco de chicas no profesionales que ha seleccionado la directora tengan una notable fuerza visual y realicen un buen trabajo.

 Las inseguridades propias de la adolescencia en esta chica desubicada con su familia (ausencia de padre y prácticamente de madre, hermano castrador y violento...), con sus estudios (repetidora, no acepta la opción de la formación profesional) y con sus relaciones afectivas, le hacen  buscar desesperadamente un lugar donde encajar. Pero a pesar de que encuentra un grupo de amigas que van de "malotas" y consigue al chico de sus sueños, sigue insatisfecha con su propia identidad, con una presión social y moral impropia de la Francia del siglo XXI que cada vez la acorrala en un callejón sin salida.
Dividida en "capítulos" marcados por fundidos a negro es en los momentos gozosos y vitalistas de adolescencia donde la cinta logra sus mejores momentos quedando el aspecto dramático escasamente justificado y poco esclarecedoras las decisiones que toma su protagonista, resintiéndose, al menos en mi caso, la duración del metraje. Los personajes femeninos de la obra de Scianma parecen encontrar o denunciar que la única opción que tiene la mujer es convertirse en hombre para poder librarse de las cargas y convenciones sociales que arrastra su sexo. 













EL DESTIERRO

 8
1 h. 27 m.
España / 2015
Arturo Ruiz Serrano



Al destierro parece ser a lo que han condenado a esta notable película los Goya de la Academia, a mi juicio injustamente. Claro, no es un thriller que es lo que vende en las televisiones que ponen la pasta y lo de la guerra incivil no está de moda, por mucho que andemos conmemorando el Guernica.

El caso es que esta opera prima de Arturo Ruiz Serrano avalado por numerosos premios en sus cortos, utiliza el momento histórico para hablar sobre todo con sus silencios de muchas más cosas. Es inevitable y no lo evita encuadrar algunas de ellas en dicho contexto.
Enmarcada por un paisaje tan bello como duro y austero de la sierra madrileña, fotografiado con acierto por Nicolás Pinzón y una bso en consonancia de Iván Pinzón, Ruiz Serrano se las ingenia para crear una burbuja siempre apunto de explotar por una de esas manos caprichosas del destino, que juegan con las vidas como si fueran esas del plástico de embalar.

Mientras que dicha burbuja dura, tres seres humanos de diferente estrato social convergen en ella deteniendo el tiempo y soñando que todo es posible, compartiendo sus frustraciones, sus educaciones, sus vidas en definitiva en un trasunto de la utópica revolución libertaria que se vio cercenada por la insurrección rebelde o más bien y en definitiva por cualquier realidad que nos recuerde que el ser humano tiene muchos anticuerpos en contra de la felicidad.

El director que también guioniza mantiene el tono casi en su totalidad de metraje aunque no llega a profundizar demasiado y remata la faena en un cambio de suerte más convencional y no menos real como un jarro de agua fría de realidad donde aún queda un resquicio para la dignidad.
Todos y cada uno de los interpretes se esfuerzan y consiguen encajar en sus personajes. Su estructura se presta a llevarla a las tablas como así parece que se hará. Mientras tanto hay que incluirla en lo mejor del año de una cinematografía española que no anda tan sobrada como para dejar en el rincón proyectos tan interesantes como este.  












ORO EN BARRAS

 10
1 h. 21 m.
Reino Unido / 1951
Charles Crichton




Perteneciente al exitoso grupo de comedias en las que los Estudios Ealing ingleses se especializaron durante la posguerra, es una comedia deliciosa y trepidante, con un Alec Guinnes soberbio al servicio de un guión excelente de T.E.B. Clark que contó con el asesoramiento del Banco de Inglaterra a la hora de aleccionar al guionista en como sería la mejor manera de robarles.

Con algunos toques de humor absurdo uno no puede menos de pensar en la primera etapa de Woody Allen. A pesar de que la historia está contada en flash back y supuestamente conocemos el desenlace la tensión se mantiene permanentemente durante todo el metraje hasta un final probablemente impuesto por la necesidad de exportar la cinta a los USA y salvar sus cánones de censura.

En el acertado y siempre cuidado reparto de las comedias de Ealing, Guinnes, ya una estrella, vuelve a dar un recital interpretativo consiguiendo una nominación al Oscar y secundado eficazmente por Stanley Holloway, incluyendo un breve cameo de una recién llegada jovencita llamada Audry Hepburn. Londres, como ya ocurriera con "El farol azul" (Basil Dearden / 1950) es un protagonista más, convirtiéndose la cinta en un buen documento sobre la ciudad a principio de los 50.

Crichton que se fogueo con la Ealing en este tipo de comedias dirige con buen pulso una trama que va tomando carrerilla y acelerándose sin parar. Fruto probablemente de estas experiencias Crichton nos dejó otra perla ya a sus 74 años en "Un pez llamado Wanda" (1988) por la que fue nominado al Oscar como director y guionista.

"The Lavander Hill mob", junto con "Kind Hearts and Coronets" (1949) y " The Ladykillers" (1955) forman una trilogía, con Guinnes como denominador común, indispensable en los anales de la comedia cinematográfica.












BREVE HISTORIA DE SIETE ASESINATOS
Marlon James / 2014
Edit. Malpaso / 2015
792 págs.





Uno no puede menos que quedarse pasmado ante el monumental tour de fource de esta tercera novela del jamaicano Marlon James. Sus prácticamente 800 páginas giran y giran en un torbellino pausado, preñado de violencia, puntos de vista, riqueza lingüística y habilidad narrativa, en torno a la Jaimaca de finales de los 70, los hechos que allí ocurrieron y sus consecuencias posteriores.
Con una medida estructura dividida en infinidad de pequeños cortes en que los diferentes actores ya sean ficticios o trasunto de otros reales, narran con voz propia lo que vivieron. Un proceso social en el que la isla de Jamaica era otro foco de la guerra fría, y el "hermano americano" trataba de evitar una segunda Cuba moviendo los hilos para que las diferentes facciones de capos mafiosos que controlaban los barrios de Kingston desnivelaran la balanza de unas elecciones decisivas.

Cada "corte" supone un autentico relato independiente y a su vez enlazado con la visión central en cuyo punto de referencia se encuentre el atentado que sufrió Bob Marley el 3 de Diciembre del 76 cuando se encontraba abogando por la paz y apunto de dar su concierto Smile Jamaica aglutinante de dicho propósito.

Premio Booker 2015, sus muchas páginas son para tomárselas con calma y degustarlas en cada una de sus facetas que son muchas, donde cabe el horror y el humor, los hechos históricos, la ficción..., todo ello con una facilidad para cambiar de estilos narrativos y expresivos impresionante.

Un placer en si mismo que al mismo tiempo nos alecciona sobre una época y unos hechos que como dice el proverbio jamaicano que da comienzo a libro: Si no fue así, casi.





A ESMORGA

 6
1 h. 41 m.
España / 2014
Ignacio Vilar




El escritor y periodista orensano Eduardo Blanco Amor (1897-1979) publicó en 1959 desde Argentina una obra clave en la narrativa en gallego "A Esmorga" (Parranda) reeditada en España en 1970. Ya tuvo una primera adaptación al cine de la mano de Gonzalo Suarez en 1977 en plena transición y con la colaboración en el guión del propio Blanco Amor. Se desarrollaba en tierras asturianas y como en este caso el reparto era de lujo, aún más si cabe con Jose Luis Gómez, Sacristán y Ferrandis. Obra que revisitaré pues esta nueva versión me ha dejado un poco con la miel en los labios.

Ambientada en la ciudad ficticia de Auria trasunto literario de Orense y en un tiempo poco definido, narra las 24 horas de parranda de tres amigos cuyo perfil, al menos en la cinta, no queda muy perfilado a excepción del personaje de Cibrán el Castizo que a su vez narra la historia, interpretado con su solvencia habitual por Miguel de Lira.
Bajo la premisa de un realismo tremendista Blanco Amor conforma una tragedia de fuerte acento local, con algunas pinceladas de crítica social. Xan el Bocas (Karra Elejalde), tendente a la violencia es el peor construido y se le podría haber sacado mucho más partido dado la calidad actoral de Karra y por último Aladio el Molhomés con un Antonio Durán "Morris" en estado de gracia y sobre el que el autor descarga el tema de la homosexualidad, los celos y la venganza. Todo ello regado con abundantes dosis de alcohol única forma de evasión vital durante mucho tiempo en tierras y hombres de la España rural. Mundo de hombres donde las mujeres que aparecen suelen ser meros objetos de deseo masculino.

Obra de tintes desgarradores que a mi juicio Ignacio Vilar no ha conseguido trasmitir con la fuerza necesaria, necesitada de un montaje más arriesgado y un punto de vista donde los actores hubieran podido arrastrarnos en ese día marcado por un destino fatal, haciéndonos partícipes de su esmorga.
Consigue sin embargo una notable ambientación y algunos momentos de apreciado lirismo. El final abandona la ambigua e interesante coda de la novela a la que Vilar renuncia sin justificación aparente.












EL APÓSTATA

 5
1 h. 20 m.
España / 2015
Federico Veiroj





El uruguayo Federico Veiroj en este su tercer largo viene avalado por premios, entre ellos un Goya, y nominaciones en sus dos anteriores trabajos que no he visionado. A pesar de ello las reseñas de público y crítica no parecen muy entusiastas. Hay al menos en este trabajo producido por España una cierta atmósfera de amateurismo, de mínimo presupuesto, de una producción de escuela de cine...
Más allá de la denuncia social sobre la manipulación de la iglesia católica con sus adscritos en una España confesional por imposición o por inercia, la cosa suena en muchos momentos a panfletaria y pierde parte de la fuerza de su razón por ello. Afortunadamente alternan los guionistas la reivindicación con un perfil de un personaje entrañable, desubicado, con ideas propias y una hermosa historia de esos amores que se quedan prendados en la infancia y nunca te abandonan. No es suficiente.











LA CAMARERA LYNN

 6
1 h. 30 m.
Alemania / 2014
Ingo Haeb






Un trabajo de estilizada vocación formal partiendo de una premisa arriesgada e interesante que no acaba de cuajar, al menos por el camino emprendido, desembocando en una historia de amor, donde la fantasía suple las carencias de la realidad.
Ingo Haeb (Hamburgo, 1970) posee una trayectoria como guionista en su país natal. Aquí elabora una adaptación de la novela "La camarera" del austriaco Markus Orths. Es un estudio complejo sobre la personalidad de una mujer con algún tipo de problema mental y una profunda soledad que le impele a buscar en la vida de los otros, a través de un arriesgado voyeurismo y fetichismo, las respuestas a su propia vida o al menos a compartir fugazmente y en sus fantasías su vida con ellos.
Las claves del origen de todo ello las esconden los autores en una relación familiar con una madre que ejerce solo de forma nominal. La camarera Lynn vive prácticamente en una burbuja mental simbolizada por ese hotel aseptico e impersonal que ella se encarga de limpiar hasta la extenuación y donde parece encontrar el equilibrio que necesita. Haeb cuida mucho los colores en un juego donde la  armonía conduce a la irrealidad. Allí Lyn descubrirá el amor al tiempo que una vía de escape en una dominatrix, con la que sentirá que opciones sexuales diferentes pueden ser mucho más satisfactorias en todos los sentidos que las convencionales mantenidas por interés con el responsable del hotel.
La actriz Vicky Triebs realiza una notable composición del personaje que nos inspira ternura y hace que nos convirtamos a su vez en voyeures de ella misma.  











PELO MALO

 8
1 h. 33 m.
Venezuela / 2013
Mariana Rondón




Como en "La ventana indiscreta" dos niños observan a sus vecinos en un edificio colmena. Cada uno de los pequeños balcones esconde una historia diferente con un denominador común: la pobreza. Es por otro lado el espejo que refleja su propio edificio, su propia pobreza.

 La directora, productora, guionista y artista plástica venezolana Maria Rondon de la que aún esperamos su próximo y tercer trabajo toma como muestra y ejemplo al microscopio de su cámara la historia de ese niño que quiere alisarse su encrespado pelo para dejar de ser quien es y poder convertirse en un cantante, un sueño que le permita escapar o entender la ausencia de su padre, la falta de cariño y comprensión de su madre, de un hermano inocente que le roba ese cariño, y de una sexualidad  que aún no comprende. Tiene una amiga en quien descarga sus frustraciones y una abuela que le necesita tanto como él a ella.
Rondon no juzga, observa y nos deja observar, pausadamente sin estridencias. Es el espectador quien sacará sus propias conclusiones sobre la mirada de los personajes y su implacable entorno en una lucha por la supervivencia con sordina, brutal, mientras que el mundo sigue girando.
Magnifica labor de los actores, tanto los adultos como los infantiles, el guión de la propia Rondon y la fotografía de Micaela Cajahuaringa. Cocha de Oro en el festival de Donostia. 










EXTRAÑOS EN UN TREN

 9
1 h. 41 m.
USA / 1951
Alfred Hitchcock




En el 50 Hitchcock necesitaba urgentemente un éxito en taquilla. Sus últimos proyectos y su propia compañía "Trasanlantic" no había obtenido el beneficio que se esperaba de un director de su categoría. El buen ojo del "pájaro"  Hitch, se las arregló para comprar los derechos a bajo precio de la primera novela de una desconocida novelista estadounidense, ocultando sus intenciones de llevarla a la pantalla. A cambio Patricia Highsmith dio el salto a la fama gracias a dicha adaptación cuyos guionistas y el propio director no dudaron en modificar lo que hiciera falta para hacerla más digestible al gran público. Aún así creó cierto escándalo por su asesinato explicito y su connotaciones sexuales.
La novela de Highsmith dista mucho de la película y sus planteamientos plantean cuestiones mucho más interesantes que la intriga desarrollada magistralmente en su aspecto visual por Hitchcock. Al cine lo que es del cine.

El maestro del suspense como casi siempre ya tenía la película planificada antes de empezar el "aburrido rodaje" según sus palabras y son varios los hallazgos visuales en los que el director se luce y sienta precedentes mil veces imitados. Robert Walker que fallecería pocos meses después realizó el papel de su vida prefigurando el Bates de Psicosis. Al no estar disponible William Holden, Hitchcock repitió con Guy Haines con el que ya había trabajado en "La soga"(1948) y no le quedó más remedio que aceptar la imposición del estudio de Ruth Roman a la que odiaba y humillaba. Por otro lado práctica habitual del maestro con alguien de sus películas. Su hija Patricia Hitchcock con la que contó para el papel secundario de la hermana del personaje de Ruth y que realizó con acierto, también tuvo que sufrir alguna de las crueles "bromas" de su padre.

Estupenda fotografía de Robert Burks que inició así una larga colaboración con el maestro. El afamado escritor Raimond Chandler figura en los créditos como guionista pero fue Czenzi Ormode ayudante de Ben Hetch al que Hitchcock no pudo conseguir quien asumió casi todo el trabajo. Chandler por otro lado acabó hasta el gorro de las extravagancias del director y su método de trabajo al confeccionar el guión.

A la postre Hitchcock se volvió a salir con la suya y firmó una estupenda película de suspense, destacada en su filmografía, con momentos memorables y que sigue resistiendo el paso del tiempo sin que decaiga nuestro interés al revisitarla.













LA BAILARINA

 7
1 h. 48 m.
Francia / 2016
Stéphanie di Giusto




Esta interesante opera prima de la francesa Stéphanie di Giusto, empieza con buen pie y al mismo tiempo con polémica. Con un interés más artístico que otra cosa recupera la figura olvidada de la Loïe Fuller (1862-1928) una norteamericana de Illinois que quería ser actriz y descubrió accidentalmente una forma de encauzar sus necesidades artísticas con una suerte de performance en la que la danza, el movimiento de pesadas telas sobre su cuerpo y el uso de la incipiente iluminación con proyectores eléctricos configuraba un espectáculo original, novedoso y de fuerte carga onírica y simbólica prefigurando la danza contemporánea. El París de principio de siglo era el escenario perfecto para ello aunque no le fue fácil conseguirlo.

El ritmo de la cinta es irregular y la temática enganchará más a los profesionales del medio que al público en general. Y aunque tiene momentos notables en cuanto el perfil psicológico de Fuller y la eterna duda y vulnerabilidad de todos los artistas en general es en la rememoración de sus puestas en escenas de las que no queda documento visual grabado donde la película tiene su punto fuerte, con un apreciable trabajo de Soko (Stéphani Sokolinski) peculiar actriz y cantante que tuvo que pasar por un duro entrenamiento para emular ella misma el baile de la Fuller.

La polémica viene básicamente dada por las licencias que se ha tomado la directora en la biografía de la artista al incluir el personaje masculino de Louis Dorsay que es cierto poco aporta a la narración y distrae y escamotea aspectos reales del personaje central. Otra cosa es el ataque, a mi juicio excesivamente radical del activismo lésbico, al que le hubiera gustado un mayor subrayado de la opción sexual de Fuller y su relación con su ayudante Gabrielle y por lo tanto se les hace más imperdonable el personaje ficticio masculino del cual derivan menosprecio implícito hacia las capacidades de la mujer. No creo que esto ocurra en la cinta y di Giusto justifica razonadamente en entrevistas que la opción sexual no era el centro de su interés al realizar su propuesta apelando a su derecho a la libertad como creadora.

Utiliza di Giusto a otra gran y malograda figura de la danza contemporánea, Isadora Duncan, que si bien coincidió en el tiempo y conoció el trabajo de Fuller, no me consta que llegaran a trabajar juntas. En cualquier caso le sirve a la directora para comparar los dos estilos artísticos, con sus diferencias y puntos en común, aprovechar el tirón mediatico de la Duncan y ser el reflejo de los miedos e inseguridades profesionales y afectivas de la Fuller, fueran estos reales o no.

El resultado, al menos en mi caso se sigue con interés y goza de algunos momentos brillantes.

















100 METROS

 8
1 h. 48 m.
España / 2016
Marcel Barrena




Estupenda y emotiva película la que se ha marcado el director, guionista y montador barcelonés Marcel Barrena. Tres trabajos en su curriculum, uno para televisión, un documental y este su primer largo. Los tres acumulando premio y nominaciones.
Repite aquí  temática de su documental "Mon Petit" (2012), con otra historia de superación. En este caso la de Ramón Arroyo quien aquejado de esclerosis múltiple llegó a fuerza de voluntad y apoyo familiar a participar en diversos eventos deportivos al alcance de muy pocos atletas sanos.

Tan delicado material podría haber dado para muchos excesos de lágrima fácil que Barrena consigue evitar con un guión muy cuidado y unas actuaciones de Alexandra Jimenez y Karra Elejalde soberbias. Cuando Barrena nos pone al borde de la lágrima es en momentos muy currados de una belleza emocional innegable. Dota de ritmo al asunto con su oficio de montador y se las ingenia para insertar planos de voluntad estética, consiguiendo un equilibrio notable, donde el humor siempre está presente.
El personaje de Karra, a mi juicio es el autentico protagonista, amén de la hazaña como ser humano de Arroyo. Barrena sabe hábilmente dosificar las cartas de este ex deportista que perdió la ilusión por la vida cuando desapareció su mujer. Su historia de superación no le va a la zaga a la de Arroyo.
El hombre de moda en la taquilla, Dani Rovira, también se esfuerza por superar sus limitaciones como actor en un personaje tan delicado y como Arroyo en la prueba de Iron Man, no gana ni de lejos pero consigue terminar con la dignidad necesaria para que aplaudamos su esfuerzo.















SULLY

 7
1 h. 36 m.
USA / 2016
Clint Eastwood




Trigesimoséptima película del octogenario (87) Eastwood en su primera colaboración con Tom Hanks. En su, a mi juicio, sobrevalorada filmografía donde hay de todo como en botica, esta que nos ocupa no es de las mejores pero tampoco de las peores. Eastwood se centra en "el héroe americano" que para serlo solo necesita hacer bien su trabajo.

El piloto Chesley "Sully" Sullenberger tiró de sus cuarenta años de experiencia para tomar una decisión en un difícil momento en el que su avión perdió el funcionamiento de sus dos motores y en 58 segundos tuvo que optar por intentar alcanzar una pista de aterrizaje o amerizar en las heladas aguas del Hudson. Optó por lo segundo y lo consiguió con éxito.

El merito de Eastwood es contar una historia en la que todo el mundo conoce el desenlace sin que decaiga la tensión no solo del incidente sino de la posterior investigación de la NTSB, organismo competente para ello, al tiempo que, sobre todo gracias a Hanks, intuimos el calvario que supuso en la conciencia de Sully su decisión y sus posibles consecuencias en su vida.
Sobria, bien planificada con un guión que sabe buscarle las vueltas en los diferentes puntos de vista de la misma acción saltando y retrocediendo en el tiempo. Hanks se basta y se sobra para sostener todo el entramado. Como siempre a Eastwood no le importan los detalles. Ni los errores técnicos, en una película que se habla mucho de ellos, ni los de ambientación (el incidente está tan próximo en el tiempo, 2009, que enmascara la plaga de anacronismos que contiene). El director ya dijo en algún momento de su carrera que si alguien se fija en esos detalles es que no le interesa la historia.

El NTSB, tampoco sale muy bien parado en el papel de "malo" de la peli, ejerciendo de inquisidores probablemente al servicio de las compañías aseguradoras. Dicen los que entienden de sus procedimientos que nunca desvelarían las grabaciones de cabina entre los pilotos como hacen en la película.

El resultado, soso para algunos y eficaz y entretenido  para otros viene a poner sobre la mesa en un mundo donde las máquinas nos están robando el bocadillo que en la ecuación de la vida no se puede ni se debe prescindir del factor humano.
  










QUE DIOS NOS PERDONE

 7
2 h. 5 m.
España / 2016
Rodrigo Sorogoyen



 Se confirma Sorogoyen como uno más de los nuevos realizadores jóvenes españoles con brillante futuro (en la industria española es un decir) al saber aprovechar la oportunidad que le han dado tras su brillante tarjeta de presentación con "Stockholm" (2013). Tuvieron que pasar cuatro años y supongo que tanto él como su coguionista Isabel Peña han tenido que pasar por el aro de apuntarse a la moda del thriller imperante e impuesta por las televisiones que son quienes ponen la pasta para poder dar el salto. El futuro inmediato pasa según nos cuentan director y guionista por una cinta de corrupción política, otro de los tickets de moda para poder seguir obteniendo financiación. Puede que algún día retomen algún proyecto más personal y arriesgado como "Stockholm".
Mientras tanto este thriller que nos ocupa esta realizado con solvencia, un estupendo reparto a todos los niveles, con unos secundarios muy cuidados y donde Javier Pereira nada tiene que desmerecer al dúo protagonista. Dúo singular cuyas personalidades quedan a medio cocer y nos dejan con ganas de saber más independientemente de la resolución de esos crímenes execrables ambientados en el Madrid castizo con acierto. Se agradece por otro lado que en este tipo de thriller hayan subrayado más el aspecto de la investigación que el de la socorrida y manida acción. Aún consigue sacar hueco Sorogoyen para destilar algunas gotas de estilo con planos y movimientos de cámara que transcienden la narrativa convencional. Que no decaiga.













MAGGIE´S PLAN

 6
1 h. 32 m.
USA / 2015
Rebecca Miller




Rebecca Miller desde el 95 dirige sus propios guiones donde la mujer es el epicentro. La hija de Arthur Miller y esposa de Daniel Day Lewis parece tener su propio camino al margen de la presión artística de tan ilustre padre y esposo y de las modas o tendencias. Aún no ha conseguido las cotas de excelencia de ambos pero se defiende con dignidad y buen hacer en sus trabajos independientes como este, una comedia romántica neoyorkina con influencias de Allen, con un reparto notable y un punto de originalidad que invita a la reflexión sobre las relaciones de pareja, los hijos y los intereses vitales de cada cual en ese lazo atado casi siempre con delicadeza en el mundo occidental y que puede terminar estrangulandonos como es el matrimonio.

La "devolución del producto" que no acaba por convencernos una vez pasada la pasión y la necesidad conforma una comedia agradable que Miller sabe dotar del ritmo suficiente para aligerar los elementos comunes. La verborrea intelectual quizás acote su público a la costa Este y a esa Europa acostumbrada desde hace mucho por Woody Allen. Greta Gerwing vuelve a lucir una vez más con luz propia como princesa del indi. Tiene el don de que es querida por la cámara y su capacidad como actriz le permite aportar  matices y diferenciar sutilmente una galería de personajes quizás con excesivas similitudes.










YO, DANIEL BLAKE

 7
1 h. 40 m.
Reino Unido / 2016
Ken Loach




Supongo que para un ya viejo combatiente social como Loach deber ser muy triste que el filón del que se nutre su cine, la desigualdad social, no se acabe nunca, y que a pesar de toda una carrera, treinta y dos películas, y una vida denunciando dicha desigualdad, a sus 80 años siga siendo testigo de que la cosa va incluso a peor. Malos tiempos para la lírica.
Desde el punto de vista formal no es que sea uno de sus mejores trabajos, pero una vez más posee el don de la sencillez y la inmediatez de reflejar lo que pasa en la calle y de como aquellos a los que votamos nos consideran, números o papeletas el día de las urnas y sobre todo contribuyentes por encima de ciudadanos y no digamos ya personas. La revolución tecnológica como arma de doble filo se ha convertido en una poderosa herramienta para deshumanizar aún más si cabe la relación entre el ciudadano y sus teóricamente representantes en su gobierno. Es fácil reconocer a los personajes que presenta Loach, sino en uno mismo, estamos ahí en cada esquina, en cada vecino al otro lado de una brecha social cada día más grande.

 El cine es y debe ser aparte de entretenimiento, que también , espejo de la realidad y denuncia de sus quiebras. Quizás por todo ello y como reconocimiento a este empeño de Loach su hasta ahora último film ha sido premiado en buena parte de Europa. Esa Europa cada vez más fragmentada, corrupta y necrosada. En este comentario hablamos poco de la luz, la fotografía, los interpretes..., y más de lo que nos provoca lo que nos cuenta. Probablemente ese es el objetivo cumplido de su director.












UN TRANVÍA LLAMADO DESEO

 10
2 h. 2 m.
USA / 1951
Elia Kazan



Cuando se estrenó la película que nos ocupa faltaba tan solo un año para que la carrera del consagrado director teatral y cinematográfico se viera empañada a perpetuidad por su delación hacia sus compañeros de profesión durante la "caza de brujas" capitaneada por el senador McCarthy. El resto de su vida intentó justificarse a través de sus obras escritas o en la pantalla, amparándose en su amor por su país (aunque el era de origen otomano) pero no pudo evitar que cuando en el 98 le fue concedido un Oscar honorífico por toda su carrera algunos le recordaran que si su carrera pudo ser brillante, que lo fue, ocurrió en parte gracias a esas delaciones que por el contrario acabaron con las carreras, probablemente tan brillantes como la suya de los compañeros a los que delató. Por no hablar de las veces que fue acusado de acoso sexual.

En fin...; fundador del Actor Studio que revolucionó las técnica de actuación basándose en las teorías o método de finales del siglo XIX del ruso Konstanstin Stanislavski y cuyo mayor exponente fue Brando precisamente. Teorías que siguen dando que hablar hasta hoy día y que han servido, aparte para que algunos se forraran con ellas en sus clases como si fueran gurús, para establecer una división, a mi juicio absurda, entre aquellos actores y actrices "seguidores del método" y de los que nunca necesitaron ningún método para ejercer su arte.

 Como ejemplo en esta misma película tenemos a Vivien Leigh (y por extensión su marido Laurence Olivier que la dirigió en la puesta en escena de la obra en Inglaterra) no seguidores del método y el resto del elenco que conformaban el grupo original con el que se estrenó la obra en el 47 dirigida por el propio Kazan, a excepción de la gran Jessica Tandy en el papel de Blanche que fue sustituida dado que no gozaba en el cine de la fama y popularidad de La Leigh que ya tenía un Oscar en su haber nada menos que por la inmortal Scarlett de "Lo que el viento se llevó" y que hizo que estuviera  acompañada en ese Olimpo de inmortales por su Blanche Dubois que le proporciono el segundo Oscar de su carrera.
No obstante el reparto original tuvo otros pretendientes anteriores que por una u otra razones rechazaron (Olivia de Havilland) o no cuajaron (Robert Mitchum no obtuvo el permiso de sus estudio) para encarnar a los futuros mitos. Lo que lo hicieron finalmente lo bordaron. Tres de ellos se llevaron el Oscar y a Brando se lo quitó el, por otro lado estupendo, trabajo de Bogart en "La reina  de África" y que Hollywood pecó de conservadurismo ante una interpretación tan moderna de un joven que aún no era una estrella y que marcaría un antes y un después en el mundo de la actuación.
La película bordea con maestría los limites entre el teatro y el cine. Kazan quien en principio pensaba que poco más podía aportar la película a la obra, supo sacarle partido a los decorados, creando un ambiente atmosférico y opresivo con la casa y el entorno de ella, donde las luces y las sombras magníficamente fotografiadas por Harry Stradling junto con la composición de los personajes toca tanto el noir como el terror como ocurría  con "El crepúsculo de los dioses"  de Wilder estrenada el año anterior.
La censura y la liga católica se lo puso difícil y enmascaró muchas situaciones que en la obra eran explícitas, incluso cambiando el final para que el "malo" pagara su culpa como Dios manda, desvirtuando en buena parte el poder de ese otro dios pagano y poderoso cuyo nombre lleva el tranvía.
El mundo tortuoso, acomplejado y preñado de sexualidad y por ende deseo de Tennessee Williams, consigue aflorar en la película por mucha censura que tuviera. Dos mundos entrechocan, el viejo sur elitista y ensoñador y el nuevo sur proletario y pragmático, ambos encadenados por la pasión y el deseo común a todos los mortales. El paso del tiempo, las expectativas frustradas, la ausencia de auténtico amor, la homosexualidad reprimida y las crueles convenciones sociales bullen en una olla a presión al calor del verano de Nueva Orleans para acabar explotando en nuestras conciencias.
Brando compone un personajes brutal, infantil, machista y desvalido al mismo tiempo, en una actuación memorable pero es Vivian Leigh quien va de más a menos haciéndose con nuestra atención, enganchándose de nuestra alma para desnudar la suya en una espiral angustiosa de una vida truncada, desmadejada, imposible de remendar. Karl Malden y Kim Hunter no les van a la zaga.
Se han hecho y se siguen haciendo muchas versiones con desigual acierto. Aquí esta el molde.


















OUIJA: EL ORIGEN DEL MAL

 6
1 h. 39 m.
USA / 2016
Mike Flanagan






Desde hace décadas en que el cine de terror intercambió la poesía y el misterio por la casquería y los efectos especiales, salvo contadas excepciones, no suelo acercarme a él. A pesar de que este film tampoco auguraba nada del otro mundo, y fiándome de los escrito, descubro una sencilla y en buena parte honesta propuesta, que parece querer desagraviar a la anterior entrega de lo que parece ser una saga . El guión del propio Flanagan y Jeff Howard parece tomarse la cosa con más calma de lo habitual, dejar más espacio a los actores y a las intenciones de sus personajes y dosificar los sustos con buen tino, donde la tensión se crea precisamente en la falta de estos, al menos en la proporción que es habitual. Ayuda al asunto ubicarla en los 60 y una explicación del fenómeno que hubiera dado para mucho más.
Al final se cede al convencionalismo y no se acaba de rematar la faena con el estilo que merecía. Hasta ese momento se sigue con interés. Habrá secuela seguro. 














CUANDO TIENES 17 AÑOS

 7
1 h. 54 m,
Francia / 2016
André Téchiné





De las veintitrés películas que componen la filmografía de este reconocido director francés de 76 años, solo he visto "La chica del tren" (2009). Acabé decepcionado por la diferencia, a mi juicio, entre lo que quería  contarnos, que sinceramente no me quedó muy claro y la indudable maestría con que lo cuenta. Con esta nueva entrega vuelvo a quedar impresionado por su facilidad, brillantez y elegancia narrativa, esta vez sí, al servicio de una historia donde parece ser afloran de nuevo sus temas preferidos, a saber: la sexualidad, sobre todo homosexual, la identidad nacional, la cultura francesa y las relaciones entre el campo y la ciudad.

Técniché ha declarado que solo en la sala de montaje es cuando conforma la historia que quiere contarnos. Mientras tanto rueda cada secuencia como si fuera un corto. Ambos momentos, al menos en esta cinta dan un resultado admirable lleno de lirismo, aunque puede que el metraje sea algo excesivo y que la subtrama militar no brille a la altura de la relación de estos dos chavales que se van descubriendo a si mismos al tiempo que descubren al otro y su diferencia social.

La fotografía del francés Julien Hirsch con el que ha colaborado en sus últimos siete  trabajos es prodigiosa y el reparto convincente. Dicen que entronca con su cinta más premiada y personal "Los juncos salvajes" (1994) película de madurez sobre la adolescencia. Ahora más viejo y probablemente más sabio vuelve a echar otra mirada lúcida sobre ese tiempo tan efímero como convulso donde el amor va brotando "como el musguito en la piedra".













TROLLS

 8
1 h. 32 m.
USA / 2016
Mike Mitchell






Mitchell parece haber encontrado en la animación su razón de ser como director tras sus fracasos en la comedia. Se encargó con éxito de la última entrega de Shreck y tras la olvidable "Alvin y las ardillas" (2011) regresa de la mano de Dreamworks con una sencilla y divertida historia, donde convergen otras muchas ya contadas, bajo el prisma de estos muñecos con pinta de troglodita con enormes cabelleras (hay uno de ellos por casa) que no dejan de recordarnos a los pitufos, con sus diferentes caracteres.

 El acertado diseño de personajes y el buen ritmo de la historia todo ello mezclado con una paleta de colores psicodélicos, un notable trabajo de animación y una buena banda sonora discotequera que augura un futuro musical, conforman una propuesta amable, vitalista y entretenida para grandes y mayores.

Ya, ya sabemos que existe Pixar y sus obras maestras, pero... 






















LA CHICA DEL TREN

 6
1 h. 52 m.
USA / 2016
Tate Taylor





La zimbabuense Paula Hawkins, empezó a escribir novelas románticas en el 2009 sin que el éxito llamara a su puerta. En el 2014 cambió de registro y escribió "La chica del tren" un thriller psicológico de corte feminista, en el que el alcoholismo y la violencia de género están presentes. Se convirtió rápidamente en un best seller y en apenas un año Dreamworks estrena su adaptación a la pantalla. Dicen que Hawkins, según la BBC, es una de las personas más influyentes del 2016 (!!¿por esta novela?!!).
Le encargaron la adaptación a Tate Taylor que se hizo notar con otra adaptación literaria "Criadas y señoras" (2011) y que nos regaló un biopic atípico estupendo sobre James Brown en el 2014.
Aquí como se suele decir en teatro se limita con oficio a "servir función", a poner en imágenes las páginas del libro con un guión fiel a la novela de Erin Cressida y la solvente  producción de Dreamworks.
Así pues los acierto o desaciertos de la novela son los de la película. En su primera hora el punto de vista de las tres mujeres crea una intriga interesante, a pesar de cierto caos narrativo y la soberbia interpretación de la desesperada y alcohólica que hace Emily Blunt promete que la cosa va en serio. Pero.... El best seller se apodera en la segunda mitad y todo se vuelve más convencional y ya visto en numerosas ocasiones, amén de ser poco creíble la justificación que da la autora de porqué el personaje de Blunt no se entera de la misa la media por muy borracha que se sea. Si se enterara de algo no habría historia claro, pero uno siente como espectador que al final se ha visto el truco.
Los momentos alcohólicos son dignos de ocupar un sitio en el género y aunque se agradece la denuncia de la violencia de género las tres mujeres no dan el perfil ni nos explican el contexto de cada una para dejarse violentar por nadie.














LA PRÓXIMA PIEL

 6
1 h. 43 m.
España / 2016
Iñaki Lacuesta / Isa Campo




Tanto en el plan del documental como en el de ficción o en la mezcla de ambos, Lacuesta lleva demostrando desde hace quince años que  tiene una mirada personal diversa y más que interesante. Mi última referencia de su trabajo fue "Los pasos dobles" no apta para todos los paladares premiada con la concha de plata de San Sebastian. Ahora decide formar tandem con la productora, guionista y realizadora en un thriller sobre la identidad personal. Tras un planteamiento más que prometedor el asunto se encalla y avanza de manera irregular con subtramas (la de los amigos) que parecen no tener  otra finalidad que estirar el asunto y el punto de partida inicial de cada personaje tampoco evoluciona dejándonos la sensación de que ocultan sus cartas solo en beneficio de la trama. Aún así la tensión durante todo el metraje se mantiene y al final nos queda un sabor agridulce de lo que pudo ser y no fue.
Alex Monner sale airoso de su omnipresente presencia en la pantalla y Sergi López y Emma Suárez poco o nada tienen que demostrar de su solvencia como actores. Suárez se llevó el Goya como secundaria por este papel en un doblete quizás excesivo.












EL GRAN CARNAVAL

 8
1 h. 51 m.
USA / 1951
Billy Wilder




El título de trabajo se apoyaba en una frase del protagonista "Chuck" Tatum: el interés humano. Al final se opto por "Ace in the hole" (Un as en el agujero). Tras el fracaso comercial inicial la Paramount pasando de Wilder lo cambió por "The Big Carnival", pero ni por esas. Esta crítica ácida y despiadada sobre la prensa amarillista en particular, la general y su connivencia con los poderes públicos y el morbo del ser humano ante la desgracia ajena no sentó bien ni a unos ni a otros. La Paramount le descontó a Wilder las perdidas de las ganancias que obtuvo con su siguiente film "Traidor en el infierno" (Stalag 17 / 1953). Welles ya le había metido un buen palo al mundo del periodismo con "Ciudadano Kane" diez años antes, pero no de forma tan caustica como Wilder que volvería a resarcirse con el tema con "Primera Plana" en el 74.

Warner les prestó a Douglas en su única colaboración (está estupendo como casi siempre) y el guión de Wilder en colaboración con Walter Newman y Lesser Samuels aún siendo esplendido se resiente de la ausencia de Charles Brackett con quien Wilder había roto su mágica asociación por sus desavenencias en el film anterior "El crepúsculo de los dioses". No creo tampoco que Brackett dada su idiosincrasia personal hubiera dado el visto bueno a esta historia tan "vulgar y despiadada". 
El humor en tan  descarnado drama sigue  destilando sus gotas y los secundarios están perfectos. Jan Sterling le da la réplica a Douglas en una brillante composición de ese personaje repetido en múltiples ocasiones: la chica atractiva con pretensiones atrapada en un ambiente estrecho y sofocante sin apenas salidas, generalmente rural, dependiente de un marido al que no quiere pero al que está unida por conveniencia.

Las masas, sin las cuales nada tendría sentido son el otro protagonista y "La montaña de los siete buitres" acaba atrayendo a otros cientos o miles de ellos, al olor de la carroña.
Hay sin embargo una cierta redención de la profesión periodística con ese editor de pueblo cuyo lema es decir la verdad, y a la postre Wilder no se atreve o no le dejan llegar a las últimas consecuencias. "El malo" paga por sus pecados arrepintiéndose en el último momento. En realidad el asunto se le va de las manos al periodista interpretado por Douglas. Más que un asesinato es un homicidio con premeditación y sin alevosía.











EL CONTABLE

 6
2 h. 8 m.
USA / 2016
Gavin O´Connor


uen
Gavin O´Connor "progresa adecuadamente" después de ese fallido western con la Portman en este mismo año. Llevaba ocho en el dique seco. El caso es que acomete con solvencia este Blockbuster de acción primo hermano o cuando menos cuñado de Bourne que en su primera media hora se disfraza de algo más interesante con un padre autoritario y un niño autista. No es que sea a la postre muy edificante sobre aquellos que sufren autismo por mucha moraleja final que quiera arreglar el desaguisado de guión de la segunda hora con un cambio de rumbo más propio de Jason Statham.
Buenos actores en el reparto intentan darle algo de empaque al asunto donde a Ben Affleck le viene bien que su personaje sea poco expresivo.











VERANO EN BROOKLYN

 8
1 h. 25 m.
USA / 2016
Ira Sachs




Este nuevo trabajo me reconcilia con Ira Sachs, dado que su celebrado anterior film me dejó bastante insatisfecho. Pienso que aquí ha encontrado el equilibrio en ese mundo burgués y cotidiano de un Nueva York de andar por casa que le es familiar, donde como acertadamente se ha escrito la sombra  de Chéjov no anda muy lejos.

 La frustración de los mayores por lo que fue, es, y no fue su vida, incide en la vida de sus descendientes, cambia sus rumbos para bien o para mal generando un despertar a las miserias y prerogativas de lo que llamamos vida social. Lo cuenta Sachs con tacto y buen gusto, con sutileza, con una mirada respetuosas y sin juzgar a unos personajes brillantemente interpretados en su naturalidad por todo el elenco. Sin aspavientos, con una tensión contenida los protagonista se esfuerzan  por hacer y hacerse el menor daño posible para seguir  conservando cosas materiales a las que agarrarse que quizás no son tan importantes. Cada personaje incorpora su propia microhistoria abierta a múltiples interpretaciones que será el espectador quien las imagine, a una corriente que nos arrastra  a todos aunque no sea verano ni vivamos en Brooklyn.












SNOWDEN

 7
2 h. 14 m.
USA / 2016
Oliver Stone




Lo que Laura Poitras nos contó en su premiado documental "Citizenfour" (2014) por mucho que se promulgaran leyes para el control de ese Gran Hermano Global no tiene vuelta atrás. Ningún gobierno que posea la tecnología para dicho control va a renunciar a ello y como se apunta en la película la tercera guerra mundial hace tiempo que ya comenzó en el ciberespacio. 
Puede que la seguridad de los ciudadanos de ciertos países aumente ante posibles ataques terroristas pero a un precio impagable: el de la libertad individual. Hay que ser muy ingenuo para no añadir que ese poder será utilizado siempre en beneficio, control y enriquecimiento de las clases dirigentes.

Stone, vuelve a ejercer de Pepito Grillo y quien tuvo retuvo con su reconocible estilo en una cinta quizás demasiado formal pero a mi juicio necesaria. Stone dulcifica y hace "comercial" y digerible para el gran público esta terrorífica historia real donde la abundancia de datos y terminología, podía frenar su difusión. El excelente trabajo documental de Poitras, al menos en mi caso, llegó a aburrirme tanto como a parte de la crítica le ha aburrido el de Stone. Pero creo no equivocarme si pienso que el de Stone llegará a un público menos cinéfilo y más popular. Y a la postre de eso se trata, de concienciar a cuanto más gente mejor de que nuestra libertad está y estará limitada mientras  conciencias como la de Snowden sigan en minoría.

Stone, saca la historia de la habitación de Hong-Kong, la airea le da un barniz humano, incluso romántico pero en el fondo la denuncia siempre  está presente.
Un variado y acertado elenco (a pesar de la excepción en este caso de Nicolas Cage) aciertan con sus roles (fantástico Rhys Ifan). Gordon-Levitt está a la altura y ShaileneWoodley pide un hueco más allá de las sagas futuristas para adolescentes.













THE MECHANIC: RESURRECTION

 4
1 h. 39 m.
USA / 2016
Dennis Gansel



Si uno es fan de este actor especializado en coreografías de  acción y le gusta el género en su variante de nula credibilidad y procesos mentales, puede pasar un rato entretenido y de paso disfrutar de las postales del mundo que fotografía con belleza Daniel Gottschalk. También sale Jessica Alba luciendo palmito en espera de algún guión con coeficiente intelectual. Y para darle un toque de aparente prestigio, por el que supongo habrá cobrado lo suyo, se deja caer Tommy Lee Jones casi de puntillas igual que lo hizo Donald Shutherland en la primera entrega.
El caso es que esta secuela de Gansel no mejora la anterior de Simon West en el 2011 que sin ser nada del otro mundo al menos actualizaba con dignidad la original "The Mecanich" (Michael Winner / 1972) con Charles Bronson repartiendo lo suyo.











EN UN LUGAR SOLITARIO

 8
1 h. 31 m.
USA / 1950
Nicholas Ray




Bogart ya era una estrella en el 50 y fundó su propia compañía, "Santana Producciones" (llevaba el nombre de su adorado yate) en el 48 para liberarse del yugo de los estudios, en este caso de la Warner. Desde el 48 al 55 en que la vendió por un millón de dólares consiguió más prestigio que beneficios económicos. "Santana", produjo siete películas. Bogart actuó en cinco de ellas. "En un lugar solitario" fue el cuarto de los proyectos, sobre la base de una novela de la escritora norteamericana de novelas de crímenes y misterio y critica literaria Dorothy B. Hughes, que gozó de cierta popularidad en su momento y que vio algunas de sus obras adaptadas a la pantalla.

La cosa no parecía que iba a ir más allá de una historia de crímenes de cine negro fiel a la novela pero el productor Robert Lord y sobre todo el director Nicholas Ray quería otra cosa. Encargaron un guión nuevo a Andrew Solt que fascinó a Bogart y empezaron a rodar.
Bogart era el ideal para el protagonista aún a riesgo de desvelar al gran público que el personaje final de la película tenía demasiados puntos en común con el personaje real del actor en su vida privada, sobre todo antes de casarse con Bacall, que lo "domesticó" en gran medida. Para el papel de ella se pensó en Ginger Rogers, pero al final el director acabó imponiendo a su mujer Gloria Grahame a pesar de que estaban en proceso de separación secreto y que también había connotaciones de la vida privada de ambos con la relación que mantienen los actores en la pantalla. Una carga explosiva que el productor Lord se encargó de aplacar haciendo firmar a Grahame un pintoresco contrato que evitaría rencillas personales en el matrimonio.
Al final y sin demasiado presupuesto, tanto director como actores cuajaron uno de sus mejores trabajos en un film atípico, adelantado para la época que acabó convirtiéndose bajo el envoltorio noir en un estudio de las relaciones de pareja, de la violencia general y de la que hoy denominamos de género, en una atmósfera de desasosiego permanente que cala en el espectador, amén de un ácido retrato de en lo que se había convertido el Hollywood de posguerra bajo la amenaza de la caza de brujas del Machartismo y con un final fuera de toda norma.
Bogart una vez más arriesgó en un personaje que hoy día seria impresentable por mucho que el guión intente suavizarlo, quizás como forma de expiar sus turbulentas relaciones de pareja pasadas y mirar hacia adelante con Bacall. Grahame está magnífica como actriz en el esplendor de su belleza. Y el resto del reparto funciona impecablemente. En esta película donde la realidad y la ficción se separan con lineas muy finas el personaje del actor olvidado que en su día fue relevante para una industria inmisericorde con el paso del tiempo que interpreta Robert Warwick no andaba muy lejos de la realidad del propio Warwick al que Bogart hizo que le escribieran el personaje (estupendo por cierto) como agradecimiento a su buena relación cuando Bogart trabajó con el actor en una época en que el estatus de estrellas estaba invertido.

Nicholas Ray buscó insatisfecho hasta el último momento aquello que quería expresar y afortunadamente descartó algunas secuencias rodadas que hubiesen convertido la propuesta en algo más convencional y rehízo en el último momento el final dejando para la historia del cine un film perenne, que paradojicamente nunca llegó a estrenarse en España. Se pasó por televisión a finales de los 60. Spain is different. 















UN MONSTRUO VIENE A VERME

 6
1 h. 40 m.
España / 2016
J. A. Bayona




Lo siento pero no he llorado. Quizás dado el impecable trabajo anterior de Bayona con "Lo imposible" y el machaque publicitario, amén de los 9 Goyas las expectativas estaban demasiado altas. Quizás es que la estupenda moraleja de la historia de la escritora anglo-irlandesa Siobhán Dow terminada de narrar por Patrick Ness dado que Dow falleció precisamente de un cáncer a los 45 años, es demasiado previsible. Quizás es que la omnipresencia del niño Lewis MacDougall y su excelente trabajo no acaban de encajarme con su rostro que me provoca otro tipo de sensaciones (la imagen puede ir en contra o a favor de lo que quiere expresar). Quizás es que las subtramas trilladas de la escuela, (ese alumno que debe haber repetido cien veces para estar en el mismo aula que el protagonista) el padre y la abuela y el desarrollo de sus personajes no están a la altura de la presencia del monstruo y sus maravillosas historias en animación. Quizás es que la música me resulta demasiado académica lastrando con su preciosismo el ritmo del asunto y subrayando que aquello que nos cuentan es importante. Quizás es que uno se emociona más cuando descubre recovecos en los caminos que no cuando este es de una sola dirección.















LA FIESTA DE LAS SALCHICHAS

 6
1 h. 29 m.
USA / 2016
Conrad Vernon / Greg Tiernan



Si la animación no es ni debe ser acotada al público infantil o familiar, está propuesta decididamente no lo es para dicho público. En muchos momentos también queda la duda a que tipo de "adultos" va encaminada. Con un lenguaje soez hasta decir basta a mi juicio injustificado, Conrad Dermon, que tiene en su haber su participación en la notable "Madagascar 3..." (2012) articula en compañía de Greg Tiernan una propuesta descarada, gamberra y pasada trasunto de "La rebelión en la granja" orwelliana producida por la solvente compañía Anapurna.
Hay un planteamiento inicial interesante en la que los productos del supermercado viven una vida limitada y compartimentada en espera de un más allá que les colme sus ilusiones y deseos más íntimos: ser libres y follar sin parar. Y puede que no en ese orden. Aunque pueda parecer extremo a uno le vienen a la cabeza esos paraísos lleno de huríes o el Valhalla que tantos seres humanos se ha cobrado con el mismo tipo de esperanzas. Pero según la cosa va avanzando la comedia con aciertos y desaciertos al igual que la gama de personajes desemboca en terrenos más trillados, que acaban en una orgía de sexo y violencia. Tan espeluznante la segunda como gozosa la primera, sin que a pesar de ello salgamos, al menos en mi caso con la sensación de que el conjunto ha merecido la pena.
Se ha escrito que en la analogía con las sociedades humanas entre los distintos elementos del supermercado y su mofa de ellos, falta la propia sociedad americana. Si uno hila tan fino podría entenderse que dicha sociedad son los humanos que consumen en su beneficio dichos productos ejerciendo de dioses caprichosos y crueles.
Al final una coda surrealista donde justificar y quizás prolongar en un futuro las peripecias de tan pintorescos personajes.

















SING STREET

 8
1 h. 45 m.
Irlanda / 2016
John Carney




Carney, quizás rememorando sus tiempos juveniles como bajista de  The Frames, ha encontrado un filón en las comedias románticas que giran en torno al mundo de la música, de cuya veta cada vez saca mejores resultados. "Sing Street" es, de momento, la culminación de esa trilogía que completan las estupendas "Once" (2007) y "Begin Again" (2013) (polémica con Keira Knightley aparte).
Afirma Carney que la película es todo aquello que le hubiera gustado hacer a los 15 años: formar una banda, echarse una novia y mandar al carajo a los profesores y la escuela. La película no es tan transgresora como dicha afirmación podría suponer, pero es muy romántica como solo se puede ser a esas edades con dos actores jóvenes en estado de gracia que hacen que nos enamoremos de su enamoramiento. El ritmo que imprime Carney es perfecto, a lo cual suma la comedia con la elección de esa banda que no puede menos que retrotraernos a aquella maravilla que es "The Cominments" (Alan Parker / 1991). Esta no llega a tanto pero funciona a la perfección con sus gotas de critica social al sistema educativo público irlandés ferreamente ceñido por la religión católica y al mundo inestable de la adolescencia donde todo está por descubrir, donde aún se puede y se debe arriesgar y donde la música, el rock a partir de los 60 fue una puerta abierta para saltar hacia adelante aún a riesgo de no saber donde podías caer y soñar con un mundo diferente. Aún tiene hueco Carney para tocar un tercer factor clave en esos años, la familia como factor desequilibrante, la separación de los padres, o de apoyo, el hermano, en la que Jack Reynor compone un personaje memorable.
Todo funciona al ritmo de los temas de  los 80 y uno sale de la sala, dependiendo de la edad, con la nostalgia de tiempos y amores que nunca volverán. 

















QUE ESTÁS EN LOS CIELOS



ANDRZEJ WAJDA (1926-2016)


Director



DON RICKLES (1926-2017)



Actor, Humorista
LEONARD COHEN (1934-2016)


Músico, Poeta, Novelista, Cantautor.
ROBERT VAUGHN (1932-2016)


Actor
ROGER MOORE (1927-2017)


ACTOR
GREGG ALLMAN (1947-2017)


Músico
MICHELE MORGAN (1920-2016)


Actriz
ELISEO SUBIELA (1944-2016)


Director

PIERRE ETAIX (1928-2016)



Director, Actor, Payaso...

MARTIN LANDAU (1928-2017)


Actor

GEORGE A. ROMERO (1940-2017)


Director




LOS OLVIDADOS

 9
1 h. 17 m.
México /  1950
Luis Buñuel




A finales de los años 40 del siglo pasado Buñuel contaba con el bagaje de juventud de sus dos cortos surrealistas y el "documental" sobre las Hurdes. En su momento no era un gran equipaje. Aún no tenía claro lo de dedicarse a dirigir ya en la mitad de su vida y andaba dedicado a producir a escondidas cine comercial y supervisar películas para gentes tan dispares como el gobierno republicano en el exilio o los grandes estudios norteamericanos con fines al mercado hispanoamericano. Siempre con fines de manutención y supervivencia.
Pero el destino, una vez más como ocurrió en sus inicios de juventud le embarcó en un proyecto de encargo que no llegó a cuajar. Se trataba de una adaptación de "La casa de Bernarda Alba" de Lorca en parte rodada en México. Tras el fallido proyecto el productor del asunto Oscar Dacingers, un frances exiliado en México le convenció para que se pusiera al mando de dos proyectos de corte comercial y se quedara en la industria mexicana. El primero fue un fracaso ( "Gran Casino" / 1947) que a punto estuvo de acabar con su carrera. Dacingers lo volvió a intentar con Buñuel ("El gran calavera" / 1949). Este gran éxito comercial tornó el favor de público hacia el director que le permitió presentar a Dacingers un siguiente proyecto más personal sobre un joven vendedor de lotería. De nuevo Dacingers lo reorientó sobre la pobreza infantil mexicana, dando lugar a la cinta que nos ocupa. La sociedad acomodada mexicana no podía aceptar que se expusiera de forma tan cruel y descarnada lo que estaba ocurriendo en su país y apunto estuvieron de condenarle al ostracismo si no fuera por que la cinta fue premiada en Cannes en el 51 y adquirió prestigio internacional colocando ya definitivamente a Buñuel en el panorama cinematográfico mundial.

Sus influencias de "Las Hurdes...." son evidentes. Aquí ya Buñuel juega con la ficción sin trabas y modifica la realidad a su antojo, sin olvidar el surrealismo que incorpora en algunas escenas, integrándolo en la trama. Su mirada no hace concesiones ante la miseria y el abandono familiar y social de estos chavales que reflejan al otro lado del espejo los mismos vicios, ambiciones y virtudes que cualquier ser humano. La muerte y el sexo siempre están presentes así como la explotación laboral aunque sea a ínfimos niveles. La ideologia y las obsesiones del director se hacen presentes con un puñado de escenas provocadoras, llenas de erotismo y crueldad. Cine de la crueldad que diría el crítico francés André Bazin, trasunto del Teatro de la Crueldad de Artaud que falleció dos años antes de la propuesta de Buñuel. La galeria de personajes es digna de Galdós y su novela "Misericordia" (1.897). Al igual que el canario Buñuel se empapó de primera mano en los ambientes que refleja. No hay lugar para la compasión. Acaso una breve esperanza en cierto sistema educativo y en esa madre que a la postre reconoce su error, pero siempre el destino hecha al traste cualquier posibilidad de redención.
Son muchas las escenas memorables. Por destacar solo una, la silente del pederasta vista desde el interior de la tienda. Toda una declaración de cine.
El estilo neorrealista al que Buñuel aporta su experiencia surrealista, la acertada actuación de los interpretes y la maravillosa fotografía en blanco y negro de Gabriel Figueroa, confluyen en una cinta irrepetible declarada Memoria del Mundo por la UNESCO.














EL CREPÚSCULO DE LOS DIOSES

 10
1 h. 50 m.
USA / 1950
Billy Wilder


En 1950 se estrenan dos películas inmortales que rinden homenaje a dos mundos, el teatral y el cinematográfico que nunca volverían a ser lo que fueron con el antes y el después de la llegada de la televisión: "All about Eva" y "Sunset Boulevard" (título original de la que nos ocupa). Ambas de dos guionistas-directores o viceversa, Mankiewicz y Wilder con muchos elementos comunes: el amor por el arte, la ambición y sobre todo el paso del tiempo. A mi juicio más redonda la de Wilder, pero indudablemente dos obras maestras.
Una crónica de apenas unos párrafos en un blog es a todas luces insuficiente y no haría justicia a todos los méritos de esta cinta mal vista por la industria en su momento que no supo ver el homenaje que subyacía desde la ácida crítica preñada de humor negro entre otras muchas cosas de Brackett y Wilder. Por cierto desgraciadamente última colaboración entre ambos a raíz de la fuerte discusión que tuvieron al montar algunas de las escenas en las que al final el director acabó imponiendo su criterio.
Los guiños y referencias al glorioso pasado del cine silente de los años veinte y a su desmedido esplendor apenas eran ya reconocibles en el público de los 50, no digamos hoy día. Así buena parte de la cinta es un documento homenaje casi histórico a una época y a un cine donde las estrellas realmente abrasaban con su fulgor a un público popular que por unos pocos centavos podía soñar con alcanzarlas.
Varios géneros confluyen en la propuesta, desde el thriller psicológico, el melodrama, la tragedia clásica o el terror. La fotografía de John F. Seitz y sus alardes técnicos que fue nominado a un Oscar es portentosa junto con el montaje de Arthur P. Schmidt y Doane Harrison que se llevó otra nominación. Quien si lo consiguió fue la Dirección Artística impresionante. Todos se lo merecían.

Por descontado la cinta no se queda en la reconstrucción y el homenaje y las historias personales toman su protagonismo. Wilder sabe de lo que habla cuando trata las figuras de la pareja de guionistas y los estudios al igual que el de las estrellas que tuvo que sufrir. Norma Desmond, compendio de todas aquellas estrellas femeninas de un celuloide puro donde la imagen era el vehículo exclusivo para transmitir ha quedado como esos fósiles preservados en ámbar, encapsulada en un mundo propio donde ejerce de araña reina atrapando al joven guionista que no consigue dar con la inspiración para dejar de ser mediocre y que se refugia entre las telarañas de seda de esa vieja mansión que ejerce de palacio y cárcel a la vez.
Preservando a Norma de la realidad se encuentra su fiel criado, interpretado con mucha sabiduría por el otrora excéntrico y genial director de cine silente Erich von Stroheim que en la vida real había dirigido a la propia Gloria Swanson en "La Reina Kelly" (1928) la cual ejerciendo como productora al final le había despedido.
El amor desesperado y egoísta se contrapone con la candidez del personaje interpretado por Nanci Olson, por quien a la postre se sacrifica Holden porque no se considera merecedor de su amor culpable de su propia  cobardía vital. Todos los actores principales, película y director fueron nominados. Todos están esplendidos. Willian Holden comenzó aquí su despegue como figura, consiguiendo convencer a un Wilder que tenía sus reticencias y que acabó por colaborar junto con el actor en proyectos futuros.
También fueron otras actrices las que Wilder y Brackett tenían en mente inicialmente para Norma Desmond. Desde Mary Pickford que no quiso a su edad cambiar su imagen de novia de América a Marlene Dietrich que acabó siendo "demasiado alemana" para el personaje. Fue George Cuckor quien recomendó y convenció a la ya retirada del cine Swanson para que afortunadamente volviera a encarnar todo un símbolo de una época magistralmente. Una época donde solo una minoría aguantó el paso del tiempos y el sonoro. El resto se convirtieron en "figuras de cera" (atentos al cameo en la partida de bridge de genios como Buster Keaton) o perecieron refugiados del olvido en la demencia, el alcohol, el suicidio... incapaces de asumir que incluso las estrellas son consumidas por el tiempo. Solo la pantalla las hace inmortales.  




















ELLE

 8
2 h. 10 m.
Francia / 2016
Paul Verhoeven





El director Neerlandes a los 77 años y después de 45  como realizador ha decidido retirarse con este último trabajo. Han sido 16 películas en una carrera internacional irregular, provocadora, con importantes éxitos comerciales y siempre interesante. Le perdí la pista hace 20 años con aquella adaptación de la novela de ciencia ficción "Starship Troopers", genero en el que ocupó un tercio de su producción. Otro tercio fue para el thriller psicológico con el que ha decidido al final despedirse por la puerta grande.
Porque "Elle" durante buena parte de su metraje raya a una gran altura, con una Isabelle Huppert inmensa. Lo de esta mujer a sus 67 años, por si no fuera suficiente su envidiable trayectoria es para enmarcar.
Bajo la premisa inicial de la violación a una mujer liberal, acomodada y muy traumatizada por su pasado, Verhoven va acumulando personajes y situaciones en un bestiario variopinto para entrar a saco en la familia, las fobias, la sexualidad reprimida y en definitiva una sociedad occidental snob, hipócrita, paranoica, aburrida y cruel, donde las mujeres ejercen su poder en la sombra, son más listas, despiadadas y pragmáticas en un mundo de hombres en franca decadencia. Todo ello sin abandonar durante la primera hora la intriga de un thriller desasosegante.
El estupendo reparto queda eclipsado por La Huppert convertida en una moderna Casandra que es capaz de anticiparse a lo inevitable y manejarlo a su antojo fagocitando la pantalla y atrapándonos de forma hipnótica durante el quizás excesivo metraje, donde llegado un punto a Verhoeven se le van las riendas del asunto, derrapa por así decirlo y casi pierde el control de la fuerza que ha desatado.
En cualquier caso bien esta lo que bien acaba y el director ha conseguido despedirse quizás a mi juicio con su mejor trabajo. 








LOS EXILIADOS ROMÁNTICOS

 6
1 h. 9 m.
España / 2015
Jonás Trueba



Dicen y parece que es así que Jonás Trueba lleva desde el 2010 haciendo el cine que le apetece al margen de pretensiones económicas, con sus amigos y un presupuesto muy reducido. Dicen que tiene un estilo propio (mucho plano fijo) y reconocible y ya se ha llevado algún premio por su trabajo que hasta la fecha son cuatro películas.
Me incorporo a su mundo con esta, la tercera, con expectativas y salgo con aquello que se dice: ni frío, ni calor. He visto muchos cortos de final de carrera en escuelas de cine y algún que otro largo de directores sin apellido, iguales o mejores que esta propuesta con aires de nouvelle vague (no sé si a estas alturas eso es bueno o huele un poco a naftalina), donde un grupo de jóvenes algo inmaduros quieren aclarar sus sentimientos antes de ingresar en la supuesta madurez de los 30. También se supone que son amigos aunque que compartan furgo y se bañen juntos, incluso se presten una camisa, no se yo... Ante ellos unos personajes femeninos que  lo tienen más claro. Todos ellos interpretados por actores que parecen dejarse llevar (Carril deja clara su dicción teatral en su speech) y actrices que ponen más carne en el asador.
Sale Francia con sus calles que evocan progresismo y libertad y vemos muchas veces pasar la furgoneta y deambular a los personajes en un metraje más bien escaso.
También se dicen cosas interesantes y el cartel mola.
Supongo y con todos los respetos hacia Jonás, que sin su apellido las distribuidoras y los festivales por los que pasan sus propuestas, no serian tan receptivos.
Les recomiendo "Muchos pedazos de algo" (David Yañez / 2015) aunque no tenga apellido famoso. 










EL HOGAR DE MISS PEREGRINE PARA NIÑOS PECULIARES.

8
2 h. 7 m.
USA / 2016
Tim Burton



Tim Burton a sus 58 años con una carrera donde la cal y la arena se van alternando con desiguales resultados es preso en buena medida del estilo gótico y extravagante de buena parte de su filmografía. Todo lo que se salga de ese estilo "propio" no es bien recibido por sus incondicionales. Personalmente pienso que su mayor problema no es su capacidad como director o su fidelidad a un estilo sino el acierto o desacierto de sus guiones lo que hace que su trayectoria sea tan irregular.
Afortunadamente en esta nueva entrega la exitosa novela juvenil del norteamericano Ramson Riggs y su notable adaptación por parte de la experimentada guionista en este tipo de aventuras de fantasía Jane Goldman, le proporcionan una solida base para seguir manteniendo su peculiar iconografía y sus dotes como director.
Estas juveniles aventuras que beben mucho de los cómics de los x-men entretienen a chicos y mayores y ya han iniciado secuelas dado su éxito literario y ahora cinematográfico. Aunque la crítica siga dividida y la historia provoque sentimientos encontrados, de aquellos que prefieren a un Burton más "adulto". Personalmente he pasado un rato agradable en compañía de estos seres peculiares (con un estupendo reparto) cuyas aventuras no pueden evitar caer en ciertos clichés manidos pero que se contrarrestan con momentos de gran belleza visual. Probablemente será la heredera que esperábamos de Harry Potter. Burton parece que se ha comprometido con la siguiente adaptación del segundo libro. Esperemos que Goldman también.













FLORENCE FOSTER JENKINS

 7
1 h. 50 m.
Reino Unido / 2016
Stephen Frears



Parece que el interés artístico sobre esta soprano estadounidense carente de talento musical  va por partida doble. Dos obras de teatro sobre ella en el 2005 ("Souvenir" y "Glorius"). Está última tuvo su aceptable versión española cinco años después con producción de Yllana y Llum Barreda como la cantante. Y ahora otras dos películas "Madame Marguerite", libre adaptación francesa premiada con 4 Cesar de Xavier Giannoli y esta del Reino Unido firmada por Frears con un buen manojo de nominaciones a diferentes premios y con La Streep esplendorosa como Florence acumulando también nominaciones al Oscar, esta fue su número 20. También hubo otra versión teatral anterior .

El caso es que esta adinerada mujer fruto de su herencia familiar da para mucho y el público recibe su historia casi con el mismo deleite con el que presenciaba sus conciertos, aunque se los tomaran a broma. Es innegable que Florence sentía auténtica pasión por la música pero no es muy creíble que durante 30 años no fuera consciente de su rechazo por parte de la crítica, por mucho que filtrara a su público.

Frears compone una comedia agridulce, amable, apoyándose en las interpretaciones y en una buena dirección artística donde lucen los ambientes y el vestuario, rodando con su solvencia característica pero sin mojarse demasiado en la realidad de los personajes y modificando lo que haga falta para reforzar el aspecto más sentimental de la historia de amor con un Hugh Grant felizmente recuperado para la escena.













EVA AL DESNUDO

 9
2 h. 13 m,
USA / 1950
Joseph L. Mankievicz



La joven Martina Lawrence se pasó algunos meses a la puerta del camerino de la actriz austrohungara Elizabeth Bergner mientras esta interpretaba la obra teatral "The two Mrs. Carroll" de Martin Vale. Al final su tenacidad le consiguió ser la secretaria de la actriz, llegando a realizar una lectura de la obra de forma notable según el marido de la actriz. Esta le contó la historia a la actriz y escritora Mary Orr que la publicó a su vez en forma de cuento corto en la revista Cosmopolitan en 1946 con el título de "La sabiduría de Eva". Cuando más tarde se dramatizó para la radio Manquiewicz vio la base argumental, junto con Zanuck, a la historia sobre una mujer de mediana edad que venía rondando por su cabeza.

"La mejor actuación" título inicial fue cambiado por el propio Zanuck por una linea del propio guión del director "Todo sobre Eva". Muchas actrices fueron propuestas para los personajes femeninos de la cinta, desde los protagonistas  hasta el pequeño que al final interpretó una principiante Marilyn Monroe, que después de su feliz intervención en "La jungla de asfalto", dio un paso significativo más en su carrera brillando ante la cámara en su breve intervención que como casi siempre no fue tan breve para rodarla porque era incapaz de memorizar las lineas de texto, comenzando aquí una de las leyendas que exasperarían a diferentes directores.
Al final el destino enfrentó a Bette Davis, "la reina de la colmena", como la llamó Celeste Holm, con Ann Baxter. Las tres por cierto ya habían ganado el Oscar por trabajos anteriores y volvieron a ser nominadas por este trabajo junto con Thelma Ritter. Todas se lo merecían y ninguna se lo llevó a sus vitrinas.  fueron los hombres los que se los llevaron a las suyas, incluido Mankiewicz como Director y Guionista a excepción de Edith Head que se lo llevó por el vestuario.

Centrada en el teatro y sus gentes supera su bien reflejada atmósfera por una mirada más amplia sobre la ambición humana y la mujer en general, con un discurso algo machista ya que siempre esta basa su éxito profesional o personal en el hombre. Tan bien escrita por Mankiewicz, tan brillantes los diálogos que casi se podría inventar un género a raíz de ella que fuera: cine de texto. La acción está magníficamente estructurada en un sutil creschendo con giros medidos que desembocan en un final lógico y predecible, no por ello menos hermoso.
Las actrices como hemos reseñado están insuperables. George Sanders también en su papel de despiadado crítico teatral. La cinta supuso el rescate para la pantalla de Bette Davis que andaba en horas bajas, a pesar de ello el resto de la década de los  50 tampoco le fue muy bien artísticamente.
Catorce nominaciones y seis estatuillas. Todo un clásico.



















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