EL GALLINERO

PERDIDOS EN LA NIEVE

Puntuación: 7
Duración: 1 h 40 m
País: Noruega / 2012
Dirección: Peter Naess

 Una autentica sorpresa agradable esta coproducción sueco-noruega que prácticamente ha pasado desapercibida a pesar de su reparto internacional en el que se encuentra Rupert Grint eterno amigo de Harry Potter.
Rodada casi como una pieza de cámara en un paisaje bello y desolado de las montañas noruegas donde pilotos alemanes e ingleses a comienzo de la segunda guerra mundial se ven atrapados en una cabaña de cazadores, viendose obligados por las circunstancias a comprender que los nacionalismos y las banderas ocultan con sus fanfarrias a las personas que dan su vida por ellas y que no solo en el fondo sino también en la superficie no son diferentes unos de otros.
La claridad desde un principio de las intenciones de la propuesta y su previsible desarrollo no empaña una visión entretenida con buenas actuaciones, emotiva en momentos, evocadora de clásicos del cine bélico y disfrutable en su conjunto, con una dirección acertada de Naess que sabe integrar a estos hombres en un paisaje sobrecogedor que les recuerda y nos recuerda que es mejor mear juntos contemplando las auroras boreales que matarse por falsos ideales de charlatanes profesionales.

YO, CLAUDIO.
Robert Graves / 1934
Varias editoriales
492 Págs.

 A finales de los 70 disfruté con la serie que la BBC realizó sobre esta obra y su continuación "Claudio el dios y su esposa Mesalina". Con el tiempo pude adquirirla como una joya que revisito de vez en cuando. Sin embargo, en mi biblioteca, casi desapercibido se encontraba el primer libro en una edición que por aquellos tiempos regalaba Caja Madrid al hilo de la popularidad de la serie.
Uno inconscientemente asumió que ya lo había leido y quedo descansando durante más de 30 años en la estanteria. Hace tan solo unos días algo me hizo ojearlo y descubrí que no era así y literalmente lo devoré sin poder dejarlo.
Robert Graves lo escribió según él por encargo alimenticio al igual que su continuación basandose en las obras de los  históriadores  Plutarco, Tácito y Suetonio, al que tradujo previamente. La novela se conviertió en una precursora de la novela histórica y en una de las mejores de la literatura universal por la que principalmente se recuerda a Graves.
Abarca el periodo de los emperadores Augusto, Tiberio y Caligula, contado en primera persona por Claudio futuro emperador sucesor de Caligula. 
Con una prosa envidiable, Graves nos hace vivir esa turbulenta época donde el imperio romano dominaba el mundo y abandonaba la forma política de republica por un senado controlado por emperadores que ejercian el poder absoluto de forma monárquica. Los usos y costumbres sociales y los perfiles de los personajes estan cuidados con detalle, conjugando el rigor histórico con la ficción novelada de forma exquisita.
Graves-Claudio aún tiene espacio para filosofar sobre la existencia, el poder, los sistemas políticos, la religión, y el oficio de historiador. Un autentico placer que me provoca envidia de aquellos que aún no la han leido y que deben complementarla con la maravillosa serie multipremiada de la BBC, protagonizada por Derek Jacobi como Claudio y John Hurt como Calígula

UN MONSTRUO EN PARÍS

Puntuación: 9
Duración: 1 h 22 m
País: Francia / 2011
Dirección: Bibo Bergerón

 Bibo Bergerón es desde hace tiempo una referencia en el cine de animación de calidad, títulos como "La ruta a El Dorado" (2000) o "El espantatiburones" (2004) forman parte de su extenso curriculum como director y animador.
En esta deliciosa cinta bajo bandera francesa y utilizando técnicas de animación paralelas al videojuego construye una historia de reminiscencias clásicas (El fantasma de la Ópera, La Bella y la Bestia e incluso los cuentos de Poe) con un diseño de personajes acertado. Es cierto que una mayor profundidad en el caracter de los mismos hubiera dado una obra mayor, pero aún así la historia fluye con energia sobre el siempre mágico París de principios de siglo XX.
Cuenta además con dos temas músicales muy pegadizos interpretados por Vanessa Paridis.
Las referencias a las que Pixar nos tiene acostumbrados no deberían condicionar nuestro criterio ante otras buenas opciones como es el caso.

 

EL HIPNOTISTA

Puntuación: 3
Duración: 2 h
País: Suecia / 2012
Dirección: Lasse Hallstrom

  

El mejor escribano hecha un borrón. Pues eso. Hallstrom hace un parentesis en su cine USA y vuelve  a su Suecia natal para  adaptar una novela negra de Lars Kepler, seudonimo del matrimonio sueco Ahndoril y cuya saga de novelas policiacas que comenzarón con "El hipnotista" se venden dentro y fuera de Suecia como churros.
Obviamente vender mucho no implica calidad o al menos el guión Paolo Vacirca no la tiene. Apropiado para esas sobremesas de telefilms y sofa, sin visos de coherencia argumental y con un final multisobado y desganado, la cosa dura dos horas, en las que la presencia de Mikael Persbrandt sostiene a duras penas tanto desproposito.
Hallastrom parece que solo le interesa fotografiar su tierra y un Estocolmo gris, frio e inhospito creando una atmosfera notable en donde suceden crimenes inconfesables que podrían atraparnos entre nevada y nevada. No es el caso. Todo es banal y manifiestamente desechable.
Hallstrom ya ha vuelto a los USA. Zapatero a tus zapatos.

VIOLETA SE FUE A LOS CIELOS

Puntuación: 8
Duración: 1 h 49 m
País: Chile / 2011
Dirección: Andrés Wood

Andres Wood se ha atrevido, apoyado por la biografía escrita por Ángel Parra hijo de la cantautora, a plasmar en la pantalla la personalidad tan compleja de esta mujer, artista con mayusculas, que amó y sufrió la vida intensamente y nos dejó constancia de ello en su cancionero cantado desde el corazón propio y las entrañas del pueblo chileno. Su labor como folclorista chilena es impagable.
Wood compone un biopic atipico, con idas y venidas temporales y donde las imágenes poéticas se entremezclan con las documentales y el drama social y personal en el que Francisca Gavilán echa el restó con una actuación para el recuerdo. Además canta las canciones de Violeta con notable acierto.
Estos cambios de tono producen algún que otro bache que no impide que la cinta nos emocione y nos atrape durante todo el metraje. Se echa de menos en su tramo final algunos episodios no contados, que clarifiquen aún mejor el desenlace y como Violeta poco antes de su muerte pudo componer un canto a la vida tan inmortal como "Gracias a la vida", con el que Wood cierra los títulos de crédito.
Sus hijos han continuado su legado, el teatro la recordó en los años 90 y gracias a Wood el cine recoje el recuerdo que se merece y que esperamos no sea el último.

 

LA MEJOR OFERTA

Puntuación: 7
Duración: 2 h 11 m
País: Italia / 2013
Dirección: Giuseppe Tornatore

 
"..., olvidar el provecho, amar el daño, (...), huir el rostro al claro desengaño, creer que un cielo en un infierno cabe...,". Estos famosos versos de Lope de Vega, podrían haber sido perfectamente la inspiración de Tornatore para el trasfondo de esta inmaculada película, escrupulosamente rodada con un elenco de figuras del cine USA y cuyo "McGuffin", un triller inquietante está plagado de trampas y agujeros que el hipnotizado espectador aceptamos como aceptamos que Caperucita no reconozca a un lobo metido en la cama de su abuela vestido con camisón, porque esos momentos increibles, esos engaños incongruentes son la sal de la ficción.
El aroma a cine clásico, a Polansky, a Hitchcock como se ha escrito revolotea bajo la potente banda sonora de un Morriconne que a su 85 aún demuestra que quien tuvo, retuvo.
Rush suple con su talento innato las asperezas de la frialdad conque Tornatore construye la relación atormentada que le sorprende en su milimetrica existencia y la pasión se le escapa en imagenes donde la éstetica de un impresionante diseño de producción engullen a los actores.
Terminaba a la postre Lope diciendo aquello de: "Esto es amor. Quien lo probó lo sabe". Pues eso.

HIJOS DE LA MEDIANOCHE

Puntuación: 4
Duración: 2 h 24 m
País: Canadá / 2012
Dirección: Deepa Mehta

 Es aconsejable tomarse uno o dos cafés bien cargados para no abandonarse en brazos de morfeo ante esta sinópsis hipotensa de la novela que encumbró a Rushdie. Dicen los que entienden que una de la mejores de la literatura británica y universal. La verdad es que servidor no la ha leido y visto lo visto se me han quitado las ganas de acercarme a esta epopeya india trufada de realismo mágico. Gabriel García Márquez se ha negado tajantemente a que "Cien años de soledad" se lleve a la pantalla. Supongo que ahora se reafirmará aún más. La cosa tiene mayor delito cuando el propio Rushdie se ha autoadaptado y por si tuvieramos dudas de lo que nos quiere contar su propia voz en off va dejandonos claro aquello que según él está ocurriendo, subrayandonos las metáforas del asunto. Uno tiene la sensación que está encantado de si mismo y de obra. En cualquier caso si uno quiere enterarse de lo que pasó en la india desde su independencia probablemente se enterará más en cualquier guia turistica de la zona.
Una realización correcta y la fotografía de Giles Nuttgens la libran del cero patatero. Los actores entran y salen de la pantalla de forma tan anodina y fantasmal como los niños de la medianoche. Si ya sé que la cosa va de profunda metáfora filosofica sobre el pueblo indio, pero es que uno es muy simple. Me quedo con "Sombras del tiempo" (Florian Galenberger / 2004). 

GRU 2. MI VILLANO FAVORITO

Puntuación: 9
Duración: 1 h 38 m
País: USA / 2013
Dirección: Pierre Coffin / Chris Renaud

Algunos se siguen empeñando en que segundas partes no tienen por que ser malas. En el caso de la época dorada de la animación que estamos viviendo esto podría aplicarse incluso más allá de cuartas partes.
El tandem franco estadounidense Coffin, Renaud, se han empeñado en ello con esta franquicia que a la vista de esta entrega y la proyectada para este año 2014 augura ser larga y fructifera.
Sigue siendo disfrutable para todos los públicos y su guión esta plagado de personajes nuevos acertados que se combinan a la perfección con los tradicionales de la familia de Gru y los ya clasicos Minions y el Dr. Nefario. La estimulante banda sonora y el ya consabido buen trabajo artisticos hacen que Gru 2 mantenga el interés a pesar de que ya no cuenta con el factor sorpresa de la primera entrega. El tempo esta muy medido y la trama va , como se ha escrito, reinventandose a cada minuto para que no perdamos el interés. A por los Oscars.

 

LOS BECARIOS

Puntuación: 6
Duración: 2 h
País: USA / 2013
Dirección: Shawn Levy

 
Shaw Levyn se maneja con oficio y solvencia en este tipo de comedias en las que ya atesora un amplio curriculum. En la que nos ocupa Vince Vaughn a construido un guión inteligente y muy equilibrado que aguanta el tirón de las dos horas. Obviamente la credibilidad queda fuera de campo y estos dos cuarentones se acercan de manera timida y sin querer hacer demasiada sangre a un problema acuciante como es la brecha generacional que se ha generado con la crisis laboral de turno y los nuevos empleos que reclama el mundo tecnológico.
Podria se un drama interesante pero Vaughn apuesta por la fusión entre los nuevos cerebrines y la esperiencia vital de los mayores en clave de comedia de buenas intenciones cargadas de esperanza en el futuro. Ojalá este cuento de hadas fuera real. 
Por lo demás conocemos lo que quiere Google que conozcamos de sus excelencias y pasamos un rato divertido con las andanzas de estos dos y del entorno que les rodea.
Hay buenos momentos de la mejor comedia entremezclados con chistes de manual sobado, pero en conjunto nos deja un buen sabor de boca mientras que disfrutamos de los originales créditos finales.

EL HOMBRE TRANQUILO

Puntuación: 8
Duración: 2 h 9 m
País: USA / 1952
Dirección: John Ford

 
Ford ya estaba consagrado a sus 58 años cuando se llevó su cuarto Oscar como director por esta comedia, en la que homenajea la tierra de sus padres, una Irlanda idealizada de gentes rudas, simples y nobles, cargadas de tradiciones y prejuicios, bajo la mirada aplastante de la religión y cuyo sistema patriarcal y machista relegaba a la mujer a mero complemento de servicio al varón y los hijos. Todo ello y a la vista del paso de los años se refleja y subraya el valor de la cinta hoy en día. Por supuesto que la intención de Ford no fue hacer critica social sino componer una comedia con pinceladas dramáticas, consiguiendo un entretenimiento que aún resiste el paso del tiempo y para ello la rellena de secundarios simpáticos, estandarizados de cualquier comedia al uso hollywoodiense.
Vuelve a contar con su actor fetiche, un Wayne torpe y envarado que se esfuerza por acomodarse a un vestuario distinto al del cow-boy que le encumbró. Mauren O´Hara le da la replica al bruto como una bella de maneras toscas y aguanta con gracia el vapuleo al que Ford y Wayne la someten, en una actuación donde la naturalidad brilla por su ausencia.
Es Victor McLaguen, nóminado por su papel del hermano de la chica quien hace una composición brillante del simple y bruto terrateniente irlandes que lo resuelve todo a base de pintas y puñetazos.
Pero sobre todo y sobre todos destaca el propio Ford que impone sus paisajes, (Oscar a la mejor fotografía en color) su mirada idilica, sus carreras de caballos y su mirada limpia y contundente en los exteriores.
El hombre tranquilo merece el hueco notable que la historia del cine le ha dado, nos sigue haciendo reir y pensar con el engaño de unas imagenes que endulzan la realidad.

LOS SOLTEROS
Muriel Spark / 1960
Edit. Impedimenta. / 2011
288 Págs.

 

Gozando del placer de rebuscar en la biblioteca algún título "diferente", encuentro esta publicación de la escritora escocesa Muriel Spark (1918-2006), quinta de sus novelas públicadas.
No conocia a la autora que empezó a escribir ya cumplidos los cuarenta y bajo los buenos auspicios de Grahan Green.
Esta novela considerada temprana parece que aún no tiene cuajado el estilo irónico y mordaz del resto de su amplia obra en la que destaca: "Los mejores años de la señorita Brodie", llevada al cine y que le valió un oscar a Maggie Smith.
He de reconocer que no me ha entusiasmado y me ha costado encontrar el tono y la dirección que la autora pretende. Un retablo de personajes variopintos, en su mayoría pateticos cuyo denominador común es la solteria, confluyen entorno a unas sesiones de espiritismos cuyo medium esta en vias de ser llevado a juicio por estafa. Es sorprendente y elogiable la capacidad con que Spark hace que todos los personajes se interrelacionen a través de unos dialogos espléndidos, muy vanguardistas en su estilo, con rupturas temporales, repeticiones y en algunos momentos coqueteando con el absurdo. Entre lineas, la religión, la sociedad del Londres de su época, la necesidad de transcender con el más allá despues de la sangría de las dos guerras mundiales, y la sátira ácida van aflorando con mayor o menor intensidad con un hilo conductor inquietante que hace que no dejemos su léctura.
Reitero que personalmente no me ha resultado muy gratificante, aparte de despertar cierto interés por la obra de Spark más relevante. 


LA BICICLETA VERDE

Puntuación: 8
Duración: 1 h 40 m
País: Arabia Saudí / 2012

 
 Me sorprende que en un país donde la cultura cinematografía no está bien vista y apenas existen cines desde hace más de 30 años, esta película haya podido salir a la luz.
Tiene el merito de ser la primera rodada integramente en el país y de ser dirijida por una mujer. Una vez vista la cinta uno toma conciencia de la importancia de este hecho.
La discriminación global que en pleno siglo XXI tiene la mujer alcanza sus cotas mas bajas en esta parte del mundo donde, una vez más, la religión sirve de escusa para "esclavizar" a uno de los dos géneros del ser humano por el otro. La valiente decisión de esta directora casada con un diplomatico estadounidense con el apoyo de uno de los muchos príncipes sauditas, inicia un camino de imprevisibles consecuencias donde el cine, también una vez más, toca nuestras conciencias con la luz de su linterna mágica.
Wadja, título original, es una niña de clase media en la misma capital. Sobre ella se cierne toda la opresión de su sociedad a la que ella reacciona con la voluntad, el desparpajo y el convencimiento inherente, no aprendido, de que la vida no entiende de distinciones de géneros y su toma de conciencia sirve para recordarnos que la hipocresia no es solo en su país, sino que anida en todos nosotros que hacemos la vista gorda en función de la cantidad de petrodolares que tengan quienes interpretan el Corán como les viene en gana.
Waad Mohammed, la niña de 12 años protagonista, tiene la rebeldía, como sus compañeras de reparto y el carisma necesario para encarnar a Wadja. Como ella tuvo que arriesgar presentandose a un casting. Ha merecido la pena. La bicicleta verde lleva camino de convertirse en un símbolo de libertad. Alcánzala si puedes.

ANTES DEL ANOCHECER

Puntuación: 10
Duración: 1 h 48 m
País: USA / 2013
Dirección: Richard Linklater

 
 Impagable el trabajo de Delpy y Hawke con estos dos personajes que conocen muy bien pues "llevan toda una vida juntos" desde que Linklater comenzó la trilogía en 1995.
El guión es también un prodigio a tres manos en el que director y actores encajan todas las piezas y las hacen suyas sin que se note ni una sola de las uniones. La comedia y el drama se equilibran en un ejercicio de funambulismo vital donde las divagaciones existenciales revolotean en el cielo griego donde comenzaron muchas preguntas. 
Y el amor, ese autentico, lleno de imperfecciones, de miedos, de egoismos lucha con las uñas de la imaginación y los dientes del humor para salir airoso como unica tabla de salvación en esta soledad que nos ha tocado vivir. 
Los personajes se vacian y los actores dejan salir su propia experiencia vital en cada una de sus frases. Saben que nos tienen enganchados por donde duele y comparten con nosotros el pan y la sal de la vida. Un placer.

AFTER EARTH

Puntuación: 4
Duración: 1 h 40 m
País: USA / 2013
Dirección: M. Night Shyamalan

 A pesar de la simpleza del guión en el que se estrena el director, basado en una historia del propio Will Smith que también produce, más propia de un comic pulp de ciencia ficción de 6 páginas de los 40 se podría, con los medios a su disposición, haber conseguido un entretenimiento más coherente. Los fallos de Shyamalan como director son sangrantes, sobre todo en la última media hora donde parece que ya todo le da igual y mezcla churras con merinas, en una planificación y montaje sonrojante, carente de toda credibilidad tanto argumental como estética. A eso hay que añadirle la falta de empatia del espectador con el protagonista, un Jadem Smith al que le viene bien el grado de cadete en esto de la interpretación y de momento y a la vista de este trabajo no le vamos a ascender a Ranger. Papa Smith compone un Spock al que se le acaban las pilas muy pronto. La subtrama familiar esta contada con reiteración y desgana y el final es tan falso y pretencioso como no se recuerda en el Hollywood más sensiblero y chauvinista.
Es cierto que peores películas se han visto y se verán y que la producción artística mantiene el tono durante buena parte del metraje pero ni siquiera el subyacente mensaje ecológico y la música eficiente de Howard consiguen que el Indio Shymalan deje de hacer el idem. Con perdon.

LAURENCE ANYWAYS

Puntuación: 9
Duración: 2 h 48 m
País: Canadá / 2012
Dirección: Xavier Dolan-Tadros

 Descubro con fascinación a este "enfant terrible" canadiense, multipremiado, con cinco películas hasta la fecha a sus 24 añitos y con un poderio visual y una gama de recursos fílmicos brutales. Para más inri su especialidad son las historias de amor. Parece increible como puede abordar temas tan complejos como este de su tercer film desde su "limitada" experiencia juvenil.
Se critica su grandilocuencia y querer abarcar más de lo que da de si el argumento. Más bien lo veo como un acto de valentia y confianza en si mismo, que si bien adolece de imperfecciones como algunos tiempos muertos, repeticiones innecesarias y mayor capacidad de sintesis, derrocha sensibilidad y capacidad para buscar y rebuscar posibilidades que ofrece el cine para transmitir una historia y sus sensaciones. Los encuadres, la música, el vestuario, la paleta de colores, las escenas no realistas para escenificar los sentimientos y situaciones y la interpretación de los actores en la que se luce Suzanne Closet son un goze para el alma y los sentidos, sin olvidarnos del planteamiento social que subyace en toda la trama.
Pero por encima de todo esta esa historia de amor melodramatica, pasional y desgarradora, esa confrontación de individualidades que no entiende de convenciones sociales y que es común a cualquier pareja.
Junto con "Blue Valentine" (Derek Cianfrance / 2010) uno de los mejores dramas amorosos vistos este año.
Para terminar a uno se le ocurre que este es el cine que marca la diferencia entre propuestas de directores que como nuestro Almodavar quisieran y nunca conseguiran. 

HANNA ARENDT

Puntuación: 8
Duración: 1 h 53 m
País: Alemania / 2012
Dirección: Margarette Von Trotta

Von Trotta ya nos tiene acostumbrados en su dilatada carrera a poner de relieve la biografia de mujeres que de una u otra manera tuvieron relevancia en la época en que vivieron.
Rosa Luxemburgo en el 86 o la monja medieval Hildegard en su anterior trabajo en el 2009, ambas protagonizadas por Barbara Sukowa. En este tercer Biopic saca a la luz a a la filósofa alemana de origen judio, discipula de Heidegger entre otros y cuyas obras sobre el totalitarismo y la banalidad del mal han puesto sobre la mesa del pensamiento humano tema para discutir y reflexionar.
Basicamente se centra en el momento histórico en que Arendt concibe su obra sobre el mal a raiz del juicio al nazi Eichmann, encargado de la infraestructura de transportes de los judios destinados a los campos de exterminio, y sus repercusiones sociales por salirse del contexto generalizado de castigo al monstruo y ensalzamiento de la nación judia, atreviendose a mirar el fondo del problema desde otra óptica y sobre todo insinuar que las labores de las juntas judias durante el exterminio de su pueblo pudieron ser manifiestamente mejorables, cuando no oscuras.

Parafraseando a Jordi Pujol, no tocaba en ese momento y menos de la pluma de una sionista de amplio curriculum al respecto. Arendt se salió del camino trazado y abrió una puerta más al pensamiento como deben hacer los filósofos que se precien. Que esté más o menos acertada en sus disquisiciones es un debate que excede de mis conocimientos, dado que no he leido su obra y en la película apenas se esbozan sus presupuesto.
De cualquier forma la cinta se sigue con interes a pesar de ser un tema poco frecuente en el cine comercial, con una puesta en escena solvente, una dirección elegante y un reparto convincente donde sobresale Sukowa. 
Las pinceladas sobre su carácter, su relación de juventud con Heidegger y la posterior con su segundo marido, asi como los dialogos con sus amigos completan de manera desigual el retrato de esta mujer que fue capaz de dejar su huella entre tanta barbarie.

DESPUES DE MAYO

Puntuación: 8
Duración: 2 h 2 m
País: Francia / 2012
Dirección: Olivier Assayas

Algo en el aire, título original. Dylan lo predijo en el 63: "Blowin´ in the wind" . La respuesta está flotando en el viento. Y ese viento llegó en el 68 al alma y los corazones de una nueva generación. Hijos de ilustrados, en su mayoría acomodados que querían y creian que el mundo, que la vida podía se diferente. Y vino la vida y se los comió.
Es cierto que en el movimiento pendular de la historia, las mentes se abrieron y se dió un paso adelante, para que muchas cosas cambiaran y todo pudiera seguir igual.
Visto con la perspectiva de más de cuatro decadas después uno se emociona por la añoranza de los impetus de la juventud y constata como canta Sabina aquello de: "lo que pudo ser y la mierda que ha sido".
Assayas demostró con "Carlos" (2010) que nos puede hacer viajar en el tiempo de una forma increible, aquí vuelve a repetirlo y los pscodélicos, mágicos, musicales, antiesteticos y revolucionarios 70 cobran vida en la pantalla. Independientemente de que las nuevas generaciones han cambiado y pertenecen "a otro mundo", en la cinta, de tintes autobiográficos, permanece la esencia  de cualquier joven de cualquier tiempo. Contada de forma poética y sin posicionamientos maniqueistas, es casi más un documento indispensable de que alguna vez las Respuestas, con mayúsculas estuvieron flotando en el viento.  

MONSTERS UNIVERSITY

Puntuación: 10
Duración: 1 h 42 m
País: USA / 2013
Dirección: Dan Scanion

Pixar es humana. Lo demostró con "Cars 2". A veces flaquea. Pero le pasa como a Woody Allen, la peor de sus películas es una buena película. Con este precuela de Monsters encargada a Dan Scanión a los mandos como director más joven de la casa, vuelve a demostrar que sigue en forma. Muy en forma. Esta parodia del mundo universitario llena de clichés al uso es una maravilla, no solo técnica, a lo que ya estamos acostumbrados sino como planificación, ritmo, caracterización de personajes, gags, doblaje original y como colofón una banda sonora que te pone las pilas. ¿Se puede pedir más.?. Tratandose de Pixar es posible. Pero que el argumento no sea sorprendente y que los personajes ya los conozcamos no resta ningún merito a esta cinta de manual de como se deben hacer las cosas. Enhorabuena y suerte con los Oscars chicos.

UN INVIERNO EN LA PLAYA

Puntuación: 8
Duración: 1 h 36 m
País: USA / 2013
Dirección: Josh Boone

 Es inevitable comenzar diciendo que el título en español es horroroso y no tiene nada que ver con la propuesta.
"Atascado en el amor" es el original, que por lo menos si que hace alusión a la trama. Por lo demás probablemente sea la sorpresa más agradable del cine USA del 2013. Obviamente y dado que es opera prima, no es candidata a pasearse por alfombras rojas, pero sin duda lo merece. Tanto más sus actores que dan todo un recital despertando envidias del potencial que poseen los USA con tan buenos actores de todas las edades.
Me alegro por mi adorada Jennifer Conelly cuyo talento interpretativo, aqui destacada dentro de un entorno de por si ya elevado, no ha sido recompensado con personajes a su altura.
Y todo ello con una dirección pasmosa de puro sencilla, con un guión lleno de dialogos inteligentes, sobre el amor, la familia, los hijos, la soledad,..., en fin que a Boone no hay que perderle la pista.
Cuando termina, uno se queda con una sensación de buen rollo increible. No se la pierdan. 

 


TRANCE

Puntuación: 8
Duración: 1 h 41 m
País: Reino Unido / 2013
Dirección: Danny Boyle

 Supongo que Boyle se habrá quedado a gusto al poder desplegar todo el potencial que atesora como director con este thriller psicológico que le sirve de escusa para abrir las compuertas y soltar un torrente visual impactante y dejarnos en trance acompañados de una banda sonora de igual fuerza. Despues de su último trabajo "127 horas" (2010) de tono más convencional, aqui la pantalla se llena de un laberinto de imagenes sugerentes (esos nudos de autopistas en rojo) que nos llevan por los recovecos de la mente humana y sus misterios. Todo ello enmarcado en el envoltorio del género de robos de altos vuelos.
Es cierto que el guión tiene sus altibajos y que puede marear de tanta vuelta y revuelta, con un final al que llegamos tan hipnotizados como el protagonista. Y Boyle ni siquiera a usado el consabido péndulo.

 

SOMOS GENTE HONRADA

Puntuación: 7
Duración: 1 h 25 m
País: España / 2013
Dirección: Alejandro Marzoa

Parece increíble que con la que está cayendo sigan surgiendo nuevos directores y gentes dispuestas a producir sus películas.
Felicitaciones a Buenafuente y Corbacho por reinvertir en cine, buen cine y apoyar a nuevos talentos como Alejandro Marzoa.
Comedia dramática de costumbres con un reparto fabuloso que elevan un guión recurrente en tiempos de crisis ("Un millón en la basura" / José Maria Forqué / 1967). Mención destacada para Marisol Membrillo que se ve relegada en el cartel por el atractivo comercial de Manuela Vallés en un personaje anecdótico. 
Contenida en sus extremos funciona como reflejo de una sociedad y unos tiempos donde la frustración y la desesperación difumina los auténticos valores, tentándonos a traspasar la linea roja de cada cual. Estupenda la escena donde padre e hijo se encuentran en la discoteca. Es cierto que el amor y la amistad no dan crédito en el supermercado y el guión no se atreve con un toro tan peligroso, sugiriendo alternativas (el blog de cocina) tibias, cuando no utópicas. En cualquier caso hay mucho y buen trabajo como para justificar la entrada.

INSENSIBLES

Puntuación: 7
Duración: 1 h 41 m
País: España / 2012
Dirección: Juan Carlos Medina

Notable debut de otro director patrio al que, a tenor de lo visto y si consigue sacar adelante más proyectos habrá que tener en cuenta.
Lo más destacado de este trabajo es su capacidad narrativa y la creación de atmósferas, bien secundado por Alejandro Martinez en la fotografía. Su defecto es un guión del propio director junto con Luiso Berdejo, que quiere abarcar mucho y aprieta poco. Las subtramas que abordan diferente géneros se ven siempre cercenadas en sacrificio a un desenlace que no está a la altura de lo que podrían dar de si cada una de ellas. 
Sobran algunos minutos como el accidente de coche y sus derivadas que nada aportan y los actores se ven relegados a un segundo plano del ojo de la cámara que narra la historia.
Producción impecable donde cada espectador gozará con algunos tramos y se decepcionará con otros. Sobre gustos...

TURISTAS

Puntuación: 6
Duración: 1 h 29 m
País: Reino Unido / 2012
Dirección: Ben Wheatley

Después de visionar "Populaire", comedia retro francesa, estos "Turistas" podrían constituirse en su antítesis formal y aunque tienen en común cierta sátira y banalización de sus respectivas sociedades, sus diferencias marcan la evolución del "gusto" en cuanto a lo que se espera de una comedia romántica.
Porque por mucho que la adornen con excesos de violencia no se trata en el fondo más que de eso, una comedia romántica donde los protagonistas se quieren y se pelean hasta el final. Final que por otro lado también refleja la evolución de los tiempos en cuanto a las relaciones de pareja.
La sátira se impone en un bello recorrido turistico, los protagonistas-guionistas se divierten con su actuación y uno acaba con la sensación de que la cosa se queda en la superficie facilona de un planteamiento inicial interesante. Este estilo contracultural, más elaborado en cintas como "Louise-Michel" (Benoit Delépine / 2008), sorprenderá a muchos y escandalizará a otros tantos. Tampoco es eso.

POPULAIRE

Puntuación: 6
Duración: 1 h 41 m
País: Francia / 2012
Dirección: Regis Ronsard

A Roman Duris, que nos deleitó en "Los seductores" (Pascual Chaumeil / 2010), no le sienta nada bien el look de finales de los 50 y su corte de pelo nos evoca a los cráneos de los alienigenas de "Marts Attack" (Tim Burton / 1996), handicap importante cuando de lo que se trata es de una comedia romántica que mimetiza aquellas irrepetibles con galanes como Grant, Hudson, Stewart o Peppar. No es el caso de Déborah François que da el tipo sin problemas.
Sorprende el esfuerzo de producción en manos de un debutante como Ronsard, que sale airoso, no en la taquilla, apelando a la nostalgia, el impecable trabajo artístico y el siempre agradecido tema de la lucha por ganar una competición. Previsible de principio a fin consigue nuestra complicidad con el cuento.
El machismo y el estatus social de la mujer en la "Francia del amor", nos recuerda aquello de que "las chicas ya no quieren ser princesas".
Las máquinas de escribir al menos se merecían su homenaje cinematográfico.

INCH´ALLAH

Puntuación: 7
Duración: 1 h 41 m
País: Canadá / 2012
Dirección: Anais Barbeau-Lavalette

La violencia solo engendra violencia. Anatema inamovible por mucho que la razón nos indique otros caminos, el corazón clama venganza espoleado por el dolor y la miseria. Siempre existen dos bandos: el fuerte y el débil, el ganador y el perdedor. Bandos que podrían con seguridad intercambiar sus piezas con el mismo resultado.
El sufrimiento del pueblo Palestino es el que Barbeau-Lavalette, activista por la paz reconocida, nos acerca en este su segundo trabajo a través de la mirada equidistante de una occidental que pone su granito de arena como medico en un campo de refugiados y a la que le estalla la teoría, le astilla el corazón y como a cualquiera que haga estallar una bomba, le falla la razón. 

15 AÑOS Y UN DÍA

Puntuación: 7
Duración: 1 h 36 m
País: España / 2013
Dirección: Gracia Querejeta

Gracia Querejeta sigue fiel a su estilo práctico y a su mundo de relaciones intimas donde la familia juega un papel predominante. Boyero lo ha definido muy bien en su crítica de El País. Si uno es seguidor de esta realizadora, en general no se sentirá defraudado por su última propuesta en la que la directora abre la mano en su guión dejándole un hueco al hijo de Mercero, Antonio que a mi juicio rebaja el universo a veces agobiante de los personajes "quejeretianos" y nos traslada a un entono que huele al "Verano azul" de su padre.
Las diferencias actorales entre los jóvenes y los veteranos, por mucho que se esfuercen los primeros se nota. resintiéndose la credibilidad de la historia principal. Afortunadamente los flecos que la bordean esconden mundos y personajes para otra media docena de películas (gran trabajo de  Belén Lopez ).
Poco tiene que demostrar las tablas cinematográficas que atesora La Verdú, aunque no comparto la adoración que le profesa Boyero, por muy bien que lleve la cuarentena.

TODO IRÁ BIEN

Puntuación: 6
Duración: 1 h 30 m
País: Dinamarca / 2010
Dirección: Christoffer Boe

Bonito cartel evocador de "Vertigo". Thriller psicológico que nos llega del norte con tres añitos de retraso. Uno tiene la sensación después de visionar la cinta que el esquema del guión ya lo ha visto otras veces y que es algo previsible. Aquí la diferencia es que Boe, hasta el dicho desenlace construye un agobiante artificio donde se homenajea al cine de género y se juega con un metalenguaje cinéfilo (fantástico el anacrónico coche del protagonista).
Aprovecha también el director para poner una pica en la labor "humanitaria" de alguna unidades de ejercito internacional, de países tan civilizados como el suyo, en la linea abierta ya hace unos años con obras como "Millenium" que desmitifican el paraíso social nórdico.
Una fotografía sucia, deformante y una banda sonora agobiante empujan en la dirección correcta. El final es otra cosa.

HIJO DE CAÍN

Puntuación: 5
Duración: 1 h 30 m
País: España / 2013
Dirección: Jesús Monllaó

No dudo de las buenas intenciones del debutante Monllaó con este relato que le fascinó cuando leyó la novela de García Valiño, que no he leído, pero al final la cosa le ha quedado en un quiero y no puedo. El guión deja muchos cabos sueltos y exige del espectador un acto de fé en la credibilidad de la trama. Enumerar los agujeros por donde hace aguas implicaría desvelar la historia y no es el caso dado que el film vive y respira de la resolución del enigma.
Queda muy bien en las entrevistas las metáforas con el mundo del ajedrez pero su plasmación en la pantalla no tiene la fuerza que debería. Por otro lado la subtrama del melodrama familiar tampoco ayuda al conjunto, cargado de una patina anodina, antigua, en la que  colaboran la fotografía, la banda sonora y una dirección lineal. El doblaje también pone su granito de arena negativo sobre todo en los personajes jóvenes. 
Algunas de las escenas, la discusión de Coronado en el coche y el suceso del pez dan algo de brío hasta el forzado y poco creíble desenlace.

EL GRAN GOLPE (The Thieves)

Puntuación: 6
Duración: 2 h 15 m
País: Corea del Sur / 2012
Dirección: Choi Dong-hun

Ya demostró Dong-hun con su anterior film "Woochi, cazador de demonios" (2008) que es capaz de entretenernos a pesar de la excesiva extensión de sus metrajes.
La originalidad de su anterior propuesta da paso a una vuelta de tuerca coreana al siempre sugerente género de robos imposibles. La cinta puede dividirse en tres bloques. El primero en el que lógicamente asistimos a la presentación de los personajes (demasiados), conlleva un "golpe", ágil y entretenido. La segunda y de mayor duración, resulta embarullada y en ciertos momentos tediosa y en general poco creíble. En ella se produce el supuesto robo magistral y los personajes descubren sus autenticas relaciones y motivaciones. Cuando uno ya ha cambiado varias veces de postura en la butaca, el tramo final vuelve a engancharnos con acción espectacular y el deseado desenlace.
Trabajo a la postre eficaz comercialmente lleno de clichés que triunfó en Corea y que por aquí nos hará consumir palomitas (dos boles seguro).

360: JUEGO DE DESTINOS

Puntuación: 8
Duración: 1 h 52 m
País: Reino Unido / 2011
Dirección: Fernando Meirelles

Tres años después del "pinchazo" de "A ciegas",  adaptación de la novela de Saramago, Meirelles regresa con otra adaptación literaria, en este caso "La ronda" que escribió el autor vienes Arthur Schnitzler en 1897 y que ha tenido continuidad y éxito en sus diferente adaptaciones para teatro y cine. Max Ophüls realizó su particular y premiada versión en 1950, antes en el 33 también había adaptado otra obra de Schnitzler, "Liebelei".
Obviamente la transgresiones sexuales e infidelidades que narra el texto original son más llamativas en el contexto de la Viena de principios de siglo XX o incluso a comienzos de los 50 cuando Olphüs estrena su versión.
La transposición al siglo XXI que realiza Peter Morgan para la cinta que nos ocupa es más bien un juego de espejos, un laberinto a vista de pájaro sobre aquello que permanece inalterable: el deseo, la pulsión sexual que nos empareja con machos y hembras en busca de una felicidad utópica que nos salve de la inevitable soledad. Y en esa búsqueda sin fecha de caducidad surgen diferentes motivaciones, bifurcaciones que la modifican y nos modifican para bien o para mal. La intuición o el destino nos empujan a tomar esos caminos por encima de las convenciones sociales o religiosas. 
Mireille se pone al servicio de esa idea de forma pausada, que no lenta, y elegante con un reparto coral donde se mezclan con acierto nombres ilustres con otros que van en camino. Es cierto que su mirada no toma partido ni profundiza en lo que ve, eso queda para la reflexión de cada espectador. 
La critica se ha cebado con ella, tachándola de superficial y poco emotiva. Con todo respeto, no estoy de acuerdo. Bajo la sencillez narrativa y la cotidianidad de los personajes hay y mucha, vida.
Argumentos tan peregrino como que al frente del cartel se ponen los nombres conocidos y que luego solo disponen de tantos o cuantos minutos, no hacen justicia a la calidad de esos "minutos", todos están esplendidos, y menosprecian el buen trabajo de aquellos que aún no han alcanzado la fama.
Esta ronda compone un círculo bien trazado. Entiendo que otros prefieran un cuadrado.  

DEAD MAN DOWN

Puntuación: 6
Duración: 1 h 50 m
País: USA / 2013
Dirección: Niels Arden Oplev

Da la sensación como si Oplev en su debut en los USA, hubiera querido contentar a todo el mundo y forzado  un guión a priori sugerente para encajarlo en un thriller convencional.
Le sobran actores de renombre para unos secundarios mal tratados y se le van las dos hora en una trama a veces rocambolesca, donde la acción y el drama bailan en un equilibrio inestable.
Collin y Rapace cumplen con lo suyo con eficacia y el director deja traslucir que sabe llevar el timón y dejar el barco en el puerto a pesar de la tormenta y los amagos de zozobra.
Mejor en general que muchos productos similares se deja ver aunque la crítica y la taquilla hayan sido muy severas con ella.

EN OTRO PAÍS

Puntuación: 8
Duración: 1 h 29 m
País: Corea del Sur / 2012
Dirección: Hong Sang-soo

 Descubro a este cineasta surcoreano de dilatada carrera con esta muestra de su trabajo, donde el bajo presupuesto se suple con una original forma de abordar la cotidianidad de nuestras vidas.
En este caso un guión notable que esconde mucho más de lo que aparenta bajo la fragilidad de una comedia liviana. Las variaciones sobre el mismos tema forman una metáfora de las encrucijadas de la vida, de lo que anhelamos  y de lo que nos encontramos, de un faro siempre presente en los relatos, que nos guía con una luz siempre igual y siempre diferente hacia el naufragio o un puerto seguro.
Por otro lado destaca, como se ha escrito, el poder de la ficción, el cine en este caso para modelar la realidad, para jugar con un prisma multicolor a iluminar la vida.
Huppert está esplendida en sus diferentes matices y el resto del reparto compone un cuadro móvil divertido y acertado.
Trabajo interesante que desconcertará a muchos por su liviandad, como un aroma que dura apenas unos segundos y desaparece con igual rapidez. Como la vida.

UN AMIGO PARA FRANK

Puntuación: 7
Duración: 1 h 30 m
País: USA / 2012
Dirección: Jake Schreier

 Excelente debut de Shreier con un habil guión de su amigo Christopher D. Ford. Ha sabido gastarse poco y conseguir mucho con la vieja formula de "poquitas cosas pero bien colocadas". El trio de secundarios consolida en su escasos minutos el entorno creible necesario para que Langella de un recital y se luzca con un personaje lleno de registros.
La subtrama del robo es flojita pero consigue endulzar el drama que subyace ante la llegada de la vejez, la identidad de cada uno de nosotros por encima de nuestra familia y la batalla ante los problemas físicos que en mayor o menor medida acaban por derribarnos.
En paralelo una interesante reflexión sobre la robótica que ya tenemos encima y como puede ayudarnos, no solo en labores de intendencia sino psicológicos. Tema apasionante que aportará debates encontrados, seguro.
Aquí el simpatico robot consigue que nos emocionemos en más de una ocasión cuando, como Frank proyectamos nuestras ilusiones en él. Ya veremos lo que nos toca.     

 

ELVIRA QUINTILLA (1928-2013)

 Pasó por este"gran teatro del mundo" artístico, con una discreción plagada de éxitos. Parece como si la sombra del "monstruo" Rodero, con el que se casó con 19 añitos la eclipsase permanentemente. Algo sí, pero Elvira, hizo cine, poco pero excogido, teatro y televisión y siempre con humildad y eficacia. Aportaba su dulce aspecto, su fino toque de humanidad y humor y era muy reconocible. Curiosamente no se habla de su buena labor como dobladora cuya voz siempre identificaba.
Hace poco nos dejó Lolita Sevilla, Elvira también tuvo su éxito como cantante en el Festival de Benidorm del 60, y también como Lolita formó parte del elenco de "Bienvenido Mr. Marshall" (G. Berlanga / 1952).
Se nos ha ido a los 85 con su discreción habitual. Su mutis final bien merece nuestro aplauso.

THE TRIP

Puntuación:7
Duración: 1 h 47 m
País: Reino Unido / 2010
Dirección: Michael Winterbottom

 
 Con retraso nos llega este trabajo de Winterbottom en el que vuelve a reunir al duo de cómicos protagonistas de su "Tristam Shandy" (2005). El director ya nos tiene acostumbrados a su versatilidad y sus cambios de timón en una obra en general atractiva. Aquí inicia una serie de viajes artísticos-culinarios por el norte de inglaterra, creados inicialmente en episodios para la tv que acaban por convertirse en un largo. Ya tiene secuela, en este caso en Italia y con los mismos protagonistas.
La química o supuesta falta de ella entre Coogan y Brydon, interpretandose a si mismos, funciona perfectamente y nos sentimos agusto acompañandolos mientras que comen, cantan, disertan y sobre todo imitan memorablemente. Sus personajes radiofónicos y televisivos, desconocidos por España, salen a la luz y entre col y col nos dan dos versiones diferentes de sus profesiones, su estilo vital, sus prioridadades y su frustraciones.
Todo ello en dosis tan mesuradas, que como en un buen plato de comida de alta cocina vanguardista nos quedemos con hambre y con ganas de más. Trabajo que alcanza sus máximos objetivos en versión original. De lo contrario perderemos "dos octavas".

EL GRAN GATSBY

Puntuación: 6
Duración: 2 h 23 m
País: Australia / 2013
Dirección: Baz Luhrmann

Allá por el 74 cuando se estrenó la versión de Jack Clayton, uno no estaba para melodramas de las clases altas norteamericanas y aunque nombres como Kafka, Hesse o Camus, ya habian pasado por mi mente, Scott Fitzgerald me era desconcido. Tampoco vi la versión del 49 de Elliot Nugent.
Así pues acudo casi virgen a esta superproducción Australiana con sentimientos encontrados. Por un lado la linea de dirección que tan buenos resultados le dio Luhrmann en "Mouline Rouge", aqui no funciona para transmitirnos las megafiestorras que se montaban los nuevos y no tan nuevos ricos que habian superado y enriquecido con la primera guerra mundial, dilapidando una vez más sus ganancias para perderlas de nuevo en la crisis del 29 y volverlas a recuperar a costa de la pobreza de los de siempre y el sacrificio de los mismos en otra guerra mundial que volvió a llenar las arcas y asi...., for ever and ever.
Bueno el caso es que la sobreabundancia de efectos digitales y la camara loca de Luhrmann construyen un artificio donde los protagonista se ven arrastrados a la deriva durante más de una hora.
Una vez que Luhrmann se queda a gusto, retoma el texto de Fitgerald y la cosa empieza a enderezarse dando lugar a que la reputación de los actores pueda hacer su trabajo. Cuesta volver a engancharse.
La tragedia amorosa no acaba de ser muy creible entre tanto oropel, pero la dialectica entre los dos machos alphas en los que el sueño americano vende su producto y las diferencias clasistas entre el rico de tradición familiar, hipocrita y tan corrupto como el que más y el advenedizo del medio oeste, pobretón, hecho a si mismo y al que la fortuna le ha sonreido sin importarle la ilegalidad, nos ofrece el mejor Fitgerald. Los dos antagonistas a la postre encajan y conforman la nueva Roma que hasta la fecha viene dirigiendo el mundo en el que el amor y los ideales acaban rindiendose al mejor postor o sucumbiendo por chivos expiatorios.
Probablemente estamos ante la mejor versión de una novela a la que todavia no le han sacado ni el cincuenta por ciento de su jugo.

STOKER

Puntuación: 8
Duración: 1 h 38 m
País: USA / 2013
Dirección: Park Chan-wook

Buen debut en las "américas" de este cineasta surcoreano cuya carrera me es desconocida y cuyo punto de inflexión occidental fue su cinta "Oldboy" de 2003 premiada en Cannes.
Stoker es un trabajo muy personal en el que Chan -wook parece gustarse a si mismo y se recrea en una propuesta estética llena de hallazgos y creatividad. Todo ello sobre la base de una atmósfera de tintes góticos con trama y personajes hitckonianos.
Wook, es capaz de crear e imitar al mismo tiempo homenajeando al maestro del suspense en el que se apoya para crear situaciones que hubiera firmado el mismo Hitchcock.
El propio guionista Wenthworth Miller, el prota de "Prision Break", reconoce que la trama parte de "La sombra de una duda", dirigida por el maestro del suspense en el 43.
Wasikowska sigue sumando puntos positivos en su carrera, Mathew Goode encaja como un guante en un físico que nos retrotrae a Anthony Perkins o Farley Granger y la Kidman se esfuerza por ser la que fue.
Fotografía, banda sonora y acertados secundarios completan con éxito un interesante trabajo donde la trama es el McGuffin de Wook para dejar su sello. 

REBELDE

Puntuación: 10
Duración: 1 h 30 m
País: Canadá / 2012
Dirección: Kim Nguyen

Este director multicultural nacido en Canadá, da una autentica patada en la puerta de nuestras conciencias de mundo "civilizado", para que entre a raudales y nos inunde todo un mundo que parece de otro planeta pero que está en este. Mundo que viene sembrado de todos los desperdicios que hemos arrojado a ese continente al que utilizamos como basurero y soporte de nuestro "estado de bienestar".
La deuda que tenemos con África no la pagaremos en la vida y aún nos permitimos el cerrar con cuchillas nuestros corrales patrios mientras disfrutamos del ultimo "teléfono inteligente" cuyos componentes están manchados de sangre.
Pero no solo de esto nos habla Nguyen. Al mismo tiempo nos invita a darnos un paseo por sus miedos, sus ilusiones, su forma de vida, su espiritualidad, su día a día en su escasa esperanza de vida, su música, sus amores y sus odios como seres humanos que son. Brutal , poética y con un trabajo técnico y actoral impecable que sobrecoje por su veracidad.
Cine con mayúsculas donde el arte y la denuncia social no son excluyentes.
Diferentes premios y nominaciones han recompensado a estas "memorias de África", donde sus protagonistas no necesitan brindar a la luz de las estrellas con champan mientras escuchan música en un elegante gramófono, para amarse como cualquier humano de cualquier color.

OBJETIVO LA CASA BLANCA

Puntuación: 3
Duración: 1 h 45 m
País: USA / 2013
Dirección: Antoine Fuqua

"El  Olympo ha caído", título original. Evidentemente quien ha caído es Foqua, en una película que quedará en la parte más inferior de su currículum. Lo bueno de tocar fondo es que solo queda mejorar.
Este lamentable y anacrónico despropósito de geyperboys jugando al paintball en el decorado de la Casa Blanca puede ser util para:
1.- La Asociación Nacional del Rifle y sus adeptos.
2.. La cuenta corriente de Freeman.
3.- Patriotas de la acción sin guión.
4.- Los que van al cine a otra cosa ajenos a la película.

Algunos han pensado que toda "La Jungla" es orégano y que Butler es el cabronazo de Willis. Craso error. Lo increible es sus beneficios en taquilla.

En fin , 70 minutos han sido más que suficientes. Imagino que al final todo explota y ganan los "buenos".

LA MULA

Puntuación: 8
Duración: 1 h 40 m
País: España / 2013
Dirección: Michael Radford

 La mano de Juan Eslava Galán en la adaptación de esta historia real en la que homenajea a su padre, se nota y mucho.
Una fabula sencilla donde se aprende mucho más de nuestra guerra incivil y de la condición humana que en muchos ensayos eruditos, plagados de "acotecimientos gloriosos" y horrendos.
Obra de personajes no funcionaria sino fuera por la mágnifica composición de Mario Casas, capaz de transparentarse sin dobleces en un personaje como decia Machado: "en el buen sentido de la palabra bueno". El resto de personajes componene un fresco de trazos básicos que ejemplifican un bestiario de seres humanos variopinto donde se apretujan ilusiones y miserias propias de nuestra especie. A la postre sobrevivir a un conflicto que a la mayoría ni les va ni les viene y donde ni  los vencedores y por supuesto los vencidos  ganarian la libertad.
Casas y su pareja Maria Valverde estan ganandose a pulso un puesto en la nueva generación de actores jovenes españoles que reclaman proyectos ambiciosos para los cuales estan preparados y si saben elegir, su proyección internacional en un cine cada vez más cooperativo, les dará y nos dará muchas alegrias.
Lamentar el desacuerdo entre el director y la productora que le hizo abandonar el rodaje una semana antes de finalizar y "los palos en la rueda" que el ministerio de cultura del gobierno actual puso demorando su estreno.
Prueba evidente de que para algunos la historia solo la escriben los vencedores.

EL IMPOSTOR

Puntuación: 7
Duración: 1 h 39 m
País: Reino Unido / 2012
Dirección: Bart Layton

En los últimos años el genero del documental se está ganando a pulso un hueco en las salas llegando a competir, sobre todo en calidad, con el cine de ficción. Tanto más cuando los directores de documentales hacen uso de los recursos de la ficción para dinamizar y hacer más atrayentes al gran público sus trabajos.
Bart Layton compone un trhriller de aires televisivos con esta increible historia real, contada en primera persona de forma excelente por el actor Adam O´Briam que se mete en la piel del autentico impostor Frederic Boudim.
La historia se sigue con asombro aunque desde el principio sepamos el engaño. Al final nos sorprende con una variante inquietante que a la postre queda en el aire al igual que nos quedamos con las ganas de saber de donde viene y que le ha llevado a Boudim a convertirse en un maestro de las falsas identidades. 
La cosa funciona pero lamentamos que el guión del propio director se conforme con los hechos y no profundice en lo que se esconde detrás de ellos. 

TOMBOY

Puntuación: 8
Duración: 1 h 22 m
País: Francia / 2011
Dirección: Céline Sciamma 

En los minutos iniciales la directora, en este su segundo trabajo, se demora en exceso en escenas cotidianas familiares y a pesar de que su mirada conjuga belleza con un estilo muy personal y prometedor a uno le cuesta entrar en la historia de esta niña, mágnificamente encarnada por Zoé Héran, que a sus 11 años no entiende porqué lo que uno siente tiene que estar encasillado en blanco o negro. A partir de ahí la cosa no deja de mejorar y la sencillez de la propuesta fílmica, rodada en 20 días, esconde una cineasta muy interesante en sus ritmos y encuadres que consigue que empaticemos con los sentimientos de Michael / Lorie y la denuncia social que lleva implicita.
Los prejuicios pueden convertir en un infierno la vida de aquellos que lo único que desean es respeto por sus aficiones o sentimientos.
Exquisito trabajo muy recomendable para todos los publicos, padres, adolescentes y educadores. Claro que siempre quedan aquellos que por encima de los sentimientos prefieren los encasillamientos, siempre perjudiciales para la misma parte. 

DOS MÁS DOS

Puntuación: 8
Duración: 1 h 47 m
País: Argentina / 2012
Dirección: Diego Kaplan

 Estupenda comedia dramatica sustentada por la impresionante interpretación de sus protagonistas. 
A pesar de que el tema se alarga y es un poco recurrente tanto su director y sobre todo sus actores saben aprovechar cada situación y cada dialogo para que se nos pase en suspiro y en mi caso vuelva a sonreir espontaneamente en más de media docena de situaciones cosa que en la comedia actual me resulta bastante dificil.
Como buen argentino Kaplan psicoanaliza el sexo y las relaciones de pareja donde la piel y el corazón caminan en el filo de la navaja. A mi juicio debería haber introducido diferencia social entre las dos parejas para que el ensayo sobre el deseo, el ego, la necesidad, la culpa y los afectos dieran más puntos de vista a un tema ya de por si muy interesante, pero se trata a la postre de una comedia que se pone seria solo un ratito.
Mágnifico trabajo coral, y deliciosa banda sonora.

 

KAUWBOY

Puntuación: 7
Duración: 1 h 21 m
País: Holanda / 2012
Dirección: Boudewijn Koole

 

Hermosa película. Koole consigue un mágnifico retrato psicológico infantil, con este niño en estado de gracia actoral, ante su desarraigo familiar. El director despliega una amplia gama de recurso filmicos para que acompañemos a Jojo y nos identifiquemos con sus sentimientos, cargando sobre él la mayor parte del acertado metraje. Su relación con su padre, su amiga y un inesperado compañero, un grajo llamado Jack en el que Jojo descarga todo el amor que lleva dentro.
Desgraciadamente y a mi juicio el desenlace no está a la altura de la propuesta, dejandonos un sabor agridulce de lo que pudo haber sido. Aún asi se gana un hueco en nuestra memoria.

JOAN FONTAINE ( 1917-2013)

 Sinceramente pensé que no me podría enamorar de nadie más (en la pantalla) que de Ingrid Bergman en "Casablanca", hasta que vi a una Joan Fontaine de 23 añitos en "Rebeca". Odio a Laurence Olivier por tenerla en la ficción y por lo mal que se lo hizo pasar en el rodaje (quería que el personaje lo interpretase su mujer Vivian Leigh) ayudado por el siempre maquiavelico Hitchcok en pos de conseguir un personaje que estuviese realmente angustiado en su interpretación.
Para bien o para mal el nombre de Rebeca quedó unido paradojicamente por siempre jamas al de esta estadounidense nacida en Tokio. Rebeca en realidad era la primera esposa del aristocrata ingles De Winter y el personaje de sus segunda mujer interpretado por Fontaine siempre carecio de nombre. Fue nominada por este papel aunque acabó en manos de una Ginger Rogers en "Espejismo de amor" (San Wood) . Ni su interpretación ni la película pasarian a la historia.
Sin embargo, "Rebeca", seguirá siendo inmortal en nuestra memoria.
Al año siguiente y también con Hitchcok se lo compensaron y se llevó la estatuilla por "Sospecha".
Sus trabajos y éxitos se espaciaron durante las tres decadas siguientes en cine, teatro y televisión pero nunca pudo repetir el éxito de la segunda señor de De Winter.
Hermana de otra grande Olivia de Havilland con quien se enemistó de por vida. Prolifica en sus aficiones y aptitudes, desde piloto de globo a experta pescadora de atunes, se casó cuatro veces.
La verdad es que estaba guapisima con su chaquetita de punto (rebeca) en la malograda mansión de Manderley.

LA SIMA DEL DIABLO
Heiz Delam / 2003
Edit. Alfaguara
219 Págs.

 Llegan las Navidades y un buen libro siempre es un buen regalo. En este caso orientado a adolescentes entre 12 y 16 años.
Se lo regalé a mi hijo hace ya 10 años y entre col y col me lo he leido esta semanita.
Premio Jaén de narrativa infantil y juvenil, por lo menos se lanzaron seis ediciones y la verdad es que la historia engancha, en sus aspectos fantásticos y la intriga se mantiene durante todas sus páginas. Es cierto que el lector adulto encontrará muchos huecos en la trama y que el misterio sigue quedando en el ambiente una vez terminadas sus páginas. Con un estilo claro y sencillo su lectura es muy apropiada para aquello jóvenes que no esten muy iniciados en la literatura y sobre todo supone un buen acercamiento a las tierras Canarias y sus peculiaridades más alla de la visión turistica a la que se nos tiene acostumbrados.
Estas Navidades y dado su muy asequible precio es una opción interesante para regalar como opción a los omnipresentes videojuegos.

PETER O`TOOLE (1932-2013)

 He de reconocer que habia algo en el rostro de este irlandes que me provocaba rechazo, me costaba empatizar con sus personajes y quizás por ello, en aquellos tiempos en que uno era atraido a los cines de barrio por el nombre de sus protagonistas, no seguí su carrera.
Por otro lado cada vez que veo "Lawrence de Arabia" (David Lean / 1962) no acabo de encontrar el punto de su interpretación. Es cierto que su experiencia teatral Shekasperiana se dejaba notar y su "Becket" (Peter Glenville / 1964) en el que encarnaba a Enrique II de Inglaterra y su sobrecogedora encarnación del emperador Tiberio en el controvertido "Caligula" (Tinto Brass / 1979) no se me van de la memoria.
El resto no es muy amplio y lleno de altibajos, probablemente a causa de sus problemas de salud y de mucho cine "alimenticio", donde destacan otra media docena de títulos que nunca llegaron a la altura de su Lawrence. Ocho nominaciones a los Oscars, cuatro Globos de oro, un Bafta y el Oscar honorifico a toda su carrera creo que a un actor enamorado de su profesión como él le supieron a poco. El sabía que podia dar mucho más de lo que pudo o le dejaron.
En cualquier caso su silueta de gran estatura (1,88 cm), su rostro de una belleza inquietante y sus profundos ojos azules forman parte por derecho propio de la iconografía de las grandes estrellas del celuloide. Esas cuyo brillo es irrepetible.

7 CAJAS

Puntuación: 8
Duración: 1 h 39 m
País: Paraguay / 2012
Dirección: Juan Carlos Maneglia / Tana Schémbori

 Afortunada combinación entre el thriller convencional, con la denuncia social y todo ello trufado con toque de humor.
El mercado 4 de Asunción autentico microcosmos, ciudad dentro de la ciudad, donde la vida y la muerte valen lo que vale el precio de cualquier mercancia, sirve de marco laberintico para un enredo donde el amor, la amistad y la muerte se dan la mano. Todo ello en un Paraguay poco conocido que adolece del endemismo de lo regimenes sudamericanos, con grandes desigualdades sociales en las que la violencia y la corrupción tienen campo abonado.
El guión al igual que las calles del mercado gira en cada recoveco manteniendo la tensión atenuada por personajes patéticos que aportan un humor acido y negro.
Buen reparto coral donde destaca Lila González en un personaje dificil de olvidar por su sinceridad interpretativa.
El personaje central sueña con salir en la tv. Paradigma de los valores de un siglo XXI que avanza dejando muchas almas en el camino.

UN GRAN EQUIPO

Puntuación: 6
Duración: 1 h 37 m
País: Francia / 2012
Dirección: Oliver Dahan

 La verdad es que he pasado un rato muy agradable con esta simpática comedia en la que Dahan parece tener muy claro sus pretensiones y no se desvia de su objetivo, que no es otro que entretener y divertir apelando a sentimientos simples y usados pero que siempre funcionan. Los perdedores marginados que vuelven a encontrarse consigo mismo ayudando a los más necesitados. Ya lo hizo Kurosawa y Sturges con sus "siete samurais mágnificos", aunque aquí solo sean 6.
Uno suelta amarras de credibilidad y se deja llevar por el cuento aunque no seas aficionado al futbol.
Personajes estereotipos bien caracterizados por los actores y un sabor popular para olvidarnos hora y media de crisis y malos rollos.

NOCHE DE VINO Y COPAS

Puntuación: 5
Duración: 1 h 39 m
País: Dinamaraca / 2011
Dirección: Ole Christian Madsen

 Madsen cambia la resistencia danesa en la segunda guerra mundial de su último y estimable trabajo (Flame y Citron / 2008) por una comedia con pretensiones úbicada en Buenos Aires a la que rinde un fotográfico homenaje.
El contraste de las dos culturas y el paralelismo entre el amor de juventud y el de madurez, nos deja un poso agridulce que no es suficiente para funcionar ni como comedia banal ni como comedia dramática.
Bien defendidos por sus actores, los personajes deambulan por la capital porteña mientras que cupido hace mella en el corazón y la razón. Al final la visión escandinava de las relaciones humanas se impone sobre la sangre caliente latina..., y comieron perdices.
Buen intento...., pero no.

EL ÚLTIMO MOHICANO
Fenimore Cooper / 1826
Varias editoriales.
477 págs.

 
 A servidor le ha dado por recuperar el tiempo perdido y rescatar esos clásicos "juveniles" que se quedaron en un cajón cuando uno empleaba su juventud en otros menesteres.
Cooper escribio este libro en 1826 dentro de una pentología "Cuentos de Leatherstocking", uno de los nombres por el que conocian los colonos americanos al protagonista principal que no era precisamente el mohicano de marras sino el cazador llamado en esta novela "Ojo de Halcón" o "Carabina larga".
Fue la más popular a pesar de que el estilo escesivamente formal de Cooper y su extensión la convierten en una lectura algo árida y más hoy en día. Mart Twain y otros criticos la pusieron a parir.
De transfondo histórico transcurre durante la guerra de los 7 años que entablaron Francia y Gran Bretaña por las colonias americanas en 1757, ayudados en su mayoría los primeros por las tribus indigenas autóctonas de la zona.

El cine con sus diferentes y poco respetuosas versiones con el libro contribuyó a seguir manteniendo su fama.
El gran protagonismo lo toma el entorno de bosques y rios que conforman las tierras que constituyen la frontera este con Canada y las tribus y sus formas de vida que las habitan.
Todo ello enmarcado en una persecución del singular quinteto protagonista (Un oficial ingles y su comandante, un maestro de canto y dos "mohicanos", padre e hijo) en pos del rescate de las dos hijas del comandante que han sido secuestradas por "Zorro Sutil", un jefe guerrero de la tribu de los hurones.
La narración nunca deja de ser entretenida con algunos pasajes como la persecución en canoa realmente emocionantes. Fenimore no esconde la crudeza de la guerra  y a pesar de considerarse una novela juvenil no hace concesiones a la comercialidad ni rebaja el tono de los hechos.

 
 Paradojicamente lo indios "mohicanos" no existieron con tal nombre sino que Cooper fusionó los nombres de otras dos tribus los "mohegan" y los "mahican" que afortunadamente nunca se extinguieron.
Una novela imperfecta que se convirtió en un clásico por aceptación popular y que no me arrepiento de haber leido.


IRON MAN 3

Puntuación: 6
Duración: 2 h 10 m
País: USA / 2013
Dirección: Shane Black

 Desconcertado. Asi me ha dejado esta tercera entrega de Iron man propuesta por Shane Black, guionista especialista en películas de acción y a lo que parece consolidado con este trabajo, segundo de su carrera que le ha permitido encargarse de "Doc Savage" en un futuro próximo.
La verdad es que ha hecho de su capa un sayo, mezclando y remezclando un revoltijo que acaba siendo entretenido y que no dejará contento a muchos fans del personaje ( a menospreciado el mágnifico personaje del Mandarin) y emocionará a otros tantos.
Abusa de la comedia con un Tony Stark que parece intentar remedar el humor de Peter Parker en todo momento. Da el protagonismo a Robert Downey, que siempre es de agradecer en detrimento de aquellos que estamos deseando verle en acción con la armadura, le da igual la credibilidad de muchos momentos, Guy Pearce sale con nota y en este maremagnun nos regala el director una traca final aceptable.
Lo dicho un revuelto que nos sigue dejando con hambre y que en algunos momento, a algunos comiqueros nos "repite".
"Avengers" ha puesto muy alto el listón.

EL EJERCICIO DEL PODER

Puntuación: 7
Duración: 1 h 52 m
País: Francia / 2011
Dirección: Pierre Schöller

 Schöller nos abre una puerta al interior de los pasillos ministeriales, a ese acuario privado donde las reglas de superviviencia estan por encima del pueblo soberano. Lo hace con fuerza, con ritmo y con personajes que dan la cara en sus respectivos roles. Esplendido Michel Blanc como el consejero en la sombra sabedor que el viento que mueve la veleta puede impulsar o derribar con igual intensidad.
Muy por encima de trabajos similares como "El capital" (2012) de Costa Gravas. No hay grandes tramas, el director cala el melón al azar y nos ofrece una porción de sabor casi siempre amargo y que nos venden como la solución a nuestros problemas.
El ministro de transportes protagonista no es un aristócrata del poder, no es un "heredero" como llega a decir el primer ministro, es una herramienta que se utiliza y se desecha según convenga, alguien que tiene que hacer el trabajo sucio y dar la cara, asistir a funerales y privatizar lo que haga falta, si quiere seguir dentro del acuario.
A veces farragosa, no será del gusto de aquellos que prefieren evadirse y no pensar que los que nos dirigen son iguales o peores cuando les otorgamos el ejercicio del poder.

COMBUSTIÓN

Puntuación: 6
Duración: 1 h 44 m
País: España / 2013
Dirección: Daniel Calpasoro

 
 Da la impresión que a algunos no le va tan mal en estos tiempos de crisis general y cinematografica en particular. Calpasoro parece que ha dado con la formula de adaptar el cine estandar USA a nuestros lares, apoyandose en jóvenes valores que se van curtiendo al tiempo que lucen sus palmitos.
La cosa no es para tirar cohetes pero funciona razonablemente bien. Ya pasó con su anterior trabajo "Invasor" (2012) y aquí se atreve con remedar la éxitosa serie de "Fast and furious", que nunca me ha interesado, saliendo al parecer más que airoso.
Cine comercial que se ve trufado de algunas buenas interpretaciones (Ammann, María Castro) y un guión que sabe cuando cambiar de dirección para que no se le vea el truco.
Trabajo tan olvidable como meritorio.

TIERRA PROMETIDA

Puntuación: 7
Duración: 1 h 46 m
País: USA / 2012
Dirección: Gus Van Sant

 Van Sant a sus 61 años ha demostrado sobradamente que maneja tanto los recursos del cine independiente y de vanguardia como la capacidad de contar un relato de la forma más clásica y ortodoxa posible como este que nos ocupa.
Lo hace con sencillez, con una naturalidad y un montaje imperceptible que dotan a la historia de un ritmo nada facil de conseguir para que los actores se luzcan y sean los autenticos protagonistas. Ellos son los que sustentan un guión que a pesar de tocar lugares comunes ya explotados sabe generar expectación sobre el desarrollo de cada uno de los implicados, y acercarnos a esa America alejada de las dos costas que siempre han arrimado el hombro y recibido muy poco a cambio. Esos "paletos" a los que los dioses del Mercado consideran un producto desechable.
Damon, con una carrera impagable, vuelve por sus fueros de guionista y sabe como mandarnos el recado sin dejar de ser asequible a todos los públicos.
El previsible y tibio desenlace lastra todo el conjunto. Ya da igual, hemos disfrutado en el camino.

LA CAZA

Puntuación: 7
Duración: 1 h 51 m
País: Dinamarca / 2012
Dirección: Thomas Vinterberg

 Al igual que en "Submarino" (2010), su anterior film, Vinterberg construye la historia en torno a un personaje central fuerte que sustenta todo el entramado. Al igual que en "Submarino", el desarrollo es errático, a veces confuso y poco creible. El drama al que se ve sometido Mikkelsen, estupendo como siempre, funciona como una tenaza que pone al descubierto que el hombre nunca dejará de ser un lobo para el hombre y que siempre ha necesitado conjugar sus miedos y descargar sus frustraciones en algo o alguien por la via más facil arropado por el poder de la masa.
Que esto ocurra en sociedades tan "civilizadas" como la danesa carga aún más el acento. 
Otra cosa es el ritmo moroso en el que la trama apenas avanza y el metraje se hace excesivo.
Apuesta el director por la redención en la amistad y en aquellos que creen sin ver, aunque la coda final nos advierte de que cuando la serpiente sale del huevo nadie está a salvo.

EL PAYASO

Puntuación: 5
Duración: 1 h 28
País: Brasil / 2011
Dirección: Selton Mello

 Selton Mello, en la cresta de la ola a sus 40 años en su país, Brasil y tras el éxito de su opera prima "Feliz Navidad" en el 2008, vuelve a arrasar en su tierra con esta colorida incursión en el siempre sugerente mundo de los artistas itinirantes, del circo y sobre todo del estandard tragicómico de la figura del payaso.
No funciona, a pesar de su buena factura visual, o quizás por eso. Parece como si Mello estuviera más pendiente de la originalidad de maquillajes, vestuario y una galeria de "frikies" a los que fotografiar para el cartel. Los personajes, la mayoria representados por actores populares en Brasil no enganchan en nuestra alma y tenemos la sensación de que la película, sus personajes y su estilo narrativo ya lo hemos visto en otras propuestas con mayor acierto.
La busqueda de la identidad personal del protagonista, la rutina de los bolos y algunos gags acertados no son suficientes para que el emotivo final llegue como una guinda a un pastel que no se la merecia. Fue presentada a los Oscars, donde no paso el corte. A tenor de la rentabilidad patria, seguro que Mello lo volverá a intentar. Suerte.

DE JUEVES A DOMINGO

Puntuación:7
Duración: 1 h 36 m
País: Chile / 2012
Dirección: Dominga Sotomayor

 Capturar ese tiempo que vivimos y que nunca volverá. Eso nada más y nada menos es lo que consigue Dominga Sotomayor en su opera prima. Hay algo en la cinta que se te queda enganchado en el alma. Una sensación de "yo estuve ahí", de otra manera, en diferentes circunstancias quizás, pero estuvimos ahí y el mundo, la realidad y todo a nuestro alrededor lo veiamos y sentiamos con nuetro personal prisma, con nuestro filtro único  e intransferible.
Lucia, una niña de 11 años viaja con sus padres y su hermano pequeño de Jueves a Domingo, toda una vida en la que ocurriran muchas pequeñas y grandes cosas que marcarán su vida y nunca olvidará.
Sotomayor ha hecho un trabajo impecable con los niños, no profesionales y ha conseguido darle mil y una vuelta al auto donde viajan la familia como elemento aglutinador, refugio y medio de libertad presente y futura.
Evocadora, interesante, su ritmo pausado puede despistar a aquellos que van al cine solo a "divertirse". No es una comedia ni un drama, es devolvernos aquella fugaz realidad que percibiamos cuando teniamos 11 años. Gracias.

TO THE WONDER

Puntuación: 6
Duración: 1 h 51 m
País: USA / 2012
Dirección: Terrence Malick

 No sé si este tipo de películas se siguen llamando de "Arte y Ensayo" o aquello más genérico de "cine de autor".
Malick, es Malick y punto. Hace lo que le apetece y mucha de las cosas que pasan por su cabeza no llegan necesariamente al espectador, al que no me imagino viendo estas propuestas un fin de semana con su novia junto a un bol de palomitas, por mucho que la cosa vaya de amor. 
Malick, aburre, interesa, propone, crea belleza , se repite, te cansa, prueba y al final cada uno saca sus propias conclusiones. La poesia se mezcla con la tontería y el sermón con la angustia existencial. 
Actores sin guión flotan, se acarician, se enfadan y se preguntan donde está Dios y que es el Amor. Ahí es nada.
Uno se debe encomendar al santo Job y tener un predisposición especial para empaparse de este Malick que puede ofrecernos minutos realmente sugerentes arropados por relleno banal solo justificado en su fuero interno. Lo que está claro es que su obra le debe el 50 por ciento a sus directores de fotografía excelsos.
Otros como Derek Clanfrance con su "Blue Valentine" (2010) nos lo cuentan de otra manera. Lo bueno es que podemos elegir.

TIPOS LEGALES

Puntuación: 8
Duración: 1 h 35 m
País: USA / 2012
Dirección: Fisher Stevens

Aún se me hace un nudo en la garganta cuado veo caminar en busca de un destino coherente con sus vidas a este par de "tipos geniales". Lo sé, tengo una edad y soy un nostálgico pero me gusta el cine y estos dos monstruos de la pantalla nos han dado mucho y siguen demostrando con 70 años Walken y 73 Pacino que quien tuvo retuvo.
El planteamiento es sencillo, una comedia dramática sin más pretensión que dejar libres a estos dos señores y que comience la fiesta. Ese es el mayor logro de sus director, amén de incorporar secundarios que dejan huella, la excelsa colaboración de Arkin y ojito con Addison Timlin que se lo va a llevar de calle. Al tiempo.
Hay chistes y situaciones "faciles" que en otras manos resultarian chuscos, pero estos tipos pueden con todo y los dignifican. También queda hueco para la reflexión sobre la vida, la vejez, los amigos y la autoparodia. "Morimos dos veces" dice Pacino en un panegírico antologico. Ellos gracías al cine serán inmortales.
Al final el espiritu del "Grupo salvaje", de aquellos que saben que la vida no es nada sino compartimos con los otros, explota y nos eleva a ese cielo irreal donde van a parar los que se han comido la vida con ansia.
Esta pequeña película que nunca tendrá ningún premio sera mi amiga incondicional mientras que uno pueda seguir recordando su nombre. Sí, soy un nostalgico, ya lo he dicho.

OBLIVION

Puntuación: 4
Duración: 2 h 6 m
País: USA / 2013
Dirección: Joseph Kosinski

 Esta claro que a Kosinski se le dan bien los anuncios para tv donde aparecen cacharros y todo tipo de imagenes generadas por ordenador. Le han premiado por ello. Y punto.
Como cineasta, ya le vale la secuela que se marcó de la mítica "Tron", y eso que no metió mano al guión.
Aqui si lo hace, desafortunadamente. Tan desafortunado como vendernos la moto de que la historia proviene de una novela gráfica suya que nunca existió.
Lo mejor de la cinta es sus quince o veinte minutos iniciales cuando aún estamos esperando ver de que va la cosa y claro dada la fantástica factura visual es nuestra propia imaginación la que nos va haciendo salivar como el perro de Paulov. Cuando el envoltorio empieza a descubrir lo que hay debajo, descubrimos un colage de ideas a medio cocer con abundantes clichés de toda la vida, situaciones argumentales metidas con calzador pretencioso y escenas de batallas aereas que recuerdan a "StarWars" sin la emoción y credibilidad del clásico.
Los actores podrían ser las marionetas de aquellas series de la infancia como "Capitan Escarlata " o los "Thumderbirds" y el desproposito se alarga hasta más allá..., de dos horas.
Algunos seguimos esperando al Cruise actor y no al "madelman" de películas de acción en que se ha convertido.
Lo mejor sin duda es el diseño y realización de esa estupenda y versatil aeronave y de los inquietantes drones. Maquinas que al no tener cerebro encajan muy bien en la propuesta. También me parece estupendo el título: "Oblivión", olvido o la capacidad para olvidar. Pues eso, olvidemos.

STEVE JOBS
Walter Isaacson 
Edit. Debate / 2011
Págs. 744

 
 Este genio gilipollas o gilipollas genial, con su paranoia de cambiar el mundo através de cruzar tecnologia con humanidades, se empeñó contra viento y marea y al final lo consiguió.
Todo lo que hoy nos parece normal y nos hace disfrutar pudiendo utilizar la técnologia informática para crecer como individuos se lo debemos a este chico dado en adopción, que siempre fue por libre inbuido del espiritu de los 60 y 70 y que era capaz de maridar el LSD y filosofias zen con el mundo de las empresas, la bolsa, el marketing, la publicidad, el diseño, sin renunciar a nada de ello.
Un hombre que ganaba miles de millones de dolares y caminaba descalzo, apenas comia y que se hacia rico como consecuencia de crear productos para mejorar el mundo y no como un fin en si mismo.
Dividia el mundo en genios y capullos, a los que podía intercambiar en el mismo dia. No aceptaba la palabra imposible y tocaba las pelotas de forma tan desagradable a sus ingenieros y colaboradores que al final estos conseguian cosas en las que ni ellos mismos creian. Muchos de ellos se lo agradecieron, si él no lo hubieran conseguido. Convivir y trabajar con Jobs era un largo y tortuosos camino como la canción de los Beatles a los que adoraba junto con Dylan.
De su vida privada, el libro cuenta menos que de sus periplos empresariales, pero lo suficiente como para saber que fue tan genial y tan horrible como en su trabajo.
Abandonó a una hija que tuvo con una primera novia, no dedicó el tiempo suficiente a su familia absorvido por su trabajo y siempre que pudo, se acordaba o le apetecia trató de redimirse y compensarlos, no con dinero sino con mayor dedicación a su entorno.
A todo aquellos que no conozcan los entresijos de Apple, Pixar y de todos los productos como PC`s, cine de animación digital, iphons, ipad y demas artilugios que han cambiado nuestras vidas este libro del periodista y biógrafo Isaacson, elegido por el propio Jobs pero parece que con bastante libertad para dar una visión de si mismo sin adornos innecesarios ni panegíricos exaltados, les pondrá en situación de una forma amena y con una prosa clara y entretenida a pesar de sus 744 páginas.
No pensé que me engancharía pero lo ha hecho.
Steve Jobs, fallecido de cancer de páncreas en Octubre de 2011 nos hizo la vida más facil, más amena y democratizó la técnología para que todos pudiesemos utilizarla sin ser unos cerebrines, ni tener título universitario.
Fue un genio que como en la biblia se atrevió a morder la manzana para que dejase de ser un fruto prohibido del arbol de la ciencia y la sabiduria y compartió su bocado con todos nosotros. Eso si, previo pago de su importe.


UNA AMOR ENTRE DOS MUNDOS

Puntuación: 6
Duración: 1 h 40 m
País: Canada / 2012
Dirección: Juan Diego Solanas

 Antes que nada dar las gracias al director Juan Diego Solanas por meterse en este "embolao" que rezuma originalidad y buen hacer fílmico, sin apoyo de los grandes estudios. Sabemos que su abultado presupuesto de 60 millones de dolares se queda corto para sus pretensiones y que le ha sacado el máximo partido posible con resultados notables en el apartado estético.  Es una lástima que tanto esfuerzo no vaya acompañado de un guión a su altura y que este cuento romántico no funcione ni como tal ni como aventura de fantasía. Se le van los minutos en aprovechar el juego que da las gravedades inversas de los dos mundos donde transcurre la acción y se olvida de resolver situaciones argumentales con mayor credibilidad y abandona a los personajes, bien encarnados por Sturgess y Dunt, a su suerte, sin "chicha" de donde tirar. Simpatico y acertado el personaje que encarna Timhoty Spall.
Detalles minimos de critica social con reminiscencias de la dictadura argentina y otros de intendencia sonrojantes como que en la cima de montañas elevadisimas y llenas de nieve los actores vayan de "sport". Lo de los mundos pegaditos entrá en el juego de que lo aceptamos para que funcione el cuento.
Lo dicho, enhorabuena y lo siento. 

TESIS SOBRE UN HOMICIDIO

Puntuación: 8
Duración: 1 h 46 m
País: Argentina / 2013
Dirección: Hernán G. Goldfrid

 A sus 29 años Goldfrin, curtido como ayudante de dirección tuvo buena aceptación con su opera prima "Música en espera". Ahora pega un golpe de timón cuatro años despues y se lanza a tumba abierta con un thriller psicológico heredero de "La soga" (A.Hichcock / 1948) en su fondo. También recuerda en cierta medida a "Asesinato 1-2-3" (Barbet Schoreder / 2002).
La gran diferencia es que aquí el foco no se pone en el o los asesinos sino en el personaje que investiga los hechos.  Afortunadamente este personaje es Ricardo Darín, capaz de soportar sobre su interpretación todo el metraje y salir con sobresaliente.
La trama se sigue con interés apoyada por una sugerente banda sonora basada predominantemente en la percusión y una cámara que observa con detalle todos los "detalles" de la evolución de este profesor abogado cuyo pasado envuelve en una niebla difusa un presente donde la realidad o la ficción, lo soñado o lo deseado juegan un juego macabro en su mente. Muy de psicoanalista argentino.
La elección de no hacer tomas del todo realista en sus últimos planos deja un final que no satisfará a muchos y hará pensar a otros. A mi me vale.

EFECTOS SECUNDARIOS

Puntuación: 6
Duración: 1 h 45 m
País: USA / 2013
Dirección: Steven Soderbergh

 Soderberg lleva retirandose de una carrera trufada de éxitos y fiascos ya desde hace un tiempo pero no acaba de decidirse. En Mayo pasado anunció en Cannes la "definitiva". Veremos. 
Parece que para su despedida, en sus dos últimos trabajos, ha decidido jugar con la sexualidad del matrimonio Douglas-Zeta Jones. En fin, anécdotas aparte. Estos "Efectos secundarios" te enganchan durante un buen rato como una interesante propuesta sobre el mundo farmaceútico y su imperio no siempre ético, pero la cosa no va de eso y te vuelve a enganchar con un thriller psicológico digno de Hitchcok..., pero tampoco va de eso. Al final va de un vulgar producto de consumo de video club, algo tramposo y chapuceramente rematado.
¿Para eso hemos estado soportando la machacona y perenne banda sonora? Pues vaya.

BÁRBARA

Puntuación: 7
Duración: 1 h 40 m
País: Alemania / 2012
Director: Christiam Petzold

 Petzold dirige con pulso templado una sencilla historia que esconde más de lo que muestra y a la que le falta un poco más de nervio. Es como si el drama estuviese aletargado, como si se contagiase de esa sociedad en la Alemania del Este gris, que Petzold traza con cierta condescendencia abriendo la puerta a la reconciliación que vendrá.
El ambiente rural quizás propicie un cierto relajamiento en el ferreo control que las autoriades de corte comunista ejercieron sobre los que quedaron "del otro lado".
Nina Hoss impone su convincente presencia y buen hacer. Parece estar agusto con este director con él que lleva muchas colaboraciones fructiferas para su carrera, en un personaje que antepone una vida más confortable por otra no menos interesante pero que la obligará a partir otra vez de cero. No sabemos muy bien de donde viene pero si su capacidad de sacrificio para con aquellos que sufren y su grado de compromiso social al aprovechar la oportunidad para poner en práctica aquello por lo que lucha.
Despues de "La vida de los otros" (Florian Henkel / 2006), el cine aleman sigue saltando a la inversa en el tiempo al otro lado del muro.
 

LOS ÚLTIMOS DÍAS

Puntuación: 5
Duración: 1 h 40 m
País: España / 2013
Dirección: Alex y David Pastor

 Es cierto que hasta hace poco tiempo la industria española no podía plantearse este tipo de películas de género. Los avances digitales y la coproducción, sumado al buen trabajo internacional de algunos de nuestros directores está allanando el camino.
Los hermanos Pastor reinciden en el tema apocalíptico (Infectados / 2009) que les dió a conocer, con este su segundo trabajo plagado de encuadres sugerentes y técnicamente notable con el que consiguen una Barcelona "terminal" que se suma y no desmerece a otras muchas ciudades del mundo a las que el cine a maquillado catastróficamente.
La historia y el guión es otra cosa. Ya nos la sabemos. Es previsible y lo único que podemos esperar es que el duo protagonista nos enganche. Ni los dialogos ni la elección de Quim Gutierrez lo hacen posible. Quim pertenece a esa nueva generación de actores curtidos en las series de tv y que funcionan mejor en las comedias romanticas made in spain, mejores o peores y que si bien consigue "momentos" dramáticos interiorizando la situación, pierde toda credibilidad cuando abre la boca con esos medios susurros apenas vocalizados, asignatura pendiente  de todos nuestro jovenes actores que salen de las escuelas a las pantalla sin pasar por la experiencia de las tablas. La diferencia con Coronado es sangrante. Coronado sigue cumpliendo con eficiencia a la espera de que alguién vuelva a escribirle una papel de mayor enjundia que se merece.
Al final tememos que va a aparecer una voz en off, anunciando el banco de Sabadell, o alguna compañía de seguros sobre la música coral de "We are the world". En fin.

LOS CROODS

Puntuación: 9
Duración: 1 h 30 m
País: USA / 2013
Dirección: Kirk De Micco / Chris Sanderes

Es cierto que esta última entrega de animación de DreamWorks aplica la "fórmula mágica", con los ingredientes justos en la dosis prestablecida ya testada en media docena de films anteriores para que el asunto funcione sin problemas. El caso es ese, que funciona y los personajes bien definidos permanecerán en la memoria como permaneceran los de otra familia, en esta caso muchos siglos posterior: "Los increibles". No así  el guión, mucho más elaborado en la segunda aunque eso no desmerece en absoluto la aventura, las dosis de humor, los guiños al uso para adultos y un sin fin de colores, atmósferas y criaturas que gustarán a todos.
Estupenda banda sonora y una primera media hora que nos hace recordar a aquellos arranques adrenaliticos de las películas de Bond o Indiana Jones.
Hay que encariñárse con estos ancestros. Lo contrario sería tener la sensibilidad en lo más profundo de la caverna.

ERASE UNA VEZ EN ANATOLIA

Puntuación: 6
Duración: 2 h 38 m
País: Turquia / 2011
Dirección: Nuri Bilge Ceylan

 Repite Bilge Ceylan premio en Cannes desde el 2008 con "Three Monkeys" (que no he visto). Cine de autor, de ese que no abarrota las salas de 2.000 butacas los fines de semana (si es que quedan) ni tampoco son carne de multicines de centro comercial. Cine del que aburre a la ovejas y despierta los instintos de los "lobos", aquellos que olfatean las esencias y siempre estan al acecho de bocados metafísicos y significados transcendentes para darse un festin de obra maestra.
"Erase una vez..." posee los suficientes manjares como para hacerla interesante y aguantar sus casi tres horas de metraje en los que la paciencia del espectador se pone a prueba.
He leido a varios que la primera hora sobra. A mi sin embargo me ha parecido hipnotica, llena de personajes reales que pululan buscando no se sabe bien qué. Un objetivo común en el que cada uno en definitiva va a lo suyo. Fresco costumbrista no exento de critica social a una Turquia que llama a las puertas de la EU, arrastrando aún mucho lastre. Aflora en ocasiones un humor seco y acido al mismo tiempo.
Despues la cosa se pone más metafisica. Vagamos por un mundo sin sentido donde cada cual busca sus propias respuestas mientras que la vida se recicla constantemente ajena al absurdo de nuestras creencias y esperanzas. 
Hay muchos más matices, pero las claves y la forma en que el director nos lo cuenta funcionan de forma muy irregular y el riesgo de desconectar es muy grande.
El cartel muestra cierta analogia con los mundos de "El principito" de Exupery y es muy significatica las distintas capas que conforman el tronco. Algo de esto hay en la película.
La frase de Exupery: "Si al franquear una montaña en busca de una estrella, el viajero se deja absorver demasiado por los problemas de la escalada, se arriesga a olvidar cual es la estrella que lo guia", tambien nos da pistas sobre las piezas del puzzle que parece manejar Ceylan.
En cualquier caso, si un extraterreste llegará a la tierra y viera este microcosmos de personajes y situaciones, tendría todas las claves una vez desmenuzado, de nuestra peculiar existencia.

PEQUEÑAS VOCES

Puntuación: 8
Duración: 1 h 15 m
País: Colombia / 2010
Dirección: Oscar Andrade y Jairo Eduardo Carrillo

Desde 1964, incluso antes, Colombia se ve envuelta en una de esas guerras inciviles que son consustanciales a los "homo sapiens". Evidentemente Colombia es uno de tantos paises donde esto ocurre aportando su macabra estadística personal de 220.000 muertos y un sin fin de "daños colaterales". La comunidad internacional, como siempre, promueve y apoya dichos conflictos al mismo tiempo que los denuncia y combate.
Este trabajo de animación notable y original pone voz al conflicto. La voz de aquellos que menos lo merecen y más lo sufren: los niños. Con sus propias palabras y a través de sus dibujos nos cuentan sus terribles esperiencias y su fe en un futuro mejor. 
A uno que no es optimista se le abren las carnes ante tanta locura. Un año después, otro colombiano puso el mismo acento con actores reales en la esplendia y recomendable "Los colores de la montaña" (Carlos Cesar Alberaez / 2011).
Con una minima distribución y prácticamente nula atención de la crítica, pasará desapercibido este testimonio que merece estar en las videotecas de las escuelas. 
 

JACK, EL CAZA GIGANTES

Puntuación: 7
Duración: 1 h 54 m
País: USA / 2013
Dirección: Brian Singer

 







 En este producto de puro entretenimiento aprovechando el "tirón" del 3D, Singer no defrauda y cumple sujetando el asunto para que no se le vaya de las manos, sin complicarse la vida en el trazo de personajes, que cuando estan encarnados por gente de la talla de McGregor o Tucci, funcionan y cuando no, como es el caso del poco carismatico Nicholas Hoult se pierden en una soseria que es inmediatamente suplida por el departamento de efectos y su notable trabajo con estos gigantes escapados de la tiera media.
Evidentemente el magistral cuento de Jack y las habichuelas mágicas de origen anónimo cuya versión más conocida fue la del historiador ingles Joseph Jacobs (1854-1916), está adaptado a los nuevos tiempos menos infantiles, aunque conserva su esencia. Recuerdo con cariño la excelsa versión de "El sastrecillo valiente", otra variante, que realizo Disney en 1938 con un Mickey Mouse del que debería aprender Hoult.

 Una aventura en definitiva agradable para un público variado que busque evasión sin quebraderos de cabeza.

DÍAS DE PESCA EN PATAGONIA

Puntuación: 8
Duración: 1 h 20 m
País: Argentina / 2012
Dirección: Carlos Sorin

 









Ir a pescar, siempre es arriesgado y más cuando uno no sabe muy bien lo que quiere y en los anzuelos se puede encontrar con sorpresas no siempre agradables. Marco, que ya pasa de los 50 quiere pescar algo que le devuelva la emoción de vivir y le redima de un pasado trufado de errores que quiere subsanar. Ha llegado la hora de "cuidarse" y si para ello hay que bajarse al fin del mundo (Patagonia) pues allá que va.
En el camino, gentes que tambien arrastran, disfrutan o sufren sus vidas, pequeñas y grandes historias para compartir. Una hija, un nieto y mucho que aprender y poco tiempo para hacerlo.
Sorin, despues del desastre de "El gato desaparece" (2011), vuelve por sus fueros apunto de cumplir los 70 a hacer lo mejor que sabe y es observar con calma y sencillez a la gente de a pie y contarnos sus "historias minimas".
A los que no le conozcan les sorprenderá y a los que sí nos encanta reencontrarnos con un cine cargado de emociones donde lo apenas sugerido es más que suficiente para que empatizemos con la galería de sus personajes.
Añadamos la bella banda sonora y la apabullante maestria de los actores argentinos.

AMPARO RIVELLES (1925-2013)

 A algunas actrices, muy pocas, llegado un momento en su carrera donde se le reconoce en vida su gran valía profesional, se les suprime el nombre de pila y se le antepone a su apellido el artículo con mayusculas "La", otorgandole así el título honorífico de diva de la escena. Así pues Amparito Rivelles de familia de excelsos cómicos de "raza", de esos de "toda la vida" se convirtió por meritos propios en LA RIVELLES.
Toda una vida entregada en cuerpo y alma a su profesión, estrella de cine con aquella CIFESA de los años de postguerra, estrella de televisión nacional e hispanoamericana y siempre, siempre, las tablas, el teatro como su casa a la que siempre vuelves, te refugias y en su caso, triunfas con ese público a escasos metros, que te adora.
Público como el que en 1999 en Madrid, no recuerdo el teatro, se puso en pie para aplaudirla cuando aquejada de una afonía y estando el teatro lleno, salió para pedir disculpas por su afección, ofrecer la devolución de la entrada a quien lo quisiese y disponerse a realizar la representación a pesar de sus mermadas facultades. Sé de muchos que habrían suspendido. Pero ella, como también otros muchos que llevan la escena en la sangre jamás abandonan el escenario si no se los llevan en camilla. Su gesto de profesionalidad, su honradez y la fantástica técnica vocal que demostró para sacar adelante el personaje, hicieron aquella función, como siempre sucede en el teatro, en irrepetible. !Olé! y vaya ud. con Dios, Doña Amparo, Amparito, LA RIVELLES. 

THE PAPERBOY

Puntuación: 3
Duración: 1 h 47 m
País: USA / 2012
Dirección: Lee Daniels
 

 ¿Pero esto que xxx es? Hombre, cuando uno se  produce sus propios partos como es el caso de Daniels, pues puede hacer de su capa un sayo, pero..., ya le vale.
No sé si la novela de Pete Dexter es tan caotica como la película y desde luego tampoco sé si este señor escribe bien, pero a tenor del guión de su propia novela, la verdad es que tira "patrás".
Con un exceso impostado y tan empatanada como los pantanos en donde transcurre la acción, Daniels juega a dirigir con un poupurri de recursos al azar, a ver si alguno le cuadra con la situación. Pretenciosa, no consigue enganchar en nínguna de las lineas que intenta abarcar: racismo, erotismo, thriller, frustración familiar, influencia del entorno, sexualidad reprimida...., en fin un autentico desastre al que hay que reconocerle el merito de haber embaucado a tanto actor de talento que hacen lo que pueden porque el barco, barcaza, chalupa o lo que sea no naufrague y se los coman a todos los cocodrilos.
Lo mejor es una Nicole Kidman que se reinventa y aprovecha que sus desaguisados corporeos le van bien a un personaje que no merecia esta película. Gracias a su orgasmo carcelario desgraciadamente recordaremos esta cinta.
Daniels apuntaba maneras con "Precius" (2009), más vale que lo arregle con la recien estrenada "El mayordomo", aunque miedo me da.

A PUERTA FRÍA

Puntuación: 8
Duración: 1 h 20 m
País: España / 2012
Dirección: Xabi Puebla

 





 Hace 64 años que se estrenó en el teatro Morosco de Broadway, "La muerte de un vendedor", o de un viajante como se títuló en España, de Arthur Miller bajo la dirección de Elia Kazan. La bomba social que produjo lanzó una onda expansiva que a la vista de este tercer trabajo del "lento pero seguro" (tres largometrajes en 13 años) Xabi Puebla, aún perdura.
En su momento la obra de Miller, multipremiada, consiguió mejorar las condiciones laborales de los viajantes estadounidenses. Despues de más de medio siglo, la esencia del problema, el tanto vendes tanto vales, y el inmisericorde neocapitalismo en el  que estamos inmersos, sigue jugando y destrozando las almas de este colectivo de hombres que arrastran su soledad y sus sonrisas prefabricadas por plazas y mercados, llamense convenciones o ferias o como se quiera.
Xabi apuesta por las personas individuales reflejadas en primeros planos, por el excelente guión de pieza de cámara, por actores, con solera acreditada y por los que vienen empujando en esta España que se acuerda de ellos para subir el IVA.
El equipo funciona como una piña y es él público el que al final se lleva una buena comisión por el precio de la entrada.

ANNA KARENINA

Puntuación: 8
Duración: 2 h 10 m
País: Reino Unido / 2012
Dirección: Joe Wright

 







Wright, en el ecuador de su carrera con 40 años y media docena de títulos no acaba en su interesante filmografía de redondear el asunto.
La obra de Tolstoi es un bocado demasiado suculento, que puede acabar como es el caso, atrangantandose al más pintado. Destacada la novela por su increible realismo, el director apuesta por lo contrario, un artificio desmedido, rocambolesco, original y brillante que acaba convirtiendose en un laberinto de dificil salida. Se agradece la valentia de esta triple pirueta, de este salto mortal sin red que aporta un rumbo fresco y diferente a las diferentes adaptaciones que desde 1935 se vienen haciendo periodicamente de este folletín por entregas que Tolstoi decidió publicar allá por 1877.

Para los que nos dedicamos al mundo de la escena es una gozada que se les haya ocurrido la idea de tomar como punto de partida y escenario casi perenne el mundo teatral, en un "tour de force", brutal y orgiastico que desde los primeros minutos sobrecoge y se adivina muy dificil de mantener.
Wraigh y su equipo lo consiguen a costa de no pocos sacrificios del texto original, cargando las tintas en un diseño artistico de quitarse el sombrero y donde la estética camina muy por delante de la metafora y el metalenguaje de lo que vemos y apura la "ilicita pasión" como el único nudo dramatico. Tolstoi propone muchas más cosas, sobre todo el contraste entre dos sociedades que conocía muy bien y por las que toma un partido con el personaje de Lyovin, trasunto del propio autor. Recomiendo visionar "La última estación" (Michael Hoffman / 2010).
Los actores se ven arrastrados a este vendaval, teniendo que sacrificar verdad por simbolismo, forzados a un permanente climax y acabando convertidos en marionetas de un guiñol con el que juegan escenógrafos, coreógrafos, diseñadores de vestuario.....,etc.
La primera hora es en cualquier caso magistral. A partir de ahí queda mucho por contar y Wright necesitaría del doble de tiempo. Empiezan las brutales elipses que se comen el proceso de los personajes y la estétíca ya no fluye sino que encaja de forma forzada y precipitada ante el agotamiento del metraje establecido.

 
 La cosa da para muchos más comentarios, pero lo mejor es disfrutarla en su imperfección y darle un merecido notable por el intento.

AMOR Y LETRAS

Puntuación: 5
Duración: 1 h 27 m
País: USA / 2012
Dirección: Josh Radnor

 







 Tras el relativo éxito de su primera obra "Happythankyoumoreplease" (2010) Radnor continua con su buen rollito, pelín carismatico y se mete en más enjundia, aunque aparentemente la cosa vaya de sencillez. 
Quizás porque no pasé mucho tiempo en la Universidad o por que los campus estadounidenses me quedan un poco lejos, esta añoranza de tiempos mejores estudiantiles donde el futuro estaba abierto, de adultos que no acaban de madurar, de lo que pudo ser y no fue de sus vidas y de que siempre queda esperanza, no acabó de engancharme.
Si uno es capaz de resistir la primera media hora, despues la cosa se anima un poco, pero poco. A Radnor se le ve el fondo de lo que nos quiere contar, pero nos lo cuenta de forma tan sosa, picoteando personajes aquí y allá..., me recuerda a un amigo "curilla" que siempre te da la charla sobre la moralidad de la vida.
Se agradece que Richar Jenkins y Allison Janney se asomen un rato por la historia, aunque el director los deja tirados, centrandose en su propio romance idilico platónico con una Olsen que no aparenta 19, a pesar de que se lo curra y él tampoco da los 35. La quimica no es que no funcione es que no existe, por mucho que nos ponga a Mozart de fondo. El desenlace es de consejero parroquial y se desperdician minutos en un apaño "deux ex machina" menos creible que los 19 años de la Olsen y los secundarios raritos cogidos con pinzas.
Hay un mensaje sobre la visión del mundo de los hombres y mujeres "de letras", encerrados en sus propios universos que nos son capaces de relajarse y tomarse la vida con mayor flexibilidad, aunque sea leyendo "crepusculos" (probablemente el único momento divertido), pero llega tarde.

LAS FLORES DE LA GUERRA

Puntuación: 5
Duración: 2 h 26 m
País: China / 2011
Dirección: Zhang Yimou

 






 En los primeros diez minutos, cuando todavía no sabemos muy bien de que va la cosa, Yimou esta liberado y surge lo mejor de su cine. A estas alturas no tiene que demostrar el gran cineasta que es. Pero enseguida surje el corsé de la novela melodramática de Yan Geling y el tremendo panégirico sobre el pueblo chino de Nanking arrasa con todo en un maniquismo tan brutal como brutal fueron las atrocidades que en este caso se apuntan en el debe de Japón. Todos los pueblos tienen a lo largo de la historia del ser humano para su desgracia hechos similares.
Los vencedores claro está cuentan sus agravios y el cine siempre fue un gran medio de modas y propagandas. Los nazis y los estadounidense lo sabían muy bien. Los valores de la raza aria se vendieron tan bien como el exterminio "justificado" de las tribus indigenas americanas, por los septimos de caballería pertinentes.
En fi, que ahora le toca a la potente China através de su director oficial que parece querer asegurarse una jubilación tranquila con productos como este, de una sola cara, previsibles y poco creibles en el desarrollo de los personajes.
Obviamente actos de heroicidad los hubo y mayores en todos lados.
En la primera hora uno tenía la sensación de estar viendo la típica película de guerra llena de buenos y malos de los grandes estudios hollywoodenses. El personaje cínico de Bale bien pudiera haber estado interpretado, con mayor acierto, por un Bogart en sus mejores momentos. No hay química en la historia de amor, ni proceso en la redención del protagonista, ni secundarios que rompan el bloque monolítico de actuaciones corales. Todo esta orientado en una misma dirección y acaba por conseguir el efecto contrario al que pretende. Yimou intenta compensar con una busqueda obsesiva de imagenes estéticas que tambien acaban por saturar su buen hacer tras la camara.
En definitiva una "banalización comercial" de un hecho vergonzosos de la historia de la humanidad.
Vean "Ciudad de vida y muerte" (Lu Chan / 2009). Allí hay menos argumento novelistico pero mucho más cine "de verdad".

EN LA NIEBLA

Puntuación: 7
Duración: 2 h 7 m
País: Bielorusia / 2012
Dirección: Sergei Loznitsa

 Lamentablemente solo podemos acceder, como es el caso, a filmografías y directores como Loznitsa nada más que cuando reciben el reconocimiento de algún premio destacado. El trabajo de este reconocido documentalista Bieloruso, centrado en su tierra y sus gentes y con un estilo personal donde el tiempo se dilata, empapandonos de atmósferas y sentimientos nos llegá con esta adaptación, segundo de sus largometrajes, de la novela de Vasiliy Bykov del 89. Bykov, curtido en sus experiencias en la guerra, narra historias personales, localistas, microcosmos donde se reflejan las pasiones y mezquindades humanas desatadas por un "todo vale" a expensas de la supervivencia, del sálvese quien pueda. En ese infierno todavía queda algún resquicio para la honestidad y la humanidad.
El estilo de Loznitsa da un poso imprescindible y hiperrealista que aquilata los hechos, con una presencia destacada del entorno que condiciona a los personajes. Sin embargo en otros momentos el tempo lento juega a la contra y nos distancia del drama. Los actores, no profesionales, cumplen con su cometido y los detalles subrayan el horror en tiempos de horror.
Los fuera de campo funcionan y nos enganchamos a sus casi dos horas esperando el inevitable y teatral desenlace.

OZ, UN MUNDO DE FANTASÍA

Puntuación: 7
Duración: 2 h 7 m
País: USA / 2013
Dirección: Sam Raimi

Por una vez y sin que sirva de precedente el título español se ajusta más a lo que nos ofrece Raimi en esta precuela del clásico del 39 en el que participaron cuatro de los mejores directores del momento.
Curiosamente lo que en su momento se proyectó como una película meramente infantil acabó siendo un clásico reverenciado y aquí puede que alla ocurrido salvando las distancias lo contrario. Grandes pretensiones llenas de responsabilidad que se quedan en una fábula familiar entretenida y bien realizada. Efectivamente es  en ese mundo de fantasía donde el equipo de Raimi carga las tintas con una explosión de color donde la estética Dysney nos recuerda a los trabajos del portadista del grupo "Yes", Roger Dean creando una atmosfera más adecuada a los tiempos actuales del reino del camino de baldosas amarillas.
Aquí no hay canciones y los personajes de animación tienen que sustituir al León, El hombre de Hojalata y El Espantapájaros y las tres actrices hechas y derechas, aportar todo su buen hacer en personajes esteriotipados para cubrir el inmenso hueco de la Garland. Sin embargo sí hay mago, con un buen trabajo de James Franco que nos ofrece mucho sobre los pocos datos que teníamos de la personalidad del misterioso personaje y los suficientes guiños al original y al cine, como autentico artifice de la mágia de la edad moderna capaz de concedernos nuestros deseos más inmateriales.
En definitiva y vista sin prejuicios, un trabajo notable, sobre un guión convencional lleno de añoranza over de rainbow.  

UN ASUNTO REAL

Puntuación: 10
Duración: 2 h 17 m
País: Dinamarca / 2012
Dirección: Nicolaj Arcel

 












La verdad es que no se me ocurre ningún pero a esta modélica película de género historico.
La producción es exquisita, la interpretación principal y secundaria funciona como un bloque sin fisuras, destacando aún más Mikkel Boe como el atormentado rey Cristhiam VII, la fotografía es deliciosa conjugando exteriores e interiores fantásticos, el vestuario impecable y la dirección sobria de Nicolaj Arcel asume un clasicismo perfecto que apoya la historia y la encuadra en su época. Añadasele el rigor histórico y ¡voilá!. Puro cine.

 

AMPARO SOLER LEAL (1933-2013)

 Para un servidor, Amparo siempre será la modélica y sufrida mamá de esa "Gran Familia" en la que se perdió Chenchó unas navidades.
Obviamente era mucho más. Familia de cómicos de raza, desde muy joven pasó por las compañias de teatro de gente como Luis Escobar o Catalina Bárcenas que, aparte de que no contrataban a cualquiera, eran la mejor escuela que se puede desear.
Su presencia en el cine, ya fuera comedía o drama, igual daba, siempre era garantía de que al menos un personaje, el suyo, tendría dignidad y calidad. Los mejores directores la llamaron, siendo nada más y nada menos que Berlanga quién siempre contó con su buen hacer.
Al no estar con tanta asiduidad como otros en los medios y sobre todo por su escasa participación en televisión no fue tan popular como otras actrices de su generación. Afortunadamente la critica, el público y sus numerosos premios le reconocieron su trabajo. Le falto el Goya, cuya andadura la pilló ya un poco a trasmano.
Desafortunadamente no deja descendencia que pudiera continuar la sangre de artistas que corría por su familia.
Es el momento que la adoptemos pues en nuestra memoria en un lugar destacado dentro de la Gran Familia de actores y actrices españoles.

AQUÍ Y ALLÁ

Puntuación: 7
Duración: 1 h 50 m
País: México / 2012
Dirección: Antonio Mendez Esparza

Aunque le pese a nuestro nunca bien ponderado ministro Montoro, el cine y los cineastas españoles gozan de una mala salud excelente y son reconocidos internacionalmente, ya sea con propuestas hollywoodenses, en el mundo de la animación o con la humildad, sencillez y buen hacer de esta película bajo bandera mexicana que bien pudiera ocurrir en cualquiera de nuestros pueblos, dados los tiempos que corren.
Alejada de los presupuestos del cine comercial, acompañamos el regreso de un inmigrante a su pueblo de la Sierra de Guerrero uno de los lugares de mayor pobreza del mundo, aunque la película de Esparza suavice muchísimo la cosa.
Aún así el reencuentro  con su familia y la lucha por salir adelante le obligara a dejar de lado sus ilusiones artísticas y volver a empezar una vez más de nuevo, mientra la vida repite su ciclo en las nuevas generaciones, si es que llegan a sobrevivir. "No me gusta ser pobre y mucho menos ser rico", canta el protagonista. Una riqueza universalmente mal repartida donde la brecha entre los que tienen y los que no, presagia hecatombes pasadas y futuras.
Esparza deja con sutileza que los que tengan ojos vean aunque los españoles oigamos poco dado que la escasa vocalización de los actores no profesionales y su acento localista hacen que perdamos muchos diálogos. Notable la fotografía de Barbu Balasoiu y notable opera prima, aunque solo sea carne de festivales.

SIETE PSICÓPATAS

Puntuación: 6
Duración: 1 h 49 m
País: Reino Unido / 2012
Dirección: Martin McDonagh

1.- Sabemos que McDonagh a sus 43 años es un afamado y reconocido autor teatral de éxito a ambos lados del atlántico.
2.- Que su incursión en el cine como guionista y director tuvo buena acogida con "Perdidos en Brujas"(2009).
3.- Que debe tener dado el contenido de sus obras obsesión con la violencia, de la que usa y abusa como seña de identidad.
4.- Que si no fuera firmado por él, este guión original por otra parte, no estaría tan sobrevalorado.
5.- Que los actores parece que se divierten con la cosa y que están estupendos.
6.- Que me he reído más que en muchas otras comedias al uso.
Y 7.- Que no pasará a la historia o entrará en el cajón de sastre de eso que llaman "de culto".
Fundido a negro. Fin. 

SEARCHING FOR SUGAR MAN

Puntuación: 10
Duración: 1 h 27 m
País: Suecia / 2012
Dirección: Malik Bendelloul

Increíble. Aquello de la realidad supera la ficción se cumple al cien por cien en esta historia donde los dioses del destino juegan con los humanos y cómo algunos les hacen frente con honradez y dignidad.
Rodriguez, un músico mexicano que deambulaba de garito en garito por la Detroit industrial de finales de los 60 y que fue descubierto como alguien más grande que Dylan. A mi me recuerda al mítico Jim Croce.
Grabó dos discos que apenas vendieron una docena de ejemplares y cayó en el olvido y puede que en suicidio. Quizás por que no quiso enmascarar sus orígenes o por falta de promoción en una industria siempre cruel donde los beneficios económicos siempre están por encima de la calidad de los artistas. O quizás por que sus letras ponían de manifiesto que el sueño americano para muchos podía ser una pesadilla.
Como en los cuentos, una semilla de su arte salió volando, cruzó los océanos y prendió en el alma de un pueblo sudafricano resquebrajando a golpe de música el apartheid.
Cuarenta años después dos de aquellos jóvenes deciden saber que fue de él. Lo que encontraron gracias a Malik Bendelloul forma parte de la leyenda y como cualquiera de ellas una lección de vida.
Mientras escribo estoy escuchando la banda sonora, un tesoro que quedo enterrado en las playas del olvido y que hoy nos devuelve  la esperanza de que no todo esta perdido.
I love Rodriguez.  

MANOLO ESCOBAR (1931-2013)

 Mi padre tocaba la batería, el acordeón y hasta se atrevió con un órgano eléctrico. Todo de oído. Vamos que le gustaba la música aunque no era su profesión. Aficción que servidor heredó. Así pues no hubo problemas en que en aquella España del 600 tuvieramos un tocadiscos y aunque servidor prefería Deep Purple o Pink Floyd, nunca faltaban los discos de Manolo Escobar. Era ante todo muy, muy popular.
Su música nadaba entre aguas de copla y flamenco pero con un toque generacional más "modernillo" al que impulsaba una alegría contagiosa cada vez que interpretaba, acompañado o no de sus famosos hermanos, y nos regalaba una sonrisa fotogénica de embaucador y truhan y al mismo tiempo de alguién integro y respetable.
Tiempos de postguerra, dictadúra y democracia. Manolo siempre se posicionó en un terreno. En el del artista que vive por y para su trabajo y nos regalaba una neutralidad emocional ajena a rencillas y partidismos.
A mi madre le encantaban sus películas, sobre todo aquellas que compartía con Concha Velasco y el gran Angel de Andrés. Su cine, más de 20 películas, con records de taquilla y sus innumerables premios avalan a un artista que se lo curró y mereció su reconocimiento.
Durante mi juventud y la de muchos fue un icono de aquella España casposa y retrograda que no nos interesaba nada. Cuando nos hicimos mayores el respeto y admiración por Don Manolo Escobar rellenó el hueco del estante donde nunca estuvieron sus discos.

LA EXTRAÑA VIDA DE TIMOTHY GREEN

Puntuación: 5
Duración: 1 h 45 m
País: USA / 2012
Dirección: Peter Hedges

 





 Decia Dylan que, los tiempos estan cambiando. Quien nos iva a decir que uno de los hijos de Frank Zappa uno de los gurus del rock, Ahmet, se dedicaría entre otras cosas a producir cine infantil y juvenil para Disney. No es que me parezca mal, por supuesto, pero la cosa le ha quedado tan light...,en fin, Peter Hedges dirije sin sobresaltos una comedia familiar, cara b, de Mary Poppins, donde es el niño el que ejerce de mentor de unos padres que quieren aprender a serlos.
Me recuerda a una revista que comprabamos de recien casados que se llamaba "Ser padres".
Todo transcurre de forma lineal y previsible en un tono anodino donde la lagrima facil es el desenlace inevitable. En el camino algunos consejos para futuros papás y poco más. La magia Disney se queda un poco en fiesta de cumpleaños.

EL ATLAS DE LAS NUBES

Puntuación: 6
Duración: 2 h 42 m
País: USA / 2012
Dirección: Tom Tykwer y Hermanos Wachowsky

El abuelo cebolleta presenta: "Tu cara me suena". En fin, bromas aparte la ambiciosa propuesta de Tykwer y los Wachowsky de llevar a la pantalla la novela del mismo nombre de Adam Mitchell del 2004 tiene mucho y bueno.
Durante dos horas de metraje (dura 42 minutos más), los directores demuestran que son buenos en lo suyo y nos atrapan en 6 historias através de diferentes épocas gracias a una cuidada producción, fotografia, maquillaje, música y unos actores afortunados que se lo pasan bomba jugando al maravilloso juego de encarnar diversos personajes de todo tipo y condición. La mezcla de géneros de cada historia tambíen complica y aporta los suyo. Pero sobre todo ello destaca un montaje vetiginoso, sutil y magistral de Alexander Bernner, que nos lleva en volandas por el espacio tiempo narrativo.
Pero...., en los últimos 42 minutos todo se derrumba como un castillo de naipes. Todo el credito alcanzado hasta el momento empieza a dilapidarse en cada una de las partes.
Por una lado parece que el presupuesto de esta producción independiente se les acaba y muchas de las escenas finales bajan considerablemente de calidad, por otro el desenlace individual de cada una de las historias no está ni de lejos a la altura de lo que prometian cada una de ellas y la justificación pseudo filosófica, supuesto hilo conductor de todas ellas, es cuando menos sonrojante. La sensación de frustración es importante.
Por el camino muchas referencias, a "Cuando el destino nos alcance" (Richard Fleischer / 1973), la novela "La chica mecánica"  (Paolo Gacigalupi / 2009), incluso la propia "Matrix".
La taquilla le ha dado la espalda, apenas han cubierto el presupuesto y la crítica, quizás ofendida por una de las escenas donde a un crítico se le da un "tratamiento radical", también. El atlas de las nubes, como en su primera imagen se desace de forma vertiginosa en su tramo final. Al menos fue bonito mientras duró.

BLUE VALENTINE

Puntuación: 9
Duración: 1 h 44 m
País: USA / 2010
Dirección: Derek Clanfrance

 







Absolutamente desoladora esta disección de un desencuentro, de una equivocación, de dos seres inseguros, honestos en sus sueños, que sueñan sueños diferentes y que las crueles flechas de un dios niño y ciego atraviesan cruelmente.
Decia W.Allen:"Algunos matrimonios salen bien. Otros..., duran toda la vida". Todavia en pleno siglo XXI, la unión familiar se forma y basa en demasiada cantidad de factores, culturales, religiosos, económicos, embarazos no deseados..., y un largo etc., ajenos no ya al amor (define amor) sino a aquello que somos y sobre todo a lo que queremos ser en este corto trayecto en el que coincidimos con otros.
Inmensos Gosling y Williams. Derek Clanfrance remueve con acierto las piezas de un puzzle insoluble. A veces me ha recordado, en ciertos momentos al cine de Wong Kar-wai. 
Al salir de la sala hay que pararse y tomar aire. !Uf¡ 
  

NO

Puntuación: 8
Duración: 1 h 54 m
País: Chile / 2012
Dirección: Pablo Larraín

 







Uno descubrió, en plena adolescencia, en un cine de verano de Villajoyosa que el mundo no era tan bonito como nos lo pintaban. Ocurrió con una película nada veraniega, "Llueve sobre Santiago" (Helvio Soto / 1975). La dictadura chilena desvirgó mi conciencia social y desde aquel verano hasta hoy ha seguido y sigue lloviendo mucho. Demasiado.
Basada en un pieza teatral, Larraín se consolida como director a nivel internacional con este su cuarto largo. Sabe de lo que habla, ya que fue publicista y su familia ocupó cargos en el gobierno. El tono documental con la movilidad de la camara, la fotografía deliberadamente sucia, con uso y abuso de planos (constantes reflejos del sol) a los que se les ve la intención, hace que su largo metraje se haga aspero. Lo compensa con un ritmo muy inteligente y una planificación excelente donde se cuenta todo lo que se quiere contar, desde la represión de la dictadura, la lucha de unos Mad Men chilenos del 88 por influir en la opinión pública el signo de su voto, el drama personal familiar de su protagonista, un estupendo Garcia Bernal y multitud de pequeños detalles como la soledad de su jefe en el momento de la supuesta victoria del Sí.....,etc.
Al final, la vida sigue, los implicados se acomodan y el pueblo, los pueblos, vuelven a su "stand by", hasta la próxima campaña comercial que nos diga lo bien o lo mal que van las cosas.

 

MARINA ABRAMOVIC. EL ARTISTA ESTÁ PRESENTE.

Puntuación: 10
Duración: 1 h 39 m
País: USA / 2012
Dirección: Matthew Akers y Jeff Dupre

"performance [se pronuncia aproximadamente 'perfórmans'] s. f. Espectáculo representado en directo ante un público, en el que se combinan diferentes formas de expresión, como la danza, el teatro, la música, el cine y las artes plásticas; se realiza con espontaneidad e improvisación, y pretende provocar: las performances surgieron en Estados Unidos en la década de 1970.

Diccionario Manual de la Lengua Española Vox. © 2007 Larousse Editorial, S.L."

Marina, 63 años cuando realizó esta performance en el MOMA de Nueva York, Serbia de nacimiento se autodefine como "la abuela de la performance".

Impecable documental sobre la artista y el trabajo "The artist is present". Una vida dedica a experimentar con la relación entre el artista y el público, que lleva a un descubrimiento del propio yo, através de explorar los limites de la mente y el cuerpo, acción y reflejo al mismo tiempo, donde el que contempla se siente contemplado, participe y observador de la obra cuyas implicaciones en nuestros sentidos son brutalmente directas, dejando que inconscientemente afloren nuestros propios sentimientos más encallados y podamos liberarnos y reconocernos en ellos.

Es dificil no emocionarse con ello. Este documental imprescindible sorprenderá y provocará todo tipo de reacciones negativas y positivas. De eso se trata. 

MAMÁ

Puntuación: 7
Duración: 1 h 37 m
País: Canada / 2013
Dirección: Andrés Muschietti

 







 La labor de Del Toro como promotor de nuevos talentos y productor es encomiable y aunque con resultados desiguales, en ocasiones como en este caso dan sus frutos. El director argentino Muschietti desarrolla su propio guión proveniente de un corto anterior y lo ejecuta con una producción impecable retomando un genero, el del cuento fantástico, heredero del maestro Poe que toma distancia del terror soez y gore al que nos tiene acostumbrada la industria mayoritaria. Espero que el enorme éxito de taquilla les ponga en el camino correcto.
No quiere esto decir que estemos ante una gran obra del genero pero si lo suficientemente atractiva para asustarnos y entretenernos lo justo para que demos por bien empleado el dinero de la entrada. La primera hora es estupenda y la cosa podía haber ido a más pero al final se conforma con estirar el planteamiento y le sobran algunos minutos, hasta un final donde donde lo poetico y la aventura digital consiguen un maridaje extraño pero efectivo.
Chastain aumenta su bien ganado crédito y las niñas cumplen a la perfección en una historia donde el susto se dosifica con buen criterio para al final dejar que los efectos tomen las riendas en detrimento del enigma.
Tras el éxito dicen que Muschietti se puede encargar del remake de "La momia", tiene buena pinta siempre y cuando los guionistas de "Prometeus" y "Los juegos del Hambre" no sigan cagandola. Con perdón.

LAS VENTAJAS DE SER UN MARGINADO

Puntuación: 6
Duración: 1 h 43 m
País: USA / 2012
Dirección: Stephen Chbosky

Tengo la sensación de que no ha sido buena idea encargarle al autor de la novela, no solo que la adapte sino sobre todo que la dirija.
Parece como si en todo momento fuera consciente de que lo que está contando es importante y no es una comedia "teenager" banal al uso. Por otro lado a sus dotes como realizador les falta rodaje y nunca mejor dicho. Le falta esa chispa que convierta a estos personajes que nos cuentan su historia en personajes que viven su historia. Del trio protagonista Ezra Miller destila más credibilidad que el emergente Logan Lerman al que siempre vemos actuando, bien, pero actuando. Y la bella Hermione, como Sam su personaje, dejo la preparatoria de Howards con buena nota y aún no acaba de tener claro donde seguirá estudiando. A priori no parece que el personaje de Sam que arrastra un pasado de chica "problematica" encaje con su imagen y desde luego no con su interpretación.
Se me hizo pesadito, este viaje iniciatico con amigos no convencionales, traumas infantiles y canto a los irrepetibles dieciseis, laberinto y torbellino en el que nos solemos perder en un maravilloso caos de vida que nunca volvera.
Casi na.
 

HITCHCOCK

Puntuación: 8
Duración: 1 h 38 m
País: USA / 2012
Dirección: Sacha Gervasi

 






 Cuando se realiza una película sobre un mito o una leyenda como Hitchcock se espera que sea una obra maestra a la altura del personaje referenciado y su obra. Esta de Sacha Gervasi, obviamente no lo es, lo cual no quiere decir que sea una película notable, adapatación de un libro que es el que es y no la historia que cada uno de los espectadores hubiesemos querido.
Gervasi, reputado guionista nos sorprendió agradablemente con su debut en la dirección con "Anvil"(2005) y sigue manteniendo el credito al atreverse a meterse en esta camisa de once varas através de Fox Searchlight. Al tocar muchos palos aprieta poco, como dice el refran, pero si lo suficiente para sugerir mucho y esto es más que suficiente para que disfrutemos de esta mirada indiscreta al rodaje de "Psicosis", recordemos sus anecdotas reflejo de una época y constatemos que el orondo amo del suspense tambien tenía una vida familiar de amor y frustación como cualquier hijo de vecino.
El tono amable y comercial junto con las mágnificas interpretaciones no evitan una cierta "bajada de tensión" durante algunos minutos. Sin embargo nos enganchamos enseguida en cuanto que surge el más minimo guiño a los que ya peinamos canas. Para las nuevas generaciones el cine ha dejado de ser el epicentro de su ocio y su referente cultural hasta un futuro "Renacimiento" donde la obra de Alfred estará de nuevo entre los clásicos. 

EL ÚLTIMO DESAFIO

Puntuación: 7
Duración: 1 h 47 m
País: USA / 2013
Dirección: Kim Ji-woon

 El ex-gobernador de california y  ha vuelto. A elegido bien este tebeo escrito por la pareja de guionistas de apellidos imposibles, prestandose a la autoparodia y con el que juega a sus anchas Kim Ji-woon en su estreno americano.
Woon no se complica, acción bien rodada sin tregua, buenos actores trufados entre los secundarios para apuntalar los escasos dialogos. Humor y cinefilia en las dosis justas y a comer palomitas. Este tipo de películas se suelen hacer con la maquina de churros y asi les va. Woon demuestra que sabe lo que se trae entre manos y con la ayuda de un montaje impecable y una BSO sugerente, cumple con notable con esa faceta que nunca debe perder el cine: entretener. Lo consigue.

JUEGO MORTAL
David Walton / 2008
La factoría de ideas / 2012
316 págs.

 
 A servidor no le acababa de cuadrar que un título tan vulgar y sobado como "Juego mortal" (el original es algo mejor: Mind Terminal) y una portada de corte juvenil casara con un premio Philip K. Dick. El comentario promocional de la editorial en la contraportada tampoco ayudaba mucho.
La importancia del premio, mi afición por la ciencia ficción y el aval del maestro Orson Scott Card me animaron a leer esta novela de bolsillo que pasa en un suspiro con una prosa al uso contemporaneo cinematografico (parece que se escribe pensando en el cine) y que tiene un buen puñado de elementos que la hacen muy interesante.
Futuro cercano donde la técnologia se usa y abusa para endiosar aún más el culto a la imagen y donde las diferencias entre ricos y pobres, una vez más son abismales.
Un puñado de personajes que merecian mayor desarrollo van confluyendo en un trama de thriller cuyo desarrollo a medida que avanza la historia no esta a la altura de la propuesta incial que es donde se encuentra su mayor acierto: un virus creado a partir de la clonación de una mente humana cuyo original perece y cuya copia se enfrenta al trauma de existir en un entorno exclusivamente virtual.
Todo sucede con excesiva premura, teniendo el lector que asumir algunos procesos de los personajes poco factibles en tan poco tiempo y al final quedarse con un regusto agridulce de lo que podía haber sido y no es.
Si cae en manos de un buen director y un buen diseño de producción la cosa puede llegar a donde se merece.


AI WEIWEI: NEVER SORRY

Puntuación: 7
Duración: 1 h 30 m
País: USA / 2012
Dirección: Alison Klayman

Es curioso que en este mundo "enredado" globalmente alguien tan reconocido como Weiwei sea al mismo tiempo desconocido para una gran mayoria.
La "novata" Alison Klayman se pegó a él durante dos años y su trabajo de producción independiente contribuye notablemente a acercarnos al artista, cuya obra más que interesante se funde con su faceta de activista en contra de la nueva sociedad china implantanda por un gobierno que solo abre la mano en aquello que reporta beneficios económicos a una inmensa, dada su población, minoria de nuevos millonarios, a costa de, como cualquier imperio presente o pasado, la falta de libertades y explotación de sus ciudadanos. 
El documental tiene baches en su parte central donde decae el interes, vemos poco de sus propuestas artisticas y apenas los trazos esenciales de su personalidad y entorno.
Weiwei vive permanentemente enchufado a los medios sociales utilizandolos como herramienta y arma para combatir la injusticia social, jugandose el pellejo y sabiendose arropado por un amplio apoyo internacional.
Se hecha de menos una minima critica por parte de un Weiwei que se curtió en las calles de New York hacia esos otros imperios que reprimen igualmente por otros medios y fagocitan el arte y los movimientos sociales incomodos, incorporandolos a su cartera de ventas y sacando beneficios de ello.

PROYECTO NIM

Puntuación: 9
Duración: 1 h 33 m
País: Reino Unido / 2011
Dirección: James Marsh

 Antes de cualquier otra consideración, este documental junto con "The cove" (Louie Psihoyos / 2009), debería estar incluido en los planes de educación de cualquier nación, reflexionar y trabajar sobre ellos, en los institutos.
Nuestro lugar en el mundo, la relación con los seres vivos que nos rodean y nuestro habitat deja mucho que desear cuando afirmamos arrogantemente que somos el ser vivo más evolucionado del planeta.
Que la especie humana es una lacra para todo lo que vive y que arrastraremos en nuestro egoismo e irresponsabilidad a la mayoria antes de nuestra propia extinción es algo tan evidente como que todos los seres vivos comparten con nosotros los sentimientos elementales como  dolor, amor, frustración...., etc, llamemoslos como los llamemos, definamoslos como los definamos con las lógicas diferencias de especies.
Todas las especies estan dotadas de inteligencia, por mucho que queramos definir inteligencia como un termino exclusivamente humano.
No somos más que ningún ser vivo; de hecho, en terminos generales, cualquier insecto o bacteria tiene mucha más capacidad de supervivencia que nosotros. Existen desde hace mucho más tiempo y existiran despues de que desaparezcamos.
Somos unos recien llegados engreidos que siempre hemos pensado que todo gira en torno nuestro, nuestros dioses y nuestros deseos.
Afortunadamente algunos son capaces de extender y transformar nuestra inteligencia en el inmenso placer de dar y recibir, de compartir el amor por la vida con otras especies y más si son tan próximas  a la nuestra.
La vida de Nim es un ejemplo brutal y aleccionador que el afamado documentalista James Marsh ha sabido poner de relieve. Desgraciadamente el caso de Nim es un grano de arena en el gran óceano de desprecio, maltrato y explotación con el que malvivimos con los animales y plantas.Por otro lado el subtexto que subyace en el documental dice mucho también de aquellos a quien conoció Nim, para bien y para mal.

BREAKING BAD (Temporada final)

Puntuación: 9
Duración: 8 episodios de 45 m. aprox.
País: USA / 2013
Creador: Vince Gilligan / AMC

 En estos tiempos afortunados para las series televisivas de calidad, algunas superan la notable media y quedarán en la memoria de los espectadores. Breaking Bad por derecho propio será una de ellas. Aquello de la mejor de los mejores no tiene mucho sentido y sobre gustos pintan colores.
La historia alucinante de este hombre que pasa de dar clases de química a sobrevivir en los infiernos e incluso hacerse un nombre respetable en ellos nos ha dado momentos adrenaliticos y hemos disfrutado de sus músicas, su realización trepidante  y original y sus actores en estado de gracia permanente. Amén de unos guiones para quitarse el sombrero de Heisenberg.
El tramo final, estupendo para unos y defraudante para otros ha tirado por el camino del medio. A mi juicio compendio de todos los valores y defectos de la serie.
Walther White no puede terminar cayendo en níngun extremo, ni bueno ni malo porque es el prototipo del ser humano capaz de lo mejor y lo peor: egoismo personal, la necesidad de inmortalizarse, de ser algo o alguien antes de morir, de amar a su prole y de dejar salir sus demonios más crueles en momentos puntuales, de acariciar a un bebe y apretar el gatillo y sobre todo de subsistir por encima de todo.
Jessi escapa y no vemos el útimo suspiro de Walter ni sabemos el alcance de su herida de bala ni si su cancer puede volver a remitir.
Afortunadamente han sabido cortar la serie a tiempo antes de que se les fuera de las manos. Pero Walther/Heisenberg dice a su hijo que no se va a ir a ninguna parte y la puerta ha quedado abierta para que algún día, ojalá, cumpla su palabra.
Habrá que ponerse a cocinar.

IL VILLAGGIO DI CARTONE

Puntuación: 8
Duración: 1 h 27 m
País: Italia / 2011
Dirección: Ermanno Olmi

 El maestro Olmi sigue ejerciendo de tal y a pesar de que había renunciado a volver a filmar ficción nos regala a los 82 años una lección de cine magistral.
En su linea de cine social, sigue apostando por los más desfavorecidos. Cuando contemplo esta cinta acaba de ocurrir la inmensa tragedia de Lampedusa con cientos de inmigrantes fallecidos. El trabajo de Olmi denuncia, entre otras cosas esta lacra social que imponen la barreras absurdas, el miedo a lo diferente y las losas religiosas cuyos dogmas arrastramos y con las cual nos escudamos y aislamos para preservar nuestros privilegios a costa de que otros no los tengan.
Olmi compone una obra atemporal, mágica, teatral y profundamente espiritual donde las dudas y las certezas se entremezclan en ambientes y cuerpos impecablemente, retratados, iluminados y encuadrados destilando belleza. Michael Lonsdale rezuma humanidad y el resto componen estampas corales donde las miradas y los silencios tocan todos los matices prohibidos o no. Es el espectador el que debe elegir cualquiera de los caminos que propone la cinta y deducir sus propias conclusiones.
Quiza la parquedad y sencillez de la propuesta sea al mismo tiempo virtud y defecto para una obra singular y ejemplar.

EL CUARTETO

Puntuación: 8
Duración: 1 h 35 m
País: Reino Unido / 2012
Dirección: Dustin Hoffman

 El cuarteto comienza "piano" y suavemente va "in creschendo", con un ritmo "allegro ma non troppo", hasta un explendido final.
Hoffman ha cumplido con notable su debut como director con una comedia enmarcada en el estilo britanico en el que subyace una corriente invisible pero efectiva del mejor cine comercial americano y una apuesta decidida por el trabajo de los actores.
Para ello, como decía el maestro Wilder, se rodea de los mejores y les da cancha. Hoffman de actuar entiende algo y el reparto se lo agradece con unas interpretaciones mágnificas.
A sus 76 años hace suya la frase atribuida a Bette Davis y usada en la cinta de: "La vejez no es para cobardes". 
La amarga pildora que todos tenemos que tragar, nos la envuelve en un suave caramelo musical (estupenda la BSO) y cala en nuestras conciencias. Mientras que el cuerpo y la mente aguante seguiremos siendo lo que somos por mucho que el espejo intente engañarnos.
Delicioso trabajo.

ELISENDA Y OTROS CUENTOS QUE NUNCA ME CONTARON.
Antonio Asensio Mahillo
Edit. Libertarias-Prodhufi / 1996 / 388 Págs.

He recurrido a una imagen con la que pudiera haber ilustrado estos cuentos ya queme ha sido imposible encontra la original de la portada de este libro de cuentos para adultos que vino a buscarme, como su autor, por azar y con el que he disfrutado y me ha sorprendido.
Mahillo, vecino extremeño, coincidia con un servidor en su actual profesión sin que uno llegara a sospechar las inquietudes y la cultura extensa que atesoraba este hombre "anonimo" que bien hubiera podido ganarse el sustento con su buen hacer con las letras.
Desconozco los recovecos de su vida pero ciñendome a lo impreso, sus cuentos, relatos cortos de apenas cinco hojas de media por relato conjugan una erudición exquisita con una visión del mundo desgarradora, donde la naturaleza esconde bajo su inmensa belleza, Mahillo crea atmosferas y descripciones poeticas sobre los entornos naturales con maestria y deja traslucir que debe ser buen conocedor del mundo rural, de amaneceres, ocasos, lunas, rocios, dehesas, bosques, animales....etc, una crueldad terrible sin premeditación ni alevosia.
El hombre acaba sucumbiendo a sus pasiones y al azar inmisericorde sin que pueda hacer nada por evitarlo. Hay en sus cuentos un destino aleatorio donde los sujetos, animales, personas o cosas ruedan en la ruleta del azar ajenos a Dioses y dioses, que brillan por su ausencia o destacan como figuras necesarias de la imaginación de los poetas.
Muchos de sus cuentos nos recuerdan a Poe, su humor es casi siempre sutil y amargo y su prosa emerge de las brumas de otros tiempos, ya no se escribe con tanto gusto por la palabra, pecando a veces de una acumulación de erudición en sus parrafos que al mismo tiempo que embellecen y dignifican lo escrito hacen de lastre para unos tiempos donde lo visual aporta un ritmo endiablado al que Mahillo conscientemente renuncia.
Son cuentos para leerlos despacio, para degustar de la palabra. Son cuentos terrorificos en su cruda exposición de la realidad caprichosa, son cuentos que efectivamente nunca nos contaron y que merece la pena descubrir.
El mismo destino caprichoso los puso en mis manos. Me alegro por ello.
 

CORIOLANUS

Puntuación: 6
Duración: 2 h 2 m
País: Reino Unido / 2011
Dirección: Ralph Fiennes

 





 Fiennes apuesta fuerte en su debut tras las cámaras con su amado y representado Shakespeare. Sin embargo elige una de sus últimas obras, una tragedia que no goza del predicamento de su repertorio mundialmente conocido. Aqui todo es más espeso y los "secundarios" no ofrecen tantos matices. Todo queda en un cuerpo a cuerpo entre las clases sociales. Las "aguilas" desprecian a los "cuervos" a los que presuntamente defienden y estos son manipulados con facilidad en cuanto sus ideales siempre se han constreñido por parte de esas mismas aguilas a conseguir el pan de cada día. No deja de ser un sistema feudal donde el señor da protección a cambio de vasallaje.
Fiennes juega con la forma y lo encuadra en una actualidad que si bien no es nada nuevo, demuestra que los textos del bardo aguantan lo que les echen, pero actualidad al cabo en la que es dificil encajar ciertos presupuestos pre revolución francesa.
Es en el alma de sus protagonistas con sus pasiones inmortales donde siempre encajaran los textos del poeta. El orgullo clasista del Consul Coriolano recuerda vagamente al fascismo mussoliano en algunos de sus aspectos, sin desvelar las razones y sentimientos que le provocan sus actos.
Fiennes defiende con pasión y desigual acierto sus momentos y Brian Cox brilla especialmente en su personaje sin necesidad de aspavientos. La Redgrave, lleva a Shakespeare en las venas, aunque se me antoja que va con el piloto automatico.
Como director Fiennes se limita a servir el texto con eficacia sin arriesgar lo más minimo, como para no molestar al genio.

EL VUELO (FLIGHT)

Puntuación: 7
Duración: 2 h 18 m
País: USA / 2012
Dirección: Robert Zemeckis

A sus 62 años Zemeckis ya tiene su hueco en la historia del cine. Su obra siempre amena, variopinta, conjuga una dirección clásica con innovaciones en el campo de la animación y los efectos especiales. Cine sin sobresaltos donde se han alternado éxitos brillantes con otros menos "rentables".
El descenso a los infiernos del alcohol supone su aportación a un tema que ya ha dado obras maestras (Días de vino y rosas / 1962 / Black Edwars) y le viene un poco grande a esta historia del piloto comercial que es capaz de salvar vidas ajenas mientras va dejando morir la suya. Una primera media hora impactante donde el director vuelve a demostrar que maneja la acción y los efectos con maestria y a partir de ahí un drama desigual donde Washington nos enseña el borde del abismo sin que él ni el guión se atrevan a descender por él más de lo necesario para conformar al respetable con la redención de un final amable.
Escenas como la visita al copiloto son lo más cercano que nos dejan acercarnos a la lucha interior de este héroe alcoholico.
Pudo ser una gran película. Es una buena película.  

BESTIAS DEL SUR SALVAJE

Puntuación:8
Duración: 1 h 31 m
País: USA / 2012
Dirección: Behn Zeitlin 

No tengo muy claro lo que este novel director neoyorkino quiere contar en este su mágnifico debut. Probablemente abarca más de lo que aprieta. Pero lo hace tan bien, con tanta fuerza visual y dominio del lenguaje y los recursos fílmicos que nos hipnotiza y nos dejamos sumergir en las aguas cochambrosas de ese Sur de cualquier lugar donde se hacinan los "uri urus", humanos salvajes desechados que se resiten a morir sin dignidad. Si además la niña de nombre imposible ejerce de hechicera suprema de una historia donde la fantasia se convierte en valvula de escape para poder superar perdidas irreparables y dejar constancia de que se ha existido y todo ello a caballo de una banda sonora estupenda pues....

Peros los tiene y los saltos entre la inmundicia a ras de agua y las metaforas oniricas no acaban de cuajar como debieran con la mirada localista y el drama familiar. Así y todo una de las más sugerentes películas del año.

 


EL LADO BUENO DE LAS COSAS

Puntuación: 5
Duración: 2 h
País: USA / 2012
Dirección: David O. Russell

Ni "Tres reyes"(1999), ni la premiada "The Figther" (2010), pusieron a Russell en mi punto de mira como director interesante. Con esta comedia deslabazada con pretensiones sigue estando fuera o incluso incluido en la lista de los que no me interesan. Su propuesta es ciertamente, como se ha escrito, repetitiva, cobarde y según ¿avanza? la cosa puede que ñoña y desde luego vulgar, insípida o cualquier adjetivo parecido.
La presencia estimulante (en todos los sentidos) de Jennifer Lawrence siempre se agradece pero ella sola no consigue levantar el asunto. Se llevo el Oscar de Naomi Watts por "Lo imposible", pero ella no tiene la culpa.  Esta chica merece mejores guiones y directores.
Pareja psicologicamente tocada con familia ludopata estrambotica son mimbres prometedores si el tejedor de mimbres tiene buenas manos. No es el caso. 

TABÚ

Puntuación: 10
Duración: 1 h 40 m
País: Portugal / 2012
Dirección: Miguel Gomes

Doy por hecho que no seré capaz de convertir en palabras el cumulo de evocadoras sensaciones de este folletín que condensa de forma simple y magistral toda la esencia del cine. Como homenaje al septimo arte me parece perfecto. Gomes y Marianna Ricardo desarrollan un guión alambicado que no escatima elementos nobles y básicos de este arte de sueños, para destilar de forma invisible y sencilla un elixir tan único e irrepetible como volatil. Aquellos que hallamos tenido la suerte de tener los sentidos despejados y libres de prejucios durante 100 minutos, (lo siento por mi admirado Boyero) habremos recibido un shock inesperado, una fragancia de aromas pasados, presentes y futuros dificiles de olvidar.
Dicho esto, "Tabú" muere inmediatamente como los ruiseñores si se la encierra en salas comerciales donde el nombre de Griffit o Melies ya nada importa. Aún así el melodrama funciona como a funcionado siempre, el humor (me he reido más que en muchas comedias) podría estar firmado por Woody Allen en muchas de sus lineas y la actuación de las actrices en su primera mitad "hablada" es fantástica.
La soledad vital de Pilar, te deja temblando en la escena del cine junto a su acompañante y a uno le cabe la sospecha de si toda la historia no es más que una ensoñación de la propia Pilar que toma de la pantalla la ficción para construirse una realidad que suplante la mediocridad de una vida de "buena persona".
En este caso los personajes no salen de la pantalla sino que el espectador los traslada fuera de ella para introducirlos en su propia realidad alternativa.
En fín...la mirada colonial, la magía de los ojos pintados en la penumbra del blanco y negro inmortal, la utilización tan descarnada y brutalmente efectiva de la música, empujando en el momento justo para que rueden cuesta abajo los sentimientos. !Uf¡
Me rindo. Les dejo con el comentario más acertado pero menos apasionado del New York Time, el cual subscribo en su totalidad:

"Tabu es la palpitante demostración de cinefilia en acción. Para el Sr. Gomes, antiguo crítico de cine, el extinguido estilo y tono del cine clásico no es base para la imitación o la parodia, sino más bien sustento para el material onírico comunal, para ser explotado por algo nuevo y misterioso."

Que grande es el cine.
 

LINCOLN

Puntuación: 6
Duración: 2 h 29 m
País: USA / 2012
Dirección: Steven Spielberg

No vamos a descubrir ahora el talento sobradamente demostrado de Spielberg. Pero en su curriculum tenemos al Spielberg de obras maestras como "La lista de Schindler" y al Spielberg al que se le va el control y el metraje dandole vueltas a la noria sin que la cosa acabe por cuajar como "El imperio del sol" y entre medias, de todo como en botica, desde ETs y Tiburones hasta truños como "Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal". Pues eso, que no es oro todo lo que reluce y en Spielberg reluce mucho porque sus diseños artisticos y de producción suelen ser como en este caso apabullantes.
Otra cosa es que el guión basado en la novela de Doris Keam necesite que tengamos la enciclopedia a mano para que nos enteremos de la farragosa exposición de los tejemanejes políticos que como en todas las épocas manejan los hilos entre bambalinas. En este caso la aprobación de la decimotercera enmienda que abolió la esclavitud en los Estados Unidos.
La historia se inicia ya en el segundo mandato del presidente y los antecedentes de la situación en que se encuentran los personajes en la cruenta y caotica guerra de secesión no estan suficientemente claros para que cojamos este tren en marcha y nos enteremos a donde quiere llegar.
La magistral simbiosis de Lewis con el fisico del personaje y sus delicatessen en cada pausa, o frase que larga, no conllevan que entendamos de que va este hombre, que justificó los medios no siempre democraticamente correctos para conseguir dignos fines dignos.
Sabemos que su matrimonio (explendida como siempre Sally Field) daba para mucho más y las relaciones con sus hijos me parecen que no tienen la fuerza necesaria que justifiquen los minutos que le dedica el director. Aspectos como su probable homosexualidad tampoco son tratados amen de algún guiño para aquellos que ya esten sobre aviso.
Asi que la carta principal de la partida se la lleva la emoción de la votación de la enmienda, que aparte de que ya sabemos como termina se diluye en un maremagnun de congresistas cuyas cabezas visibles como Tomy Lee Jones se esfuerzan por ejercer de faro ante tanta barahunda.
Se me hizo eterna, esa es la verdad con esa fotografía sepia que lo entristece todo y la épica final llega tarde si es que llega con unas imagenes algo simplonas que no estan a la altura del personaje ni del director.
"Whar horse" su anterior trabajo tampoco cuajó. ¿Se acerca su próxima obra maestra?

                               

DJANGO DESENCADENADO

Puntuación: 9
Duración: 2h 45 m
País: USA / 2012
Dirección: Quentin Tarantino

 Cuando uno es un genio, Tarantino lo es, puede entrar a saco, como es el caso, en cualquier género. Su inmensa erudición de vidoclub le permite junto con su don natural para esto del cine mezclar y remezclar sin que el producto final pierda su esencia y el cocktel nos explote en la imaginación, y el resto de los sentidos con un exquisito sabor personal.
Este reverso salvaje de "La cabaña del Tio Tom", mágnifico Samuel L. Jackson, nos tiene pegaditos a la butaca mientra su director salta de acá para allá entre homenajes, dramas brutales y escenas dignas de los Monthy Pyton (la del KKK con sus máscaras es impagable). Todo ello aderezado "on the rocks" con temas musicales impensables en ciertas escenas y que incomprensiblemente maridan como el mejor vino con una buena carne.
Waltz, Di Caprio, Foxx, lo bordan. Hay de todo lo que tiene que haber en un Western que se precie y auque algunas de las escenas no esten del todo bien resueltas a pesar del estupendo guión la cosa no decae en las casi 3 horas de fiesta.
No es Peckimpack, no es Fuller, no es Ford, es Tarantino gran maestre de la orden de la pantalla que los idolatra y los revive momentaneamente en la cripta oscura y olvidada de las salas de barrio donde se sacrifica la realidad y comulgan nuestros sueños.

EL LEGADO DEL TIEMPO
Michael Cox / 2008
Edit. Planeta / 2011 / 712 págs.

 

 No pudo Cox, fallecido por enfermedad en el 2009, completar la trilogía que le hubiera gustado sobre la famila Duport en la Inglaterra Victoriana. Sin embargo su afición sobre esa época teniendo como referencia al maestro Dickens dió su fruto en dos novelas. El éxito de la primera, "El significado de la noche", abrió la puerta a su continuación. Este "Legado del tiempo" se lee sin ningún problema si no se ha leido la anterior.
La prosa de Cox es nítida, contundente, fluida y sorprende como puede "estirar" 712 páginas sobre una intriga en muchos momentos previsible apoyandose en unos personajes bien definidos y en una técnica narrativa llena de recursos que va dosificando magistralmente para que no podamos desengancharnos de sus páginas.
La mansión Everwood y su entorno ídilico se contraponen al Londres bipolar, donde la suciedad y el peligro conviven con los oropeles del imperio.
La joven Esperanza irá narrando en primera persona su aventura personal en busca de un destino enredado en una madeja que Cox desenreda pausado y ordenado como mandan los cánones de la época.


LOLA VERSUS

Puntuación: 5
Duración: 1 h 27 m
País: USA / 2012
Dirección: Daryl Wein

Probablemente lo más interesante de esta película si no se es veinteañero, es ¿qué hace una señora dama de la interpretación como Debra Winger en ella?.
De acuerdo que se retiró a menos que le ofrecieran proyectos de calidad pero esta comedia indie con pretensiones solo le ofrece un escueto cameo. En fin, planteado el misterio, Greta Gerwig añade más méritos en su currículum "off" a la espera de que no se le pase el arroz esperando. La chica vale.
Otra cosa es la empanadilla mental de su personaje, esta chica "modelna" a la que se le echan encima los treinta sin vender una escoba y entre risitas de maría y pucheros con amigas "ways" descubre que puede caminar por si misma sin necesidad de etiquetas, ni sucedáneos  Todo ello contado sin pena ni gloria y sin tomar suficiente distancia cualitativa con las cadenas de montaje de comedias de las majors.
Lola en su lucha versus el público ni pierde ni gana si no todo lo contrario.

AMOR

Puntuación: 6
Duración: 2 h 7 m
País: Austria / 2012
Dirección: Michael Haneke

Unanimidad en la critica especializada mundial el pasado 2012. Obra maestra.
Con la libertad que me otorga mi individualidad subjetiva que conlleva el precio de mi entrada, me atrevo a decir con el debido respeto que me aburrí si no mucho, lo suficiente.
Parece que Haneke, con él que he "disfrutado" en "La cinta blanca" o "Funny games", por citar su última hornada, hubiera descubierto la pólvora o en este caso el secreto de la vida. Todo está inventado y la cuestión es como contarlo.
El hecho de que Haneken no saque la cámara del piso de este matrimonio acomodado y culto y ruede con exquisita sencillez a unos actores maravillosos tampoco es suficiente.Los minutos pasan y el hecho de que somos un compendio de "bichitos azarosos" que juegan cada segundo a una ruleta rusa que no entiende de cultura ni estatus sociales ni morales y mucho menos de amor, es algo sabido por mucho que intentemos engañarnos y el posterior desarrollo del guión es muy previsible sin que la lenta y minuciosa observación de la degradación y sus implicaciones cotidianas nos aporte algo más que desasosiego y esperanza de que la cosa acabe pronto.
!Que el tema da para mil y una reflexiones sobre como cada cual lidiará el toro que nos toque!. Pues claro.
Pero la historia del cine está llena de mejores propuestas sobre el tema.
"La vida es larga y maravillosa", dice ella. No es verdad, es muy corta y en la ruleta de la misma el rojo y el negro se suceden a una velocidad vertiginosa y para la mayoría que no poseen dinero, cultura y estatus siempre la bolita cae en negro aunque tengan amor.
Lo dicho, una obra maestra. Lo dicho, me aburrió. 

JACK REACHER

Puntuación: 7
Duración: 2 h 10 m
País: USA / 2012
Dirección: Christopher McQuarrie

La verdad es que tal y como está el patio en el thriller de acción con un Nicolas Cage intentando dar dignidad a lo infumable, esperaba que esta adaptación de las novelas de Lee Chid sobre este "Harry el sucio militar" que va por libre desenfaciendo entuertos sería un producto alimenticio a mayor gloria del personaje tipo en el que parece encasillarse últimamente Cruise. Pues no. O casi. Pues aunque abunda en elementos comunes mil veces vistos en el género esta rodada con pulcritud intachable por McQuarrie y Cruise nos recuerda, aunque no le vaya fisicamente el personaje que tiene en su curriculum un buen puñado de títulos en los que ya ha demostrado su nivel actoral mucho más allá de las "misiones imposibles". Con un guión aceptable de novela de bolsillo entretenida, incluso con momentos de humor, se hecha sobre sus musculados hombros todo el peso de la cosa, con el permiso en sus escenas del siempre magistral Duvall, y sale airoso.
Las dos horas y pico se pasan volando y a lo mejor hasta no nos parece mal que las aventuras de esta bestia parda que Cruise ha suavizado tengan secuela. No es para tirar cohetes. Pero como deciamos al principio, tal y como esta el patio...

 


THE MASTER

Puntuación: 8
Duración: 2 h 17 m
País: USA / 2012
Dirección: Paul Thomas Anderson

 Dicen los que entienden de esto que Paul Thomas poseé total libertad creativa. Tiene su propia productora y escribe sus propios guiones. Aún no siendo suficiente supongo para financiarse totalmente, ha conseguido un estatus entre los mejores directores de la historia.
La pregunta: ¿es para tanto?. Es innegable su estilo propio y un nivel más que notable en su lenguaje narrativo, amén de posibilitar grandes actuaciones de sus actores, pero....
Le descubrí con la agradablemente sorprendente y original comedia "Punch-Drunk Love" y resistí con facinación la genial e insufrible a partes iguales "Pozos de ambición". 
Su utilización de la música excesivamente presente, sus elipses muchas veces caoticas, y sus metrajes alargados por escenas en las que parece indicarnos que estamos contemplando algo de significados ocultos e importantes cuyas claves solo estan al alcance de un élite, pueden, todo ello, lastrar un conjunto de una obra poderosa y sugerente.
Supongo que el no haber visionado otros de sus afamados trabajos, condiciona mi visión sobre este aún joven director que promete mucho más de lo que ya nos ha dado.
Y dicho esto, pues que Phoenix y Hoffman se salen. Curiosa la composición de Phoenix, a veces recordando una caricatura de de Jim Kelly, con su brazos en jarras y ciertos andares que deforma en un reverso tenebroso  la imagen que nos daban esos marineros idilicos que nos ofrecia Stanley Donen en "Un día en Nueva York".
El machaque mental y la posterior deriva social de cientos de soldados que sobrevivieron al conflicto mundial queda retratado magistralmente en este personaje. Individuos que paradojicamente son la misma carne de cañón que aquellos burgueses adinerados de una sociedad igual de vacia, que necesitan creer en algo despues de que el Dios convencional se alla apuntado en su cuenta millones de atrocidades en solo medio siglo.
La cienciología o cualquier otra sociedad fruto de las paranoias visionarias de cualquier gurú iluminado e inteligente, (genial Amy Adans como la mujer en la sombra) simpre hecharán sus redes en un terreno cada día más abonado.
Laura Dern exprime sus cortas escenas magistralmente y la cinta contiene otras muchas, en diferentes niveles dramáticos, realmente al más alto nivel.
Una gran película cuyos meritos y aciertos los pone el propio estilo personal de su director.

LA NOCHE MÁS OSCURA

Puntuación: 8
Duración: 2 h 37 m
País: USA / 2012
Dirección: Kathryn Bigelow

El tandem Bigelow y el guionista Boal mantienen el credito ganado con la premiada "The Hurt Locker". Siguen apoyandose en esos seres anónimos que por alguna razón, que en este caso desconocemos, más alla de aquello de la profesionalidad y el deber para con la patría, ejercen de perros de presa incansables y ejecutores de misiones en las que apuestan con su vida.
La narración "historica" en tono periodistico en la mayoría de su metraje de aquellos momentos claves que supusieron un avance para encontrar a Bin Laden, estan narrados con una mezcla de asepsia y objetividad, convirtiendonos en espectadores privilegiados de una guerra fria, de un espionaje técnologico y pedestre a la vez que actualiza el género de espias de la segunda mitad del pasado siglo.
Es cierto que Bigelow no esconde ni los aspectos más desagradables, ni los lentos procedimientos, fracasos y tensiónes internas para escarnio de su país, pero sin hacer demasiada sangre en ello y si bien no juega a buenos y malos, deja caer con cierta ingenuidad y en algunos minutos torpeza previsible el peso en la balanza occidental.
Redondea el asunto con una parte final memorable en cuanto a sentido cinematografico con un montaje sobresaliente que es capaz de hipnotizarnos aún a sabiendas de como acabará el asunto. Los secundarios de lujo dan entidad a sus escenas y Chastain se lo curra en un personaje maniatado por un guión que nos esconde muchos de sus interrogantes.
Dice el refrán: "Cuidado con lo que pides, que te lo pueden conceder".  Ahora que unos y otros han llegado a su casilla final, se encuentran con que los puentes que los salvaban de sus abismos personales y sociales, se han derrumbado y los abismos permanecen. 

EL HOMBRE DE LAS SOMBRAS

Puntuación: 4
Duración: 1 h 45 m
País: Canadá / 2012
Dirección: Pascual Laugier

Probablemente desde "El sexto sentido", se impuso la moda en las cintas de misterio o terror el hecho de un final sorprendente que justificara todo el embrollo anterior.
Hay que reconocer que aquí hay uno interesante y sugerente que daría para el comienzo de una película cuando menos polémica. Sin embargo no alcanza para justificar hora y media de lugares comunes, con un  pseudo remedo de Twin Peaks sin la magia de Lynch, bastante plano, sin interpretaciones relevantes, que va saltando de tono alegremente sin pudor o justificación y  sin llegar a mojarse en ningún genero de los que va picoteando.
Con una primera media hora realizada con el manual de dirección en la mano, donde el paisaje y el gasto en helicópteros se lleva la palma, va cayendo en las lindes televisivas a medida que situaciones inverosímiles abren la puerta a los bostezos.
Si la firmaran en USA, a parte de cambiarle la pretenciosa banda sonora, la casquería o los sustos de feria hubieran engordado la cosa, pero como es francófona, la pajilla mental erudita nos descubre que tiene mayores pretensiones.
PD: La verdad es que me ha costado encontrar una imagen que mereciera recordar.

(12 Septiembre 2013)

ASÍ SOMOS

Puntuación: 7
Duración: 1 h 54 m
País: USA / 2012
Dirección: Alex Kurtzman

Se le agradece al sr. Kurtzman que reinvierta parte de sus ganancias como guionista de taquillazos comerciales (esta tampoco deja de serlo) en historias más "humanas". No solo lo hace con el guión sino que debuta detrás de la cámara y no se le da nada mal con una primera mitad muy engrasada que corre que se las pela en una planificación inteligente e impecable. Después y dado que la cosa se va poniendo más seria levanta el pie del acelerador y se deja llevar por lenguajes narrativos más convencionales, aunque sin que de tiempo a que perdamos el interés por este reencuentro familiar a ritmo de rock, folk, country....; al final el drama que podía haber dado mucho más de si, aunque no creo que Kurtzman lo pretendiera  se queda en una bonita historia con un final original y delicioso.
La Pfeiffer empieza a asumir sus 55 tacos con dignidad, Pine reclama algo más que ser comandante de la flota galáctica y el resto nos hacen creíbles sus roles.
A pesar de que su paso por taquilla ha sido efímero está claramente por encima de la media, nadando con humildad entre tanto exceso de pesos "pesados". 

CIRCO DU SOLEIL. MUNDOS LEJANOS

Puntuación: 10
Duración: 1 h 31 m
País: USA / 2012
Dirección: Andrew Adanson

 







 A veces sucede que el arte en cualquiera de sus facetas consigue parar el tiempo.
A veces sucede que el espiritu es tocado por una música, una danza, una interpretación, una luz, una palabra... y uno acaba creyendo por unos mágicos minutos que la raza humana esta hecha a imagen y semejanza de los dioses.
A veces.
La simbiosis perfecta entre estos reinventores del circo inmortal, la música, y los herederos de Melies consiguen que cerremos la puerta al exterior, a la realidad y nos dejemos llevar a mundos lejanos  allá donde no llega la razón.
A veces el hombre juega. Con el agua, con la arena, con el aire, con su cuerpo y a veces, solo a veces todo lo demás no tiene importancia.

MÁS ALLÁ DE LAS COLINAS

Puntuación: 6
Duración: 2 h 30 m
País: Rumanía / 2012
Dirección: Cristiam Mungiu

Mungiu tuvo el honor de abrir la puerta internacional al más que aceptable cine rumano actual, con un puñado de directores interesantes con él mismo a la cabeza.
Después de la impactante "4 meses, 3 semanas, 2 días" esperábamos con ilusión su nuevo trabajo. En él, Mungui construye un relato basado en uno ya existente sobre unos hechos reales y apunta muy alto. La primera hora promete y mucho. Entra a saco en el mundo ortodoxo de la religión como un elefante en una cacharrería a través de una chica desarraigada que se aferra al único amor conocido, una amiga de orfanato que a su vez a encontrado refugio entre los "muros" que ofrece la religión, con la "seguridad" de sus normas y preceptos que adormecen el alma para consagrarla a la dura rutina de servir a un Dios enmarcado en bellos iconos que se comunica mediante un sacerdote-guia-padre-confesor... Ahí, es nada. La madre del cordero entre lo divino y lo humano.
La esplendida fotografía de Oleg Mutu y el buen trabajo coral contribuyen a crear la atmósfera ideal para ello con una cuidada dirección artística del propio Mongui. Pero ahí acaba todo. El material es tan fuerte e inestable que se le va de las manos y prolonga la situación en una especie de deriva sin rumbo durante !hora y media más".
Salir airoso no era fácil, lo comprendemos pero,"Manolete, si no sabes torear....". 
Solo por lo que sugiere la primera hora ya vale la pena, el resto es un cascabel que alguien debería atreverse a ponérselo al gato.

!ROMPE RALPH!

Puntuación: 10
Duración: 1 h 41 m
País: USA / 2012
Dirección: Rich Moore

 Como en los vinos, la cosecha del 2012 en el campo de la animación se recordará como una de las mejores de este siglo XXI. En este caso la competencia si que ha servido para lanzar una carrera a la excelencia sin parangón superandose unos trabajos a otros para regocijo de todo.
Disney, despues de fagocitar respetuosamente a Pixar, madre del cordero de esta nueva edad de oro, se lleva el gato al agua con el Oscar de "Brave" y acaba dando la puntilla al año con esta maravilla de la originalidad, el ingenio y la técnica.
El mundo de los videojuegos aún no tenia un homenaje como se merece y el cincuentón Rich Moore esta en ese punto intermedio para saber lo que fue y lo que es este nuevo universo capaz de destronar al cine del primer puesto en el ocio de las nuevas generaciones. Claro que él cine de momento es mucho más que ocio.... pero los videojuegos cada vez se parecen más a él. Su trabajo en "Los Simpson" y "Futurama" ya dan una idea de que como Ralph, su cerebro esta deliciosamente "volao".
Aqui "Tron" se da la mano con los come cocos o con "Halo" en una delirante aventura llena de buen humor y amistad, con moraleja universal incluida entre carreras, alienigenas y caramelos.
Una banda sonora excelente nos pone las pilas para que disfrutemos de lo lindo sabiendo que cuando llegue el Game Over, siempre nos quedarán ganas de volver a jugar. Eso sí, con el inevitable: Insert coin. Vale la pena.

WOODY ALLEN: EL DOCUMENTAL

Puntuación: 9
Duración: 3 h 40 m (dos partes)
País: USA / 2011
Dirección: Robert B. Weide

Solo a los grandes bufones se les permite decir la verdad sin que les corten la cabeza y solo ellos poseen la formula secreta para no volverse locos ante el: el humor.
El señor Allen, Woody, desde que tuvo uso de razón viene contándonos por escrito, de palabra o en imágenes con la innegable lucidez genio-ingenio de bufón contemporáneo la gran tragedia de la existencia humana.
Lo primero que hace un ser humano al nacer es comenzar a morir. El viaje sin embargo se puede y se debe disfrutar mientras dure a base de ser capaces de reírnos de nosotros mismos, aunque buena parte de nosotros bastante tenga con subsistir.
Weide construye un documental impoluto, clásico, dando un repaso exhaustivo a la obra de Allen y algunas pinceladas necesarias a su vida privada sin omitir nada y sin profundizar demasiado en ella. Su larga duración parece corta a aquellos que somos fieles a su trabajo y más que suficiente al resto.
Sus influencias, su incansable capacidad de trabajo para poder dejar de trabajar  e irse a casa a ver un partido, su aparente impermeabilidad a lo que piensen de él y su obra, sus dotes peculiares como director de actores.... todo se va desgranando a buen ritmo con entrevistas siempre positivas de aquellos que le han tratado. Supongo que alguien tendrá alguna opinión negativa sobre su  obra o su carácter  pero a excepción de la inevitable Mia Farrow no asoman por la pantalla y a servidor no se le ocurren.
Chaplín, Groucho, Allen....(por citar los más influyentes), una linea que aún no tiene continuidad desgraciamente. A lo mejor por eso este hipocondríaco de la muerte sigue aguantando, la inmortalidad artística que ya sabe que se ha ganado no es comparable con un segundo más de vida. No podemos vivir sin bufones que nos canten las verdades.    

LAS SESIONES

Puntuación: 9
Duración: 1 h 38 m
País: USA / 2012
Dirección: Ben Lewin
 

 Ben Lewin, 67 años, polaco emigrado a Australia, con una carrera cinematográfica exigua y desconocida popularmente consigue el reconocimiento con esta cinta independiente sobre un periodista y poeta real, Mark O´Brien, tetraplejico que no quiere renunciar a su sexualidad  y contrata a una terapeuta "sustituta sexual" para ello. Ya existia un trabajo previo sobre esta experiencia en unos cortos que le valieron el Oscar a la directora californiana Jessica Yu en el 96.
Pero en este caso el propio Lewin aporta su experiencia personal como enfermo de polio y construye un exquisito guión al que acudieron como moscas a la miel los actores cobrando un sueldo simbolico, supongo que ávidos de justificar otros sueldos en producciones industriales alimenticias y de escaso poso artistico.
Su implicación es fundamental con unas actuaciones deliciosas llenas de sinceridad y emoción. (No he visto a nadie desnudarse ante la camara con la naturalidad que lo hace la Hunt) Lewin hace que todo fluya adecuadamente con una dirección ágil y salva el escollo de las limitaciones de espacio, movimientos y presupuesto en una producción de carácter independiente, haciendo bueno aquello de: "poquitas cosas, pero bien colocadas".
Cuidados secundarios que se lucen en contrapuntos que lubrican con humor la importancia y el drama que subyace en lo que ocurre a pesar de que el propio protagonista utilice su propio humor como una de sus mejores cualidades.
El tratamiento del sexo en general y sus implicaciones sociales y religiosas por encima de hipocresias y dogmas y la voluntad de vivir hasta el último segundo, de agarrarnos a la vida con la misma libertad con la que otros deciden terminar ("Mar adentro") suscitan profunda empatía con estos seres humanos que nos dan una lección de vida y de un cine que le da la vuelta a las comedias romanticas llenas de insustanciales ñoñerias.
Es cierto que Lewin suaviza tanto el lado oscuro del día a día de aquellos que estan tan tremendamente discapacitados que podemos perder la perspectiva de la tragedia.
En cualquier caso, "Las sesiones" es una de las mejores propuestas del año. De estos años de crisis materiales y existenciales donde como dice el propio O`Brien: hay que creer en Dios porque no es justo que no exista un culpable de tantas desgracias.

(30 de Agosto de 2013)

INFANCIA CLANDESTINA

Puntuación: 9
Duración: 1 h 40 m
País: Argentina / 2011
Dirección: Benjamin Ávila

Hermosa y durísima película, cuya carga política permanece como un opresivo telón de fondo para centrarse en ese niño adolescente que ve como su infancia se desarrolla en un incomprensible laberinto heredado de sus mayores y cuyos platos rotos va a tener que pagar.
Coincido plenamente con Llopart de La Vanguardia en que el acierto del film es el punto de vista exclusivo de ese niño ejemplo de tantos otros cuyo  día a día se ve frustrado y modificado por algo que aún no entiende y cuyas razones nunca estarán por encima de su derecho a ser niño y vivir su infancia en libertad.
Consigue Ávila momentos realmente emotivos y desgarradores difíciles de describir sin desvelar la trama. ¿Hasta que punto es licito luchar por el futuro de nuestros hijos a costa de sacrificarlos a ellos mismos?. 
El mundo aún virgen y  moldeable del chaval choca brutalmente con una realidad que le impide seguir soñando con un mundo donde todo es hermosos y todo está por descubrir.
"Kamchatka" de Marcelo Piñeyro en el 2001 ya mostraba idénticos planteamientos. El elenco fantástico sigue demostrando que el nivel actoral argentino está entre los mejores del mundo. Fue elegida para representar al cine argentino en los Oscars sin ser seleccionada. Ellos se lo pierden. 

GUSTAVO PÉREZ PUIG (1930-2012)

Te pido disculpas jefe, porque cuando Aquel al que ni tu podias camelarte decidió que tu papel en el gran teatro del mundo había llegado a su fin, hace ya más de un año, servidor debió de quedarse en blanco y aún no te había despedido como te mereces.
Tu nombre mítico en la televisión y el teatro español forma parte de la leche que mamé con tus Estudios 1. Y disfruté y aprendí como miles de españoles a degustar del teatro aunque fuera filmado y en condiciones heroícas. Por tus manos pasaron la flor y nata de los mejores actores y actrices patrios que te pagaron con creces la oportunidad que les distes de llegar a donde llegaron.
No fuiste el único, por supuesto, ni el mejor, por descontado, pero siempre supiste estar en los mejores puestos de salida y tu habilidad para rodearte de buenos amigos corrió pareja con tus éxitos indiscutibles y tu gran olfato para elegir autores ganadores cuando otros no lo hicieron.
Cuando tuve uso de razón teatral, decidí que tus puestas en escena se habían quedado ancladas en algún momento de la historia, y que tu capacidad de riesgo artistico, que no empresarial era insuficiente para las ansias de un joven que leia a Peter Brook. Tu teatro no me interesaba por mucho que lo respetase y que reconociese que tenias el don de llenar las salas con viejas formulas para públicos acomodados.
Pero el destino hizo que durante ocho años trabajase contigo por lo que siempre te estaré agradecido. Siguió sin gustarme tu teatro pero aprendí mucho, bueno y malo y se cumplió un sueño.
Eran tus metros casi finales y te dejabas llevar delegando mucho en Mara y ocupabas tu trono de El Español fortificado a cal y canto por tus amistades peligrosas  y por tus inequivocos números de taquilla.
Escuché muchos claros y oscuros sobre tí de aquellos que te rodeaban, una camarilla de agradecidos que te doraban la pildora para compensar su escaso bajaje teatral y media docena de tus actores de toda la vida que por si solos ponían al público en pie y que gracias a ti pude conocer.
Te tuve y tengo cariño tanto a ti como a Mara y agradezco el respeto que siempre me guardaste. Fue un honor conocerte y parafraseandote no puedo menos que decirte que: ¡Hasta siempre, guapo!.

 

JULIA TRUJILLO (1932-2013)

!Pero bueno Truji!, así, sin avisar, haciendo mutis por el foro de sopetón. Como los grandes, sin aspavientos ni sobreactuaciones finales, como la gran actriz que eres.
La Truji, como la llamabamos los compañeros que tuvimos la suerte de trabajar con ella en las tablas y disfrutar de su elegancia y buen rollo fuera de ellas. Lo había dado todo sobre los escenarios, platós y lo que se terciase y su nómina de personajes encarnados es la envida de cualquiera que se precie.
Dale recuerdos a Joaquín, tu marido, con el que tambíen compartimos autores y éxitos en el Teatro Español de Madrid. Joaquin Molina, toda otra vida de servicios prestados al arte de Talía y apenas aparece por esas redes donde estan todos y faltan muchos, como Felix Navarro al que te pido le des un beso de mi parte.
Ojala que los cuentos para que podamos dormir tranquilos se hagan realidad y algún día volvamos a compartir escenarios perpetuos. En fin, que te voy a contar que no sepamos todos aquellos que estamos acostumbrados a que siempre e inexorablemente cae el telón. Mucha mierda.


 EL CUERPO

Puntuación: 4
Duración: 1 h 47 m
País: España / 2012
Dirección: Oriol Paulo
 

 Del Toro y Bayona (casi na) dieron el espaldarazo inicial a la productora Rodar y Rodar con la más que notable "El orfanato"
Despues tuvieron que rodar solos y su segundo trabajo con Belén Rueda como mascarón de proa fue la muy olvidable "Los ojos de Julia". Fue tanta la diferencia que este tercer trabajo planteaba la duda razonable de si Rodar seguiria cuesta abajo o remontaria la pendiente.
Desgraciadamente el debutante Oriol Paulo no solo no consigue detener la caida sino que en algunos aspectos (mediocridad en la dirección y pretenciosidad en el guión) la acelera.
Al menos le dieron un premio como mejor director novel. Se me ocurren solo este año media docena de "jovenes directores" españoles con obras y proyectos mucho mejores pero obviamente también mucho menos comerciales.
Lo peor de un cine nacional es intentar elevar la industria imitando al más trillado cine industrial foraneo.
La elección del casting que acompaña al trio de cabeza esta a la altura de cualquier serie de televisión de bajo presupuesto. Coronado intenta dar credibilidad a un personaje tan poco dimensionado como el ridiculo peinado que gasta. Para salir airososo con peinados así se necesita por los menos a los Coen detras del asunto. Curiosamente Belén Rueda araña credibilidad a un personaje que pide a gritos mayor desarrollo. Esa mujer en la frontera vital que lucha desesperadamente con sus últimos cartuchos de belleza y poder para seguir siendo objeto de deseo y pasión se merecia otra película que no fuera un thriller lineal, tufado de sustillos, cuya mejor baza es un desenlace trillado y previsible por mucho que nos quieran vender lo contrario.
En fin: Hugo Silva. Boy de lujo popular criado a los pechos de las series patrias cuya carrera desconocia hasta la fecha y que en este trabajo, al menos, esta muy pero que muy flojito. Vamos que le viene grande el traje ya de por si mal acabado que le impone un Oriol y Lara Sendim y que Coronado no se merienda porque está muy ocupado con adecentar el suyo propio.
Espero que Rodar lo siga haciendo, creando industria y trabajo para mucha gente. Si pude ser de mejor calidad mejor.

EL ALUCINANTE MUNDO DE NORMAN

Puntuación: 10
Duración: 1 h 32 m
País: USA / 2012
Dirección: Chris Butler y San Feli

En el 2009 los estudios Laika afincados en Oregón, USA, ya avisaron que estaban dispuestos a empujar haciendose un hueco respetable en el mundo de la animación stop-motión donde los estudios Armand ingleses reinaban, hasta la fecha. 
Chris Butler tabajó durante diez años en este guión y la cosa a dado excelentes frutos con una historia donde la animación ya no puede circunscribirse al entorno infantil, ni familiar exclusivo. Asociado con un San Feli que ya tenía en su curriculum las excelentes "Ratompolis" y "El valiente Desperaux", han conformado una cinta nominada a todo lo nominable porque se lo merece, en un apartado donde afortunadamente el listón cada día nos sorprende elevando el nivel. Los avances técnicos en esta cinta han dado un paso más en una carrera cuya meta aún esta por determinar.
La ambientación, el mágnifico diseño de personajes, el humor inteligente, corrosivo y el mensaje social se aunan en un mundo donde las cintas de monstruos de la mitica Hammer reviven en plastelina.
Alguna vez la competencia tenia que beneficiar a alguien. En este caso Armand y Laika prometen que nos beneficiemos todos. 

AMOR ES TODO LO QUE NECESITAS

Puntuación: 7
Duración: 1 h 51 m
País: Dinamarca 
Dirección: Susanne Bier

 





Supongo que como la mayoría descubrí a esta realizadora danesa de cincuenta y tres años cuando la dieron el Oscar por su película "En un mundo mejor" en el 2010.
Despues de su "Venganza", título original de la cinta, nos sorprende ahora con una falsa comedía romantica donde los tópicos y lo previsible de las situaciones y su desenlace, deconstruyen el manual que al uso nos tiene acostumbrados hollywood y en el filo de lo convencional y lo grandioso nos habla del amor.
 De ese amor alocado y ciego que nos marca espoleando o emponzoñando nuestras vidas, de ese amor imprevisible que muere y renace ajeno a nuestros intereses y que en defiitiva es todo aquello que necesitamos para vivir y no sobrevivir.
 En buena parte del estirado metraje lo consigue, con momentos emotivos donde el drama sin tragedias siempre está presente y donde el marco del entorno y la música se confabulan con un estupendo elenco para que degustemos, esta inteligente propuesta por encima de sus defectos, que los tiene.
Cupido es caprichoso, pero siempre nos queda la opción de arrancarnos sus flechas si no traspasan nuestro corazón. Por mucho que nos de miedo o nos duela.
 

EL MOLINO Y LA CRUZ

Puntuación: 7
Duración: 1 h 32 m
País: Polonia / 2011
Dirección: Lech Majewski
 

Aquellos espectadores que se reunieron hace ya más de 100 años en un salón parisiense, para contemplar asombrados y aterrados como un tren que llegaba a una estación parecia estar a punto de arrollarlos no podían soñar que ese nuevo invento del cinematógrafo se convertiria en un arte. 
En muchos casos al servicio de otras artes, como la cinta que nos ocupa, donde Majewski, cuyo cine desconozco, se sumerje en el cuadro "Camino del calvario" del pintor flamenco del siglo XVI, Brueghuel "el Viejo", pintando a su vez un retrato del flandes de la época y sus gentes, donde realidad y fantasia se mezclan tan afortunadamente como el empaste magistral que consigue el equipo de efectos digitales para que el propio cuadro cobre vida y se convierta en el protagonista donde pululan los personajes cotidianos y rurales con la pasión de un cristo ajeno a la división y matanza subsiguiente que se produjo cuando sus seguidores de uno y otro bando, católicos y protestantes, decidieron ser los autenticos poseedores de "su verdad".
Desde el punto de vista formal es una autentica joya relegada a minorias en un momento en que la distribución comercial atraviesa su propio calvario.
Este y otros proyectos similares se merecen todo nuestro apoyo.

EL ALA OESTE DE LA CASA BLANCA
(Segunda temporada)

Puntuación:9
Duración: 22 episodios de 42 m.
País: USA / NBC / 2.000-01
Creador: Aaron Sorkin

Sorkin afianzó su leyenda como guionista y se marcó una gran segunda temporada, llevandose el segundo Emmy a la mejor serie dramatica. Los dos años siguientes en que siguió a los mandos de la misma repitió premio. Posteriormente y ya fuera de los entresijos del despacho oval sigue estando en la elite con cotas como "La red social" (2010)  sobre la creación de Facebook . El último capitulo de esta segunda temporada es de una emotividad milimetrada antológica. Por supuesto no es perfecto y la desaparición misteriosa y sin explicaciones del personaje de Mandy interpretado por Moira Kelly es prueba de ello, así como su discutible valentia al cargarse uno de los personajes más entrañables de la serie interpretado por una excelente actriz por mor de conseguir un cliffhanger espectacular.
En cualquier caso una gozada de temporada.

DE OXIDO Y HUESO

Puntuación: 8
Duración: 2 h
País: Francia / 2012
Dirección: Jaques Audiard
 

 Se esperaba lo nuevo de Jacques Audiard despues de "El profeta". La espera ha valido la pena, aunque este nuevo trabajo sea tan aspero, agridulce y tan a contracorriente que es dificil que guste a todos más allá de reconocer que maneja el lenguaje filmico con maestria y su cine se encuentra entre los mejores. Aqui la historia de estos supervivientes que siempre nadan como salmones a la contra en un viaje obsesivo por llegar al final de un camino en el que ni siquiera saben lo que se van a encontrar. Y esto Audiard y sus iterpretes (la mirada desoladora del niño te cruje, fantástica Cotillard una vez más)  lo transmiten perfectamente.
El guión, adaptación de dos historias cortas del novelista canadiense Craig Davison (Oxido y hueso y Rocket Ride), aún siendo notable la fusión de las mismas sin relación en los originales, se nota que se resquebraja en sus junturas y deja muchos interrogantes en el perfil de los personajes que la mayoría de las veces toman decisiones por una inercia y motivaciones que el director nos oculta.
Pese a todo posee fuerza, desasosiego, ternura, amor, respeto y algunas escenas de una belleza notoria y un terror animico espeluznante dificiles de olvidar.
Los cuentos pueden acabar bien o mal y lógicamente nunca llueve a gusto de todos. A mi me vale. Y mucho.

UNA PISTOLA EN CADA MANO

Puntuación: 9
Duración: 1 h 35 m
País: España / 2012
Dirección: Cesc Gay

!Madre mia! Vaya lujazo que se han marcado Gay y Aragay con este guión para la posteridad.
No se si la nómina del apabullante elenco ha sido muy elevada pero apuesto a que cualquiera de ellos no lo ha hecho por dinero. Cualquier actor que se precie "mataria" por "engancharse" a estos textos, a estos dialogos teatrales que rezuman hondura, comprensión, verdad y una mirada acida y dura al alma de un sexo, el másculino, plagado de estereotipos y poco trabajado en profundidad en general. Ellos estan inmensos (hasta Noriega)... pero ellas... también.
Que gozada de sentimientos expresados con un lenguaje divertido, equilibrado y muy pero que muy bien escrito.
Me he reido con esta falsa comedia y me ha tocado el corazón de macho.
Bajo un titulo que puede despistar, y mucho se esconde una obra que reivindica a nuestros directores, guionistas y actores por encima, muy por encima de los clichés de aquellos que siguen minusvalorando el cine español. 
A lo mejor es que la crisis aguza el ingenio y es ahora cuando destapamos el tarro de las esencias.
Hace unos días "Operación E" daba otro ejemplo con un Tosar que tiene el don de la transformación, de la simbiosis total con cada uno de sus personajes.
Pues a celebrarlo.

(17 de Agosto de 2013)

NOCTURNA
Guillermo del Toro / Chuck Hogan 
Edit. Suma de letras / 2009
560 págs.

  !Bufff..! Lo que me ha costado digerir esta novelita pulp, cuya calidad literaria esta por debajo de los minimos exigidos. Más si cabe cuando la firman Hogan quien tiene una excelente carta de presentación con sus dos novelas que le han hecho famoso y Del Toro, cuya labor como cineasta y guionista rezuma imaginación de niño grande y buen hacer profesional.
Uno imagina que la trama central que se puede condensar en una cuartilla puede ser del cineasta y Hogan se ha entretenido dos tardes en clonar escenas repetitivas de masacres de vampirozombies y a recaudar, ya que los no muertos estan de moda.
La trilogia terminada ya en el 2011 ha sido un éxito de ventas, tiene su comic y se prepara una serie. La idea de mezclar zombies con vampiros parece haber sido la formula infalible para hipnotizar a las masas, sobre todo juveniles. ¿Qué tendran los zombies que todo lo que tocan lo convierten en oro?.
El comic puede estar entretenido dado su formato y la serie a la vista del éxito de Walking Dead pues...eso. Pero el libro es infumable para todo aquel cuyo cerebro no haya sido infectado por esta plaga remix, donde lo tradicional, se mezcla con los virus actuales para seguir teniendo la excusa de machacar, seccionar, destripar y desparramar visceras a diestro y siniestro.
Al principio uno agradecia que los monstruos se dejaran de crepusculos y volvieran al redil que los hizo lo que son pero visto lo visto casi que se añora a Pattison y cia. Bueno, no, me he pasado.
Al menos la primera entrega me evita leerme las dos siguientes. Algo es algo.

RICHARD BURTON (1925-1984)

Al final Marco Antonio murió mucho antes que Cleopatra.
En el imaginario popular Burton y Taylor, Taylor y Burton, como los reyes católicos, tanto monta....., siempre serán recordados como la encarnación de esas dos inmensas personalidades capaces de conquistar el mundo y ser el paradigma de la pasión desenfrenada y del amor imposible abocados a la tragedia.
Burtón siempre fue más de eso, de tragedia Shekasperiana que galan al uso hollywoodiense y sus siete nominaciones al oscar siempre se impulsaron desde el drama, desde la tragedia de personajes atormentados, alcoholicos y profundamente humanos. Por eso cuando le veiamos en alguna cinta comercial parecía como que no encajaba, como que lo suyo estaba por encima de la taquilla.
Nacido en Gales, adoptó el apellido del maestro que lo adoptó y puso su voz inigualable y su facha al servicio del oficio de la actuación. No recuerdo ninguna que me hubiera defraudado.
"Becket", "La noche de la iguana", "Cleopatra", "¿Quién teme a Wirginia Woolf?,  "El espia que surgio del frio", "Castillos en la arena" y ese piloto de la RAF que marcó la diferencia con su escena en la irregular "El día más largo". Treinta y seis films en otros tantos de carrera.
Vivió intensamente en el cielo y en el infierno. Ahora se publica la correspondencia con su gran amor. Buen momento para recordarle.

 (14 de Agosto de 2013)

SIN TREGUA

Puntuación: 6
Duración: 1 h 48 m
País: USA / 2012
Dirección: David Ayer
 

 Servidor todavía recuerda la serie "Area 12" que emitió la cadena NBC desde el 68 al 75. Fueron 174 episodios que no se si se llegaron a emitir todos en aquella televisión única que devorabamos ávidos de otros mundo los españolitos de a pie. Aprendimos muchas cosa, sobre todo aquello de...."tiene derecho a un abogado, puede guardar silencio y cualquier cosa que diga puede ser utilizada en su contra...(más o menos) y como todavía no habiamos visto a Al Pacino en "Serpico", y aún eramos inocentes nos emocionabamos con esta pareja de hombres de azul que vigilaban para que nuestro mundo fuera mejor.
En este nuevo milenio, aquello de la inocencia queda algo lejos y esta nueva versión que nos propone David Ayer de estos patrulleros del departamento de policia de los Ángeles se queda a mitad de camino entre el buen trabajo actoral de sus protagonistas que transmiten complicidad, un guión muy lejos de aquel que le supuso fama al director con "Training day" y una dirección que acaba por marearnos con esa camara que intenta que sintamos que estamos viviendo un documental al lado de los policias y que casi siempre, no lo consigue. 
El día a dia de sus patrullas se ceba en en casos truculentos y escabrosos y soslaya los rutinarios quedando la cosa algo forzada con un desenlace final que carece de la intensidad dramatica que merecen estos dos hombres cuyas motivaciones para acabar desempeñando este trabajo desagradecido y mal pagado se nos ocultan y resta fuerza al perfil de los personajes.
Pretende más de lo que ofrece sin que por ello sea una opción desdeñable y por encima de la mayoría de trabajos que abordan el género.

(12 de Agosto de 2013)

OPERACIÓN E

Puntuación: 8
Duración: 1 h 48 m
País: España / 2012
Dirección: Miguel Courtois

 Inmenso Tosar. Dicho esto Courtois firma sus mejor trabajo desde "El lobo" (2004).
Con una producción más que notable donde destaca una fotografía que sabe conjugar la mirada de reportero critico y objetivo con el amor por esa tierra sudamericana, como tantas otras cuya belleza y recursos no merecen los dirigentes que tienen ni aquellos que les mantienen y apoyan. La revolución que fue capaz de liberarse del yugo de una corona española cuyo primer rey visitante fue el actual, se olvidó del pueblo, esa carne de cañón que sigue llevandose todos los palos.
Tosar compone un admirable padre coraje que se las busca como puede entre unas y otras facciones con el único objetivo que sobrevivir y sacar adelante a su familia.  La tensión y la intriga digna de un buen triller llevada con una camara que encuadra con mimo un ritmo que nunca decae. 
El elenco cumple con eficiencia en torno a un actor que se funde con su personaje en una interpretación para el recuerdo.
Buen cine español que va mejorando a pasos agigantados en progresión directamente proporcional al abandono y las trabas que los dirigentes de turno ponen a nuestro cine. 

EL ALA OESTE DE LA CASA BLANCA
(Primera temporada)

Puntuación: 8
Duración: 22 episodios de 42 m.
País: USA / NBC / 1.999-2.000
Creador: Aaron Sorkin

El milenio occidental estaba a punto de caducar, el mundo se resistía a finalizar para seguir igual de mal o peor y las series de televisión USA comenzaban el nuevo siglo con otra época dorada que aún, afortunadamente nos dura. "Friends" se hacia con el trono de la comedia y "Los Soprano" demostraban que la perfección existe aunque a algunos le pilló con el paso cambiado y entremedias se coló esta estupenda recreación de las interioridades de una Casa Blanca que por aquel entonces comandaba Bill Clinton.
Un dirección trepidante con un ritmo endiablado de travellings por infinitos pasillos y despachos, entre una jungla de asesores que trabajan a destajo por su presidente, dulces o agresivos según requieran las circunstancias rodeados de secretarias satélite mordaces e irónicas con sus jefes pero siempre imprescindibles. 
Política y humanidad, términos que normalmente no encajan demasiado en un reparto muy solido y eficiente culminado con un Martin Sheen que se siente comodo y lo transmite en su rol de comandante supremo.
Buen tiempo este de verano para que aquellos que como un servidor no la disfrutaran en su momento o los que aún no hallan descubierto que no toda la televisión es basura, se den el gusto de verse los 22 capítulos iniciales sin tener que esperar a sus días de emisión.
Es cierto que el argot político y su mundo de cargos, estamentos e instituciones pueden marear al público más facilón pero merece la pena atender, aprender y disfrutar, con estos demócratas (del partido) y su presidente electo que aún pasados por el cedazo patriótico y chauvinista yanki nos caen lo suficientemente bien para desear que por lo menos se asemejaran algo a los de verdad.
Dios bendiga a América.

JUSTIFIED (Temporada cuatro)

Puntuación: 7
Duración: 13 episodios de 42 m.
País: USA / 2013
Creador: Graham Yost

 El marshall, Rayland Givens creado por Elmore Leonard sigue resistiendo  con todo su mundo y gracias a él más alla de los textos originales del propio Leonard que lo lanzó a la pantalla la primera temporada y se consolidó con una brillante segunda. Acaba de terminar esta cuarta y afortunadamente tendremos quinta.
La imagen de este representante de la ley con fama de pistolero justiciero dista mucho de los elaborados guiones y dialogos de esta serie alejada de las adudiencias masivas para disfrute de aquellos que apostamos por ella.
Olyphant se ha mimetizado con el personaje y es un inteligente productor que sabe que el elenco de "secundarios" es un lujo que no puede desaprovechar. Esta temporada casi que es un homenaje a ellos que soportan el grueso de la trama donde la acción y cierta intriga son suficientes para que la personalidad de todos incluido el propio marshall sigan atrapandonos con sus vidas a uno y otro lado de la linea roja, pero tan pegados a ella que es complicado saber donde estan en cada momento.
El "ecosistema" del condado de Harlam está lleno de vida en equilibrio inestable y Givens se encuentra en medio. Menos mal.

EL TEMOR DE UN HOMBRE SABIO
Patrick Rothfuss / 2007
Edit. Plaza y Janes / 2011
1.190 pags.

Los que nos hemos acercado a esta obra de la literatura fantástica este verano del 2013 hemos podido gozar de la lectura ininterrumpida de 2.000 páginas que constituyen el primer y segundo volumen de los tres en que se ha dividido la novela original con la que Rothfuss recorrió las editoriales nada más comenzar el siglo.
Las vivencias de este joven artista itinerante (Edena Ruh) en un mundo imaginario de reminiscencias medievales no solo constituyen un apasionante entretenimiento sino que destilan filosofía de vida por todos su poros dirigidas a un publico mayoritariamente juvenil cuyo camino de aprendizaje posee evidentes analogías con las del protagonista.
Rothfuss se constituye así no solo como un excelente narrador con un sentido del tiempo dramático exquisito, capaz de contarnos en solo tres días un buen puñado de años de aventuras y descubrimientos personales del atractivo y enigmático Kvothe, de sus amigos y de un mundo donde la música y la poesía, , la magia y lo cotidiano, el amor y la oscuridad conviven en un equilibrio inestable que puede conllevarnos a la gloria o a la locura.
Parece que la tercera entrega se demorará hasta el próximo año. Ya es mucho lo que este profesor universitario de Wiskonsi nos ha dado pero... queremos más.   

¿VENCEDORES O VENCIDOS?

Puntuación: 10
Duración: 2 h 58 m
País: USA / 1961
Dirección: Stanley Kramer

Kramer demostró que los productores también pueden dirigir buenas películas. Después de abandonar Columbia sin demasiado éxito se pasó a la dirección acertando de pleno con esta reflexión sobre aquellos que pusieron a la ley escrita por encima de la ley moral, recordando los horrores cometidos e iniciando el controvertido tema de hasta donde sabía y consentía el pueblo alemán lo que estaba ocurriendo.
Obviamente el mirar para otro lado no fue ni es exclusivo de ningún pueblo ni sociedad. El "mundo civilizado" sabe perfectamente que el sistema del que disfrutamos se sustenta a costa de muchos muertos todos los días y nuestra reacción tampoco es que sea ejemplar.
La película da para esa reflexión y otras muchas con escenas sugerentes como aquella en la que Tracy se pasea por los escenarios vacíos donde pocos años antes se congregaban las masas para enaltecer a un imperio que duraría mil años.
Pero la que más me ha llamado la atención después de visionar este clásico por enésima vez, es aquella, ajena a la trama, en la que el cine y sus más destacados interpretes alcanzan un grado de madurez probablemente irrepetible.
A mitad de su historia un grupo de elegidos, hoy ya míticos,  en estado de gracia nos regalan unas actuaciones memorables cuyo denominador común es esa madurez en sus carreras y en sus vidas. No están todos los que eran pero si son todos los que están. Tracy, Lancaster, Widmark, Shell, Garlan, Dietrich y sobre todo un memorable e inolvidable Clitf, abarcaban pasado, presente y futuro de un arte cuyo esplendor añoramos aquellos que convivimos con él en dobles sesiones de cines de barrio.
¿Vencedores o vencidos?, independientemente de su trama es una lección magistral del cine y sus protagonistas.

BLACK MIRROR (2ª Temporada)

Puntuación: 8
Duración: 3 episodios de 47 m.
País: Gran Bretaña / 2013 / Channel 4
Creador: Charlie Brooker

Un poquito más de un año se ha hecho esperar la segunda entrega de esta miniserie de tres episodios por temporada con la que Charlie Brookers nos sorprendió a todos con un enfoque que recogiendo el espíritu de "The twhiligh zone" o "Cuentos asombrosos", a sabido actualizar a los nuevos tiempos que vivimos donde la dictadura digital camina por el filo de una navaja siempre peligrosa e inquietante.
Ese espejo oscuro que conforman las pantallas de nuestros dispositivos tecnológicos reflejan posibles  realidades, a la vuelta de la esquina donde el ser humano puede seguir demostrando que nuestro cerebro reptil no evoluciona al mismo tiempo que la ciencia o que en todo caso se aprovecha de ella para seguir manteniendo el desastre de sociedad que hemos construido.
Sería interesante que Brooker dedicara algún capitulo menos pesimista al respecto. Mientras tanto estas entregas con cuentagotas nos estremecen y dan que pensar. Cosa poco habitual en nuestras pantallas.

MAD MEN (6ª Temporada)

Puntuación: 7
Duración: 13 episodios de 47 m. / 2013
País: USA / AMC 
Creador: Matthew Weiner

Balance positivo de esta penúltima temporada. Los guionistas aún son capaces de que sigamos manteniendo el interés por estos publicistas del Nueva York de finales de los 60. Los nuevos espejismos  de libertad generacional, con sus cambios de look radicales acompañan al vació existencial del compulsivo e insatisfecho Draper que va saltando de unos brazos femeninos a otros en busca de su identidad marcada por sus traumas infantiles. El éxito profesional en una agencia, cada vez con más nombres asociados, ya no es motor suficiente para que el niño abandonado se sienta satisfecho y Draper se plantee que es lo realmente importante.
El cansancio de seis temporadas se nota en alguno de los episodios y el resto del elenco aparece más desdibujado que nunca en las subtramas dejándolo todo en manos de Peggy y su relación con uno de los nuevos asociados.
Aún queda suficiente fuerza para intuir que la temporada final que se se avecina motive a los creativos y Mad Men termine tan arriba como se ha merecido. 

EL NOMBRE DEL VIENTO
Patrick Rothfuss / 2007
Edit. Plaza y Janes / 2009
872 pags.

Ha nacido una leyenda. Se llama Kvothe. Aunque tiene otros nombres. Vino a la luz en fecha indefinida allá por los comienzos de este nuevo milenio en otra tierra media de tintes medievales y fue parido por un profesor de Literatura y Filología inglesa de la Universidad de Wisconsi, con aspecto de Hobbit bonachón creado por el propio Tolkien. Sin embargo oculta un don que va dejando salir con cuentagotas: escribe muy bien y es capaz de transportarnos muy lejos para hablarnos de cosas inmortales muy cercanas. 
Quizás estudió en la Universidad cercana a Imre y llegó a graduarse como Arcanista, como mago sabio capaz de convertirse en el Cronista que narra en tres días la vida de un joven bardo pelirrojo donde la llama y el trueno habitan, conocedor del nombre de las cosas.
Hemos tenido suerte de poder decir que mientras vivimos le vimos nacer y aunque a pesar del éxito mundial de su historia pase desapercibido para muchos, uno tiene la sensación de que es y será un clásico de la literatura de fantasía  esa que bebe de los cuentos, de las historias de hoguera, de los mitos que son la esencia de toda la demás literatura y quizás la única que nos enseña lo realmente importante adornandolo con la imaginación para que no nos volvamos locos al descubrir la realidad.

Patrick Rotfhus parió un manuscrito cercano a las tres mil páginas "The song of flame and thunder". Vivió el consabido rechazo de editoriales hasta que ganó un premio por una síntesis de una de su partes y comenzó a publicarlo en una saga de tres entregas. "El nombre del viento", "El temor de un hombre sabio" y una última aún sin publicar.
Si Rothfuss es capaz de seguir escribiendo así es que probablemente el también conoce el nombre de las cosa.
Es difícil describir lo intrincado y maravilloso de esta obra en su aparente sencillez. Hay que leerla para perderse por este mundo donde fuerzas primarias se dan la mano con canciones legendarias, tabernas concurridas, caminos peligrosos, magia  amor, libros infinitos... A veces nos recuerda a Dickens, otras veces a Tolkien, incluso a Rowling y siempre tenemos la seguridad que es algo nuevo que viene de muy lejos, muy cercano a nuestros sueños.
Ha nacido una leyenda. Se llama Kvothe. Tuvimos el privilegio de ser los primeros en conocerlo.

CONCHA GARCIA CAMPOY (1959-2013)

Desde hace más de dos décadas la televisión no forma parte de mis intereses vitales. Aún así  como la mala hierba, se mete por todas partes como un gran hermano orwelliano y sigue siendo, aún en la era de internet una herramienta indispensable para manipular, maleducar y entretener nuestras mentes.
Seria absurdo negar que una minoría de programas y buena parte de sus profesionales luchan cada día para que esto no sea así.
Cuando ocasionalmente se asomaba Concha, uno tenía la sensación de que era uno de esos. De los elegidos que se convierten en amigos que se meten hasta la cocina para ponernos al día de lo que pasa y tienen el don de que les creamos aunque sepamos que cuentan mentiras.
Gran comunicadora, excelente profesional, nos dejas tan pronto cuando necesitamos como siempre o más que nunca de gentes como tu que tamicen con honradez lo que nos quieren contar.
Hasta siempre.


EL HOMBRE DE ACERO

Puntuación: 5
Duración: 2 h 23 m
País: USA / 2013
Dirección: Zack Snyder

Ni la última entrega treki ni la enésima vuelta del chico K (lease Kansas o Krypton) han impedido que mire el relój varias veces durante tan excesivo y cansino metraje. La primera por defecto y está última por exceso.
Dicen los que saben y escriben en los medios que las dos son entretenidas. Definan entretenido.
El hombre de acero evidentemente es Snyder o Nolan o mejor su equipo de efectos especiales que se dan un buen atracón de dicho metal destruyendo  sin mesura todo lo que se le ponga por delante.
La tendencia de poner "al día" los mitos del cómic o la novela no es bueno ni malo. El Sherlock de Basil Rathbone nos puede deparar momentos estupendos al igual que el de R.D. Junior o el de Cumbertbatch, siendo todos tan diferente.
Aquí funciona la extensión de los orígenes de Krypton y poco más. Hace tiempo que el grado de excelencia de los efectos especiales dejó de ser suficiente para amortizar la entrada.
El humor comiquero no es que se eche de menos es que no existe, Nolan sigue viviendo de las rentas de su excelente Dark Knight y el dilema existencial de Karl-Clark resulta tan soso y superficial como su relación con Louis Lane. Amy Adans si que batalla a muerte con tan anodino personaje.
Se agradece la aportación de Crowe y Costner y sobre todo de Michael Sannon que ya que no puede noquear a Superman se zampa a Henry Cavill al que le damos el beneficio de la duda cuando le den la oportunidad de actuar más que de posar.
Hay que reconocer que le sienta bien el nuevo traje y esa capa que ondea fashion total, pero la sonrisa de Cristopher Reeve aún conserva su superpoder.
El ejemplo de lo que debe ser la adaptación al cine de un cómic ya lo han dado "Los Vengadores".
Hasta que pase la moda de el lado oscuro de los superhéroes, excepción hecha claro está de Batmán y Dare Devil, seguiré revisionando "Los increibles".
Dice Superman: "No puedo ser más americano". Palabra de Krypton.

STAR TREK. En la oscuridad.

Puntuación: 4
Duración: 2 h 12 m
País: USA / 2013
Dirección: J.J. Abrahams

Hace unos cuantos meses visioné el primer capitulo de la serie televisva. El "shock" de su puesta en escena con unos decorados y vestuario de cartón piedra fue brutal. Sin embargo la historia era tan sugerente que uno entiende porque ha llegado a donde ha llegado.
Abrahams, ese mago de feria espectacular que es capaz de embaucarnos una y otra vez con su parafernalia sin importarle que se le vean los trucos y la chapuza de los mismos (lease guiones) con tal de que se pase por taquilla, consigue todo lo contrario a los inicios de la serie. La puesta en escena y sobre todo el vestuario es sobresaliente, el guión puede que no este, dado los tiempos que corren, ni a la altura de un niño de 8 años. Por ser generoso.
El mix de frikismo, comedía, ciencia ficción, camaradería y amistad lleva impreso la etiqueta  "no creíble  y ofende a cualquiera que haya visto media docena de películas en su vida.
Las interpretaciones son de teleserie barata y nos consta que el nivel de los actores no es tan bajo. Excepción a parte de Cumbertbach al que es muy difícil obligarlo a que lo haga mal.
Por favor dejen de ofender a Spielberg comparándolo con J.J.
La última moda de ponerle la marca Nolan de oscuro a cualquier cinta de ficción es patética.
Afortunadamente el universo es infinito y aún quedan muchos rincones que el Enterprise deberá descubrir . Las modas y los directores pasan. Star Trek siempre: continuara...

EL DOBLE DEL DIABLO

Puntuación: 4
Duración: 1 h 44 m
País: Bélgica / 2011
Dirección: Lee Tamahorí

Consigue Dominic Cooper salir más que airoso de este fallido acercamiento a un personaje psicópata como fue el hijo de Sadam.
La cosa esta contada con desgana y de forma tan plana que la tentación de abandonar la sala es muy fuerte. Cooper aprovecha la oportunidad del desdoblamiento de sus personajes y deja claro que es un actor que va a tener mucho trabajo.
Tamahori sigue con su linea habitual de productos de consumo de factura estandarizada desaprovechando en esta ocasión un tema que daba para mucho y que se queda en lo anecdotico, consiguiendo a veces lo imposible y es que el horror de lo que se nos cuenta no nos afecte lo más mínimo y  que la realidad de los hechos tome tintes caricaturescos.
Por supuesto no existe ni asomo de análisis sociológico, critica política o cualquier matiz que se tome en serio la vergüenza de lo que pasó en Irak, sus causas y sus "¿soluciones?".  

EL CHEF, LA RECETA DE LA FELICIDAD

Puntuación: 6
Duración: 1 h 25 m
País: Francia / España / 2012
Dirección: Daniel Cohen

Esta "carta de primavera" sofisticada, no es otra cosa que un aceptable menú del día para la gran mayoría de comensales.
Simpática, entretenida y lo suficientemente digestiva para que no seamos demasiado exigente con unos ingredientes de desigual calidad.
La eficaz presencia de Reno y el desenvuelto Youn llevan a buen termino una comedia sin sobresaltos, gags aceptables y un tufillo, salvando las inmensas distancias, a la gran "Ratatouille". Darse un aire a una obra maestra, ya es mucho.
La dirección de Cohen se maneja sin problemas entre cacerolas y Santiago Segura aporta poco con su caricatura de personaje a una parte del guión, claramente suprimible.

DAMISELAS EN APUROS

Puntuación: 6
Duración: 1 h 39 m
País: USA / 2011
Dirección: Whit Stillman

Stillman se prodiga poco. En veintitrés años cuatro películas. Relacionado con España como agente y actor ocasional de las películas de Trueba, uno de su films lleva el titulo de "Barcelona" (1.992). Su particular visión de las costumbres burguesas y su faceta de periodista y escritor dota a su guión de un tono mordaz y satírico muy particular, al que imprime por otro lado un ritmo muy ágil.
La propuesta, al menos de esta cinta, es original y sugerente con buenas interpretaciones corales, saliendose de los clichés del genero de películas de estudiantes. La mezcla de este "ejercito femenino de salvación" de la estupidez adolescente, de aire retro y sus relaciones con la variopinta y descerebrada fauna varonil, da para buenos momentos y se sigue con simpatía  Por otro lado, las claves que maneja Stillman son demasiado locales y personales y no llegan a calar por estos lares.
Sorprenderá para bien y para mal a muchos. Por lo menos es diferente. Se agradece.

LA VIDA DE PI

Puntuación: 7
Duración: 2 h 5 m
País: USA / 2012
Dirección: Ang Lee

Fondo y forma. La segunda es evidentemente brillante. Ang Lee demuestra que es uno de los grandes, con la ventaja añadida que no es recurrente y que eleva y dignifica cualquier género con su maestría detrás de la cámara. El lujo fotográfico y el virtuosismo de los efectos especiales completan lo dicho y justifican la entrada, el 3D o lo que sea.
Fondo: Metáfora filosófica hecha novela por un profesor de filosofía  Yann Martel (curiosamente nacido en Salamanca, cuna universitaria de estudios  filosóficos), en la que básicamente se plantea la necesidad vital que tiene el hombre resumida en la frase: "si no existieran los dioses, habría que inventarlos".
A todos en un momento dado se nos hunden aquellos que nos dieron la vida y nos cuidaron, amaron y alimentaron y descubrimos que estamos más solos que un naufrago rodeado de fieras y tempestades por mucho que la belleza de la naturaleza nos sorprenda cada día. Moriremos sin remisión y antes de ello tendremos que vencer la locura de nuestra consciencia, aunque sea a base de Alá, Buda, Cristo o vaya usted a saber.
Martel se inventa un fábula al respecto dividida en tres partes de desigual acierto como ocurre en la película y que Lee mantiene a base de belleza y de alto lenguaje cinematográfico.
Uno llega un poco cansado y probablemente desorientado al desenlace final y piensa que un cuento corto hubiera sido más apropiado y menos "empalagoso".
Algunos piensan que cinco minutos finales justifican las dos horas anteriores. Yo no lo creo. Cada espectador elige la respuesta a la pregunta filosófica final y a la más prosaica de si eran necesarias tantas alforjas para este viaje.
En otro orden de cosas y sin meterme en honduras existenciales servidor piensa que el tigre, como compañero de viaje en este planeta y sujeto a sus instintos como los humanos, en base a su individualidad y carácter único tiene la capacidad y sentimiento de hacer aquello que Pi esperaba y probablemente mucho más. Pretender que nuestra especie es más "elevada" que las demás es tan absurdo como justificar la existencia de Dios por cualquier medio. Cada cual.....

JUAN Y EVA

Puntuación: 7
Duración: 1 h 50 m
País: Argentina / 2011
Dirección: Paula de Luque

La polifacética Paula de Luque, bailarina, coreografa, guionista, directora..., se arriesga con esta mirada intima del encuentro vital entre dos personajes míticos en la historia de su país y del mundo. Consigue mantener el delicado equilibrio para no provocar odios ni exaltaciones innecesarias y sale más que airosa al sacar el máximo partido a un escaso presupuesto, gracias a las magistrales actuaciones de sus interpretes principales y secundarios (mención especial para Maria Ucedo, también bailarina y coreógrafa) y su dirección aterciopelada llena de encuadres, detalles y sentido del ritmo que supongo deben mucho a su experiencia con el mundo de la danza.
El breve periodo desde que se encuentran el coronel y la actriz  en el 44 hasta la manifestación del 17 de Octubre del 45 le permite centrarse en hechos históricos concretos reforzados por la utilización de imágenes documentales y en una historia de amor generacional que sabe a través de sus interpretes convencer sin profundizar demasiado. Algunas pinceladas sobre el fuerte carácter que subyace en cada uno de ellos completan el conjunto.
Lo que significó su ideología y los sucesivos golpes de timón que sus enemigos y la vida les obligaron a realizar convirtiéndose en leyendas para bien y para mal, daría para muchas películas más. Valga esta como un comienzo prometedor.

INVASOR

Puntuación: 6
Duración: 1 h 39 m
País: España / 2012
Dirección: Daniel Calparsoro

Probablemente la mayor virtud de esta cinta es que está a la altura de cualquier producto medio USA de semejantes características. Puntito para la producción. Pero al mismo tiempo ese es sin lugar a dudas su mayor defecto. La realización prima sobre un guión excesivamente esquemático donde los personajes merecerían mayor desarrollo. Sorprende por tanto que estuviera nominada a mejor guión adaptado para los Goya.
Calparsoro parece haber hecho un trabajo de corta y pega con escenas y secuencias de manual de género consiguiendo que la cosa este entretenida sin más pretensiones. El personaje de Karra Errejalde huele demasiado al encarnado por Stephen Rea en la miniserie británica "The Shadow Line". Los dos, eso sí, están estupendo, secundados por Antonio de la Torre e Inma Cuesta, aunque la química entre ella y un desangelado Alberto Amman no funcione. La vulgaridad de la machacona banda sonora tampoco ayuda y no era necesario que filtren la fotografía de A Coruña y sus entornos siempre bellos.
Todo ello sin desmerecer el fondo de la cuestión de la novela de Fernando Marías que pone blanco sobre negro aquello que todos sospechamos.

EL CAPITAL

Puntuación: 4
Duración: 1 h 54 m
País: Francia / 2012
Dirección: Costa Gavras

El cine social y político de Gavras denunciando los excesos y crímenes de aquellos que nos gobiernan, entendiéndose esta última palabra en el peor de sus sentidos, poco o nada tiene ya que demostrar a sus 80 años. En nuestra memoria siempre quedará "Missing"( 1982)", como muestra de un buen puñado de "botones" al respecto.
Nunca pensé por tanto que abandonaia a la hora y diez minutos esta adaptación de la novela de Stephane Osmont cuyo guión a tres manos incluidas la del director es un ladrillo. Fria, sin gracia, si es que lo pretende, y sin capacidad de revolvernos lo más mínimo en la butaca con unos personajes y hechos que por mucho que sepamos tomados de un mundo mezquino e impresentable pero real, nos parecen falsos y vacíos.
Las puñaladas traperas internas de aquellos que especulan con nuestras vidas dan para mucho, pero no es este el caso. Gavras ha perdido el pulso cuando lo tenía más fácil  cuando por todos los rincones se revientan las costuras de un sistema al que nunca como hasta ahora se le ve el forro podrido y cruel de sus entrañas. Quizás el director, maestro en sacar a la luz la porquería se ha quedado desconcertado al verla expuesta sin pudor y a la venta de cualquier reality para seguir sacando beneficios con ella.

HASTA LA VISTA

Puntuación: 8
Duración: 1 h 49 m
País: Bélgica / 2011
Dirección: Geoffrey Enthover

Por mucho premio que se haya llevado, la industria Belga no alcanza a la Francesa y el pelotazo de público de "Intocable" no se repetirá, a pesar de que la cinta que nos ocupa sin llegar a demasiada hondura dramática es infinitamente más honesta abordando con humor,( ¿como si no?), la actitud de aquellos a los que la vida se lo pone muy difícil.
 El puto dinero marca desgraciadamente la diferencia y estos tres chavales que quieren ante todo vivir al menos pueden permitirse el lujo de salir a buscar y enfrentarse con aquello que les ha sido negado. El director utiliza la siempre socorrida estructura de road movie para tocar muchos palillos. Desde los problemas de movilidad y funcionalidad, hasta el "don" que posee nuestra especie para machacar al que consideramos inferiores a nosotros bajo nuestros estereotipos absurdos de belleza, posición social o cualquier otra cosa que nos haga sentirnos superiores al otro.
El humor es siempre agradable y respetuoso y los tres protagonistas junto con su cuidadora hacen un estupendo trabajo. La amistad forjada por su condición común les une en la necesidad de no sentirse solos. Solo hay  un personaje, la chica que conoce uno de ellos brevemente, que se les acerque sin condicionantes económicos o familiares. La cuidadora también comparte en definitiva las mismas carencias.
El hecho de que tres discapacitados se atrevan a hacerle la competencia a "Resacón en las Vegas", con más gracia y estilo ya es un gran logro. No se la pierdan.  

LA ISLA DEL TESORO
Robert Louis Stevenson / 1883
281 págs.

Un autentico placer releer esta obra maestra de la literatura juvenil de Stevenson y volver atrás en el tiempo a un mundo de islas misteriosas con forma de calavera, piratas de primera mano, cargados de cicatrices y heridas de mil y un abordajes, con loros parlanchines, y cofres repletos de oro y plata enterrados debajo de cruces marcadas en amarillentos planos por los que merece la pena vivir o morir.
Tiempos aún en los que una buena novela era capaz de imprimir imágenes imborrables. A partir de esta novela los piratas siempre serán como los narró este escoces que saltó a la fama y a la inmortalidad con ellos y se convirtió en un magnifico narrador de aventuras.
El plano de una isla dibujado por su hijastro Lloyd fue quien le inspiró y en torno a él nació una historia con la ayuda de toda su familia, donde a petición del propio Lloyd ocurrieran aventuras sin chicas. El joven protagonista Jim pasará la barrera de la adolescencia de una forma que ni él ni nosotros olvidaremos jamas.
Personajes bien definidos, misterio, intriga, acción, voces y parafernalia de bucaneros y el mar, sus barcos y su mundo con su críptico lenguaje que Stevensón utilizó como el poeta que era y como si toda su vida hubiera estado navegando, fruto quizás de sus estudios abandonados de ingeniería náutica.

Jhon Silver "el largo", a quien le falta una pierna siempre será en mi memoria Wallace Beerry, quien lo encarnó en la pantalla en 1.934.

"La isla del Tesoro",  es más que una novela de aventuras, es un portal mágico de esos que aparecen muy de tarde en tarde donde podemos ir y volver cuando queramos rompiendo la maldición de aquellos versos que nos condenan diciendo: "juventud, divino tesoro, te vas para no volver".
Un brindis por ello: "A vuestra salud y a la mía, viento en las velas, buena comida y un buen botín" (Long Jhon Silver)

MIGUEL NARROS (1928-2013)

Uno descubrió el teatro, el de "verdad", allá por finales de los 70 en el todavía teatro Eslava de Madrid, con uno de los Lorcas más complejos: "Así que pasen cinco años" que dirijia el maestro Narros. Curiosamente en mi debut como espectador coincidían sobre las tablas el más glorioso pasado y futuro de la escena española: Don Guillermo Marín y Don Carlos Hipolito a quien he podido tratar por amigos comunes y para los que siempre será Carlitos.
Cuando Carlitos me comentó ya entrados los años 80 que sentía que uno de los personajes del "Concierto de San Ovidio" de Buero Vallejo podía ser el que marcara un antes y un después en su carrera, detrás también se encontraba Miguel Narros.
Por sus manos y por su genio han pasado un buen puñado de maestros de la actuación que siempre lo llamaron con devoción maestro.
En aquella décadas estaba en la cumbre de la pirámide y tanto el Teatro Español de Madrid como el Maria Guerrero eran su parada y fonda habitual.
Cambiaron los signos políticos, sobre todo en la capital durante muchos años y su teatro y su militancia tuvieron que pasar a vivir de lo privado en vez de lo público.
Su teatro basado en la verdad orgánica de la escuela del método y en su amor por las escenografías desempolvó el cartón piedra del teatro franquista, con el que paradojicamente florecieron una generación de actores irrepetibles que no habían sido criados en su escuela pero que apuntalaron y conplementaron a las nuevas camadas criadas a los pechos del maestro.
A servidor le hubiera gustado no solo haberlo saludo en una ocasión, sino haber trabajado aunque hubiera sido de figurante en cualquiera de sus más de 100 montajes en 60 años de profesión. 
Ya es tarde. Telón. 

JAMES GANDOLFINI  (1962-2013)

!Joder!. Perdón, reconozco que cuando me enteré de su muerte me entró un ataque de egoísmo y frustración. ¿Pero como es posible que ya no pueda disfrutar de este pedazo de cabrón que me ponía los dientes largos con cada uno de sus personajes? !Que no hombre, que no! Que no tiene derecho a morirse. Que el cine está escaso de mitos y actores de la talla de este hijo de emigrados italianos que bordaba cada uno de sus secundarios, en los que se curró el derecho a ocupar un lugar en nuestra memoria con ese Tony Soprano, alter ego de Salvatore Bonnano  con el que tocó la gloria y nos hizo compartirla.
Puedo imaginar cientos de papeles, de personajes de ficción y reales que estarán que trinan porque ya no pueden ser interpretados o reinterpretados por este señor grande, gran señor de la escena al que le han dicho "corten" sin que hubiera terminado sus escenas.
!Pero por favor, a quien se le ocurre". Al menos al irte joven, permiteme que te tuteé, hará que ni tu ni nadie pueda ya bajarte del pedestal de los grandes.
 Alguien debería organizar una vendetta, por lo menos.

GOLPE DE EFECTO

Puntuación: 6
Duración: 1 h 49 m
País: USA / 2012
Dirección: Robert Lorenz

Es cierto que sin la presencia totémica de Eastwood, este primer trabajo de su ayudante Lorenz tendría todas las papeletas de ocupar un papel digno como telefilm de sobremesa firmado por Disney en vez de Malpaso. Pero seamos generosos con esta amable, sencilla y bienintencionada comedia dramática en la que la química entre Amy Adams y su "papá" funciona lo suficiente como para que nos entretengamos sin sobresaltos y podamos oír una vez más aquello de: "Dios, como amo el béisbol".
Parece como si el maestro, al que le deseo larga vida, estuviera cumpliendo con aquellos que le acompañaron, antes de su despedida.

FIN

Puntuación: 7
Duración: 1 h 30 m
País: España / 2012
Dirección: Jorge Torregrossa

Cualquiera que haya leído la inquietante novela de David Monteagudo debe reconocer que Torregrossa, excepto en los minutos finales y supongo que como concesión a la galería, ha realizado una adaptación impecable y que el presupuesto se nota en un trabajo técnico notable dentro de la sencillez de la trama. La critica y el publico no la ha tratado bien, quizás los primeros porque por estos lares somos más papistas que el Papa con nuestro cine y los segundos porque una de las virtudes del original de Monteagudo, que obviamente no puedo desvelar, no suele, en general, hacer gracia al respetable. Si nadie sabemos como y por qué empezó la cosa, tiene cierta lógica que el fin sea parecido.
De todos modos, servidor ha evocado el libro y he vuelto a disfrutar con este misterio, la buena actuación del grupo actoral, los paisajes pirenaicos... y eso que me sabía el final, aunque aquí lo hayan modificado estropeando el tono del conjunto.

CÉSAR DEBE MORIR

Puntuación: 9
Duración: 1 h 13 m
País: Italia / 2012
Dirección: Paolo y Vittorio Taviani

Creo que descubrí a los hermanos Taviani, allá por el 82 con "La noche de San Lorenzo", cuando empezaba a comprender que el cine era algo más que puro entretenimiento y que Hollywood no tenía el monopolio del cine y menos aún del buen cine. Me reencuentro treinta años después con estos octogenarios en un terreno común, el del teatro, con una magistral adaptación del eterno dibujante de almas: Shakespeare. 
La cosa va de tragedia.  La inmortal "Julio César" del bardo y la tragedia de estos hombres que cumplen condena en la penitenciería romana de Rebibbia. Realidad y ficción van de la mano y las lecturas sobre la libertad, la situación política italiana y el mundo de "los hombres de honor" de donde provienen muchos de los presos, hacen que el texto cobre vida en los diferentes dialectos, napolitano, calabrés... y que cada uno de los actores no profesionales disfrute de la libertad espiritual que le provoca el arte ya que no dispone de la libertad física.
Es curioso como otro italiano Matteo Garrone también ha contado con un preso de la camorra para su último trabajo. 
La dirección es exquisita sacando el máximo partido a los espacios angostos de la prisión que enmarcan cada una de las escenas y a la dureza de los rostros de sus protagonistas. Cada plano se carga de significado con la ayuda de la luz, del cambio de color y  el contrapunto de la eficaz banda sonora.
La película apenas necesita algo más de una hora para dejar la semilla en el espectador y en sus interpretes de aquello que solo puede conseguir el arte.

LA PARTE DE LOS ÁNGELES

Puntuación: 5
Duración: 1 h 46 m
País: Reino Unido / 2012
Dirección: Ken Loach

Si uno no recordara que, Loach, ese viejo combatiente social lleva cerca de medio siglo ofreciéndonos un cine militante con los desfavorecidos de la sociedad, bajando la cámara a la calle para meternos hasta la cocina en esa inmensa clase obrera que forma la base más ancha de la pirámide social, con esos retratos de perdedores que luchan con uñas y dientes por dejar de serlo y aún tienen ocasión de reírse de todo tomándose unas pintas...., pues que si nos olvidásemos de todo eso, decía,  esta aventurilla blandengue que convertiría en un dramón, cualquiera de los libros de su paisana la escritora juvenil Enid Blyton, nos haría sonrojar por su ingenuidad extrema.
A los 78 puede que se esté tomando un respiro o puede que después de tanto machacar a sus personajes quiera regalarles un cuento de hadas, una lotería en forma de botella de whisky.
En algunos momentos huele al Loach de siempre pero "como la parte del ángel" se evapora rápidamente sin saber a donde ir. El humor de trazo grueso y el poco carisma de los chavales completan una historieta que por lo menos pasa, eso sí, en un suspiro. Por esta vez pase, maestro.

HOLY MOTORS

Puntuación: 8
Duración: 1 h 55 m
País: Francia / 2012
Dirección: Leos Carax

"Cuentame lo que quieras y como quieras. Pero no me aburras". Esa sería mi máxima. Carax no me ha aburrido ni un segundo con esta inclasificable obra que vaya usted a saber que coño significa si es que significa algo. Desde su último fracaso de taquilla y éxito de critica que suele ser su norma habitual, Carax se ha tomado unos añitos para soltarnos esta bomba odiada por muchos y admirada por otros tantos. Dice su director y guionista que es ciencia-ficción. Pues el sabrá pero el inquietante ser que ha parido ya no le pertenece, se ha liberado a través de la pantalla para meterse en nuestros sueños o pesadillas.
Esplendido Denis Lavant en un ser multitransformista que recorre París en una limusina perteneciente a la flota de Holy motors, encargados de asumir roles en una sociedad adormecida que contempla hipnotizada las historias de siempre y necesita milagros absurdos y cotidianos que le devuelvan la capacidad de vivir y asombrarse.
¿Homenaje al cine, a los actores capaces de ejercer de demiurgos para provocarnos catarsis, provocación sin sentido, gilipollez, genialidad...? Pues probablemente todo eso y más. Lo que cada espectador flipado o cabreado quiera añadir.
Se agradece que entre tanta historia fabricada en serie se deje caer sobre nuestros sentidos el ácido corrosivo que deforme nuestra realidad de diseño.

EL FESTÍN DE BABETTE

Puntuación: 7
Duración: 1 h 42 m
País: Dinamarca / 1987
Dirección: Gabriel Axel

Hace, !¿ya?!, veinticinco años cuando Bertolucci, con "El último emperador" ganaba el Oscar a la mejor película. Casi como contrapunto a esa superproducción, un danés, Gabriel Axel,  ya un maduro y curtido realizador en su tierra, ganaba por primera vez para él y para su país la codiciada estatuilla. La cinta era un prodigio de austeridad narrativa con un marcado uso de las elipses que se acomodaban al tono de cuento de su autora Isak Dinesen, alejada en este caso de su querida África. En ella puede que evocara su niñez en su Dinamarca natal, a su padre militar decimonónico o a su educación privada de corte cristiano burgués.
El caso es que esta miniatura delicada adolece quizás de la mirada fría de su director y se deja arrastrar por la contención puritana y espartana de sus personajes. Personajes por otro lado entrañables cuyo mundo interior queda cercenado por el sacrificio espiritual que será recompensado en "la otra vida".
Dinesen que nunca se privó de los placeres terrenales e hizo lo que le vino en gana posa su mirada casi de entomóloga sobre estas gentes encerradas en su microcosmos y les abre una ventana a la vida mediante los sentidos con un festín culinario que forma parte por derecho propio como un referente en el género. Los aromas y sabores del mundo más allá de su refugio donde pretenden poner a salvo sus almas les hará reencontrase consigo mismos. Brindemos por ello.

REALITY

Puntuación: 7
Duración: 1 h 56 m
País: Italia / 2012
Dirección: Matteo Garrone

En la publicidad de "Reality" hay dos carteles emblemáticos de las dos parte en que se divide esta obra en la que Garrone cambia el registro abandonando el mundo de la camorra napolitano por el del pueblo llano. He elegido el cartel de la parte que más me ha gustado. La del fresco coral con tintes fellinianos, incluso algún guiño a Passolini en la que el paisaje costumbrista se adorna con reminiscencias de ambos míticos directores en la mejor tradición italiana capaz de mezclar la opereta con el neorrealismo, en una puesta al día donde la cámara del director se alía con la banda sonora y los personajes cobran vida en un guiñol universal en el que destaca el nuevo Sordi encarnado por el convicto de la Camorra condenado a cadena perpetua Aniello Arena.
Es en la segunda parte, la que refleja el segundo cartel donde la cosa cambia y la evolución de la trama y el personaje deja de ser creíble por mucho trasfondo e intencionalidad que lleve el trueque que nos propone el sistema de sustituir la familia, los amigos, el amor y el trabajo por la mentira de diseño encerrada en jaulas doradas donde se pacta un circo patético lleno de frikis cleenex cuya máxima aspiración es vivir del cuento mediático. Aquí Garrone roza lo pretencioso y se le van los minutos sin saber aprovechar las estupendas bazas que tenía en sus mano.
Con todo y con eso, "Reality" posee la suficiente fuerza e interés como para soñar con la resurrección de tiempos mejores de cinecittá.

   



LA CABAÑA DEL TÍO TOM
Harriet Beecher Stowe / 1.852
521 págs.

"

Es curioso como nada más terminar de visionar la adaptación cinematográfica de la obra teatral de Juan Mayorga, "En la casa", concluyo las últimas páginas de esta obra de mediados del XIX que perfectamente encaja con el poder de la literatura y su capacidad para influir en sus lectores, "leit motiv" de la obra de Mayorga.
Fue el libro más vendido de dicho siglo después de la Biblia y un aldabonazo a las conciencias de su país sobre la lacra de la esclavitud en una joven nación que quería ponerse a la vanguardia de las libertades. En cuanto en tanto influyó en la contienda de la posterior guerra de secesión en la que se abolió la esclavitud, al menos legalmente, es algo complicado de evaluar pero seguro que fue utilizado a favor por el bando yanqui y dado que aún la literatura no tenía competencias cinematográficas es de suponer que caló hondo en sus miles de lectores de todo el mundo.
Hoy día a quedado relegada a ser lectura escolar juvenil y tampoco me atrevería a afirmarlo cuando en realidad es un alegato brutal y contundente contra la capacidad del ser humano para justificar lo injustificable en beneficio propio.
Desde un prisma marcadamente cristiano su autora apuesta por poner la otra mejilla y el "Dios proveerá", en boca de sus personajes, aspecto que le valió criticas a su novela por parte de los movimientos sociales de la raza negra en el siglo siguiente. Pero la carga dogmática y en momentos panfletaria de buena creyente no deben ocultar el rapapolvos social al que somete a todos los estamentos incluida la iglesia que con su actitud hipócrita favorecían y favorecen todo tipo de esclavitud, en muchos capítulos con una visión de futuro escalofriante.

Su ritmo irregular, sorprende por su modernidad narrando en primera persona como si fuera un guión de cine, con capítulos donde el ritmo, la tensión, la intriga fluyen de manera sorprendente. Quizás al ser publicada en origen por entregas contribuya a esos cambios de tono en su partes, siendo las más doctrinarias las que más flojean literariamente.
El horror de lo que fue y es, no hay que olvidar que es más una crónica novelada que una ficción, cualquier tipo de esclavitud salta de sus páginas sin haber perdido fuerza por el tiempo. Tiempos en los que la violencia forma parte de nuestro desayuno diario y en los que leer o releer "La cabaña del Tío Tom" a cualquier edad es más que recomendable. 



EN LA CASA

Puntuación: 9
Duración: 1 h 45 m
País: Francia / 2012
Dirección: François Ozon

Ante todo felicitar a Juan Mayorga, madrileño y premio nacional de teatro por esta esplendida obra "El último de la fila", sino recuerdo mal, que da lugar a su adaptación por Orzon, al que se le ha aparecido la virgen con este magnifico texto. Dado el muestreo de su prolífica obra, he visto tres de sus títulos,  apostaría sin mucho miedo a equivocarme que este es su mejor trabajo.
Son tan abundantes las capas o los niveles de lectura de esta hipnotizante película que es mejor que cada espectador lo descubra por si mismo. Aunque uno piensa que el denominador común sería rendir pleitesia a la capacidad de fabular, de inventar, de descubrir mundos dentro de mundos que a su vez interactuan con el nuestro como en "La historia interminable". Orzón sirve el texto que ya es bastante eligiendo muy bien a un reparto que sabe jugar sus cartas en cada momento que se exige, misterio, drama, humor...incluso llega a recorrernos en algún momento un cierto terror ante el poder que posee el contador de cuentos universal.
Lo dicho. Hay que leer la obra de Mayorga sobre todo los cineastas patrios y guardar esta película como oro en paño.

SUBMARINE

Puntuación: 7
Duración: 1 h 37 m
País: Reino Unido / 2010
Dirección: Richard Ayoade

Ahora que nos ha dejado Tom Sharpe, la primera novela de Joe Dunthorne nos evoca a las míticas andanzas de aquel excelso Wilt, aunque en este caso sea un adolescente, otro "guardián entre el centeno", con "trenka" peremne que bucea por el siempre complicado y tragicómico absurdo mundo de la adolescencia.
De llevarla a la pantalla se encarga el polifacético Richard Ayoade cuyas referencias al siempre peculiar estilo de Wes Anderson le dan un resultado notable, divertido y con un surrealismo no tan afilado como parece. En su última media hora da síntomas de agotamiento, pero consigue terminar la carrera con una buena posición.
Una banda sonora capaz de convertir muchas escenas en videoclip y unos interpretes bien aleccionados hacen que la cosa se haga entrañable y nos reconozcamos en muchas de las situaciones que invariablemente en mayor o menor medida afloran en esa edad que lleva nombre de ave.

SINISTER

Puntuación: 5
Duración: 1 h 40 m
País: USA / 2012
Dirección: Scott Derrickson

Afortunadamente el guión de "Sinester" concede algo más de tiempo de lo habitual a dibujar el personaje objeto de los sustos y misterios y también afortunadamente Ethan Hawke se pone en su piel. Piel de un escritor que quiere recuperar a toda costa sus éxitos ya demasiado lejanos. Tema por otro lado recurrente en los traumas de los escritores, véase la reciente, "Ruby Sparks". El problema es que tampoco es que le dedique demasiado celuloide al asunto y como es habitual en el genero se van muchos minutos de metraje recorriendo pasillos oscuros donde la música va marcando la pauta para el consabido susto que a la postre acaba teniendo una explicación vulgar.
Tiene su punto la relación existente entre infancia y medios visuales y lleva a pensar muchas cosas al respecto que no se pueden comentar aquí para no destripar la cosa.
Por lo demás más de los mismo visto por aquí o por allá en un genero que junto con la comedia cada día lo tiene más difícil para no repetirse y conseguir que nos riamos o nos asustemos de verdad. Después del fiasco de "Ultimatum a la tierra" no es que Derrickson haya mejorado mucho, pero algo es algo.

SUPERMAN (1.938)

Se cumplen 75 años desde que la editorial estadounidense DC publicó en su revista Actión Comics el primer número del Superman que todos conocemos. Pero como todo famoso, la edad se Superman se presta a diversas interpretaciones. ¿Nació en el 33?, cuando sus autores, dos jovencitos afincados en Cleveland de origen judío, el guionista estadounidense Jerry Siegel y el dibujante nacido en Canada Joe Shuster concibieron a "The Super-Man". Un villano calvo que quería, como todos, conquistar el mundo con su super fuerza y visión telescópica.

¿O quizás nació unos meses después en ese mismo año?, cuando los mismos padres decidieron transformarlo, suprimieron el "The", unieron el "Super" y el "Man" y le pasaron al bando de los buenos. Oficialmente y para la historia su cumpleaños se celebra cuando DC lo puso en circulación en 1938 con un éxito sin precedentes en la historia de un género, el del cómic que por aquellos años estaba muy devaluado.
Aunque todos sabemos que realmente Kal-El, su autentico nombre, nació en fecha indefinida según el calendario del extinto planeta Krypton y que fue enviado cual moderno Moises en una capsula espacial por sus padres a nuestro planeta donde fue a caer en Kansas siendo adoptado por los granjeros Kent que le bautizaron con el nombre de Clark.

Superman, como no podía ser de otra manera vino a salvarnos. En principio de la Gran Depresión que asolaba a los USA después del crack del 29, convirtiéndose en el icono y el símbolo de toda una nación poderosa que sería capaz de levantarse y ponerse a la cabeza del mundo para seguir desenfaciendo entuertos lo queramos o no.
Tras una pequeña crisis de confianza entre sus creadores y 6 años intentando colocar al hijo sin éxito, DC pidió a la prensa material que hubieran desechado previamente y por allí andaba nuestro héroe que fue el elegido para liderar la nueva publicación, Actión Comics, incluso le dieron la portada.

Lo demás es historia. Indumentaria basada en los personajes del circo (Hércules, Sanson), capa de diseño novedoso probablemente influidos por el oficio de sastrería familiar, colores de la bandera patria,  un pellizquito de connotaciones de la tradición judía y mucho cine. Douglas Fairbanks Jr. y Harold Lloyd fueron sus referente en su doble aspecto físico y su nombre humano hace alusión a Clark (Gable) y Kent (Taylor).

Como todos los padres muy ocupados, dado el éxito de ventas, empezaron a delegar en otros artistas que fueron modelando la imagen del hombre de acero según gustos e intereses de las distintas épocas.
Paradojicamente Superman no combatió en Europa contra los nazis. No quería abusar con sus superpoderes y que aquello se acabará en un pis-pas. No obstante colaboró en la venta de bonos de guerra y apoyó moralmente a los soldados, que estaban mas tranquilos sabiendo que tenían cubiertas las espaldas en casa.
Tras su paso por el papel, sus superpoderes le daban para triunfar en radio, televisión y cine en los 40 y 50. Y como era muy generoso no le importó abrir la puerta a otros seguidores que le hicieran la competencia en esto de combatir el mal. Al final uno, como en la música o es de Beatles (Superman) o de Rollings (Batman) o de ambos.

A fecha de hoy a muerto y resucitado, se ha casado y sus aventuras y desventuras se han puesto del derecho y del reves una y mil veces. El cine consagró a Critopher Reeves como su imagen más popular y la cosa tiene visos de ser inmortal para gozo de todos aquellos que seguimos preguntándonos si es un pájaro o es un avión. Larga vida a Kal-El.

EL PROFESOR (DETACHMENT)

Puntuación: 7
Duración: 1 h 37 m
País: USA / 2011
Dirección: Tony Kaye

Desde "American History X", Kaye ha demostrado que sabe como golpear sin miramientos las conciencias. En este brutal y descarnado paseo por el lado oscuro de la educación publica americana, lo sigue haciendo. Para ello utiliza todos los recursos técnicos que maneja con soltura, con un montaje, movimientos de cámara y enfoques que le dan un ritmo anarquico, sincopado, desasosegado que refuerza la atmósfera de abandono y desconcierto de los personajes, sin que lleguemos a marearnos por ello. A mi juicio el mejor Brody hasta la fecha en un personaje a cuyo trauma personal se le suma un existencialismo vital que nos recuerda a "La Peste" de Camus. Todo esta podrido, todo se hunde y lo único que podemos hacer es luchar hasta el final sabiendo que la batalla está perdida.
Deja Kaye un resquicio a la esperanza sin demasiada convicción  mientras que se acumulan los cadáveres sociales de profesores y alumnos. La visión adolece de demasiado pesimismo y la historia subjetiva del protagonista no acaba de encajar como debiera en la propuesta general, el ritmo tiene altibajos y forma y fondo en ocasiones se hacen la competencia.
Aquella "Rebelión en las aulas" (James Clavell / 1.967) en el siglo XXI nos ha estallado en nuestras propias narices y la casa Usher de nuestro sistema educativo es una fabrica de fantasmas.

EL HOMBRE DE LAS MARIPOSAS

Puntuación: 5
Duración: 1 h 47 m
País: España / 2011
Dirección: Maxi Valero

Es innegable que Maxi Valero apunta maneras en este su estreno en la gran pantalla y que aspectos como la fotografía de Oscar Montesinos y la banda sonora del propio Valero merecen un notable, pero el prometedor guión, también del director, bien defendido por sus interpretes se estanca en lugares comunes y no avanza como debiera abandonando posibilidades a mitad de camino, quedándose en una tierra de nadie sin que podamos empatizar lo suficiente con sus protagonistas, demasiado fríos, al compás de un ritmo cansino que hace poco creíble la vida interior de los mismos. Escenas y personajes como las  del cartero retrasado, ahondan más en la ruptura narrativa sin que lleguen a aportar la carga poética que se pretende. La cosa daba para más y mejor con un final que no encaja con la evolución del personaje central. Valero se deleita con movimientos suaves de cámara que crean atmósferas que se evaporan rápidamente. Se le va de las manos. Esperemos una segunda oportunidad. 

EL ORIGEN DE LOS GUARDIANES

Puntuación: 9
Duración: 1 h 37 m
País: USA / 2012
Dirección: Peter Ramsey

DreamWorks le ha dado al afroamericano Peter Ramsey, ilustrador y operador de segunda unidad la oportunidad de estrenarse como máximo responsable de un proyecto de la casa. Y vaya si lo ha aprovechado.
Partiendo de la serie de novelas de William Joyce, en la que los personajes tradicionales del imaginario infantil se adaptan a los tiempos convirtiéndose en una serie de superheroes encargados de velar porque los niños y quizás los adultos sigamos creyendo en la magia en un mundo cada vez más necesitado de ello.
La propuesta en si no es del todo original y siempre se puede decir que esto o aquello podría dar más de si,  pero el diseño de producción artistico y personajes es exquisito y la aventura cobra vida de forma trepidante y emotiva. Se quedó fuera de las nominaciones en los Oscars. Como en el deporte cada uno tiene su selección y la verdad es que las plazas están afortunadamente muy caras.
Absolutamente recomendable para visionarla en familia y para guardarla en nuestra videoteca como la joya que es.

HONRARÁS A TU PADRE
Gay Talese /1.971
Edit. Alfaguara. 602 pags.

En el 2011 se publica en España este best-sellers de....1.971. Cuarenta años de retraso. Bueno, nunca es tarde..., que dice el refrán. Parece ser que el éxito de la maravillosa serie de televisión "Los Soprano" en la que en su esencia, se nutre del trasfondo de esta obra, han animado a su publicación.
Talese, cronista deportivo por casualidad durante muchos años supo encauzar su don con la palabra al convertirse en exponente destacado junto con otros periodistas de renombre del llamado "nuevo periodismo" que conjugaba las bases tradicionales del periodismo de siempre con el mejor de los estilos literarios. Literatura de no ficción.
De origen italiano quiso homenajear a su padre, cuando este le decía que detrás del coco de la Mafia, chivo expiatorio de todo el mundo criminal norteamericano que arrastraba a la opinión publica a pensar que cualquier apellido italiano era digno de sospecha, se encontraba un mundo donde la gama de matices iba más allá de lo blanco o negro. Mundo de tradiciones importadas de la Italia profunda, conservadora y patriarcal con códigos de honor, venganza y estructuras feudales que supieron enriquecerse a costa de las grietas que provocaban los errores y las carencias de un gobierno estadounidense tan conservador, hipócrita y violento como la propia Mafia, sino más.
La prosa de Talese es apabullante y fluye con una fuerza y transparencia que casi nos hace estar presentes en los hechos que narra. La vida de la familia de Joseph Bonnano uno de los jefes de una de las familias. Talese no entra en las actividades delictivas y los crímenes cometidos por tales familias, la mayoría entre ellos mismos por controlar negocios de prostitución y drogas, pero básicamente de alcohol y apuestas. Delitos estos últimos que la propia sociedad fue legalizando con el pasar de los años.
Talese busca al individuo, a Bill Bonnano, hijo del patriarca y cómo toda su vida estuvo marcada por la influencia, el respeto y la admiración que tuvo por un padre que no le correspondió en la misma medida y cómo todo ello le llevó a una vida no deseada en la que su mujer, sus hijos y su entorno familiar se vieron salpicados y perjudicados por su apellido.
Al mismo tiempo nos ofrece un "arbol genealógico", el quien es quien de todas las familias mafiosas desde su auge hasta su decadencia.
Documento imprescindible para entender una parte del lado oscuro de la sociedad que el cine, la literatura y los gobiernos de turno han utilizado sin miedo a manipularlos para sus propios fines.

ESTHER WILLIAMS (1921-2013)

Cuando surge su nombre, automáticamente aquellos que ya tenemos una edad en la que el cine no era solo el septimo arte sino quizás todo el arte, nos viene a la memoria "Escuela de sirenas", película que la consagró como estrella de un genero hecho a su medida, el musical acuático, donde su belleza competía con sus habilidades como excelente nadadora de sincronizada. Los años 40 y 50 fueron principio y final del genero, irrepetible sin ella.
La televisión única española de años posteriores y los cines de sesión continua nos refrescaron las tardes de la niñez con estas comedias pasadas por agua cuyo mayor encanto eran las increibles coreografias acuaticas como solo Hollywood podía rodar. Y allí como eje central estaba ella, "La sirena de America", radiante y esplendorosa.
Pasado el momento intentó seguir adelante como actriz alejada de las piscinas pero el gran publico que todo lo da y lo quita no se lo permitió. 
Siguió nadando hasta el final a sus 91 años, quizás ese fue el truco de su larga vida y su perenne belleza.

TOM SHARPE (1928-2013)

Periódicamente uno revisa su modesta biblioteca y va donando a otras bibliotecas tandas de libros en esa filosofía de que de nada sirve acumular y merece más la pena compartir. En ese agridulce proceso de depuración algunos títulos siempre permanecen en su estante. Uno de ellos es "Wilt", ese ácido y endiabladamente divertido relato sobre la educación y la sexualidad inglesa llena de hipocresía y represión. Probablemente su mejor obra.
También ocupó un lugar cercano "Reunión tumultuosa" donde el humor negro negrisimo acorralaba al Apartheid sudafricano que le toco vivir.
Luego le perdí la pista y hoy que los medios dicen que nos ha dejado desde su residencia en un pueblo de Gerona, los recuerdos de los buenos ratos que pasé con sus dos obras me han motivado a recordarle como el maestro del humor salvaje, en caída libre capaz de llevarse por delante toda la basura con la que nos rodeamos. 

VACACIONES EN EL INFIERNO

Puntuación: 7
Duración: 1 h 35 m
País: USA / 2012
Dirección: Adrian Grunberg

Gibson sigue en la brecha y en forma, sus últimos trabajos, irregulares en el resultado final nunca han desmerecido su labor individual. Aquí ha tenido buen ojo para producir este thriller que recuerda a una de las temporadas de la exitosa serie "Prisión Break". Con un guión ágil en el que también participa y sobre todo confiando en un experimentado operador de segunda unidad como Grumberg que ejerce una dirección impecable con un más que notable montaje con el que se mueve a sus anchas por la cuidada ambientación y atmósfera de ese "pueblito" prisión mexicano en el que abundan todos los clichés de corrupción y violencia que asolan a ese país. Con un eficaz casting de secundarios, Gibson toma las riendas de ese personaje duro pero de buen corazón que es capaz de pegarte un tiro o clavarte un tomahawk sin perder el sentido del humor.
El tramo final paga su cuota de película mainstream (para todos los públicos) y camina por senderos más convencionales.  Es lo que hay.

RUBY SPARKS

Puntuación: 6
Duración: 1 h 44m
País: USA / 2012
Dirección: Jonathan Dayton / Valerie Faris

La baza más importante de este trabajo a dos manos, es la originalidad del guión de Zoe Kazan que también interpreta el personaje principal, sin embargo ya en el 2006 Zach Helm escribió algo similar para "Más extraño que la ficción" dirigida por Marc Forsters. El caso es que aquí se aborda desde el punto de vista de las relaciones de pareja con un cierto aire de comedia romántica en su primera parte que se torno de forma abrupta pero predecible en un drama personal del escritor encerrado en si mismo preso de su propio éxito, incapaz de encontrar la inspiración para su nueva obra, con las consiguientes inseguridades personales que eso conlleva. Lo dicho, nada nuevo. El problema es que la cosa como ya hemos comentado se ve venir de lejos y la guionista se entretiene demasiado en los mismos recursos estirando una historia que podría haber dado más de si. La dirección tampoco es para tirar cohetes y Paul Dano se enroca con voluntad en un estereotipo de personaje mientras que la propia Zoe se la ve feliz luciendo ropa chic y encantada de si misma y de su innegable fotogenia.
Pues eso, que no esta mal pero sin pasarse.

LA PEQUEÑA VENECIA (Shun Li y el poeta)

Puntuación: 8
Duración: 1 h 36 m
País: Italia / Francia / 2011
Dirección: Andrea Segre

Andrea Segre, italiano de 36 años, profesor de sociología de la comunicación, experto y premiado documentalista, comprometido con las etnias marginadas.
Cada uno de estos rasgos curriculares se nota y mucho en esta delicatessen que nos regala como opera prima.
Sin apenas estridencias y con una banda sonora exquisita Segre alza la voz y denuncia la explotación de unos, los prejuicios de otros y en definitiva la falta de comunicación que nos rodea en este mundo globalizado, donde siempre quedan resquicios para que el ser humano sea digno de tal nombre.
Película de silencios, de soledades, de vidas frustradas y esperanzas, de inicios y finales. Película de encuadres medidos que rezuman poesía  Aún le sobra a Segre metraje para el retrato costumbrista y el humor. ¿Podrá alguna vez el circulo convertirse en cuadrado? 

HOTEL TRANSILVANIA

Puntuación: 9
Duración: 1 h 31 m
País: USA / 2012
Dirección: Genndy Tartakovsky

No acabo de entender por qué  parte de la crítica especializada le pone palos en las ruedas a esta película redonda, con un diseño de personajes y un acabado impecable, trepidante y que invita a que padres e hijos disfruten juntos y vayan pensando que todos hemos tenido que aprender a volar dándonos nuestros propios batacazos. A no ser que la lucha a muerte por ocupar los lugares más altos en el mundo de la animación de los estudios tenga "efectos colaterales" en la letra impresa.
Nos hemos mal acostumbrado (Pixar tiene mucha culpa) a que la animación debe rozar la obra maestra y tener un contenido tan adulto como infantil o juvenil y minusvaloramos propuestas como esta que producen resultados más que satisfactorios por diferentes caminos.
Tartakovsky, curtido en la animación de la televisión ha sabido trasladar el ritmo del cartoom a la gran pantalla. La gran familia de los monstruos reivindican su trocito del pastel del cariño que siempre les hemos tenido estos humanos que nada tienen que envidiarles en su lado más oscuro.

ARGO

Puntuación: 8
Duración: 2 h
País: USA / 2012
Dirección: Ben Affleck

Voy con retraso. Lo sé. Acabo de visionar la película triunfadora de la pasada edición de los Oscars y que además se estrenó en Octubre pasado. Pero es que se me acumula el trabajo.... En fin, que "Argo" lo tiene todo, o casi. Todo aquello que en cualquier manual, si es que existe, sería necesario para encajar en los cánones de la Academia y por ende cosechar Oscars. En este caso tres, que no es poco, incluido mejor película. Tensión, emoción, autocritica nacional, parodia, comedia, chauvinismo, exotismo, denuncia social, cuidada ambientación, drama, y hasta unas gotitas de agridulce amor con un final como dios manda y que aún a sabiendas del mismo, ya que se basa en un hecho real, no le resta interés.
Le falta, a mi juicio, mayor credibilidad tanto en su parte más parodica del Hollywood de los 70, a pesar de que Arkin y Goodman dejan su impronta y en como aborda Affleck ese tramo final endiablado donde los personajes quedan en segundo termino ante un eficiente montaje que imprime el ritmo y la tensión que el desenlace necesita. Algunas secuencias son previsibles y descaradamente buscan la respuesta emocional de ese cine "para todos los públicos".

En cualquier caso, Affleck se consagra con tres plenos como director y sigue quedándose cortito en su faceta de actor.
Los dos primeros minutos explican de forma impresionantemente concisa y aterradora años de historia de un país, ejemplo de tantos otros, donde los intereses políticos, de unos y otros se llenan de miles de números rojos de la sangre de sus ciudadanos. 

ANIMALS

Puntuación: 6
Duración: 1 h 40 m
País: España / 2012
Dirección: Marçal Forés

Afortunadamente en nuestra depauperada industria fílmica  siguen surgiendo nuevos talentos que apuestan más por la calidad que la comercialidad (así les va) con propuestas sugerentes como este primer trabajo en el largo de Marçal Forés que se une a la linea seguida por recientes trabajos como "Los niños salvajes" (Patricia Ferreira/2012) o "Iceberg" (Gabriel Velázquez/2011), en donde el laberíntico y desconcertante mundo de la adolescencia ofrece una encrucijada de caminos a veces incomprensibles y siempre decisivos.
Forés bebe del Gus Van Sant de "Paranoid Park" y "Elephant" y nos presenta una obra inquietante, desigual, arriesgada, emotiva, que va perdiendo fuelle a medida que entendemos de que va la cosa y la narración se estanca por mucho que intente remontar con giros y sorpresas finales. En cualquier caso, más que interesante esta visión personal y a veces demasiado subjetiva de una etapa vital que se banaliza con demasiada facilidad.

LOOPER

Puntuación: 8
Duración: 1 h 58 m
País: USA / 2012
Dirección: Rian Johnson

Desde que en el 2005 Johnson me sorprendiera muy gratamente con "Brick", su visión del cine negro clásico pasado por el tamiz de jóvenes de instituto, le había perdido la pista a este director guionista que sabe jugar con escasos presupuestos para sacar el máximo rendimiento a sus estupendos guiones.  Su segundo trabajo "The Brothers Bloom" (2008), no se estrenó en España, pero veo con este "Looper" que sigue en excelente forma.
Looper, como se ha escrito aúna diversos géneros y temáticas y es cierto que nos evoca a Faulkner en su segunda parte. Todo ello lo conjuga con originalidad y sabiendo dosificar "in creschendo" cada una de las partes. La ciencia ficción en la linea de Philip. K. Dick, el thriller, la acción, el terror, el drama...incluso sale más que airoso en la siempre enrevesada propuesta de los viajes temporales.
Administra sus recurso con eficacia y el elenco juega sus bazas sin grandes desequilibrios, con un Willis que hace lo que mejor sabe hacer, correcto Gordon-Levitt y el lujo de Jeff Daniels y Emily Blunt. Mención a parte para el niño, otro "enfant terrible" de la industria USA.
Con dos partes bien diferenciadas que casi pueden cerrarse en si mismas, Johnson consigue que disfrutemos de las dos aunque su unión pueda dejar lineas argumentales en el camino.
En definitiva un ejemplo inteligente para la mayoría de propuestas que apuestan exclusivamente por la espectacularidad y los efectos especiales.

LA ISLA DE LOS OLVIDADOS

Puntuación: 7
Duración: 1 h 56 m
País: Noruega / 2010
Dirección: Marius Holst  

La sensación de película de genero que uno ya ha visto un puñado de veces y por tanto bastante previsible no te abandona en ningún momento. Aún así Holst y su equipo artístico y técnico nos lo cuentan de forma notable y retienen nuestro interés durante casi dos horas. Eficaz reparto para unos personajes merecedores de mayor desarrollo y donde Skarsgard es el mayor beneficiado en el papel de un director de un centro de reeducación de jóvenes delincuentes que naufraga en sus propias debilidades morales sin que Holst se atreva a apostar plenamente por ello en beneficio de una historia de amistad entre los internos que no acaba de calar como debiera.

LO IMPOSIBLE

Puntuación: 10
Duración: 1 h 48 m
País: España
Dirección: J.A. Bayona

No me apetece en absoluto sacar la lupa para encontrarle peros a este peliculón que seguro que los tiene. Bayona y todo su equipo se merecen que seamos generosos porque han conseguido lo imposible. Que una producción española alcance la cima internacional con una sabio equilibrio entre lo patrio y lo foráneo.  Watts y McGregor abren las puertas que otros actores españoles por muy cualificados que estén aún no pueden abrir. Naoimi Watts hace tiempo que esta por encima del bien y del mal y es imposible, valga la redundancia no enamorarse de esta mujer relevo generacional de la Streep y Ewan McGregor posee el carisma y la solvencia necesaria para ofrecer muchos registros con nota alta.
No podemos olvidarnos del chaval Tom Holland que lo borda. Bayona no solo saca sobresaliente en la dirección de actores sino que nos cuenta este drama con eficacia y maestría técnica a la altura de los más grandes. Los primeros 30 minutos como ya se ha escrito abundantemente son de infarto con un realismo que va mucho más allá de la etiqueta de película de desastres. El resto es de una simplicidad aterradora, un drama donde lo personal y lo universal caminan juntos y donde cada pequeña situación y gesto no olvidarán jamas sus protagonistas reales y que Bayona ha sabido transmitirnos. Con el respeto debido a mi admirado Boyero, incidir en si la banda sonora es o no innecesaria en determinados momentos es cogérsela con papel de fumar.
"El orfanato" cumplió con creces y en este su segundo trabajo Bayona bate un récord personal que para una industria cinematográfica como la nuestra parecía "lo imposible". Enhorabuena para ellos y para nosotros.  

IRON SKY

Puntuación: 5
Duración: 1 h 28 m
País: Finlandia / 2012
Dirección: Timo Vuorensola

Supongo que Vuorensola se puede considerar un friki de Star Trek. Su saga de películas finlandesas Star Wreck parodiando las aventuras del Enterprise y su tripulación han tenido un éxito notable dentro y fuera de su país. A ello se le suma que las ha financiado mediante crowdfunded, o sea colecta popular.
Nos llega ahora su último trabajo donde culmina todo un maremágnum de frikismo con ininterrumpidas referencias a cintas maestras de genero con un regusto artesanal, casi infantil que roza la sátira política trufada de humor "finlandes".
Como stravaganzza curiosa, no deja de tener cierta gracia y se agradece el esfuerzo. No obstante cada una de sus parte y a la postre todo el conjunto no alcanza el mínimo deseable para hacerle un hueco en nuestra memoria cinéfila, careciendo de esa chispa de genialidad que diferencia el chiste manido del humor ácido e inteligente. 

FRANKENWEENIE

Puntuación: 9
Duración: 1 h 27 m
País: USA / 2012
Dirección: Tim Burton

Infancia, mascotas y amor por  aquel cine de la Universal que tantos sombras misteriosas produjo en nuestras habitaciones en noches de tormenta, produce una añoranza de la que Burton ha sabido exprimir su mejor jugo. Atrás queda una filmografía bastante irregular donde títulos míticos se alternan con autenticas naderías.
La estética a la que recurre una y otra vez este director tiene trazos de obsesión y a veces funciona y a veces no. Aquí sin llegar a la maravilla de "Pesadilla antes de Navidad" le ha quedado un producto bastante redondo lleno de nostalgia y homenajes para disfrute de todos los públicos, como marca Disney. Cuando finalizó fui corriendo a abrazar a mis perros.  

COSMOPOLIS

Puntuación: 4
Duración: 1 h 48 m
País: Canada / 2012
Dirección: David Cronemberg

Para aquellos que tengan como referencia el Cronenberg de la última década  se sentirán cuando menos sorprendidos por esta propuesta, cuando no francamente decepcionados. A bote pronto parece que el director se había tomado un tripi sin soda cuando reelaboró y adapto el guión de la novela de DeLillo publicada en el 2003. No la he leído  De hecho no conozco la obra de este novelista postmoderno norteamericano cercano a cumplir los 80 y cuya novela en la que Cronenberg se apoya parece que indaga en los daños morales posteriores al 11 S, según informa la Wikipedia. 
En cualquier caso Cronenberg ya más que madurito vuelve a sus orígenes con una obra personal y alucinada para consumo propio y de sus fans más radicales. Un coñazo, con perdón. Donde Pattitson lo sigue intentando esto de la actuación al tiempo que engrosa sus chequera y un puñado excelentes actores se cuelgan el pedigrí de participar en un proyecto del excéntrico director canadiense. Interminables diálogos pseudo sesudos rellenan la siempre interesante mirada de Cronenberg que se habrá quedado agusto con que le den barra libre para soltarnos esta metáfora sobre las próstatas asimétricas.

CONSTATINO ROMERO (1947-2013)

El alto grado de analfabetismo en España propició que el cine foráneo tuviera que ser doblado. Para mal y para bien. Perdimos buena parte de la esencia de cada película pero a la contra los profesionales del doblaje tuvieron que esforzarse mucho para compensar esta carencia y a la postre se convirtieron probablemente en los mejores del mundo en su oficio.
Constantino tenia un don. El de su voz. Grave y profunda y a la vez tremendamente nítida y matizada. La radio lógicamente le abrió sus puertas. Cumplida la cuarentena su imagen bonachona, rotunda y entrañable, a contracorriente de los cánones de belleza al uso se hizo un hueco en la televisión de concursos y una vez más Constantino nos atrapó con su buen hacer profesional, sin estridencias y su imagen se hizo muy popular.
Pero era en la actuación de doblaje donde él venia regalándonos a la chita callando su mejor faceta y por su voz, sus matices, su cadencia pasaron muchas de las frases y personajes míticos de la gran pantalla, desde Eastwood hasta sus colaboraciones con Disney. Aún tuvo tiempo de subirse a un escenario para demostrar que también era capaz de poner presencia y movimiento a un buen personaje. Con él se marchan muchos de ellos que sin su registro no serán los mismos. "La voz" como justamente le apodaron nos ha dejado con su elegancia habitual. Seguro que cuando El este afónico recurre a Constantino

EL INVIERNO DEL MUNDO

Ken Follett

Plaza y Janes / 2012 / 960 págs.

Decir de esta segunda entrega de la trilogía "The Century" que es poco más que una novela entretenida puede que para algunos, como es mi caso, se quede corta en muchos aspectos y para otros sea más que suficiente. La visión casi de instituto de los hechos más relevantes de la década de los 30 y los 40 del pasado siglo, a través de casi 1.000 páginas se sustenta excesivamente sobre la base algo folletinesca y casi de novela rosa de los amores de sus protagonistas. Hay público obviamente al que esto también le supondrá un aliciente.

Sin grandes desigualdades de tono, Follett consigue mantener el interés en una sucesión de acontecimientos previsibles ya sea históricamente o por que se ven venir de lejos. Los pasajes en que la novela vibra y emociona con otro timbre, son escasos, pero los hay. Aporta cultura general para el gran público y fantasea como pudieron ocurrir ciertos hechos históricos  A pesar de que este periodo del siglo le es más cercano a sus anteriores éxitos del género de espionaje, personalmente me gustó más la anterior entrega, donde los actores principales eran bastante menos planos que estos.

El ambicioso proyecto que se propuso el autor parece al fin y al cabo que tendrá más éxito recaudatorio que pervivencia literaria. Ojala que la tercera parte nos deje mejor sabor.

ALFREDO LANDA  (1933-2013)

Alfredo I, "El grande". A pesar de su escasa estatura así es como me gustaría recordarle en su faceta de actor. Este pamplonica que se dejó caer por los madriles de los 50 después de acumular tablas con cuarenta obras con el Teatro Español Universitario.
Este "pequeñín", lleno de desparpajo y vitalidad debutó con "Atraco a las tres" en el 62 y ya no hubo quien lo parase. 133 películas en 43 años de profesión.
Tras una década de comedías en la pantalla y mucho teatro llegaron los 70, la libertad, el destape y "el landismo" genero que llevó su nombre por el estereotipo de personaje que representaba de macho ibérico reprimido. Muchas de ellas de escaso valor artistico pero donde Landa y otros muchos aprendieron a moverse ante las cámaras como pedro por su casa, amén de mantener la precaria industria nacional.
Afortunadamente para él y para todos nosotros el país fue evolucionando y "El puente" de Bardem marcó un punto de inflexión en su carrera, convirtiéndole ya para la posteridad en uno de los grandes, por encima del bien y del mal. "El Crack", "Las verdes praderas", "Los santos inocentes", "El bosque animado", "La marrana"....etc, etc, etc, por no hablar de su inolvidable Sancho en El Quijote que realizó Gutierrez Aragón para televisión junto con Fernando Rey.
El publico le quiso y la profesión le reconoció su trabajo. Al final publicó una autobiografía donde sus personajes dejaban paso a la persona que dado su carácter "peculiar" se despachó a gusto con todas aquellas cosas que sabemos de los demás y que no deberíamos contar aunque sean ciertas.
Genio y figura. Lo dicho "El Grande". 

RAY HARRYHAUSEN (1920-2013)

Hubo un tiempo, quizás pocos lo recuerden, en que el mundo no era digital. Por aquel entonces los sueños podían hacerse realidad durante unos minutos dentro de una sala de cine, pero incluso para aquel portentoso invento algunos de aquellos sueños plagados de mundos fantásticos, personajes mitológicos y seres increíbles eran difíciles de plasmar.
Hasta que un niño estadounidense de 29 años, allá por el 49 utilizando la técnica del stop motion (imagen fotograma a fotograma) ya existente desde los comienzos de la cinematografía, consiguió que toda esa fantasía se hiciese realidad. Con "El gran gorila" dirigida por Ernest B. Shoedsack, ese año se llevó junto a su maestro Willis O'brien el oscar a los mejores efectos especiales.
Despues vendría joyas impagables de su trabajo como "Simbad y la princesa", "Jasón y los Argonautas", "Furia de Titanes", "La isla misteriosa", "Hace un millón de años", "Simbad y el ojo del tigre"....
Sus dinosaurios, sus monstruos, sus esqueletos hicieron y todavía hacen la delicia de pequeños y mayores. Su trabajo artesanal tenía y tiene el encanto del niño que sabe que el muñeco con el que juega no es real pero que a través de él todo puede suceder. Gracias "Harri" por dejarnos jugar y soñar  con tus muñecos.

MAGIC MIKE

Puntuación: 6
Duración: 1 h 40 m
País: USA / 2012
Dirección: Steven Soderbergh

No acabo de engancharme con los personajes ni con la historia de este "Peplum" contemporáneo  Parece como si las virtudes y los defectos de  este director del que ya pronto se cumplirán 25 años desde su prometedor inicio con "Sexo, mentiras y cintas de video. / 1989), se dieran cita en esta cinta.
La historia de este "boy", bien defendido por Tatum y el mundo que los rodea parece quedarse demasiado en una superficie que apunta mucho pero no acaba de mojarse demasiado en un guión que quizás toca demasiados palos sin centrarse en ninguno en especial. Rodada con la eficacia y buen hacer al que Soderberhg nos tiene acostumbrados, la cosa acaba decantándose más por un puñado de buenos números de strippers y las filigranas técnicas del director.
Hay sin embargo un poso mucho más interesante reflejado en el personaje de un estupendo McConaughey que nos deja entrever lo que se queda en el tintero y que pudo convertir a Magic Mike en mucho más de lo que es.

EL FRAUDE

Puntuación: 7
Duración: 1 h 46 m
País: USA / 2012
Dirección: Nicholas Jarecki

Da gusto y envidia ver lo bien que se conservan Gere y Sarandón. Ella aparte sigue sacando petroleo le den lo que le den y él en su irregular carrera demuestra que todavía tiene mucho que decir. Esta esplendido. 
Como los buenos libros esta segunda obra del ex-hacker Jarecki se ve de un tirón con un ritmo narrativo que no decae en ningún momento. El guión del propio Jarecki funciona como un reloj aunque algunos de los puntos de inflexión de la trama, son cuando menos poco creíbles  Es igual, Gere ejerce de mago, se hecha el asunto a la espalda y consigue hipnotizarnos durante casi dos horas. El casting esta acertado y eficaz, recuperando gratamente a un Tim Roth al que le tenía un poco perdida la pista y que espero recupere proyectos con personajes más generosos.
Consigue el equilibrio entre el thriller comercial y el paseo por el mundo de aquellos que pueden meternos o sacarnos de las crisis de turno. El poder y los poderosos juegan en una liga exclusiva que da mucho miedo. 

UNA VIDA MEJOR

Puntuación: 7
Duración: 1 h 50 m
País: Francia / 2011
Dirección: Cédric Khan

Si uno no anda muy animado, dado los tiempos que corren, este último trabajo del siempre interesante Cédric puede que acabe de hundirle en la miseria.
Detrás de la situación inicial, algo forzada para mi gusto, Cédric expone con buen tono y acierto en las elipses un catalogo de desgracias que me río yo de la ley de Murphy, en una sociedad actual en un País tan "progresista" como Francia que actúa como caldo de cultivo inmisericorde donde prolifera y se fomenta el sálvese quien pueda.
Canet hace creíble su personaje aunque al guión del propio Cédric se le salten las costuras en más de un momento y parezca no avanzar como debiera. El amor como tabla de salvación y un cierto optimismo irracional en el futuro terminan actuando como el "Deus ex machina" que nos alivia de tanto pesimismo. Menos mal. 

SI DE VERDAD QUIERES

Puntuación: 6
Duración: 1 h 40 m
País: USA / 2012
Dirección: David Frankel

Está David Frankel cogiendole el punto, después de la sugerente "El gran año" a un tipo de cine suave, sin estridencias, con humor pero trufado de reflexiones sobre nuestras batallas más intimas y personales, aquellas que no cambiaran el mundo pero dan sentido al éxito o fracaso de nuestra pequeña y única existencia. Solo con grandes actores podemos degustar estos aparentemente sencillos guiones que en otras manos estarían abocados al fracaso. Meryl y Tommy sientan cátedra. Es un lujo y un placer verles defender la propuesta que por otro lado se les queda corta. Aunque uno duda si es precisamente ese "punto" a medio camino del todo y la nada que esta pillando Frankel el que hace tan agradable su cine.

SALVAJES

Puntuación: 7
Duración: 2 h 10
País: USA / 2012
Dirección: Oliver Stone

Desde los 70 Oliver Stone ha sido una presencia constante en el mundo cinematográfico. Con una carrera irregular y a veces excesivamente politizada, nos ha dejado una decena de cintas que ya las quisieran otros. En este continuo vaivén ahora toca su mejor cara con este thriller negro, violento, potente y desigual donde cada pieza forma un conjunto que mantiene la tensión sin destacar demasiado. A excepción de Benicio que se vuelve a adueñar de su personaje con uno de esos   malos a los que hay que rehuir la mirada. 
Stone hecha mano de todo su oficio e incluso se permite caricaturizar su propia película en momentos clave. La adaptación de la novela de Don Winslow en el 2010, requeriría mas profundidad en cada uno de los personaje pero el director prefiere seguir la trama por el lado más efectivo y a la postre fácil  perdiendo puntos por ello.
En cualquier caso Stone está devuelta una vez más.  

BLANCANIEVES

Puntuación: 8
Duración: 1 h 40 m
País: España / 2012
Dirección: Pablo Berger

En muchos aspectos este segundo largo de Berger se merece sobradamente el sobresaliente. Su impecable producción, la dirección artística  la fotografía y el excelente trabajo de todos sus interpretes son prueba de ello. Sin embargo es la propia idea original la que lastra el resultado final. Todos nos sabemos el cuento y por mucho que lo adorne maravillosamente con esa España cañí el poder de las imágenes no sobrepasa el inconsciente colectivo y el exceso de melodrama inicial mezclado con el expresionismo teutón y el folclore racial a mi personalmente, me lleva de la sorpresa al tedio rápidamente.
Es en su segunda mitad donde las variantes aceleran el asunto con una troupe de enanos maravillosa y lo hallazgos de dirección se suceden hasta el final.
Se agradece el indulto al noble animal por todos aquellos que pensamos que el arte y la belleza del toreo no tiene porque llevar aparejado el sufrimiento y la muerte de un ser tan magnifico.
Diez Goyas y una candidatura a los Oscars en donde los academicos debieron pensar que con "The Artist" habían cumplido, por mucho que esta Blancanieves no desmerezca en absoluto.

VERDADES VERDADERAS. LA VIDA DE ESTELA

Puntuación: 6
Duración: 1 h 50 m
País: Argentina / 2011
Dirección: Nicolás Gil Lavedra 

Primer largo, de titulo rebuscado, del joven director argentino hijo del juez que instruía el juicio a las Juntas Militares de su país, que sembraron el terror a finales de los 70 y principios de los 80.
A Lavedra aún le queda rodaje en esto del cine y se nota su bisoñez con una cinta que avanza con aspereza, falta de tono y con subrayados musicales repetitivos e innecesarios ante tanta tragedia. Lo que falta en recursos imaginativos de narración sobra con creces en una historia que no por sabida hace que sintamos vergüenza de pertenecer a una especie capaz de estas y otras atrocidades. Peor cuerpo se le pone a uno cuando no se ubica en tiempos remotos sino como quien dice a la vuelta de la esquina, poniendo de manifiesto que la libertad hay que protegerla y luchar por ella día a día porque el huevo de la serpiente siempre esta caliente.
Esforzado trabajo de sus principales interpretes ante tanta emoción mezclada con dolor y rabia.
Otro testimonio tan valido como el que más sobre la otra cara de la moneda del mundo en que vivimos.

SIN FRENOS

Puntuación: 6
Duración: 1 h 27 m
País: USA / 2012
Dirección: David Koepp

Koepp dirige con solvencia este entretenimiento puro y duro a cuyo guión del propio Koepp no se le pueden pedir peras. Tenemos que conformarnos y disfrutar con el show esquizofrénico de los mensajeros ciclistas correteando entre  el trafico agobiante de New York y felicitar a los extras que han rodado las escenas de riesgo. La interpretación la pone un Michael Shannon que se amolda al tono de la cinta y entre todos justifican el precio de la entrada.

CONTRARRELOJ

Puntuación: 5
Duración: 1 h 31 m
País: USA / 2012
Dirección: Simon West

El trabajo de Simon West parece ser el de un obrero especializado en productos de videoclub, de esos que sin pasar a la historia rellenan una tarde de sofá y un surtido de frutos secos. Nicolas Cage   está últimamente abonado a la formula agotando su solvencia y crédito pasado en favor de una cuenta corriente saneada.
La que aquí nos ocupa cumple con su función siempre y cuando aceptemos que las cartas están marcadas y no nos importe volver a ver muchas escenas que ya hemos visto en otras películas con las que West hace un mix que en algunos momentos incluso llega a funcionar y en  otros, quizá demasiados, sonroja. Eso si, no le perdono que el sombrero de "Popeye" Doyle, interpretado por el gran Gene Hackman, en "French Conettión" (William Friedkin / 1971) se utilice de forma tan banal. Los clásicos hay que respetarlos. 
En fin se acaban los panchitos, pasamos la horita y media escasa y si estamos en buena compañía pues a lo mejor la tarde no se ha perdido.  

A ROMA CON AMOR

Puntuación: 5
Duración: 1 h 51 m
País: USA / 2012
Dirección: Woody Allen

Siempre me pareció lógico que Allen en sus últimos tiempos devolviera con su cine todo lo que le debe a la vieja Europa. Este recorrido por los distintos países y capitales en los que el homenaje raya en ocasiones con la postal turística  creo que en su conjunto ha dado un buena cosecha.
En esta ocasión a mi juicio estaríamos en el extremo más bajo. La habilidad de Allen para el relato corto no alcanza para casi dos horas de metraje y más cuando estos, por mucho que mezcle estilos narrativos y toque el absurdo como él solo sabe hacerlo, tampoco son una maravilla. Hay demasiados guiños y alusiones que palidecen ante sus referencias y los personajes se diluyen a pesar de su profesionalidad en excesivas copias del propio Allen, algo habitual desde que dejó de actuar y excesivo cuando él mismo nos regala su presencia.
Nadie es perfecto como diria Billy Wilder, otro maestro como Allen. A estas alturas no tiene nada que demostrar pero confiamos en que antes del "the end" siga demostrando todo el genio que lleva dentro.

UNA BOTELLA EN EL MAR DE GAZA

Puntuación: 9
Duración: 1 h 39 m
País: Francia / 2011
Dirección: Thierry Binisti

Otra muestra más, y van...., de que el cine francés goza de muy buena salud. Colocarle un 9 a una cinta que no esta dotada de grandes alardes técnicos, ni de una dirección "creativa", implica que Teherry Binisti, director francés de 49 años curtido en el mundo de la tv, ha conseguido en esta su segunda película, llegar a la esencia del cine, contar una historia que nos haga pensar, disfrutar y nos llegue al corazón. Es sorprendente como refleja el conflicto palestino israelí con una simplicidad abrumadora poniendo el dedo en la llaga, y con que sutileza y elegancia nos describe los horrores, (impresionante ese laberinto que tiene que atravesar el protagonista para poder salir del país), sin caer en el dramatismo fácil y conseguir un equilibrio donde todos son inocentes y culpables. Apuesta Tiherry por el futuro, por la juventud que accede a un mundo globalizado en el que las barreras ya no son suficientes con muros de hormigón. A una toma de conciencia de que las personas deben estar por encima de las tradiciones y los intereses políticos que no son otros que los de controlar en beneficio propio a los pueblos por sus dirigentes.
Se ha escrito con razón que esta cinta debería proyectarse en los institutos. Sobre todo de un mundo occidental que asume este y otros conflictos como si fuera una píldora amarga que hay que acostumbrase a tragar una vez al día en el telediario.
París como símbolo de la luz que ilumine a este mundo de tinieblas que hemos construido.
Estupendos los actores principales y secundarios. Lo dicho un 9.

EL NOMBRE (Le prenom)

Puntuación: 7
Duración: 1 h 49 m
País: Francia / 2012
Dirección: Alexandre de la Patelliérie / Mathieu Delaporte

Tal y como reza el cartel nos encontramos con una autentica comedia o pieza de salón de la que podríamos disfrutar en cualquier sala teatral. En la linea de "La cena de los idiotas" o "Carnage", los personajes acuden a una cena aparentemente amistosa y poco a poco el drama trufado con humor va saliendo a la superficie. Con un elenco que cumple a la perfección en sus roles, se llevaron dos cesar, y una dirección eficaz que como los buenos árbitros pasa desapercibida la primera  hora carga las tintas en la comedia pura obteniendo sus mejores resultados. En el tramo final y de forma algo forzada surgen los dramas personales sin que el conjunto se desestabilice demasiado y pasemos un rato muy agradable junto a esta familia y amigo que se desnudan mutuamente frente a un buen vino. Noche sin perdón dice uno de los personajes. No es verdad, más bien sin olvido.

EL AMIGO DE MI HERMANA

Puntuación: 8
Duración: 1 h 30 m
País: USA / 2011
Dirección: Lynn Shelton

Da la sensación de que la directora y guionista Lynn Shelton lo tenía muy claro. Tanto es así que en doce días y gracias a un trió de actores en estado de gracia nos cuenta su historia de forma sencilla, clara y contundente, sobre tres seres desorientados que encuentra un camino marcado por la familia, el amor y la amistad. Con una abundancia de diálogos estupendos y una eficacia espartana con la cámara Shelton compone una comedia dramática que saca los colores a tanta mediocridad de elevado presupuesto que inundan las carteleras.
Un placer.

EL LADRÓN DE TIEMPO
John Boyne / 2000
Editorial Salamandra / 448 págs. 

Con once años de retraso y debido al gran éxito que obtuvo "El niño con el pijama de rayas", nos llega el primer trabajo como novelista de este autor irlandés con una obra ciertamente interesante, variada y siempre original. Fue en el 2000 cuando Boyne se descolgó con esta novela sobre un hombre que nos cuenta las distintas peripecias de su vida, su larga vida dado que deja de envejecer en la cincuentena y tiene en el momento de narrarlas dos siglos y medio.
Boyne rompe la narración cronológica y va saltando de época en época manteniendo la tensión narrativa como si fueran novelas por entregas, enganchandonos con cada uno de los personajes en que se convierte el mismo protagonista por mor de las épocas y las circunstancias. Así pues en sus más de 400 páginas podemos disfrutar con varias novelas dentro de una sola e ir saltando de conflictos e intereses con un elenco variado de personajes ficticios y reales.
La verdad es que he disfrutado de las andanzas de este francés casado una y mil veces sin descendencia y de la generación de sus sobrinos Thomas cuyas efímeras vidas condicionan la suya.
En definitiva un relato muy entretenido donde tiene cabida el humor, el amor, el drama y la aventura dejando una magnifica tarjeta de presentación para un excelente narrador.   



AMOR BAJO EL ESPINO BLANCO

Puntuación: 9
Duración: 1 h 54 m
País: China / 2010
Dirección: Zhang Yimou

Penúltimo film de este director chino de 62 años cuyo nombre figura ya por derecho propio entre los grandes del séptimo arte. 
Quedan atrás aperturas de juegos olímpicos y cintas bellisimas de espadachines voladores. Zimou vuelve al tono intimista de sus origines y nos regala esta joya. 
Si el amor existe más allá de ocasiones y momentos puntuales   capturar para la pantalla su esencia efímera y  volátil es lo que Zimou consigue y no podemos menos que desear que ese tipo de amor nos toque aunque solo sea un instante en nuestra vida.
Son los años 70 en un mundo, el chino, aplastado bajo la revolución cultural del "padre de la patria" Mao, donde la inocencia de estos dos jóvenes se encuentran para amarse. Consigue su director un buen puñado de escenas memorables que nos llegan directamente al corazón por unos y otros caminos. Y uno no puede menos que enamorarse también de esta pareja cuyo destino irá unido al espino blanco de frutos rojos sumergido bajo las aguas de la presa de las tres gargantas.
El esplendido trabajo actoral de su protagonistas y la suave y delicada puesta en escena junto con la banda sonora intimista son un gozo solo ensombrecido por un final innecesariamente subrayado y la tibia pero efectiva critica al periodo histórico que supongo la censura china a limitado.
Sun y Jing permanecerán en mi recuerdo.

ABRAHAM LINCOLN CAZADOR DE VAMPIROS.

Puntuación: 6
Duración: 1 h 42 m
País: USA / 2012
Dirección: Timur Bekmambetov

Si uno tiene claro más o menos desde el principio lo que va a ver, esto es: cine de acción palomitero sin más; puede que pase un rato entretenido con esta cinta cuyo estilo es heredero de las serie de Sherlock Holmes basadas en cómics y protagonizadas por Robert Donney Jr. Hay que reconocerle un cierto merito al encaje de bolillos absurdo para acomodar los hechos biográficos del presidente con las historias de vampiros. Evidentemente no los podemos tomar ni minimamente en serio ni es eso lo que pretende al igual que la superficialidad de la visión que da de hechos y acontecimientos.
Este Lincoln convertido pues en justiciero más cercano a la Marvel que otra cosa, navega entre desmesura y desmesura de una cuidada producción (por detrás anda Tim Burton), cosa que se agradece y va dando hachazos de cabriola en cabriola para desgracia de los no muertos.
Después de "Crepusculos" varios, tampoco nos pongamos demasiado exigentes con este ticket de montaña rusa que nos proporciona unos segundos de evasión y se desvanece tan rápido como un buen vampiro.
PD: La caratula final de créditos, de lo mejorcito .

BONSAI

Puntuación: 4
Duración: 1 h 36 m
País: Chile / 2011
Dirección: Cristián Jimenez

60 minutos es todo el crédito que le he podido dar a esta cinta donde salen libros, chicas desnudas y un bonsai. Supongo que por eso dicen en su cartel que es una historia de literatura, amor y botánica. Pues vale.
Aburrida hasta decir basta y con un ritmo más cansino y anodino que su protagonista he de reconocer que no he sido capaz de descifrar las claves de lo que su director y guionista nos quiere contar. Uno puede elucubrar con todo los rollos metalinguisticos y de vacío existencial que se quiera pero si el publico se duerme.... Al principio de la cosa aparece "En busca del tiempo perdido" de Proust. Premonición literal.  En fín, "cosas veredes Sancho".

  



CAFÉ DE FLORE

Puntuación: 7
Duración: 2 h
País: Canada / 2011
Dirección: Jean-Marc  Vallée

El hecho de que el maestro Scorsese se fijara en este director canadiense ya en la cincuentena para dirigir una de sus producciones, "La reina Victoria", desde luego lo avala, aparte de que en su país es reconocido y premiado. Es el primer trabajo que veo de los 9 que ha realizado y la verdad es que te deja pelín descolocado. Sobra metraje y en un buen puñado de escenas uno tiene la sensación de que se gusta y se recrea al marjen de la historia y del espectador. Su montaje vertiginoso y sincopado puede llegar a marear y hacer que nos perdamos en una trama ya de por si algo farragosa pero al cambio ofrece mucho y buen cine con una mirada exquisita sacando lo mejor de los encuadres y situaciones en las que sobra la palabra y componiendo dos historias desgarradoras bien interpretadas, de dependencia emocional, cuyo desequilibrio a favor de la primera no impide que se complemente en un final catártico, que camina en el filo de la decepción de aquellos que esperábamos "algo más".

HARA-KIRI: MUERTE DE UN SAMURAI

Puntuación: 6
Duración: 2 h 6 m
País: Japón / 2011
Dirección: Takashi Miike

 








No se si el público poco informado no se sentirá decepcionado cuando acuda a ver esta cinta atraido por el reclamo de: "el director de 13 asesinos". Tampoco es que este tipo de películas sea muy comercial pero... El caso es que a pesar de tener elementos comunes como la época en que transcurre la acción, y que también es un remake de los 60, en este caso del clásico de Kobayashi, "Hara-Kiri./ 1962", la primera es básicamente una cinta de acción y esta es un drama con una profundidad trágica que, a mi juicio le queda grande a Miike. En mi profunda ignorancia no he visto el clásico del 62 pero al menos esta versión me ha motivado a verlo y eso ya es un acierto.
Miike, que no para desde el 91 con casi 90 cintas en su haber, se toma una pausa en su gusto por la acción sangrienta y tiene en algunas escenas de la vida cotidiana de estos samurais, sus mejores logros. Élite militar samurai abandonada en tiempos de paz por sus antiguos señores a quien servían.
No beneficia en nada narrativamente el largo comienzo que destripa la trama, donde Miike tiene su ocasión de soltar su perla sangrienta, lastrando el flashback en que se constituye toda el metraje posterior. Ya sabemos lo que va a pasar y solo un maestro, quizás Kobayashi, puede mantener el interés en la desgracia de unos personajes aferrados a un honor cuyo valor apenas da para exponerlo como reliquia artística  ya en aquellos tiempos, no hablemos de hoy día.
El montaje, los encuadres, la fotografía... todo evoca lo que pudo ser y no fue este remake probablemente innecesario.

LA SAGA DE LOS LONGEVOS
LA VIEJA FAMILIA.

Eva García Saenz
LA ESFERA DE LOS LIBROS / 2012
592 págs.

Antes que nada y tal y como figura en la solapilla de portada hay que reseñar que este libro abre una puerta, no se si por primera vez, pero al menos si con éxito, a que los propios autores se lo guisen y se lo coman al marjen de las editoriales.
Su autora cansada de esperar la respuesta de las mismas decidió autopublicarselo en Amazon y currarse ella misma portada y demás aditamentos necesarios para su difusión y promoción. Después el boca a oreja empezó a funcionar y se convirtió en un éxito de ventas al que, entonces sí, acudieron las editoriales para hacer el traspaso a papel.
Supongo que la posición económica supuestamente desahogada de su autora que ejerce o ejerció cargos de dirección en el mundo de la óptica se lo pondría más fácil que a otros muchos autores de presupuestos más escasos.
Y dicho esto, darle la enhorabuena a Eva García por que le ha salido una opera prima deliciosa. Sin formación especifica en el mundo literario pero con una gran afición a la lectura y evidentes dotes para la escritura, después de ocho borradores, ha destilado una novela muy original y entretenida y sobre todo con un lenguaje claro, sencillo, fluido y en muchos momentos poeticamente bello. Suma de muchos géneros mezclados sin pretensiones y en las proporciones justas y moderadas su gran acierto es dar volumen y definición a cada uno de sus personajes, tanto principales como secundarios, dotándolos de un atractivo lleno de humanidad, en todos sus aspectos negativos y positivos. Sus casi 600 paginas poseen un ritmo y ligereza que hace que "entren" muy bien y cada capitulo nos deje un poso de interés por el siguiente.
El amor, la historia, el thriller, el paisaje cántabro y sus rincones, los avances científicos, incluso la ciencia ficción son recovecos que recorreremos junto con esta familia atípica cuyos problemas son iguales a los nuestros solo que multiplicados por 10.000.
Han estado demasiado tiempo sobre nuestro planeta y ahora que los conocemos no pueden irse con una sola entrega. Eva, nos lo debes.
  


ROCK OF AGES

Puntuación: 2
Duración: 2 h 3 m
País: USA / 2012
Dirección: Adam Shakman 

Son tan escasos los mimbres del musical original de D´Arienzo a pesar de su relativo éxito en las tablas, que uno sospecha que solo un director como Shakman que solo  levantó cabeza con su "Hairspray" le haya hecho seguir agarrándose al genero (no es la segunda vez) como un clavo ardiendo par seguir viviendo de las rentas. Quizás en otras manos más creativas y dado que incomprensiblemente a logrado embaucar a un buen numero de nombres consagrados la cosa hubiera tenido arreglo, pero no ha sido así.
El infame guión lleno de tópicos y lugares comunes se ve rematado por una dirección vulgar que no es capaz ni siquiera de sacar jugo a la sucesión de canciones, que en el fondo es de lo que se trata, con un montaje como mínimo copiado de los cientos que hay a un nivel aceptable. No se conforma con esto y alarga la cosa con un buen puñado de  escenas sonrojantes por puro ridículas. Cruis, Zeta-Jones, Giamatti intentan loablemente no quedar en ridículo en sus escenas y poco más. Por supuesto que nada tiene que ver la cinta con ningún planteamiento minimamente coherente sobre el mundo del rock y sus entresijos. En fin que 1 hora y 22 minutos han sido mucho más que suficiente para decir basta. Ojala que el resto (lo dudo) sea mejor.

LAS AVENTURAS DE TADEO JONES

Puntuación: 8
Duración: 1 h 32 m
País: España / 2012
Dirección: Enrique Gato

No estoy siendo generoso al ponerle un 8 a este sucesor de Indiana patrio y sus trepidantes aventuras. Lo primero que a uno le viene a la cabeza son comparaciones odiosas con la animación USA con las cuales Tadeo no puede competir en presupuestos y acabado final. Pero si que revienta taquillas por igual y nada tiene que envidiar en cuanto a entretenimiento y definición de personajes, principales y secundarios. Se apuesta por una mezcla de fondos a un gran nivel y personajes con la configuración de un videojuego. Tenemos otro ejemplo en "Papa, soy una Zombie", aunque en esta última flojee el guión.
Tadeo es para disfrute de todos los públicos y su guionista y director han sabido mantener el fiel de la balanza entre la parodia de la saga de Spielberg, el genero de aventuras propiamente dicho y el alma de los tebeos. En este último caso con la colaboración inestimable de JAM autor de SuperLópez. No falta el humor y los guiños mesurados a la actualidad y a los videojuegos.
Por todo ello Tadeo se merece los tres Goyas que recibió y la gran respuesta que ha tenido de publico. La animación como los documentales están siendo la vía de salida de buenos realizadores para mostrar sus trabajos.
Gato venia intentándolo desde principios de siglo y al final a encontrado su propio tesoro. Enhorabuena.

SARA MONTIEL (1928-2013)

Había vivido. No todo el mundo puede decir lo mismo y menos con la misma intensidad conque nuestra particular Marilyn se fumó nunca mejor dicho dada su afición a los puros, la vida.
Se puede ser muy bella, que lo era, pero la cámara no quiere a todas las bellas. A ella sí. Y cuando Sara devolvía esa mirada no solo traspasaba la pantalla sino a todos los que estuvieran mirando sin excepción. Otra cosa era que sus dotes interpretativas no estuviesen a la misma altura y que los papeles que la ofrecieron tampoco dieran para mucho más que quedarnos, una vez más hipnotizados ante su presencia. Suficiente para romper records de taquilla y ser una de las actrices mejor pagadas de su tiempo. Amén de ser pionera en eso de cruzar el charco, triunfar en México y Hollywood, casarse con un notorio de la meca como fue Anthony Mann y rodar con un buen puñado de vacas sagradas e inmortales del séptimo arte.
También cantaba con una personalisima voz grave y sensual, faceta a la que se dedicó básicamente a partir de los 70. Su "Fumando espero", quedó en la memoria inmortal. Su época dorada fueron los 50 y los 60 y nadie puede quedar impávido ante su india sioux en "Yuma" o su escena final con Cooper en "Veracruz".
En su vejez se permitió ponerse el mundo por montera y fue pasto de la prensa rosa y amarilla. 
Uno está seguro que Sara se pasaba todo esto por el arco del triunfo. Menuda Maria Antonia Aurelia Isidora Vicenta Josefa Abad Fernández. Besos para siempre Sara.

BIGAS LUNA (1946-2013)

Este director español de nombre novelistico y éxitos internacionales nos ha dejado joven aún. Lo poco que vi de su obra cinematográfica, apenas cinco películas de las 20 que rodó no han dejado huella en mi memoria más allá de algunas escenas de "Las edades de Lulu" o "Jamón, Jamón" por su contenido erótico del que él se preciaba como rasgo significativo en su cine y poco más. Suficiente o no, para mi lo fue y acabé por concluir que sus propuestas no me interesaban.
Abrió la puerta a actores jóvenes que más tarde se han consagrado en trabajo muy diferentes a los suyos y dicen quienes le conocían que apuraba la vida en cada instante y era buena persona. Cualidades estas últimas que todos cambiaríamos por cualquier reconocimiento profesional. R.I.P.  


WOOCHI CAZADOR DE DEMONIOS

Puntuación: 6
Duración: 2 h 10 m
País: Corea del Sur / 2009
Dirección: Choi Don-hun

Con el retraso habitual en las filmografías de países "exóticos" nos llega esta cinta de entretenimiento para todos los públicos en plena década de cine de superhéroes. Hay que reconocer que a pesar de sus limitaciones en la calidad de los efectos especiales, las aventuras de este mago medieval transportado a nuestros días se dejan ver mejor que otras propuestas occidentales de gran presupuesto. Mayor merito si se tiene en cuenta su larga y no siempre necesaria, duración.
Don-hun ha sabido combinar aventura con humor sin pasarse  con un reparto cumplidor y un guión de mínimos que sorprendentemente aguanta el tirón.
Avanza de menos a más afortunadamente y explota lo suficiente el genero "wuxia" chino y el siempre efectivo filón del choque entre personajes del pasado que desembarcan en la actualidad recordándonos a "Los Visitantes" (Poiré/1993), para que la cosa no decaiga.
Grata sorpresa al fin y al cabo que podría tener secuelas más depuradas en espera de que Marvel se decida a que El Hechicero Supremo (Dr. Extraño) se digne a dejarse ver en la pantalla en forma humana.

POLLO CON CIRUELAS

Puntuación: 6
Duración: 1 h 30 m
País: Francia / 2011
Dirección: Mariane Satrapi / Vincent  Paronnaud

Es una lastima que todos los ingredientes que conlleva esta propuesta, imaginación, originalidad, belleza, poesía..., no estén mezclados con la proporción y la mesura adecuada, convirtiendo este esperado segundo trabajo después de su éxito con "Persepolis" en un ejercicio de estilo de sus directores carente de ese alma que pretende reflejar el cuento metafórico - biográfico de este violinista bien defendido por Amalric.
El estilo heredero de Jeunet funciona con un preciosismo a veces forzado y se constituye en si mismo como el autentico protagonista de esta historia. Un dulce exquisito que puede llegar a empalagar.

MR. NICE

Puntuación: 5
Duración: 2 h
País: Reino Unido / 2010
Dirección: Bernard Rose

No ha estado muy acertado Bernard Rose al adaptar y guionizar la biografía del traficante de drogas Howard Marks escrita por él mismo y que  espero que sea menos aburrida y farragosa que esta película que se limita durante !dos horas! a ilustrar de forma lineal episodios de su periplo vital sin que sepamos muy bien porqué y como ocurren. El excelente reparto con un Ifans omnipresente apenas tiene oportunidad de ir más allá en unos personajes muy estereotipados de los que poco o nada sabemos excepto que estaban en sitios y lugares y formaban parte de una trama mal explicada y confusa.
Al final pueden redimirse un poco con alguna escena donde aflora algo de emoción. Demasiado tarde. Ya hace rato que hemos empezado a pensar en otras cosas.

MARGARET

Puntuación: 9
Duración: 2 h 30 m
País: USA / 2011
Dirección: Kenneth Lonergan

Uno se pone a imaginar que hubiera pasado si "Margaret" no hubiera tenido los problemas que tuvo para dilatar su estreno y tener que recortar media hora su ya de por si largo metraje. ¿Hubiera sido una obra maestra?. O si quizás es lo que es por haber pasado por todo ese calvario ajeno al concienzudo trabajo que planificó su director.
En cualquier caso el resultado es un trabajo cinematográfico de lo mejorcito que he visto en años.
Lisa es una joven actual que vive las contradicciones de un sueño americano que puede que nunca existiese a la par que las propias de su adolescencia viéndose abocada a aprender y reaccionar deprisa cuando un hecho trágico irrumpe en su vida, empujándola a una toma de conciencia social y personal para la que aún no esta preparada y que necesita soltar mucho lastre emocional para poder intentar volar en libertad.
El manojo de ramificaciones e implicaciones que plantea Lonergan, en cada uno de los personajes, abarcando todas las edades, son desde metafísicas  y existenciales hasta psicológicas y  sociales, pasando por el amor, el dolor, el egoísmo  el sexo, la familia....etc, etc. Tan amplias como la sensibilidad de cada uno de los espectadores desee. Todo ello le configura como un gran dramaturgo que ha sabido traspasar a la pantalla su reconocida obra teatral.
Se nota la recomposición en el montaje del metraje sacrificado y eso hace que algunos personajes no estén completamente desarrollados y una cierta tendencia a la "teatralidad", quizás justificada en este trabajo pero que no puede ni debe mantener en próximos. 
El trabajo actoral es apabullante, destacando una J. Smith-Cameron (esposa del director) inolvidable y una Anna Paquin de la que sorprende su nivel siendo tan joven.
La dirección meticulosa, intencionada y siempre sugerente hipnotiza y el tiempo pasa, no volando, pero si tan ajetreado como esos vehículos y gentes que circulan sin parar por una ciudad hormiguero, donde las hormiguitas se sienten con capacidad de recriminar a sus dioses el hecho angustioso de que les traten como moscas.

DESECHOS

Puntuación: 4
Duración: 1 h 32 m
País: España / 2010
Dirección: David Marqués

Hay que reconocer que la cosa es cutre. Quizás intencionadamente porque habla de gente cutre pero se hace evidente que la precariedad de medios, cosa que no es excusa para hacer buen cine, pesa mucho y el pulso narrativo flojea demasiado sobre un guión hecho de retales enlazados de monólogos del club de la comedia como acertadamente han escrito por ahí. Más sangrante incluso cuando cuenta con un elenco estupendo que defienden notablemente sus personajes y un planteamiento inicial que daba para mucho más que un corto alargado entre amiguetes. Aún asi, si uno supera las ganas de abandonar la sala en su primera mitad, se le va cogiendo un cierto cariño a los personajes y afloran tímidos algunos momentos de buena comedia. El nivel visual mejora según nos acercamos al final con guiños cinéfilos y como también se ha escrito, cosas peores hemos visto con directores de renombre y muchos más medios. El que no se consuela.... 

LOS NOMBRES DEL AMOR

Puntuación: 8
Duración: 1 h 44 m
País: Francia / 2010
Dirección: Michel Leclerc

Otra gratísima sorpresa de la industria del cine francés. Leclerc se marca una "comedía romántica" en la escuela del maestro Allen (Woody), demostrando que al género aún le queda vida por encima de los manidos clichés hollywoodienses.
Esta historia políticamente incorrecta entra como un elefante en una cacharreria para zarandear a la sociedad francesa actual, sus prejuicios y tabúes  Con la premisa de haz el amor y no la guerra el personaje en el que Sara Forestier está esplendida, aporta un soplo de frescura lleno de ingenuidad para cambiar un mundo incambiable. Una utopía imposible a la que no queda más remedio que seguir persiguiendo, aunque sea con pequeños gestos, si queremos encontrar algo de coherencia personal y algunos gramos de felicidad. Leclerc nos contagia el ritmo vital de su protagonista con una puesta en escena sino tan original como parece, al menos, menos sobada y arriesgada.
"El nombre de las personas" titulo original que me parece más apropiado, nos remite a superar el encasillamiento social, el clasismo y sus estereotipos y nos invita a la mezcla, porque cuando "todos seamos bastardos, el mundo será mejor".

LA DELICADEZA

Puntuación: 7
Duración: 1 h 48 m
País: Francia / 2011
Dirección: David Foenkinos / Stéphane Foenkinos

Es muy difícil obviar el componente subjetivo de acabar de visionar la comedia dramática norteamericana "Eternamente comprometidos" y encontrarte de pronto y desconociendo sus referencias con esta "delicadeza". Las concepciones del amor, la sutileza del guión y el suave ritmo acompañado de un uso de la bso muy acertado, junto con el hipnotismo  que producen sus interpretes en unas actuaciones    acordes con el titulo... no merecen comparación. Adaptación de la novela del propio David Foenkinos, de la que he leído maravillas y que augura mucho más deleite  probablemente que el film, incapaz de desarrollar en todo su esplendor lo que se siente cuando alguien hace que demos" lo mejor de uno mismo", en palabras de uno de sus personajes.
Gratísima sorpresa este cuento de Bella y Bestia que dignifica el genero. Otro triunfo, alejado de las fanfarrias mediáticas, del cine francés.

MÁTALOS SUAVEMENTE

Puntuación: 6
Duración: 1 h 44 m
País: USA / 2012
Dirección: Andrew Dominik

Cinco años ha tardado Dominik para presentarnos su nuevo trabajo en el que vuelve a apoyarse en Pitt en una adaptación de la novela de George V. Higgins sobre el mundo mafioso que convive a la par en cualquier sociedad "civilizada" y que se pasa por el forro los discursos de los políticos de turno. Son como diferentes ecosistemas dentro de una misma charca en la que habitamos sin que lleguemos a mezclarnos, con sus propias reglas y códigos.
Dominik, hasta la fecha intenta siempre dar su toque personal y "romper" los géneros sin que el resultado por el momento sea muy brillante. La historia es bastante banal y el subrayado social evidente y cansino. Por otro lado Pitt, Liotta, Jenkins y sobre todo Gandolfini demuestran que están muy por encima de sus roles y se zampan sus personajes quedándose con hambre.
Me temo que esta cinta no pasará a la historia, ni siquiera en su género.

ETERNAMENTE COMPROMETIDOS

Puntuación: 5
Duración: 2 h 4 m
País: USA / 2012
Dirección: Nicholas Stoller

Se agradece que la factoría Apatow intente abandonar, supongo que momentáneamente  sus comedias de trazo grueso y se meta, parece que con buena intención, en el berenjenal de cocinar una comedía dramática de las que dejan huella. Sin embargo el carácter de "factoría" pesa demasiado y tomando prestados ingredientes básicos del género que nos dejó grandes éxitos como "Cuando Harry encontró a Sally" por citar un ejemplo, no acaban de encontrar la medida de la mezcla y dejan que el guiso se pase demasiado (metraje incomprensible) amén de no poder resistir la tentación de condimentarlo con gags marca de la casa que banalizan el resultado. La pareja protagonista siempre anda en el filo de lo creíble con un guión que nunca está a la altura.
No obstante suscita una cierta reflexión sobre la vida en pareja y hay algunos momentos que tienen gracia. Otra vez será.

DREDD

Puntuación: 7
Duración: 1 h 35 m
País: Reino Unido / 2012
Dirección: Pete Travis

Al igual que "El motorista fantasma" el "Juez Dredd" nunca formó parte de mis cómics de superhéroes preferidos. Así pues la versión del 95 protagonizada por Stallone no me ilusionaba demasiado y una vez vista menos aún.
Apostar por resucitar para la gran pantalla a este justiciero legal de un futuro no muy lejano parecía un error. Pero mira por donde Travis ha sabido jugar con lo que tenía y sin grandes alardes se ha montado su particular "jungla de cristal" con la consabida pareja de policías veterano novato,  en la que con gran acierto maneja muy bien los tiempos para que la acción pura y dura no nos sepa a lo de siempre.
La dirección artística crea la atmósfera necesaria y convincente encerrando la acción en un bloque de viviendas y deja que sea el espectador el que imagine al personaje que se esconde detrás del perenne casco. Incluso consigue que la falta de espectacularidad del héroe se sustente con ese arma multiusos algo obsoleta hoy día pero que aún mantiene el tipo. Una mala creíble ayuda al asunto y la puerta para una secuela que parecía imposible queda abierta.

ELENA

Puntuación: 6
Duración: 1 h 49 m
País: Rusia / 2011
Dirección: Andrei Zvyagintsev

Repite después de 7 años y en su tercer largo el éxito que tuvo su opera prima "El regreso".
Para un servidor es mi primer encuentro con un director que me ha parecido muy interesante en sus planteamientos estéticos llenos de sobriedad y elegancia apoyados en una excelente fotografía y con un trasfondo sobre la sociedad rusa actual, que establece un paralelismo con una actitud vital generalizada en el mundo occidental, en el que el nihilismo egoísta propio de un racionalismo desencantado en las nuevas generaciones se contrapone y se alimenta al mismo tiempo de los perennes valores basados en la familia tradicional. Valores aparentemente irreconciliables que siempre acaban por producir "daños colaterales".
Zvyagintsev sabe acumular tensión y expresar situaciones y emociones con hechos cotidianos y repetitivos, cuyo abuso, a mi juicio van lastrando el metraje y a la postre acaban aguando y descafeinando el resultado final robando tiempo fílmico a unos personajes que merecerían mayor desarrollo. Carne de festival a la postre y efímero paso por taquilla.

EL DICTADOR

Puntuación: 4
Duración: 1 h 23 m
País: USA / 2012
Dirección: Larry Charles

Ya desde Aristófanes hasta la actualidad pasando por Chaplin, Tatí, o los Monty Python, por citar algunos de los más destacados, utilizaron el humor con fines de critica social. Evidentemente Baron Cohen y su director de cabecera con el que nos ha regalado su trilogía parodico esperpéntica escatológica, no esta ni de lejos a su altura.
De hecho su altura es más bien mediocre por mucho que se esfuerce en apoyarse en algunos mensajes políticamente incorrectos que se agradecen pero que no elevan el listón  al de los grandes bufones y menos al de los grandes cineastas. Al final tiene que recurrir a la sal gorda y el chiste obsceno para contentar a la taquilla poco exigente. No le debe ir mal porque sigue insistiendo por esa linea. Scorsese le dio la oportunidad de redimirse como actor en "La invención de Hugo" y demostrar que puede y debe hacer otras cosas o pulir esa imagen de irreverente que, como sus personajes en la ficción, suenan falsos.

SLOVENKA

Puntuación: 6
Duración: 1 h 30 m
País: Eslovenia / 2009
Dirección: Damjan Kozole

Interesante trabajo en esta coproducción al alimón con Alemania y los países de la antigua Yugoslavia. Cine por otra parte minoritario por estos lares.
Independientemente de su correcta factura y acertada interpretación por parte de sus protagonistas, esta cinta plantea varias reflexiones sobre la libertad individual, los prejuicios sociales y los caminos o atajos que cada cual puede utilizar para salir adelante escapando a un mundo mejor del que le ha tocado vivir y los riesgos y sorpresas que conlleva.
Consigue Kozole momentos de tensión manteniendo un ritmo regular en el que acompañamos a "slovenka" en su lucha, no exenta de luces y sombras, descubriendo el autentico rostro de aquellos que la rodean en la jungla moderna representada por una ciudad, Ljubljana, cuya capitalidad europea ocasional marca las distancias entre el mundo oficial y el real.

SKYFALL

Puntuación: 8
Duración: 2 h 23 m
País: USA / 2012
Dirección: Sam Mendes

Antes de cualquier consideración sobre el mundo Bond, hay que mencionar y ceder el paso al maravilloso trabajo fotográfico de Roger Deakins para esta cinta que fue reconocido con el premio de la Asociación de Críticos de Los Ángeles. Y dicho esto...
Mendes homenajea a toda la saga de forma notable en su 50 aniversario desde el estreno en el 62 de "Dr. No". Consigue mantener el difícil equilibrio entre repasar, para deleite de fans, todos los clichés clásicos de su pasado más glorioso y una modernidad que ponga a Bond en el siglo XXI. 
Tras un comienzo espectacular, yo diría que uno de los mejores si no el mejor en el aspecto de acción no solo de la saga sino de cualquier film del género, plantea unos presupuestos donde en teoría los personajes pueden alcanzar mayor volumen psicológico  aunque tampoco es que el resultado final en este aspecto sea nada brillante. Pero Mendes sabe arrastrarnos entre guiños, para tocarnos la fibra sensible, a escenas en la mejor tradición como las de Macao a otras, sobre todo en su desenlace final más convencionales y trilladas. 
El largo metraje se sobrelleva con dignidad y en el escaso margen que ofrece siempre la saga para la interpretación de sus actores destaca un Bardem que exprime sus intervenciones hábilmente y que hubiera merecido mayor recorrido en la posteridad como némesis de 007. Al menos ha tenido el malvado honor de cargarse el preciado icono del Aston Martin original, cuya aparición siempre nos emociona.
Deth y Finnes no tienen el más mínimo problema con este tipo de personajes y Craig, buen actor, aguanta el mito con su espectacular físico  aunque sigo pensando que su rostro cada vez más currado por el paso del tiempo nos evoca más bien a los 007 del otro lado del telón de acero que no al seductor cínico británico que imaginó Fleming para David Niven.
En cualquier caso esta tercera entrega de la nueva etapa cumple a la perfección su cometido con un nivel notable, no tan redondo como "Casino Royale" y bastante más alejada para bien de "Quantum of solace"

MARLEY

Puntuación: 7
Duración: 2 h 24 m
País: USA / 2012
Dirección: Kevin Macdonald

Tengo la sensación después de visionar este mastodontico documental, que no pasa en un suspiro como he leído por ahí, que Macdonald se queda un poco en la superficie de quien fue y no de lo que fue Bob Marley. Quizás el que la obra se considere definitiva y bendecida por la propia familia del cantante, aparte de aportar interesante documentación gráfica, puede que haya ejercido de freno a indagar más en los hechos que en quien está detrás de ellos.
Así asistimos a una primera hora plagada de datos biográficos  narrados en su mayoría por amigos, esposa, novia y profesionales que trabajaron con él y una segunda donde su música toma mas protagonismo y su influencia en las gentes con sus mensajes rastas de paz y amor en plenos 70 pudo tener sus momentos mágicos al reunir sobre el escenario a los eternos antagonistas políticos jamaicanos. Nada se dice de que pasó después socialmente en Jamaica, ni tampoco se aclara la posición del propio Marley cuando en sus inicios los otros dos componentes que crearon la banda abandonaron una carrera que sentían no coincidía con la filosofía rastafari. 
Las pocas declaraciones del propio Marley le presentan como alguien que parece estar "colgado" permanentemente y que se ve a si mismo  con cierta prepotencia mesiánica  aparte de eludir preguntas comprometidas sobre su riqueza personal, que por otro lado dono generosamente a quienes lo necesitaban o la relación con sus hijos y esposa.
En cualquier caso y tras el inevitable y emotivo final del ídolo que nos subyugó con su música reggae, uno prefiere escucharla una y otra vez  y como en el documental dejar entre bambalinas que quien fue Bob Marley descanse en paz. 

LA CUEVA DE LOS SUEÑOS OLVIDADOS

Puntuación: 7
Duración: 1 h 35 m
País: Francia / 2010
Dirección: Werner Herzog

Herzog imprime su sello y vasta experiencia al servicio de un viaje a las esencias del ser humano, de ese homo sapiens que como se dice en un momento dado de la cinta debería llamarse "homo espiritualis", a través de un recorrido muy controlado por la cueva de Chauvet en Francia. En ella se encuentran más de 400 pinturas con una edad en torno a los 30.000 años. Cifra que nos produce un vértigo existencial y que mediante la hábil mirada de Herzog nos maravilla con las representaciones de unos animales que parecen cobrar vida en cada una de sus representaciones. Me llama la atención los elaborados diseños de estas obras con unas perspectivas y composiciones que asombran para la época en que fueron concebidas. La distancia espiritual entre aquellos hombre y nosotros puede que no haya variado mucho, aunque siempre será un interrogante. Los comentarios de los expertos y las tomas de la zona donde se encuentra la cueva terminan de completar un documental sereno y absorbente.

NORTEADO

Puntuación: 7
Duración: 1 h 35 m
País: México / 2009
Dirección: Rigoberto Pérezcano 

"Norteado", aquel que anda un poco desubicado, en palabras de su director es un film estupendo que nos habla más que de los inmigrantes que intentan cruzar al otro lado de la frontera USA de aquellos que permanecen, que tienen que sacar adelante sus vidas que han quedado mutiladas por aquellos que quisieron o tuvieron que marcharse. Con un guión muy inteligente donde los personajes expresan su mundo interior con aquello que callan, con una tensión que se mantiene mágicamente durante toda la cinta a caballo de un ritmo pausado y eficaz. Cine minoritario sobre mayorías que nos llega tarde y desaparece pronto, cine de calado que deja un poso anímico universal de aquellos que buscan su lugar en el mundo donde por unas u otras razones abundan los "norteados".

NEW YORK
Edward Rutherfurd
Editorial Roca / 2010 / 944

Séptima y última, hasta el momento, novela de este ingles de 65 años, licenciado en historia y literatura por Cambridge, especialista en narrar la historia de lugares determinados a través de sagas de gente ficticia que conviven con personajes y hechos determinantes de cada uno de ellos.
Lo primero que se agradece es que este "tocho" de casi 1.000 páginas es ameno y absorbente al cien por cien y uno no puede tardar mucho en devorarlo.
Desde sus inicios como colonia holandesa, Nueva Amsterdam, pasando por el dominio Ingles y su posterior independencia como ciudad de los Estados Unidos, la ciudad de New York va creciendo paralela a la vida de la familia Master, comerciantes y financieros de corte conservador y las gentes de su entorno, en una saga donde un cinturón indio se convierte en la seña de identidad de dicha familia que se transmite de generación en generación.
Con un estilo fluido,  momentos de emotividad y tensión se suceden a lo largo de sus páginas y el espíritu de la ciudad queda patente en sus calles, barrios y gentes de esta nueva Roma contemporánea.
Los periodos iniciales de los primeros colonos, junto con la independencia de los ingleses ocupan más espacio histórico  siendo el resto de sus 400 años más un marco para las vivencias de sus personajes. La ciudad de New York daba para más libros pero este cumple notablemente sus objetivos. Muy recomendable.


ICEBERG

Puntuación: 7
Duración: 1 h 18 m
País: España / 2011
Dirección: Gabriel Velázquez

Afortunadamente otro director español más, en este caso salmantino, que añadir a la lista de nuevos realizadores que se enfrentan a la locura de sacar adelante su notable trabajo en un país sin industria y lleno de trabas y barreras de producción y distribución. Ellos son los auténticos artífices de un cine español de calidad dentro de sus limitaciones, alejados de los circuitos comerciales y de los estereotipos del gran publico adocenado por la apisonadora norteamericana y que mayoritariamente conciben el arte del cine solo en la dignisima faceta, por otro lado, del entretenimiento sin más.
Despues de acabar de visionar, "Los niños salvajes", en cuyo fondo se plantean los mismos temas sobre la adolescencia, prefiero el punto de vista de Gabriel Velázquez y Blanca Torres, donde los adultos desaparecen y el mundo interior, indescriptible y complejo de la mente en esa etapa de nuestra vida aflora sin palabras, para que la cámara  los encuadres, la fotografía, la música el montaje y la dirección cuidada de todos los responsables, lo mimen al igual que a esa Salamanca donde surgen los recuerdos y vivencias de su director, con el denominador común del rio Tormes.
Es cierto que algunas situaciones podrían estar mejor resueltas y que su tramo final es algo forzado y pierde magia, pero no por ello deja de ser un notable trabajo que atrapa nuestra sensibilidad desde el primer momento. Requier lógicamente una predisposición del espectador que en general no está muy acostumbrado a este tipo de propuestas y puede salir huyendo de la sala. Tercer largo de Velázquez y segundo de su trilogía sobre la familia del que esperamos la tercera entrega y que intuimos que gracias al apoyo de las autoridades de su tierra podrá seguir evolucionando para disfrute si no de la mayoría si de una buena minoría y por supuesto él mismo. Suerte.

PEPE SANCHO (1944-2013)

No es que Pepe nos haya dejado casi sin avisar y prematuramente en uno de los mejores momentos de su carrera, es que su carrera siempre a estado plagada de buenos momentos. Vamos que da envidia la regularidad con que ejerció con éxitos y popularidad su profesión. La televisión le puso en nuestra memoria colectiva con el estudiante en "Curro Jimenez" y su Don Pablo en "Cuentame", pero aquellos que le vieron en los escenarios también disfrutaron periódicamente de su talento. El cine, este cine nuestro que abomina de las gentes de teatro, siempre a la contra que el resto del mundo, le ofreció su hueco que siempre supo aprovechar. Personajes fuertes, de carácter  como él. El Director del gran teatro del mundo a decidido que haga mutis por el foro, cuando todavía le quedaba mucho texto. Pero El es el que manda en todas las funciones y Pepe como gran profesional desaparece entre cajas a lo grande, entre aplausos. Telón.

MARIA ASQUERINO (1925-2013)

 Su sonoro nombre formó parte de la élite, de los consagrados, de los populares, de los famosos de ese maravilloso arte de la actuación que se ve, en este país, siempre maltratado por su despiadada e infame profesión. Poco o casi nada pude disfrutar de sus dotes artísticas dado que en su mayoría las ejerció sobre el efímero escenario de las tablas antes de que servidor tuviera uso de razón y aunque tuve la suerte de conocerla en un espectáculo en el que trabajó mi compañera hace diez o quince años, ya estaba en franca decadencia física  Me quedan algunos de los papeles importantes que el cine le ofreció, como "Surcos", las imágenes de su belleza de juventud y de su imponente carácter y presencia escénica en su madurez. Pocos son los elegidos que pueden solucionar su vida con este arte ante todo vocacional y muchos los que acaban olvidados, solos y sin los medios económicos acordes a su talento. La Asquerino, (solo algunas actrices merecen el articulo) acabo sus días en los limites de lo material si bien recibió entre otros reconocimientos el premio a toda su carrera con la medalla de las Bellas Artes de un país que nunca se ha merecido los "cómicos" que ha tenido, herederos de una tradición dramática universal irrepetible y que como otras muchas cosas hemos olvidado y despreciado a nivel institucional.
Maria fue parte importante de esa noble tradición. Descanse en paz.

LOS NIÑOS SALVAJES

Puntuación: 6
Duración: 1 h 48 m
País: España / 2012
Dirección: Patricia Ferreira

La directora Patricia Ferreira ya ha demostrado con su obra anterior hasta la fecha que se maneja con solvencia y que es un valor consolidado en nuestro cine patrio. Esto no quiere decir, que hasta el momento, su trabajo sea rompedor, original o brillante en grado sumo, pero si muy profesional y eficaz. Lo malo es que en este país siempre te estan examinando y no te pasan ni una.
Esta propuesta  sobre el mundo adolescente y sus relaciones con los adultos, elige una capa social dentro de unos margenes medios y durante muchos momentos se acerca con acierto a ese periodo turbulento y caótico donde se marcan muchos caminos para nuestro futuro. Es cierto que en el guión se dan muchos tópicos y estereotipos, pero no es menos cierto que en la vida real dichos tópicos existen en abundancia. La estupenda labor del elenco en general y de sus tres protagonistas en particular apuntala la falta de ambición, de ir algo más allá de esos tópicos y el desequilibrio existente entre el tratamiento que se da a los chavales y al mundo adulto representado por padres y educadores. Estos últimos dibujados con poco volumen.
Al final la cosa queda un poco decepcionante con un final cuya credibilidad hace mucho daño al conjunto de lo visto.

SI QUIERO SILBAR, SILBO

Puntuación: 6
Duración: 1 h 34 m
País: Rumanía / 2010
Dirección: Florin Serban

En el 2007 Cristian Mungiu con su excelente "4 meses, 3 semanas, 2 días" situó al cine rumano en el mapa internacional, donde una serie de directores con mayor o menor acierto vienen mostrando sus trabajos en los diversos festivales. Dentro de esta nueva ola que evidentemente queda lejos de cualquier éxito de taquilla y con una distribución limitada, nos llega esta cinta que se llevó el premio del jurado en el festival de Berlin del 2009.
Aún siendo interesante no alcanza la altura de los trabajos anteriores de sus compatriotas y apunta más que dispara como suele decirse. El ritmo irregular, alternando escenas emotivas y fuertes con tiempos muertos injustificables le resta eficacia a esta historia de un chaval al que le ha tocado la cruz de la moneda vital sin que sepamos muy bien porqué y cuya reacción adolescente y confusa ante sus problemas marcaran su existencia. 

VIDAS PEQUEÑAS

Puntuación: 7
Duración: 1 h 55 m
País: España / 2010
Dirección: Enrique Gabriel

Nuestro cine no es que este muy sobrado como para que encima nos dejemos pasar por alto películas notables como esta del realizador argentino Enrique Gabriel que cuenta con un reparto fantástico, protagonistas y secundarios, en estado de gracia al servicio de unas vidas cruzadas de aquellos que siempre pagan todas las crisis vengan de donde vengan. Gente que por una u otras razones camina siempre al borde de la frontera, excluidos y marginados porque la vida nunca es justa y el que parte y reparte.....
Con una dirección delicada, Gabriel mueve la cámara de puntillas por los recovecos de este mundo entre otros mundos, donde la desgracia o la felicidad dependen de instantes, de no dejarse arrastrar por lo que nos venden como ideales establecidos y donde la convivencia con el de al lado supone seguir subsistiendo con dignidad.
Acompañado de un guión trabajado para que las piezas y el mensaje encajen sin que se note demasiado (aún así se nota),  y una buena banda sonora, nos dejamos llevar de la mano de sus personajes, auténticos gigantes con vidas pequeñas.

LOS CAMINOS DE LA MEMORIA

Puntuación: 6

Duración: 1 h 36 m
País: España / 2009
Dirección: José Luis Peñafuerte 

Desde el punto de vista narrativo o artístico si se quiere, se echan de menos en este trabajo mayores méritos cinematográficos de este Belga hijo de padres exiliados. Pero es obvio que no se trata de eso. Esta mirada de denuncia sobre la vergüenza nacional de que pasados más de 70 años del fin de la guerra incivil y con treintaitantos de democracia, aún la derecha española siga ocultando y protegiendo la represión sistematizada durante cuarenta largos años de posguerra y sea incapaz de desmarcarse democraticamente de los crímenes y los horrores cometidos por muchos de sus abuelos. 
Las heridas nunca podrán cerrarse y las páginas nunca podrán cerrarse cuando solo los de un bando descansan en paz. La obviedad de estos hechos no lo es tanto para las nuevas generaciones que necesitan y deben conocer lo que ocurrió por parte de los dos bandos durante la guerra y de los vencedores despues de ella. Probablemente si hubiera ganado el otro bando no le hubieran ido a la zaga en la represión, pero eso no deja de ser especulación y no exime a los que la ejercieron. Si bien el problema radica en la propia naturaleza del ser humano y su maldad congénita, otros países han sabido exorcizar sus demonios y mirar realmente al futuro sin lastres pendientes. Aquí condenamos al juez que quiera investigar y seguimos ocultando la mierda debajo de la alfombra.

Como se dice en alguna de las escenas más emotivas delante de escolares, "podemos pasar página, pero habiéndola leido antes".

BLACK MIRROR (Temporada 1)


Puntuación: 8
Duración: 3 episodios. Variable
País: Reino Unido / 2011
Creador: Charlie Brooker / Channel 4

El polifacetico Charlie Brooker (escritor, periodista, guionista, locutor, humorista...) se ha descolgado con esta miniserie que ha sido renovada por una segunda temporada con tres episodios de diferente duración y cuyo denominador común son el reverso de la moneda de las nuevas tecnologías y su lado oscuro potenciando aún más si cabe el mundo que ya en su momento describió Orwell en su "1984". Cada capitulo, a mi juicio a ido "in creschendo" siendo el último de esta primera temporada el más redondo, Robert Downey Jr. ya ha comprado los derechos para una adaptación al cine de dicho episodio. La producción y los repartos son eficaces y el toque de ciencia ficción añade entretenimiento al poso de inquietantes interrogantes que plantea en cada uno de sus argumentos. De momento vivimos tiempos donde las televisiones estan reviviendo una época dorada, al menos en cuanto a series de ficción se refiere. Que dure.

THE DEEP BLUE SEA

Puntuación: 5
Duración: 1 h 48 m
País: Reino Unido / 2011
Dirección: Terence Davies

Primer trabajo que veo de Davies, autor que ejerce de tal con un control sobre sus obras digno de elogio y parece que este su último trabajo de una limitada carrera (solo 5 largometrajes a sus 68 años) sigue fiel a sus presupuestos estéticos y conceptuales. A mi me aburre el subrayado perenne de su fotografía filtrada y sus estridentes y melosos violines, su ritmo parsimonioso y sus personajes anodinos y faltos de química en la adaptación de una obra teatral cuyo tema principal es la pasión y el amor destructivo. Se propone y se citan hechos que no se corresponden con lo que vemos por mucho que el trió protagonista se empeñe. Algunos diálogos acertados dejan entrever el infierno en el que habitan aquellos que aman y no son correspondidos y el malestar y la culpa que planea sobre cada uno de los individuos, sean pareja o trio, y el pensamiento del autor teatral surge por encima de sus personajes que se limitan a colocar las frases.
Davies recrea el localismo de su infancia con pinceladas acertadas y todo termina con una moraleja poco creíble y una imagen a modo de coda final de la que seguro que su director esta encantado con su críptico significado.

TED

Puntuación: 4
Duración: 1 h 46 m
País: USA / 2012
Dirección: Seth Macfarlane

Tan anodina como la presentación del propio Macfarlane en los Oscars. Wahlberg lo intenta una y otra vez en todos los géneros pero aún no ha descubierto que la interpretación no se cultiva en un gimnasio y debería dedicarse solo a la producción donde tiene mejor ojo, aunque a veces como en "Infiltrados" suene la flauta por casualidad. 
El caso es que Macfarlane mezcla el más trillado telefim Dysney con una docena de sus gags políticamente incorrectos made in "Padre de familia" y consigue que pasados los 10 minutos iniciales tengamos la sensación de estar haciendo el oso viendo a un peluche mal hablado y escatologico sin saber a cuento de que poniendo en peligro las relaciones de una pareja mas falsa que el relleno del peluche. Este año he visto media docena de películas patrias que merecerían el hueco que la industria se ve obligada a ceder a estas tonterías caras del otro lado del Atlántico.

    


EL HOBBIT (Un viaje inesperado)

Puntuación: 9
Duración: 2 h 49 m
País: USA / 2012
Dirección: Peter Jackson

Muchos nos hubiéramos quedado decepcionados si una vez realizada la proeza, probablemente irrepetible, de trasladar el mundo de Tolkien a la pantalla con "El señor de los anillos", se hubiera quedado en el tintero de la historia cinematográfica su novela anterior "El hobbit". Y quien mejor que el propio Jackson, padre de todo el invento para garantizar "más de lo mismo" como dice Boyero con un cierto tono despectivo. Pues claro, siempre y cuando "lo mismo" sea una maravilla como lo fue la trilogía anterior. Es cierto que sobre gustos pintan colores y  el universo tolkiano de fantasía  mucho más cercana a la realidad de lo que aparenta, le traiga sin cuidado a mucha gente con su Orcos, Trasgos, Magos, Enanos, Elfos y demás habitantes de la tierra media. Igual que a otros la guerra civil española o los zombies, o los westerns. Pero el valor de la obra literaria de Tolkien es incuestionable y su traslación a la pantalla impresionante.
Como servidor es fan de su obra, disfruté y disfruto como un enano, nunca mejor dicho, con estas películas por mucho que lleven emparejado otro tipo de intereses comerciales (duración para estirar la taquilla), puntos de vista diferentes de otros posibles directores o toda la punta que le quieran sacar los puristas de la obra o aquellos que la detestan.
La interpretación es fantástica,  McKellen debería haberse llevado alguna estatuilla o globo o lo que sea, de todo el reparto, y la producción exquisita. Las nuevas técnicas de filmación funcionan y el producto final es entretenido y brillante, teniendo en cuenta que el libro de "El Hobbit", tiene un tono más ligero y menos épico, psicológico y de denuncia de la sociedad que Tolkien imprimió en la trilogía posterior.
Larga vida a la Tierra Media.

HITLER
Werner Maser
Ediciones Acervo / 1971 / 455 pags.

Rebuscando en la escasa biblioteca paterna, encontré esta biografía del personaje. Mi padre, ya fallecido, siempre tuvo interés por la historia y sobre todo por la Segunda Guerra Mundial. Acercarse a personalidades tan complejas que han marcado con su vida la historia llegando a cometer las mayores atrocidades es en definitiva bucear en las luces y sombras del propio ser humano.
Lo primero que me llamó la atención es el estilo duro, erudito, lleno de citas y comentarios del autor, en muchos de los capítulos inundado de datos farragosos y de lectura poco "amena" por así decirlo. No se si mi padre llegaría a poder terminarlo. En cualquier caso Werner hace un estudio exhaustivo del perfil personal de Hitler, ahondando más en sus aspectos psicológicos y patológicos que en la narración de los hechos políticos y militares. 
Werner cuyo prestigio como biógrafo de Hitler es reconocido  siendo el que primero desautorizó los famosos diarios del dictador aparecidos en el 93, fue nombrado por la república federal Alemana como administrador de los bienes del Canciller después de la guerra.
Depura y puntualiza con pruebas y razonamientos muchas de las visiones estereotipadas de biografías anteriores  publicadas por los vencedores o sin demasiado rigor y entre lineas, de forma sutil, trasluce a mi juicio una cierta admiración, probablemente la que sintió la mayoría del pueblo alemán por la fuerza, el empuje y la capacidad de seducción del pintor frustrado que llegó a poner en jaque a todo el mundo conocido. Reconociendo sus atrocidades, en las cuales no abunda demasiado y sus errores, justifica muchos de ellos por el deterioro físico y mental que sufrió Hitler en sus últimos años. Es en este aspecto de su salud, medicación, etc donde abunda con multitud de datos pormenorizados.
En  resumen Maser nos retrata un hombre no exento de muchas virtudes que puso al servicio de su particular concepción del mundo la cual no provenía de traumas infantiles ni desviaciones psicológicas.  Para ello no dudo en acomodar la historia y la realidad a sus propias ideas cayendo en un mesianismo que desembocó en una espiral de horrores injustificables. Quiso vengar a Alemania de la humillación y el sometimiento a que se vio abocada después de la primera guerra mundial y acabó sacrificándola sin piedad en el empeño junto con otros pueblos y razas.
Afortunadamente su nación ha sabido volver a encumbrarse sin necesidad de utilizar las armas y es que los que manejan el poder también aprenden de los errores y perfeccionan el control sobre las masas de formas más sutiles, para que todo cambie y todo siga igual.

ADOLF HITLER ( 1889-1945)

   
HOMELAND (Temporadas 1 y 2)

Puntuación: 8
Duración: 24 episodios de 55 m aprox.
País: USA / 2011-12
Creador: Gideon Raft / Showtime

A finales del 2011 llegó casi por sorpresa, reciclada de un original israelí del propio Raft, donde la labor de Howard Gordon y Alex  Gansa como adaptadores la han aupado a lo más alto codeándose con la élite.
Lo que más me sorprende es la capacidad que tienen en los 24 capítulos de reinventarse una y otra vez superado la media docena de episodios donde la potente trama inicial parece que no debería dar para más. Pero lo consiguen, aún caminando en el filo de la navaja de la credibilidad y nos dejamos atrapar sobre todo por el carisma de sus dos protagonistas que han sabido exprimir los matices de sus personajes, también a veces rozando el limite del histrionismo, sobre todo por parte de la magnifica Claire Danes.
El ritmo y la tensión no decaen y los episodios alcanzan un equilibrio notable dentro de los vaivenes del guión. Al final han rizado el rizo y consiguen, después de echar el resto, que sigamos interesados por la tercera entrega. Desde luego tiene merito.

BOARDWALK EMPIRE (Temporada 3)

Puntuación: 9
Duración: 12 episodios de 55 m aprox.
País: USA / 2012
Creador: Terence Winter / HBO

"Nucky" Thomson y su imperio de Atlantic City consiguen seguir en primerísima linea en esta tercera temporada, mejor aún si cabe que la segunda, donde la producción artística sigue con su altísimo nivel y la trama se nutre de nuevos personajes bien dibujados y con tiempos y roles mucho mejor equilibrados que temporadas pasadas. Una gozada y un ejemplo, aunque caro, a seguir.

TOTAL RECALL

Puntuación: 6
Duración: 2 h
País: USA / 2012
Dirección: Len Wiseman

Wiseman ha sido fiel a su trayectoria hasta la fecha y ha mezclado "La jungla de cristal" con  "Underwood" para seguir con el festival pirotécnico de acción espectacular para mayor lucimiento de Kate Beckinsale, que acabará por convertirse en el Jackie Chan femenino. La responsabilidad de abordar el clásico de Verhoeven de los 90 del visionario P.K. Dyck se lo deja a los responsables de la dirección artística que hacen que luzca el presupuesto con una atmósfera muy lograda en el que el Harryson Ford y los replicantes de Blade Runner estarían a sus anchas. Como película de acción funciona notablemente y poco más dado que los guionistas no han tenido espacio para que los personajes sean poco menos que estereotipos, con un Brian Cranston y Jessica Biel en horas muy bajas. La cinta de Verhoeven fue muy grata en parte debido a la época en que se estreno, sin embargo a estas alturas a este remake había que exigirle más de lo que ofrece. 

EL PACTO

Puntuación: 5
Duración: 1 h 44 m
País: USA / 2011
Dirección: Roger Donaldson

Enésimo trabajo alimenticio de Cage y enésima cinta comercial con caras conocidas de Donaldson, que tira de experiencia  y oficio (No hay salida. 1987), para seguir explotando el género del perseguido por todos. Género sobrexplotado con mayor o menor acierto pero que siempre funciona dado la catarsis que conlleva para el espectador. La cosa aguanta en su planteamiento con la consiguiente reflexión sobre dejar en manos de particulares la justicia y cae en picado en cuanto guionistas y director abandonan el barco sin ningún pudor dejando que se hunda en la vulgaridad más vergonzosa, con previsible final incluido. A este paso Cage debe estar muy cerca del récord de ser el actor válido que ha trabajado en más películas mediocres.

ORSON WEST

Puntuación: 7

Duración: 1 h 27 m
País: España / 2012
Dirección: Fran Ruvira

Estupenda opera prima de Fran Ruvira. Cada vez uno está más convencido que al cine español no le faltan talentos. Le faltan dineros, promoción y una profunda desintoxicación de los cánones culturales que impone la industria cinematografica norteamericana.

Con un ritmo suave y pausado Ruvira mezcla el cine dentro del cine con el documental y la ficción en un guiso evocador, sencillo y muy sugerente donde las historias se entrecruzan proponiendo desarrollos, pasados y futuros que no llegan a materializarse como le ocurrió a Wells en su periplo por nuestras tierras buscando y soñando proyectos que quedaron en el aire y que Ruvira atrapa en la bruma de las tierras almerienses el tiempo suficiente para que las vislumbremos hasta que inevitablemente vuelvan a desaparecer. 

Preciosa banda sonora. Hay que seguirle la pista a este y otros directores si es que les dejan o pueden seguir rodando.

HEADHUNTERS

Puntuación: 7

Duración: 1 h 40 m
País: Noruega / 2011
Dirección: Mortem Tyldum

Potente thriller que arranca con brillantez y poco a poco a pesar de su ritmo sostenido va desembocando en aguas más convencionales. La intriga se mantiene lo suficiente para que sigamos con interés la propuesta, algo farragosa en su tramo final con un desenlace y desarrollo de personajes que va de más a menos pero que consiguen atraparnos durante hora y media. Tyldum dirige con nervio y soltura manejándose bien tanto en las escenas de acción como en las distancias cortas, no escatimando violencia y humor negro arropado por un reparto efectivo y una fría fotografía propia de las tierras noruegas. Parece que al igual que las novelas, el thriller nórdico se estás poniendo de moda. Aire si no fresco al menos renovado al monopolio USA.

EL GRAN AÑO

Puntuación: 7

Duración: 1 h 40 m
País: USA / 2011
Dirección: David Frankel

Se agradecen comedias donde los personajes y la trama no sean estereotipos mil veces manoseados con chistes burdos, situaciones escatologicas y chicas ligeritas de ropa. El trió protagonista tiene unas cuantas en sus curriculums y se merecen al menos de vez en cuando poder demostrar que tienen más y mejores registros, aunque quizás sus fans se vean defraudados con esta cinta que nos habla de pasión, de búsqueda personal amor y amistad.

Uno sale a buscar pájaros y puede llegar a encontrarse a si mismo. Frankel aprovecha bien el presupuesto y nos lleva de acá para allá en un recorrido elegante por la naturaleza donde nos convertimos en un observador más. El ritmo es fluido con un montaje impecable que hace que no pese el tiempo que le dedica a una afición que no moverá a las masas a las salas de cine. Perfectos los secundarios de lujo como la Houston y sobre todo Brian Dennehy.

BI ANAI

Puntuación: 6

Duración: 1 h 44 m
País: España / 2011
Dirección: Imanol Rayo

En muchos aspectos notable, sobre todo en su fotografía y mirada personal de su autor, "Bi Anai", se me antoja excesivamente sincrética en el sentido que pretende conjugar diferentes aspectos visuales y narrativos sin que ninguno de los dos acabe por encajar en el otro, el primero por un exceso de subrayado en lo estético que acaba por agobiar y estrangular la historia y en el segundo por una morosidad en el desarrollo de escenas y personajes que bordean peligrosamente el estatus de figuras dentro de estampas que se distancian de nosotros y se funden con la galería de objetos inanimados mudos testigos de lo que allí ocurre. El vestuario y el atrezzo, incluso la luz es tan perfecta y está todo tan colocado que acaba por parecer falso. Supongo que capta el espíritu de la obra de Bernardo Atxaga y su universo Obaba y es de alabar el riesgo de la propuesta muy por encima del nivel de cine patrio pero aún así Rayo debe seguir puliendo su "cine de miradas colocadas", y desde luego no le perdono que sacrifique a un animal en función de cualquier planteamiento o mensaje de una escena, por mucho que el hecho sea cotidiano en la naturaleza.

MADAGASCAR 3 (Los más buscados de Europa)


Puntuación: 9

Duración: 1 h 25 m
País: USA / 2012
Dirección: Eric Darnell / Conrad Vernon / Tom McGrath

No sé si la incorporación de Conrad Vernon a la tripleta de dirección es el que ha marcado la diferencia de calidad de esta última entrega con las anteriores. Algunos piensan que es el comienzo de un prometedor cambio de rumbo para un futuro mejor y otros que es el broche final a una franquicia que ya lo ha dado todo. El caso es que se han marcado una cinta deliciosa, con un diseño de producción a todos los niveles exquisito que injustamente a quedado fuera de la nominación a los Oscars en un apartado, el de animación, cuyo listón afortunadamente cada día está más alto.

PIRATAS

Puntuación: 9

Duración: 1 h 28 m
País: Reino Unido / 2012
Dirección: Peter Lord / Jeff Newitt

Una autentica obra de arte desde el punto de vista de la animación realizada con la técnica del stop motion en la que la factoría Armand sigue a la cabeza mundial.

Por otro lado una entretenida historia con mucho de auto parodia Británica y un toque ecologista que supera sin problemas el equilibrio entre los gustos del público adulto actual y la gente menuda. Ninguno de los personajes posee el carisma para hacerse inolvidable pero entre todos son capaces como buenos piratas, de abordarnos y desarmarnos durante hora y media con sus simpáticas aventuras e infinitos detalles.

EL LEGADO DE BOURNE

Puntuación: 6
Duración: 2 h 15 m
País: USA / 2012
Dirección: Tony Gilroy

"Me gusta todo de ti, pero tu no", que decia Serrat en una de sus canciones. Eso me pasa con este estiramiento de la saga Bourne. Gilroy dirige con el manual en la mano una cinta de acción efectiva y efectista que carece de alma y cuyos protagonistas que poco tienen que demostrar de su calidad actoral bastante tienen con pasarse todo el rato corriendo de una lado para otro pegando tiros. Esta película la hemos visto muchas veces incluso dentro de la misma saga. El caso es que la burra siga tirando palante por muy agotada que parezca.

SILENCIO DE HIELO

Puntuación: 5
Duración: 1 h 58 m
País: Alemania / 2010
Dirección: Baran bo Odar

Trabajo me ha costado tragarme las dos horas de este "polvorón" alemán. ¿Por qué su cine es tan aburrido casi siempre?.
La transcendencia del tema de fondo (el peso de la culpa) y el motivo de la misma le confieren un poso de respetabilidad que Odar no ha sabido darle el tratamiento que se merece, con una estética y unos personajes y sus relaciones bastante forzados y unos subrayados actorales y de banda sonora excesivos. Parece que es consciente en todo momento de la importancia del tema y confía en que esto por si solo saque adelante este muermo con pretensiones.
Obviamente nadie puede dejar de sobrecogerse ante los hechos que se narran, pero ni funciona como thriller ni como drama por mucha reflexión que lleve implícita. Vamos, un ladrillo narrativo.

SKYLAB

Puntuación: 8
Duración: 1 h 49 m
País: Francia / 2011
Dirección: Julie Delpyr

Gratisima sorpresa este cuarto largometraje de la actriz, guionista y directora Julie Delpy, cuya carrera interesante, sube un peldaño de calidad con este "ajuste de cuentas" con su pasado simbolizado en esa extensa familia que se reúne entorno al cumpleaños de una de las abuelas en aquel verano del 79 en que el laboratorio espacial norteamericano cayó a la tierra como símbolo de que toda nuestra vida órbita alrededor de un mundo que no para de dar las mismas vueltas y que siempre e inevitablemente nos acogerá en nuestra personal y definitiva caída. Obra de cariz muy personal que sin embargo refleja y nos identifica con muchos de los personajes y sus circunstancias. Obra coral, donde cada pieza tiene su propio valor y todas juntas forman el sujeto observado, la familia, como epicentro de vida de cuatro generaciones.
Un reparto sin fisuras, unos diálogos estupendos y una planificación y montaje más que notables.
Nos quedamos con las ganas de saber que fue de cada uno de ellos, aunque podemos imaginar a nuestros propios familiares ocupando sus huecos. Aún se atreve Delpy a sobrevolar, tomar distancia y echar una ojeada a una época fronteriza, finales de los 70 donde ya era evidente que el espejismo revolucionario libertario de los 60 daba sus últimas bocanadas, para que las futuras generaciones reinventaran sus propias utopías. 
Desde la mirada del 2013 puede que descubramos que en realidad lo único importante es la familia.

BRAVE (Indomable)

Puntuación: 9
Duración: 1 h 40 m
País: USA / 2012
Dirección: 

Si el cine de animación no hubiera alcanzado los altísimos niveles que ha alcanzado en la última década, podríamos decir que "Brave" es un clásico a la altura de la época dorada de Disney. Pixar lo ha vuelto a lograr aunque hayamos perdido un poco la medida después de tanta maravilla. Decir como he leído por ahí que se acerca más a la fallida "Cars 2" que a sus mejores títulos...., en fin. Uno de los hallazgos de esta cinta es haber dejado de lado un poco el constante y a veces cansino guiño a los adultos haciendo que animales u objetos se comporten según los cánones de la comedía actual y se vuelva a una historia que bebe de la más pura tradición de los cuentos y las leyendas donde reinos, reyes, princesas, brujas, encantamientos y la naturaleza se funden para hechizarnos y tocarnos en lo más esencial de nuestros sentimientos para que todos nos sintamos niños una vez más y escuchemos ese cuento que jamás olvidaremos y que transmitiremos a nuestros descendientes. 
La técnica sigue siendo de altísimo nivel y el diseño de personajes exquisito. Lo dicho un clásico del que el viejo Walt se le saltarían las lagrimas o se frotaría las manos pensando en la taquilla.

EL IRLANDES

Puntuación: 7
Duración: 1 h 36 m
País: Irlanda / 2011
Dirección: John Michael McDonagh

Prometedor primer film de McDonagh con una comedia áspera y efectiva que bebe de muchos referente cinefilos y que se agradece por el buen tono de sus diálogos y la interpretación del siempre convincente Brendan Gleeson, con un guion del propio director a medio camino entre el thriller y el western donde Gleeson emula a John Wayne en una escena final tan disparatada como entrañable. Dentro del tono de comedia descarnada donde la credibilidad es lo de menos, McDonagh consigue dotar al personaje central de un poso dramático sin grandes pretensiones pero que lo ancla a la realidad y le hace humano, con el que empatizamos desde el primer momento. Añadimos el tono localista de la idiosincracia irlandesa y su sátira de los policías de series de tv yanquis y "The guard" titulo original, consigue pasar la barrera de las cintas olvidables.

LOBOS DE ARGA

Puntuación: 5
Duración: 1 h 41 m
País: España / 2011
Dirección: Juan Martínez Moreno

Tercer largo de este director del que no he visto sus dos anteriores propuestas de diferente genero a esta comedia que aprueba raspando dado que en su primera media hora sabe equilibrar una comedía contenida y aceptable de humor negro con una cierta intriga. Desgraciadamente aún quedan otros 45 minutos donde todo transcurre por caminos muy trillados sin que en ninguno de los aspectos antes mencionados se consiga avanzar minimamente y el tedio asoma mucho antes del final abandonando a unos personajes a una suerte más que previsible por mucho que estos se esfuercen en arrancarnos alguna sonrisa o sorprendernos sin mucha fortuna. 

ELEFANTE BLANCO

Puntuación: 6
Duración: 1 h 46 m
País: Argentina / 2012
Dirección: Pablo Trapero

Después de la notable "Carancho", Pablo Trapero se a lanzado a por un bocado demasiado grande, quizás tanto como el "elefante blanco", edificio colosal que nunca llegó a desempeñar sus funciones y que preside a la comunidad marginada de más de 30.000 personas que viven en un gheto donde la subsistencia es la única ley. Películas como "Ciudad de Dios" o "Tropa de élite" bucean con mejor acierto por estos inframundos que las sociedades civilizadas nos permitimos tener como si fueran basureros necesarios. Trapero intenta voluntariosamente además contarnos una historia sobre las personas que altruistamente dedican su vida a luchar por una mejora de estas gentes. Personas que para mayor complicación pertenecen a una fé religiosa con la cual tienen que luchar personalmente día a día y con la iglesia que la representa. Demasiada tela que cortar y a pesar de que Darín, que ya se encuentra por encima del bien y del mal no defrauda, y Matina Guzmán le sigue de cerca, se cumple aquello de quien mucho abarca poco aprieta y el metraje va pasando entre escenas cercanas al documental, secundarios sin entidad y protagonistas a los que les falta guión para todo lo que llevan encima.
Al menos consigue sacar a la luz internacional otro de nuestros trapos sucios.

SIEMPRE FELIZ

Puntuación: 5
Duración: 1 h 28 m
País: Noruega / 2010
Dirección: Anne Sewitsky

Sewitsky tiene el honor de con su primer largo de llevarse el premio del jurado de Sundance por primera vez, con una cinta a la que servidor no acaba de cogerle el punto.
Esta comedia dramática sobre los problemas amorosos de una clase media de una de las sociedades más avanzadas de europa se me antoja bastante forzada en las relaciones con sus protagonistas y en los desenlaces de las mismas. Anne mete el calzador y se le va el metraje en el planteamiento y el desenlace sin que el "nudo" tenga el protagonismos que debería. Todo ello lo trufa con un grupo que ameniza con sus canciones entre col y col y una subtrama racista entre niños pueril, sosita como el coro en el que cantan los papas  y más forzada si cabe que el resto de la trama.
Eso si todos son muy educados y afrontan sus traumas y complejos con la fría moderación propia de sus tierras. Pues vale.                

CARMINA O REVIENTA

Puntuación: 7
Duración: 1 h 11 m
País: España / 2012
Dirección: Paco León.

Junto con Alfonso Sánchez y su "El mundo es nuestro", Paco León nos ha dado la sorpresa en el 2012.  Aquí se trata de una comedía documental o viceversa donde ficción y realidad se ponen al servicio de unos actores que sustentan todo el entramado con su brillante interpretación. Madre e hija León lo bordan y nos hacen participes de su mundo irreal más cercano a la realidad de millones de españoles que o caminan o revientan. El resto del  casting no desmerece en absoluto. Sin presupuestos millonarios la industria del cine español tiene recursos actorales e imaginativos para ofrecer productos de calidad cercanos a nuestra sensibilidad sin tener que copiar modelos comerciales sobreexplotados. Como muestra la cinta que nos ocupa. Disfrútenla.

AGE ICE 4. La formación de los continentes.

Puntuación: 8
Duración: 1 h 34 m
País: USA / 2012
Dirección: Steve Martino y Mike Turmeier 

¿La familia?. Bien, gracias. La Fox sigue explotando a esta familia prehistórica con la que muchos nos hemos encariñado y en esta su cuarta entrega consigue sorprendentemente mantener un tono notable dentro del agotamiento lógico de la franquicia. Sin grandes alardes técnicos y con un guión atractivo y previsible a partes iguales conforma una aventura más de este disparatado grupo de amigos que entretiene por igual a grandes y pequeños. No ha recibido buenas criticas dentro de un panorama cada día más exigente con el cine de animación donde cada nueva entrega se espera que nos sorprenda con una obra maestra. Los personajes de Ice Age aún conservan su encanto apoyados en esta ocasión por una galería de secundarios acertada y un malvado que da la talla. Apuesta segura.

  RED STATE

Puntuación: 5
Duración: 1 h 29 m
País: USA / 2011
Dirección: Kevin Smith

Como pasa el tiempo. Diecinueve años ya desde aquella "Clerks", en donde Kevin nos las prometía muy felices. Después de este tiempo su filmografía no consiguió superar el éxito inicial  y parece que ahora se ha planteado un giro en su carrera con esta cinta que se queda a medio camino entre la critica social apoyada en el fanatismo religioso y el terror perdiéndose en una encrucijada de géneros donde el telefim de sobremesa aflora en más de una ocasión. Vamos que Kevin no se centra y salta de aquí para allá sin que acabemos por saber a que palo está jugando. La solvencia de los buenos actores con los que cuenta no consigue que le demos buenos augurios en este cambio de rumbo a pesar de que los últimos sucesos criminales en los USA y el debate de la proliferación de armas pudieran ponerla de actualidad.

EL MUNDO ES NUESTRO

Puntación: 8
Duración: 1 h 27 m
País: España / 2012
Dirección: Alfonso Sanchez

Alfonso Sánchez, "el culebra" acierta doblemente como director y como guionista en este su primer largo con una comedía ácida y actual trufada de referencias cinéfilas y que ademas ha sido financiada a través de internet con donaciones altruistas. Una vez más se cumple el dicho de donde no hay dinero hay que poner imaginación y aprovechando el éxito de la webserie de donde provienen los personajes, Alfonso dirige con soltura y eficacia a un equipo compenetrado donde la elección del casting recuerda a una compañía de teatro compenetrada después de muchos bolos y tablas, exprimiendo los diálogos y las situaciones absurdas y disparatadas sin aspavientos innecesarios y tonterías las justas.
Grata sorpresa pues que esperemos tenga continuidad. A pesar de su localismo andaluz y sevillano para mas señas bebe de ese humor negro de los maestros como Berlanga y Azcona, humor alejado de las comedias made in usa de adolescentes o chico encuentra chica que muchos tratan de imitar sin darse cuenta que no es nuestro fuerte.

MOONRISE KINGDOM

Puntuación: 6
Duración: 1 h 34 m
País: USA / 2012
Dirección: Wes Anderson

Reconozco que el cine de Anderson tiene "un punto" que le hace ser un director no convencional con su corte de admiradores y por supuesto detractores. Hasta la fecha su filmografía me interesa pero no acaba de convencerme. Es en sus planteamientos estéticos, su originalidad en las propuestas y su forma de plantear la planificación donde tiene su mejores virtudes, pero a excepción de la magnifica "Fantastico Sr. Fox", el resto no acaba de cuajar por culpa de unos guiones donde también participa Anderson que languidecen y dejan escapar todo el potencial de cada propuesta.
En este cuento o fabula sobre el tiempo perdido y el amor adolescente, el interés se agota a la media hora cuando descubrimos que todo el artificio consiste en jugar con una atractiva "casa de muñecas" donde los personajes de caras famosas sirven de maniquíes para mayor lucimiento de composiciones visuales.
La pareja de chavales consigue transmitirnos cierta nostalgia de aquellos tiempos donde todos eramos inocentes. Poco más. 

HYSTERIA

Puntuación: 6
Duración: 1 h 40 m
País: Reino Unido / 2011
Dirección: Tanya Wesler

Hysteria es como esos pequeños y coquetones regalos donde el envoltorio y la presentación, al final y a la postre es lo mejor de todo. En su interior se encuentra generalmente un adorno muy mono, carente de valor intrínseco que puede agradarnos en su momento y acaba olvidado en el cajón de los recuerdos.
Con una solvente factura a las que ya nos tiene acostumbrados el cine británico de época y un reparto que solventa sin problemas el endeble entramado de sus personajes y situaciones asistimos como de refilón y de lejos a la problemática social de las mujeres básicamente a finales del XIX en un Londres donde la aristocracia pequeño burguesa y el proletariado vivían muy juntos pero no revueltos. Un poquito de amor, un poquito de historia de como vio la luz el primer vibrador y unas gotitas de humor por parte de buenos secundarios y ya tenemos el regalito perfecto para la tarde de cine sin complicaciones.

¿Y SI VIVIMOS TODOS JUNTOS?

Puntuación: 4
Duración: 1 h 37 m
País: Francia / 2011
Dirección: Stéphane Robelin

Lo peor que le puede pasar a una obra artística es que nos deje indiferente. Vamos que ni fu ni fa. Si es mala o muy mala o al menos así nos lo parece podemos aprender muchas cosas pero si nos deja fríos, si no concita interés pues....eso. Esta comedía dramática o lo que sea de reparto con apellidos ilustres sobre las peripecias existenciales de un grupo de septuagenarios es tan blandita, condescendiente y pelín pretenciosa aunque lo intente enmascarar, que se queda en poco menos que nada, en una sosería para mayor gloria del palmito de la Fonda y que queda en evidencia ante la ola de películas más o menos recientes que abordan el mundo de la tercera edad como "Lejos de ella" o la española "Arrugas" con nota sobresaliente.
Absolutamente prescindible.

FERNANDO GUILLEN (1932-2013)

En aquel Teatro Español Universitario de principios de los 50, a su director Gustavo Pérez Puig le tocó la lotería. Aquellos jóvenes (Agustín González, Juanjo Menendez, Felix Navarro, Adolfo Marsillac y Fernando Guillen entre otros) eran y serían unos monstruos de la interpretación reunidos por azares del destino en una generación, hasta la fecha irrepetible y se lo pusieron muy fácil  convirtiéndole en un prestigioso director y realizador que de no haber contado con tales mimbres, posiblemente otro gallo le hubiera cantado. Inteligente como era, Puig lo sabía y nunca dejó de contar con ellos para seguir teniendo éxito. 

Allí estaba Fernando Guillen cuando los inolvidables Estudios 1 subían el telón de las mejores obras del teatro universal, allí estaba dejando no solo su presencia escénica, su aplomo, su voz, su dicción, sino un don especial para hacer creíbles a cada uno de sus personajes. Junto con su mujer Gemma Cuervo formaron una pareja actoral cuyos nombres eran sinónimo de calidad. Fue uno de los que faltaron en la famosa "12 hombres sin piedad" que adaptó para televisión el propio Puig, donde por mor de ser solo 12 interpretes, eran todos grandes, pero no cabían todos los grandes. Fernando Guillen, como cualquiera de los antes citados compañeros del Teatro Español Universitario no habrían desmerecido lo más mínimo.

Se nos va pues otro de los grandes. Se nos va una generación de actores maravillosos que tuvieron la mala suerte de trabajar en un país donde Lope de Vega y Calderón quedan olvidados en un rincón hasta que pasen las vírgenes  los santos, las procesiones, las corridas de toros y  por supuesto el fútbol que para eso si que somos campeones del mundo.

UN FELIZ ACONTECIMIENTO

Puntuación: 6
Duración: 1 h 47 m
País: Francia / 2011
Dirección: Remi Bezancom

No vi la multinominada a los Cesares en el 2008, "El primer día del resto de tu vida", con la que Besamcon se ganó su fama, pero esta nueva entrega no creo que le mantenga muy alto. No es que la cosa no tenga interés y que el aspecto formal este muy cuidado pero aparte de la insultante belleza de su protagonista el planteamiento de la novela de Eliette Abescasis, que tampoco he leído, puede que diera para más.
El cambio vital que supone para cualquier pareja el hecho de traer un nuevo ser al mundo puede, y de hecho lo hace, revolucionar nuestra vida y no todos soportan el maravilloso y duro camino a partes iguales que supone este hecho. Bezancom nos lo describe pormenorizadamente y acaba incidiendo más en las situaciones que provoca el bebe que en el trasfondo de los cambios que ello genera en sus progenitores. El equilibrio entre comedia y drama acaba flojeando por ambas partes, cosa que aprovecha el director de fotografía y maquillaje para demostrar que el buen trabajo de Louis Bourgoin esta casi a la altura de su fotogenia. 

LA CHICA MECÁNICA
Paolo Bacigalupi
Plaza y Janes. 544 págs. Sep.2011

A pesar de un cierto reconocimiento en Estados Unidos con sus relatos cortos, Bacigalupi tuvo que patear mucho para que al final una pequeña editorial le publicara el libro en cuestión. A partir de ahí se llevo todos y cada uno de los grandes premios de la ciencia ficción, alguno compartido eso si. ¿Es para tanto?. Pues habría que ver el resto de las obras. Y como eso no es posible, hay que concederle al autor uno, a mi juicio, de sus mayores aciertos: ha sabido crear una atmósfera en un futuro cercano, siglo XXII, muy envolvente y creíble que nos recuerda al mejor Blade Runner en una Thailandia constituida en una de las últimas reservas de semillas mundiales, por las que luchan multinacionales dentro del propio marco de intrigas políticas del propio país. Dicho esto, también hay que decir que Bacigalupi reitera hasta la saciedad dicha atmósfera y desarrolla minimamente el nutrido grupo coral de protagonistas sin que ninguno de ellos llegue a empatizarnos lo suficiente para que lamentablemente el tedio aparezca cuando llevamos 200 págs. y aquello no avanza como debiera. Uno tiene la sensación de que, si da con un buen director, la película si la hubiere, puede mejorar y mucho el original literario. Es cierto también que no transita por los cánones habituales de la ciencia ficción y esto puede que haya servido para colgarle la etiqueta de renovador del género. Es en su último tramo donde recupera algo del tiempo perdido y nos deja un buen sabor de boca final si es que no hemos abandonado antes, cansados de transitar por un mundo cuya puesta en escena no necesitaba de tantas páginas.

UN AMOUR DE JEUNESSE

Puntuación: 8

Duración: 1 h 45 m
País: Francia / 2011
Dirección: Mia Hansen-Love 

Creo que uno de los mayores méritos de esta cinta y de su directora es conseguir una puesta al día eficaz de los presupuestos de la "nouvelle vague", dando mayor agilidad a su desarrollo con un uso y a veces abuso de las elipses que nos permiten suprimir los interminables "tiempos muertos" sin renunciar a la frescura y veracidad de lo que se nos está contando. En este caso y con gran fidelidad a su titulo, un amor de juventud, esos de los que nos dejan una huella imborrable por mucho que el tiempo difumine sus contornos.

Con un guión exquisito de la propia Hansen-Love y una Lola Créton en estado de gracia que si sigue así dará mucho que hablar.
Es sin embargo en su mayor virtud, el uso de las elipses, donde en su tramo final le juega la mala pasada de que ya poco queda por contar al ritmo que suceden las cosas y no hubiera importado acortar un poco el metraje. En cualquier caso una delicatessen como pocas han sabido reflejar los inicios del amor.

HISTORIAS DE SHANGAI (Documental)


Puntuación: 6

Duración: 2 h 5 m
País: China / 2010
Dirección: Jia Zhang-ke

Todos tenemos mil historias que contar, propias o de familiares y más cuando estamos cercanos al final de nuestras vidas.

Zhang-ke recoge 18 de esas historias cuyo denominador común es la ciudad china de Shangai. Todas son en mayor o menor grado interesantes y conforman un puzzle sobre la ciudad y el país en el que faltan más de la mitad de las piezas pero es capaz de sugerirnos la idea del conjunto.
Con un ritmo apropiado y sensibilidad para elegir las tomas y movimientos de cámara paseamos por un Shangai en varios momentos de su historia y escuchamos con interés los retazos de las vidas de estos chinos cuyo mundo tan diferente al nuestro no deja de coincidir en aquello que nos hace humanos.
Quizás el metraje es excesivo para lo poco que a la postre nos cuenta.

DE TU VENTANA A LA MIA

Puntuación: 5

Duración: 1 h 47 m
País: España / 2011
Dirección: Paula Ortiz

Con su flamante formación americana y algunos cortos premiados Laura Ortiz se estrena en el largo con un estrepitoso fracaso a mi juicio, desaprovechando los buenos mimbres con los que contaba (excelente las direcciones artísticas y de fotografía) y un elenco que lucha con desigual fortuna con un guión de la propia Ortiz, desequilibrado y pagado de si mismo plagado de situaciones inverosímiles, mal resueltas y subrayados excesivos con una dirección efectista que no efectiva, la mayoría de los casos pretenciosa.

Tres historias de amor en diferentes épocas, tres mujeres enlazadas en el tiempo de forma pueril y mensaje pretendidamente feminista.

Destaca la composición del personaje de Leticia Dolera, el buen hacer dramático de Luisa Gavasa en contraposición a la afectación y nula credibilidad de la afamada directora de actores Cristina Rota y tanto Luis Bermejo como Pablo Rivero sacan petroleo de sus intervenciones.
Las promesas de su primer tramo de metraje se van desmoronando en un artificio cuya fachada poética deja a la luz un cascaron hueco y vacío.

CHARLES DURNING (1923-2012)

Probablemente ya le habíamos visto en alguna de las 8 películas en las que participó antes del 73, pero fue en este año cuando su personaje de policía corrupto en "El golpe" hizo que su careto no se nos volviera a olvidar. Desde ese momento otros 73 films donde constataba en cada uno de sus personajes su gran valía como actor y donde siempre nos era grato reconocerle sabiendo que detrás del disfraz de turno seguro que se encontraba un buen personaje. Considerado eso que llaman secundario de lujo o actor de carácter, Durning estuvo nominado a dos Oscars, ganó un Emmy, triunfó en el teatro y recibió el premio honorifico de la Asociación de Actores. Merecidos reconocimientos para un eficiente "guardaespaldas" de todos los grandes con los que trabajó. Hasta siempre.

 

PEPE & RUBIANES (Documental)


Puntuación: 9
Duración: 1 h 24 m
País: España / 2011
Dirección: Manuel Huerga

Quien era o dejaba de ser Rubianes no lo vamos a descubrir en este documental. Manuel Huerga tampoco lo pretende. Desde que murió este actor y humorista de profesión, algunos de sus amigos se reúnen cada año para recordarle, en una cena autodenominándose "las viudas de Rubianes", entre los que se encuentran compañeras sentimentales y nombres reconocidos del espectáculo. Huerga a decidido dar fe de uno de esos encuentros y a puesto a su servicio una gran maestría profesional con un ritmo perfecto y un montaje envidiable. Por ello y objetivamente merece un sobresaliente.

Otra cosa es que te guste o te interese el personaje y su humor, (el documental esta trufado de sus mejores escenas y gags), pero es innegables que en la vida de alguien tan vital como Rubianes y más si se dedicaba al espectáculo, abundan las anécdotas todas en este caso  entrañables, divertidas y hasta emotivas al ser recordadas por amigos. Nada aflora de su reverso que como todo se humano tendría. Tampoco es necesario, ni era el momento ni la ocasión.
Personalmente me lo he pasado genial y me he reído mucho más que en muchas de las comedias que circulan por ahí. Le recuerdo como espectador en su etapa mítica con la compañía teatral "Dagoll Dagom" o con la fantástica composición que hizo de Maki Navaja en las tablas. Dominaba su oficio.
Independientemente de que en su última etapa se le recuerde por los exabruptos que propino contra España, a mi juicio, sacados de contexto, uno tiene la sensación de que Pepe Rubianes fue uno de los pocos privilegiados que descubrió, afortunadamente para él pronto, que la vida tal como la hemos montado desde tiempo inmemorial es una mierda y que merece la pena reírse de todos y de todo, incluido él y disfrutarla hasta decir basta.
Descanse en paz y a los demás.... que nos den.

HOLLYWOOD TALKIES (Documental)


Puntuación: 4

Duración: 1 h
País: España / 2011
Dirección: Óscar Perz y Mía de Ribot

Con la primera imagen (la del cartel) proyectada de forma fija durante 30 segundo uno intuye que la cosa tiene pretensiones. Al final el producto se queda en pretencioso. La idea y los mimbres eran buenos pero la poca "gracia" conque abordan el asunto se queda en una galería de exposición de las fotos de Mía de Ribot más o menos artísticas, más o menos acertadas con el trasfondo y siempre aburridas y lastradas por los eternos 30 segundos de cada una de sus tomas y otras que aportan documentación gráfica tan morosa como el anecdotario que sustentan sobre aquellos españoles que se fueron a hacer las américas en el mundo del cine hollywoodiense cargados de ilusión y regresaron la mayoría con la maleta llena de frustración a una España que estaba en las antípodas de lo que habían conocido.

La cosa daba para más y mejor. Otra vez será.

EL MUSICAL (Valami Amerika)

Puntuación: 6

Duración: 1 h 45 m
País: Hungría / 2008
Dirección: Gábor Herendi

Con tres años de retraso nos llega esta muestra del desconocido, al meno para mi, cine húngaro, con una segunda parte de la estrenada en 2002 con el mismo titulo.
Se trata de una comedia romantica de factura estandar según los cánones de la industria norteamericana con aires de la factoría Apatow y aunque no es para tirar cohetes se agradece que no recurra a la escatología para hacernos reír, marca de la citada factoría.
Por lo demás y tras un arranque bastante mediocre, vamos cogiéndole simpatía a los personajes que se desenvuelven eficazmente en sus estereotipos y aguantamos hasta el final previsible de turno. Algunos momentos coreográficos y la "emoción" del estreno del musical que deciden montar ayudan a pasar el rato. 

 


MISS BALA

Puntuación: 6

Duración: 1 h 53 m
País: México / 2011
Dirección: Gerardo Naranjo

Dicen que una imagen vale más que mil palabras. Esto es lo que ha debido pensar Gerardo Naranjo a la hora de narrar esta tragedía, metáfora del pueblo mexicano, donde escasean los diálogos y la acción continua sin grandes alardes técnicos y con una factura muy USA nos muestra que los que se encuentran en medio de la batalla corrupta por hacerse con el control del narcotrafico en México apenas son títeres cuyos hilos pueden ser cortados en cualquier momento.

Excesivo metraje sin que el interrogante del desenlace tenga la fuerza suficiente para mantenernos pegados a la pantalla, y una asepsia total en la psicología de personajes que componen un ajedrez macabro donde los peones siempre son los más comidos.
En cualquier caso pone el foco de atención sobre una realidad cotidiana espantosa con la que convive ya desde demasiado tiempo la sociedad mexicana.

30 AÑOS DE OSCURIDAD (Documental)


Puntuación: 8
Duración: 1 h 25 m
País: España / 2011
Dirección: Manuel H. Martín

En el 77 se edita "Los topos", de Jesús Torbado y Manuel Leguineche. Absolutamente recomendable.

Habían pasado apenas dos años de la muerte del dictador y la transición a un régimen democrático de libertades aún estaba en la cuerda floja. Por fín despues de casi 40 años los "vencidos" tenían voz y podían contar sus historias y demostrar sobre todo a su propio país que el final de la guerra incivil no trajo la paz.
Ahora pasados 73 años, fallecidos o a punto de hacerlo los actores principales de aquella época ¿podemos dar por zanjada definitivamente la cuestión?. Los hijos de los que se quedaron con España y fueron educados en sus peculiares valores aún andan por la setentena y a raíz de como reaccionaron ellos y sus nietos ante el tímido y tardío intento de recuperar la memoria histórica, no parece que, incomprensiblemente, las heridas se puedan acabar de cerrar.
Asi pues este documental nos recuerda una vez más que la mitad de este país tiene una deuda de reconocimiento con la otra mitad, no justificada por los fragores de las batallas y si por una sistemática y concienzuda represión que caminó paralela al desarrollo de una Europa moderna y democrática que se horrorizaba de los genocidios nazis y miraba para otro lado en connivencia con los EEUU ante lo que ocurría con el vecino del sur.
Tremendo y sobrecogedor documental que centra su punto de mira en el ex alcalde de Mijas como botón de muestra y utiliza el cómic para suplir la falta de imágenes y actualizar el discurso narrativo a nuestros días. Imprescindible si queremos saber de donde venimos y hacia donde queremos ir.

KISEKI (Milagro)

Puntuación: 7

Duración: 2 h 9 m
País: Japón / 2011
Dirección: Hirokazu Kore-eda

Despues de la arriesgada y compleja apuesta filosófico existencialista de "Air Doll" (2008), adaptación de un manga, Koreeda vuelve a tomar las riendas del guión elaborando una propuesta aparentemente sencilla sobre la visión infantil de un mundo que deja muy poco espacio para que se cumplan las ilusiones y los milagros. Ser considerado ya desde hace tiempo como un maestro con tan solo 50 años le carga con la responsabilidad de estar a la altura en cada uno de sus trabajos. Para mi personalmente poco o nada tiene que demostrar y solo aspiro a que siga regalándonos su sensibilidad y su forma de mirar la vida a través de un cine que no tiene porque ser siempre una obra obra maestra, como es el caso de la cinta que nos ocupa que peca, a mi juicio, de un exceso de metraje y que tarda bastante en engancharnos, pero cuando lo hace, sobre el minuto 40, ya no nos suelta y es capaz de emocionarnos con algunos momentos de la gran calidad artística que atesora este director.

El momento vital por el que atraviesan estos dos hermanos, su pandilla y los adultos que le rodean, centrado en la búsqueda de un momento mágico que les conceda sus sueños nos ofrece un mosaico sobre las distintas etapas de la vida, en las que Koreeda sin pedantería ni grandes discurso apuesta por achicar espacios entre las generaciones planteándolas como un todo que fluye más cercano al pensamiento oriental de la existencia.

Todo ello con un reparto en estado de gracia, sobre todo de los niños a los que el director parece haberles cogido el truco para que disfruten actuando y nos transmitan que la farsa es muy real.
Lo que tienen los genios como los grandes deportistas es que aún no teniendo su mejor día ganan los partidos. Koreeda sigue ganando.

DE  NICOLAS A SARKOZY

Puntuación: 6

Duración: 1 h 45 m
País: Francia / 2011
Dirección: Xavier Durringer

Lo primero que nos sorprende es una película sobre el presidente en activo de una nación cuando se estrenó en Francia. Buen síntoma de libertad de expresión que dudo se pudiera realizar por estos lares. ¿Pudo influir en la no reelección del presidente?. Difícil de saber pero como vemos en la propia cinta el poder mediático es imprescindible y todos se matan por controlarlo.

Por lo demás poquito nos ofrece este biopic sobre el personaje y su mundo interior más  allá de repasar momentos claves de su ascensión y constatar una vez más las hipocresías y luchas intestinas de los que estan en el poder para seguir conservándolo o acceder a el, donde las ideologías y los problemas reales del pueblo importan en tanto en cuanto faciliten u obstaculicen el camino al sillón correspondiente. La perdida de su esposa en el camino se soslaya sin profundizar demasiado y como casi toda la película, ofreciendo mucho ruido, tiene un ritmo fulgurante, y escasas nueces.
Fantástico la similitud física de los actores con los personajes reales y la composición de Denis Podalydés y el resto del reparto en el variado dibujo de sus roles.
El "petit Napoleón" aún puede regresar para seguir dando guerra y alguien puede que nos ofrezca otro biopic que profundice más en su persona que en su personaje.

 

SINTONIA (Cortometraje)

Puntuación: 9

Duración: 9 minutos

País: España / 2005

Dirección: Jose Maria Goenaga

He de reconocer que despues de visionar la maravillosa "80 Egunean" (2010), me declaro fan incondicional de Goenaga y buscando anteriores trabajos me encuentro con "Sintonia" un corto de hace ya 7 años, multipremiado y que ha cumplido todas mis expectativas.

La originalidad de la historia del propio Goenaga en su dificil simplicidad, la capacidad de introducirnos a velocidad de vértigo en un climax que sabes dispone de poco tiempo para resolverse, con una excelente dirección de actores y una capacidad de síntesis prodigiosa, me confirma que este chico vasco vale mucho y que no tiene ni le dan la proyección que se merece.

Pero claro no todos van de Almodovares por la vida.

EL CAIRO 678

Puntuación: 7

Duración: 1 h 40 m

País: Egipto / 2010

Dirección: Mohamed Daib 

"Revelar aspectos silenciados pero obvios de la humanidad en el mundo". Asi definen lo que le gusta mostrar en su trabajo a este joven y exitoso guionista egipcio que se estrena en el largo con un buen trabajo sobre la discriminación femenina en el pasado y en el presente de nuestras sociedades. Más acentuado en aquellas que por razones políticas o religiosas y normalmente por las dos no brillan por sus libertadas y más sangrante en aquellas del mundo "más avanzado" que siguen poniendo un escalón por debajo, cuando no varios, a la mujer.

En este caso se centra en el acoso sexual que sufren las mujeres egipcias, y que entronca con "Mujeres de El Cairo" de Yousry Nasrallah en el 2009.

Siendo Egipto como es una cabeza significativa y visible para el mundo de la cultura árabe estas denuncias basada en hechos reales y teniendo en cuenta la situación política actual de ese país y los recientes hechos de violaciones a mujeres en la India este tipo de películas se hacen necesarias e imprescindibles poniendo de manifiesto el poder de influir en las conciencias que aún mantiene el septimo arte más allá del puro entretenimiento de evasión.

Bien interpretada tanto en su principales papeles de tres mujeres de distintas clases sociales que se ven involucradas en el problema como en un acertado casting de secundarios que dan credibilidad al conjunto.

Mas preocupado por el fondo que la forma Mohamed Daib pone la cámara al servicio de la historia sin grandes alarde en un tono cercano al documental y con un final esperanzador que intuimos como concesión a su gobierno de cara a la galería y del cual nos alegramos para que nuestras conciecias nos dejen un rato en paz. Recomendable.  

PAPA, SOY UNA ZOMBIE

Puntuación: 5

Duración: 1 h 21 m

País: España / 2011

Dirección: Ricardo Ramón y Juan Espinach

El listón en la oferta de cine de animación hoy día esta muy alto y a pesar de que en España contamos con buenos profesionales en este campo, productos como este aún quedan muy lejos de lo que estamos acostumbrados a recibir de las grandes compañías.  No obstante  la cinta podría funcionar bastante mejor si el guión fuera más elaborado y pudiera enganchar a toda la familia. Se queda sin embargo en un publico demasiado infantil y aún así tampoco acaban de cogerle el punto.

Es en el diseño artístico donde funciona mejor con una estética más cercana al videojuego de aventura gráfica deudor innegable del camino marcado por Tim Burtom. Supongo que será en el mercado del video casero donde encontrará su espacio como una digna alternativa a los títulos estrella, cuyo preció será más elevado. 

SEIS PUNTOS SOBRE EMMA

Puntuación: 6

Duración: 1 h 21 m

País: España / 2011

Dirección: Roberto Pérez Toledo

Se agradece que surjan en el panorama cinematográfico español nuevos directores que ofrezcan o al menos lo intenten otras miradas alejadas de los estereotipos comerciales que imperan en la mayoría de las comedias patrias, aún a costa de arruinarse económicamente, no se si es el caso, y tener poca distribución. Roberto Pérez es un luchador en su vida personal y se estrena en el largo con una cinta llena de dignidad y buen hacer en cada uno de sus campos, a la que sin embargo le falta "un hervor" para ser la película que pudiera haber sido.

El mundo de los discapacitados le sirve al director para construir un guión sugerente reforzado por una buena interpretación de sus actores, sobre todo de Verónica Echegui por tener mayor protagonismo, donde los sentimientos, egoísmos, miedos y contradiciones de los personajes los  igualan por encima de sus aptitudes físicas. No existen ni buenos ni malos sino pulsiones que nos empujan por el camino correcto o directos al precipicio. 

Con un ritmo acertado va creando una tensión dramática, trufada de humor agridulce que al final no acaba de resolverse con la intensidad que merecía la propuesta y uno tiene la sensación de que se queda corta de metraje y falta desarrollo en situaciones y personajes.

En cualquier caso, buena opera prima, premiada en el XV festival de Málaga de cine español y que imagino le dará más fuerza a Roberto Pérez para seguir intentándolo.

SAFE

Puntuación: 5

Duración: 1 h 34 m

País: USA / 2012

Dirección: Boaz Yakin

Si uno conoce la trayectoria profesional de Statham ya puede anticipar de antemano que salvo sorpresas va a ver la misma película de siempre y el mismo personaje aunque varíen las localizaciones o los directores y si ademas eres fan pues no te vas a sentir defraudado. Si no le conoces o no has visto su trabajo el cartel ya te puede dar una pista de quien es el autentico protagonista y de que va la cosa con esa pistola en primerísimo primer plano.

En este caso la novedad es que Yakin, su director, no se complica la vida y va al grano hilvanando una docena de escenas de acción bien rodadas con un prácticamente inexistente guión del cual también es responsable. Y uno duda si el escaso e impresentable guión no es un demérito sino un merito para que no perdamos el tiempo en un producto que no pretende ser más de lo que es. O sea, Statham repartiendo a diestro y siniestro a chinos, rusos y policías corruptos. Entre tanto dar y recibir golpes consigue algunos hallazgos de dirección, alguna escena bochornosa y un montaje sincopado que infiere un ritmo endiablado a la cosa para que se pase todo tan rápido como el tiempo que tardaremos en olvidar la película.

TONY LEBLANC  (1922-2012)

Uno piensa que algunos personajes no se pueden morir nunca, no deben morir nunca. No solo por lo que nos han dado sino porque forman parte indisoluble de nuestra vida, están adheridos a nuestros recuerdos y los amamos tanto que si se fueran, casi casi que están anunciando que el cartel de nuestra meta ya está a la vista.

"Al moreno lo mato", "Del gimnasio a la casa de campo y de la casa de campo al gimnasio" (Kid Tarao, con voz gangosa), "Mi padre tenía un barco, me cachís en la mar" (Cristobalito Gazmoño, un niño muy agudo). Personajes a los que imitaba en mi infancia junto a los de Jerry Lewis. Tony Leblanc, te caía bien, a pesar de su aspecto chuleta del barrio de Chamberí y sus películas, siempre comerciales, mejores o peores llevaban la garantía de la sonrisa y el buen hacer de sus escenas.

Boxeador, futbolista, empresario, director de teatro, cine y televisión, humorista, presentador, escritor, poeta, compositor y actor tanto en las tablas como en los platós. Los años 50 y 60 marcan su mejor momento.

Un grave accidente en el 83 le postra durante 15 años. Si algo tenemos que agradecerle a Santiago Segura y su "Torrente" es que nos devolviera a Tony a nuestro Tony, que dicen que se ha ido pero seguro que es mentira y solo tenemos que darnos un paseo por la casa de campo para verle una vez mas camino del gimnasio y viceversa.

ADIÓS A LA REINA

Puntuación: 6

Duración: 1 h 40 m

País: Francia / España / 2012

Dirección: Benoít Jacquot

Interesante propuesta de esta coproducción con España de Jacquot que se atreve a dar una vuelta de tuerca más sobre Maria Antonieta y los días iniciales de la revolución francesa. Ahora los vemos atraves de todos aquellos personajes que componían la corte y el universo más cercano a los reyes en Versalles, sobre todo desde el punto de vista de la lectora de Maria Antonieta cuya devoción por la reina mitad atracción sexual, mitad fascinación ante el poder que representa, es el hilo conductor de una trama en apariencia sencilla que quiere abarcar la personalidad de la reina ante el conflicto y sus supuestos amores con Madame de Polignac, personaje tratado aquí someramente pero cuya influencia y personalidad daría para mucho más, la evolución psicológica de la lectora cuya lealtad incondicional va dejando paso a una toma de conciencia que derrumba las barreras entre las clases, preludio de lo que socialmente se avecina (fantástica Lea Sidoux en las escenas finales). Y por último la reacción histérica de las ratas que abandonan el barco de todos aquellos satélites que vivían de las migajas y prebendas que les proporcionaba estar cercanos a los monarcas.

Todo ello con una factura impecable en cuanto a la fotografía, el trabajo actoral y la dirección artística. El problema es que la sutilidad de todo el conjunto peca de cierta frialdad y no acaba nunca de "explotar" dejando en el espectador una cierta frustración ante lo que pudo ser y no fue. Habrá que leer la novela de Chantal Thomas.

LARRY HAGMAN (1931-2012)

Nos ha dejado todo un icono de las series televisivas en su faceta de culebrones. Nos ha dejado el malvado J.R. de la mundialmente famosa "DALLAS", que estuvo en antena la friolera de 13 años. Paradojicamente no he visto ni uno solo de sus capítulos y mi experiencia con este tipo de series fue un cierto y limitado "enganche" con una de sus competidoras y sucesora: "FALCOM CREST", con la que Lorimar, la misma productora para ambas quiso explotar por partida doble el éxito de las "soap opera".

Pero para un servidor Hagman, durante los años 60 de mi infancia siempre fue Anthony Nelson, el astronauta que descubrió a una bella genio en la comedia de situación "I Dream of Jeannie" o como se tituló en España: "Mi bella genio". Le recuerdo pues con cariño a este simpático texano de sombrero distintivo que paradojicamente logró su mayor éxito ejerciendo de malvado. Sus problemas con el alcohol acabaron pasandole factura demasiado pronto. Descanse en paz.  

JOSE LUIS BORAU  (1929-2012)

De Borau solo he visto dos películas, "Furtivos" y "Rio abajo". La primera tuve que verla gracias a que me acompañó mi querida abuela, que en paz descanse, al cine Bilbao de Madrid, ya que servidor solo contaba con 16 años y su calificación en aquellos años del final del franquismo era para mayores de 18 años. Salí fascinado por la fuerza de las imágenes, la historia y la interpretación, con una Lola Gaos inolvidable.

Después, la vida me alejó del cine y su lugar lo ocupó el teatro. En la recuperación del tiempo perdido, Borau, ocupa un lugar destacado de ese cine español siempre denostado con grandes profesionales que tuvieron que llegar muy lejos para ser minimamente reconocidos. Borau, guionista, escritor, director, académico de la lengua,  presidente de la SGAE y de la academia de cine española fue uno de ellos. Mis respetos.

MARTHA MARCY MAY MARLENE

Puntuación: 7

Duración: 1 h 41 m

País: USA / 2011

Dirección: Sean Durkin

Sean Durkin ganó el premio al mejor corto con Mary Last Seen en el pasado festival de Cannes del 2010 y como otros muchos prolongan ese trabajo inicial exitoso en su primer largo, en este caso con un resultado notable.

La propuesta es ante todo sugerente e inquietante, con una mirada personal y original en su realización que se agradece a pesar de que el ritmo lento, a veces demasiado, no siempre ayuda en el propósito de mantener al espectador pegado a la butaca. El montaje, los encuadres, la utilización del sonido con escasa presencia musical, todo esta manejado con intención y habilidad por parte de este director treintañero estadounidense al que habrá que seguirle la pista después de esta acertada tarjeta de presentación.

La historia por otro lado tiene fuerza y actualidad, ofreciendo un puñado de reflexiones más que interesantes sobre la sociedad actual y las alternativas que conlleva la frustración que provoca sobre todo en la gente más jóvenes y emocionalmente más inestables  y como todo ello puede degenerar o rozar en la mayoría de los casos en abusos y estructuras de poder, que ofreciéndose como respuesta a los códigos establecidos como "normales" imponen también otro tipo de dictaduras y esclavitudes.

El tono natural y sosegado del conjunto aumenta la veracidad y el realismo y hace que la amenaza de lo inesperado y de no encontrar nunca la salida nos angustie durante toda la cinta.

Gran trabajo actoral por parte de todo el reparto con una Elizabeht Olsen a la cabeza, cuya formación en las mejores academias dramáticas del mundo parece y sin que sirva de precedente que está dando sus frutos.

MILIKI (1929-2012)

Emilio Aragón padre, Miliki, payaso de nacimiento, profesión y vocación ha desmontado su carpa por última vez. El circo viene y va con la promesa de regresar siempre puntual a su cita con chicos y grandes. Trabajador infatigable, la televisión de los años 70 le permitió entrar junto con su familia en todos nuestros hogares y corazones de los que hoy peinamos canas y sus "payasadas" junto con sus canciones forman parte de nuestra vida, que transmitimos y compartimos con nuestros hijos y nietos. Pero antes de eso Miliki y su entorno ya habían demostrado por medio mundo su profesionalidad y buen hacer con un curriculum envidiable. En los últimos años su imagen de abuelo ejemplar siguió transmitiendo ilusión, cariño y buen rollo a unas nuevas generaciones que milagrosa e incomprensiblemente combinaban las últimas tecnologías de entretenimiento con las inmortales canciones que con frió o con calor, alegraban  siempre el corazón.

!¿Como están ustedes?!

EL DÍA MÁS LARGO

Puntuación: 7

Duración: 3 h

País: USA / 1962

Dirección: Ken Annakin / Andrew Marton / Bernhard Wicki

Proyecto absolutamente personal del productor Darryl F. Zanuck, que significó un ordago en su carrera para recuperar los mandos de la compañía, salir de su letargo creativo y de paso salvar a la Fox de la quiebra a la que le estaba llevando "Cleopatra". Tan solo habían pasado 18 años de los auténticos sucesos pero el avispado productor supo ver la ocasión y sobre la base de la novela de Cornelius Ryan y con un presupuesto de 10 millones de dolares (la más cara de su época en blanco y negro) algunos de ellos de su propio bolsillo se puso al frente de una autentico ejercito de colaboradores (actores famosos por unas y otras razones, varios directores, asesores militares e incluso los propios ejércitos implicados), para ilustrar con espectacularidad los hechos de la forma más fidedigna posible evitando caer en el maniqueísmo de buenos y malos, vencedores y vencidos.

El resultado son tres horas de ritmo y aciertos desiguales con grandes tomas de masas y un popourrit de pequeñas intervenciones de actores que acudieron a la llamada del productor que les había dado trabajo anteriormente y que podía dárselo en el futuro.
Algunas de las escena han quedado para el recuerdo inmortal como los paracaidistas cayendo sobre el pueblo de Sainte-Mére-Églese o el asalto al casino donde se atrincheran los alemanes, con un plano secuencia aéreo espectacular.
En definitiva un resumen de Hazañas Bélicas made in Hollywood para todos los públicos conmemorativo de unos días que cambiaron la historia y de los hombres y mujeres que dieron sus vidas por ello.