EL CINE ERRANTE
EL RELOJERO DE FILIGREE STREET
Natasha Pulley / 2015
Edit. Lumen / 2016
414 Págs.
Una lectora anterior me hace el siguiente comentario: "No sé si me ha gustado o no". Y la verdad es que a la postre creo que esta sensación agridulce es la mejor definición para esta historia alambicada, de atmósfera primorosamente decimonónica, intercultural, interesantes personajes y un toque steampunk que conforma una filigrana como su título de una intriga algo pretenciosa, a veces repetitiva y caótica y que servidor a paladeado por momentos sin llegar a compartir los elogioso adjetivos que le ha regalado la crítica.
Opera prima pues de esta imaginativa escritora con la que de momento me quedo más con la forma que con el fondo y de la que probablemente solo quedará en mi memoria "Katsu" un pulpo mecánico ladrón de calcetines, tan inquietante como imprevisible.
STRAIGHT OUTTA COMPTON
7
2 h. 27 m.
USA / 2015
F. Gary Gray
Compton, un condado de Los Angeles, California era en los 80 el reflejo oeste del Bronx en Nueva York, donde diez años antes había surgido la cultura hip hop en el que el rap era un pilar fundamental como medio básico de expresión artística del desarraigo social de las comunidades afroamericanas.
Uno de los grupos que surgieron del underground de Compton fue NWA (negros con actitud) donde los pandilleros dominaban las calles hostigados por la brutalidad indiscriminada de la policía. Eric Lynn Wright conocido como Eazy-Z fue uno de estos chicos de la calle que supo canalizar la frustración de su entorno con el estilo gangsta en la música apoyado por la visión comercial del manager Jerry Heller. Un estilo donde los textos reflejaban con deliberada crudeza el contexto de sexo, drogas, discriminación racial y violencia en que se movían sus interpretes. El éxito fue inmediato y mayoritario así como las críticas de los sectores moderados y conservadores incluido el FBI que acabó por darles más publicidad que otra cosa.
El triunfo de NWA no fue solo creado por Eazy-Z, a su alrededor confluyeron en la banda el talento del resto de miembros que tuvieron su propia carrera exitosa por separado.
Todo ello nos lo cuenta en dos horas y media de las tres que se rodaron Gary Gray que andaba desaparecido desde hacia 6 años, relanzando su carrera con el récord de recaudación de la historia en biopic-musicales. Con un comienzo potente, Gray se deja llevar por los cánones al uso de los bio-pic narrando de forma lineal y cronológica la sucesión de hechos más relevantes aderezados con los hits del grupo. Excelente el trabajo de producción entre el que se encuentra Ice Cube, uno de los miembros iniciales de NWA, actuaciones correctas y algo de espacio, poco, para el entorno social más relevante desde finales de los 80 hasta la muerte de Eazy-E en el 95 y la vida personal de sus protagonistas.
Es curioso constatar como se repiten invariablemente los patrones de las grandes estrellas de la música contemporánea , desde los orígenes humildes, el desenfreno de la fama, los egocentrismos, el reparto desigual de las ganancias, los taimados managers, hasta llegar a la disolución para tiempo después añorar el pasado. Todo tan previsible y entretenido como esta cinta donde más vale que no odies el rap.
SICARIO
6
2 h.
USA / 2015
Denis Villeneuve
Es cierto que Villeneuve, uno de los directores más en alza del momento, se las ingenia para dejar su sello personal visual y narrativo en este thriller de género con pretensiones, a mi juicio sobrevalorado y el más "vulgar" de su esplendida trayectoria por la abundancia de elementos comunes y un guión que da mucho menos de lo que promete. Nos quedamos pues con algunos momentos de conseguida tensión, un puñado de florituras visuales marca de la casa y las buenas interpretaciones de sus protagonistas, que ya es mucho. Pero del Villeneuve que hasta la fecha conocemos queremos y esperamos más, mucho más y nos inquieta un ligero atisbo de deriva hollywoodiense preocupante.
RAMS (EL VALLE DE LOS CARNEROS)
8
1 h. 33 m.
Islandia / 2015
Grimur Hákonarson
Lo bueno de cuando alguien cuenta poco de algo, lo básico y esencial y lo cuenta bien, como es el caso, abre a la imaginación del receptor de la historia múltiples posibilidades para que dicha imaginación y sentimientos de cada uno rellenen los huecos a su elección. Hákonarson dice que podría ser un western (ganaderos, espacios abiertos, infinitos, salvajes) en una Islandia donde aún quedan lugares donde el latido vital todavía se acompasa con el entorno natural y uno encuentra que no puede esconderse de sus sentimientos para lo bueno y para lo malo. Estos dos hermanos llevan 40 años mimetizándose con sus carneros (Rams), entrechocando sus cuernos en una lucha cuyo sentido solo ellos recuerdan, pero son conscientes de que pertenecen a una misma raza a punto de extinguirse y que la muerte de uno supondría la autentica soledad y muerte del otro. Se necesitan y se aman tanto como se odian.
Como en el buen cine silente cuando aún la palabra no había impuesto su ley literaria, Hákornason y sus actores teatrales que debutan en la pantalla con éxito , no la necesitan para que suframos y riamos con ellos en un intento común de preservar aquello, sea lo que fuere, por lo que merece la pena vivir.
ALMA EN SUPLICIO
8
1 h. 49 m.
USA / 1945
Michael Curtiz
Después de más de media docenas de guionistas, la mayoría sin acreditar, entre ellos William Faulkner, la cosa empieza con un asesinato que nunca existió en la novela original de J.M. Cain. La culpa era de ir al rebufo del éxito obtenido por "Perdición" de Billy Wilder con otra adaptación de Cain el año anterior para la Paramount, de la que se copia la estructura de flashback. Se suaviza y mucho la dureza de la novela y se estrena con retraso, una vez terminada la guerra para tener un ambiente más favorable ante las relaciones materno filiales tan poco edificantes que inspiradas en la Medea clásica propone Cain.
La Crawford con 41 años llevaba dos de capa caída en la MGM y se aferró al papel hasta el punto de admitir una prueba de cámara, cosa impensable en las divas del momento. Dicen las malas lenguas que La Davis, némesis de Crawford había rechazado el papel.
El caso es que el maestro Curtis a pesar de sus más y sus menos con la diva y su manía por las hombreras tomó las riendas del asunto y se marcó un melodrama noir ejemplo a seguir con un acertado reparto de secundarios donde destacan las mujeres con dos nominaciones: la jovencita Anne Blyth aleccionada por la propia Crawford y Eve Arden modélica en un papel con las frases y las intenciones más jugosas de la película. Y por supuesto el Oscar a la propia Crawford que nunca fue santo de mi devoción (siempre fui de la Davis) y que aún estando estupenda siempre conserva un aire de diva incluso con ropa de camarera y un rostro que no se descompone por mucho que la golpeen las circunstancias (que lejos de la Stanwick en "Stella Dallas"). Es sabido que no se presentó a la ceremonia aduciendo que estaba enferma y en cuanto se enteró lo recibió en su domicilio en la cama y deslumbrante como siempre.
Las diferentes miradas a la situación social del mundo femenino de la época están muy por encima del previsible thriller.
SHERLOCK: LA NOVIA ABOMINABLE
7
1 h. 30 m.
Reino Unido / 2016
Douglas Mackinnon
Este totum revolutum sobre el mundo del detective de Baker Street en su cuarta entrega televisiva me deja un sabor agridulce. Alabo su riesgo, su deseo de hacer evolucionar las aventuras en el siglo XXI con la siempre y tradicional cuidada producción británica, pero el resultado de abarcar tanto, en la forma como en el fondo, en mitificar y desmitificar al mismo tiempo y todo ello a velocidad vertiginosa, provoca momentos memorables y otros que rozan el ridículo.
La trama, en las que las deducciones lógicas se abren paso en un mundo de ficciones y misterios esotéricos (Doyle creía en las sesiones espiritistas), requiere de una degustación del proceso mental de Holmes más sosegado. Se ha escrito y me parece acertado que los guionistas como le pasaba al propio Conan Doyle estén en una huida hacia adelante con un personaje que agota sus mentes para poder estar a su altura.
Mientras se confirma o no en las siguientes temporadas disfrutemos de lo que hay con un Freeman (Watson) impecable y un Cumberbatch imparable que en esta aventura en la que se enroca en su "palacio mental" parece anticipar al Steven Extraño, el Dr. Extraño, hechicero supremo del universo marvel que está al caer.
LA ADOPCIÓN
7
1 h. 36 m.
España / 2015
Daniela Fejerman
Un salto cualitativo en la filmografía de la directora y guionista argentina. Construye con eficacia, buen gusto y sencillez una historia de denuncia realista sobre el laberinto, el desamparo y la corrupción entorno a la tremenda responsabilidad que conlleva adoptar a unos niños sometidos a los mismos problemas que sus futuros padres. El tema es muy serio y Fejerman lo aborda con la responsabilidad que merece sin caer en excesos lacrimógenos.
El creschendo está bien dosificado y nos mantiene expectantes, acompañando en la frustración a esta pareja cuyas grietas supuran ante el futuro incierto aflorando culpas y desesperación. Nora Navas y Francesc Garrido están perfectos y sostienen con pasmosa credibilidad la tensión emocional. Aprovecha Fejerman para rodar con acierto el entorno frió de esas repúblicas ex-soviéticas donde la desigualdad social y la corrupción generalizada convive entre los restos de su pasado artístico.
La producción y el casting de secundarios esta cuidado. En el debe, ahonda poco en la generalidad del problema y una bso por momentos cargante.
EL CLAN
7
1 h. 40 m.
Argentina / 2015
Pablo Trapero
El cine social de Trapero de corte documental sigue dando buenos réditos artísticos, en este caso con producción almodoraviana, aunque a mi juicio abarca más que aprieta y aquí podía apretar mucho. El tono narrativo es algo frió y distante apostando más por la secuencia de los hechos reales que narra, entreverados con ejercicios de estilo que personalmente me sacan más que otra cosa del fondo de la cuestión. Personajes bien interpretados a los que les falta profundidad psicológica y situarlos mejor en el contexto socio político argentino que propició tales horrores.
Los acontecimientos se siguen más con interés periodístico sin que las tripas se revuelvan como debieran.
DEUDA DE HONOR
9
2 h. 2 m.
USA / 2014
Tommy Lee Jones
Áspera, cruda, descarnada, valiente, necesaria. TLJ, repite western nueve años después de la notable "Los tres entierros de Melquiades Estrada", confirmando con nota su vertiente como director. Por un lado son claros sus tributos a los clásicos del género y sus influencias del "Sin perdón" de Eastwood, pero TLJ da un paso adelante en la linea de "Slow West" (2015) de John Mclean, donde el Far West (lejano oeste) deja paso al menos mitificado y más prosaico Wild West (salvaje oeste), donde en la epopeya sangrienta de la colonización las mujeres y los niños, al contrario que la tópica frase de los desastres, son los primeros no en salvarse sino en ser sacarificados.
En este sentido y por sus demás virtudes la cinta viene a devenir en un clásico que empieza a llenar el inmenso hueco sobre la figura femenina en una filmografia descompensadamente machista. Hilary Swank está magnifica en un personaje del que nos faltan datos pero sabemos que se ha hecho a si misma en una lucha solitaria, huérfana de caricias que sabe que su condición de mujer fuerte, independiente, madura y con ideas propias no casa con los cánones de unos hombres y una época no tan lejana, en que la mujer apenas debía ser una esclava laboral y una proveedora de placer ocasional e hijos. Muchas murieron junto con ellos o perdieron la razón aisladas en inmensos espacios que paradojicamente se convirtieron en prisiones.
La película tiene muchas aristas para la reflexión y la novela de 1988 de Glendon Swarthot, en la que se basa promete ser jugosa. Es en cualquier caso un merecido homenaje a esas mujeres anónimas que el western y la historia a olvidado o tergiversado. No faltan, reverendos, indios, caballos, peleas y el omnipresente paisaje tan bello como amenazador en esta caso de Nebraska. Tommy se ha reservado para el un personaje tan inolvidable como las mujeres (excelentes actuaciones) que le acompañan, un testigo hastiado y embrutecido por un mundo que aborrece y que sabe que solo el whisky le ayuda a mirar para otro lado si quiere seguir respirando. La vida le dará una oportunidad, quizás la única de reconciliarse brevemente con su dignidad como ser humano.
Arriesgada propuesta, alejada de la comercialidad, con coproduccción francesa que a pesar de sus buenas críticas no ha dado rendimiento en taquilla. Estoy convencido de que La Streep madre (su hija esta estupenda en su papel), aparte de su amistad con Tommy Lee no ha querido dejar pasar la oportunidad de solidarizarse y apoyar con su personaje secundario a aquellas mujeres que descansan también en los cimientos de su nación. Clavó su personaje en un día de rodaje. Menuda es.
ISLA BONITA
7
1 h. 41 m.
España / 2015
Fernando Colomo
Desde el excelso y mítico corto "Pomporrutas imperiales"(1976), cuando todavía en los cines se proyectaban cortos antes de las películas, Colomo se erigió en uno de los nuevos directores del nuevo cine en libertad democrática español. Sus títulos de comedia urbana iban a la par y retroalimentandose de la "movida madrileña". Tiempos de ilusión y de esperanza en una España que podía prometer y prometía.
Como el cine de Colomo, pasada la primera década la cosa se fue desinflando a la vez que se inflaban pompas ilusorias, burbujas de todo tipo que se encargaban de crear aquellos nuevos y antiguos a los que les dimos el poder de soplar por nosotros.
De lo que pudo ser y no fue, de lo que ha quedado, un Colomo más sabio, desde la mirada retrospectiva y desacralizada filmicamente de sus 60 años nos regala este personaje "woodyalliense" que quiso ser escultor o en el mejor de los casos director creativo y que a duras penas sobrevive a tres divorcios, haciendo anuncios de Carreforur y viajando ligero de equipaje a costa de aquellos amigos que aún pueden llamarse así. Pero la vida sigue, la juventud se renueva, los últimos trenes aún no han pasado y puede que queden lugares, islas, donde coger alguno y saborear lo que quede de vida "poc a poc".
UNA PASTELERÍA EN TOKYO
6
1 h. 53 m.
Japón / 2015
naomi Kawase
Descubrí a esta directora japonesa de 47 años y una amplia trayectoria el año pasado con su trabajo "Aguas tranquilas". Fue una grata sorpresa con momentos de gran altura en una obra, como dicen que son las suyas, muy personales y en las que subyacen los elementos de la filosofía zen japonesa, con un tono documental y un ritmo que se deja mecer de forma contemplativa por los elementos naturales que las rodean.
Tomando como muestra dicho trabajo, este, cuyo título original hace alusión a una pasta de judías rojas que se endulza y se utiliza como relleno en diversos pasteles, se vuelve más asequible para el gran público pero no acierta a expresar con claridad emotiva en el dibujo de sus personajes la filosofía de vida que propugna. Se ve la intención pero se queda distante en su camino al corazón por mucho empeño que pongan sus interpretes.
CAPITÁN AMÉRICA: CIVIL WAR.
8
2 h. 27 m.
USA / 2016
Anthony y Joe Russo
Personalmente siempre me resulta complicado puntuar las películas de superhéroes. Mi amor hacia los cómics y al cine me producen sentimientos a veces contradictorios. Una vez superados los años iniciales en que solo el verlos saltar del papel a la pantalla con una cierta dignidad era toda una gozada, ahora uno quisiera que las tramas y los desarrollos de los personajes fueran más allá de las limitaciones que salvo excepciones siempre les aquejaron en los tebeos de grapa.
"Civil War" es sin lugar a dudas una notable cinta del género. Las dos horas y medias, imprescindibles para repartir con justicia minutos a tanto superhéroe no pesan y los actores cumplen sobradamente con sus roles. Los millones invertidos se notan y el espectáculo está garantizado. Los hermanos Russo le han cogido el truco con eficacia.
Cada vez mejoran las espectaculares escenas de acción y las coreografías de lucha son sobresalientes. Servidor siempre prefirió el cuerpo a cuerpo antes que las grandes destrucciones con toda la parafernalia fallera que conlleva. Aquí consiguen que el "Capi" se luzca como nunca.
A la trama se le pueden buscar todas las cosquillas ideológicas que se quieran, pero creo que en definitiva y como dijo en una ocasión Hitchcock: "solo es una película".
Las nuevas incorporaciones, prometen muchos buenos ratos futuros, con Pantera Negra, El hombre Hormiga y el incombustible Spiderman. Como siempre guiños por doquier y variaciones de todos los gustos con los originales de papel.
La he disfrutado. En el pero, el malvado Zemo (y eso que Daniel Brühl me encanta). Su planteamiento me parece, de momento, desperdiciar el potencial del personaje que queda como un mero detonante del enfrentamiento entre Tony y Steve. Veremos y que siga la fiesta.
P.D. Tiene coña que las películas del Capitán América la dirijan dos "Russos"
DHEEPAN
7
1 h. 44 m.
Francia / 2015
Jacques Audiard
A pesar de su Palma en Cannes, "Dheepan" no está a la altura de los dos últimos trabajos de Audiard. El problema es que lo que comenzó en origen como un remake de "Perros de paja", la buena, la de Sam Peckimpah en el 71, se acabó convirtiendo en otra cosa: una mirada al problema de la emigración. Y la mezcla no funciona ni en la explosión final, que carece de la fuerza visual del maestro californiano ni en el "reality" diario de esa familia postiza en la que confluyen un río de miseria y traumas que les obligan a sobrevivir por encima de todo y de todos pero a los que aún les quedan fuerzas para marcar sus propios limites aunque sea con lineas blancas reales o imaginarias. Y el caso es que la idea es osada e interesante, pero Audiard no se centra en lo que nos quiere contar y rueda, sobre todo en los dos primeros tercios con el acierto que le caracteriza acercándose a unos personajes que van calando en nosotros sin que al final tengan el desarrollo que propician y que merecen, como si la idea primigenia, el destino final, no dejara explorar otros caminos, a mi juicio, mucho más interesantes. La coda final, es autocomplaciente y esperanzadora para que el público y las autoridades no nos vayamos a casa con mala conciencia después de todo lo sugerido y con la que está cayendo. Impropio de Audiard, cuadrar el circulo impresentable de aquellos que huyen del horror al que hemos colaborado y se encuentran los muros del egoismo y del miedo con el que nos escondemos.
RECUERDA
7
1 h. 51 m.
USA / 1945
Alfred Hitchcock
La alegría que debió suponerle a Hitchcock que el todopoderoso productor David O. Selznick le fichara para el cine USA con sus grandes recursos y sustanciosos sueldos empezó a tornarse calvario cuando la libertad creativa del inglés era estrictamente supervisada, cuando no corregida por el judio de Pennsylvania. El caso es que este primer choque de genios dio como resultado "Rebeca" (1940) la única película de Hitchcock que consiguió un Oscar y el segundo personal para Selznick.
Lo dejaron unos añitos y en el 45 Hitchcock lo intentó de nuevo convenciendo a Selznick para que comprara los derechos de una novela de suspense y misterio del 27, "The house of Dr. Edward" firmada por "Francis Beeding" uno de los seudónimos de la pareja británica Saunders y Palmer.
La atmósfera de novela gótica y sus posibilidades visuales debieron encandilar a Alfred más allá de las teorías freudianas del psicoanálisis que ya tenían casi medio siglo.
Los temas recurrentes de Hitchcock aparecen y consigue un buen puñado de hallazgos de dirección muy creativos marca de la casa pero una vez más Selznick metió baza. Contrató a su psicólogo personal como asesor, y se pulió 17 minutos de los 20 grabados por el genial escenógrafo y director William Cameron Menzies con diseño nada menos que de Dali. Aportación demasiado costosa para el productor que al final aceptó como rendimiento publicitario. Menzies declinó que apareciera su nombre en los créditos dado el tijeretazo sin suponer que a la postre esos pocos minutos fueron lo más destacado de la cinta y Hitchcock no dudó en apuntarse el tanto. Selznick decidió hasta el título.
Tampoco el protagonista era del agrado de Alfred, que prefería al más expresivo Cary Grant (rechazó el papel) que la actuación más interiorizada de Peck. Con el músico Miklós Rózsa, que a la postre se llevó otro Oscar, tampoco se entendía muy bien.
Las transparencias de una escena tan importante como el descenso en esquís, son un lastre de las técnicas de la época y tampoco eran el fuerte del director.
El caso es que el guión adaptado del maestro Ben Hecht salió adelante en una entretenida cinta de suspense y misterio, mucha palabrería sobre el picoanalisis y buenas interpretaciones en las que todos pusieron sus dosis de genios para que se convirtiera en otro clásico del rey del Macguffin.
La atmósfera de novela gótica y sus posibilidades visuales debieron encandilar a Alfred más allá de las teorías freudianas del psicoanálisis que ya tenían casi medio siglo.
Los temas recurrentes de Hitchcock aparecen y consigue un buen puñado de hallazgos de dirección muy creativos marca de la casa pero una vez más Selznick metió baza. Contrató a su psicólogo personal como asesor, y se pulió 17 minutos de los 20 grabados por el genial escenógrafo y director William Cameron Menzies con diseño nada menos que de Dali. Aportación demasiado costosa para el productor que al final aceptó como rendimiento publicitario. Menzies declinó que apareciera su nombre en los créditos dado el tijeretazo sin suponer que a la postre esos pocos minutos fueron lo más destacado de la cinta y Hitchcock no dudó en apuntarse el tanto. Selznick decidió hasta el título.
Tampoco el protagonista era del agrado de Alfred, que prefería al más expresivo Cary Grant (rechazó el papel) que la actuación más interiorizada de Peck. Con el músico Miklós Rózsa, que a la postre se llevó otro Oscar, tampoco se entendía muy bien.
Las transparencias de una escena tan importante como el descenso en esquís, son un lastre de las técnicas de la época y tampoco eran el fuerte del director.
El caso es que el guión adaptado del maestro Ben Hecht salió adelante en una entretenida cinta de suspense y misterio, mucha palabrería sobre el picoanalisis y buenas interpretaciones en las que todos pusieron sus dosis de genios para que se convirtiera en otro clásico del rey del Macguffin.
SPECTRE
5
2 h. 28 m.
Reino Unido / 2015
Sam Mendes
Después de visionar "Truman" (Cesc Gay / 2015), entrar en toda la parafernalia Bond es un shock considerable. Donde todo es creíble, humano y emotivo en la primera, todo es inverosímil, mecánico y trillado en la segunda.
Eso no quita que Bond sea un icono del siglo XX y que servidor disfrute con el asesino glamouroso de su Graciosa Majestad, de sus gadgets y sus andanzas por todo el mundo mundial, como cualquier hijo de vecino. Es cierto que en los últimos tiempos ya muy alejados de la guerra fría y del magnetismo de Connery los nuevos chavales como Bourne o Ethan Hunt amenazaban con jubilarle. Daniel Craig y Martin Cambell consiguieron con la vigésima película de la saga, "Casino Royale" (2006) poner en el siglo XXI a James, Moneypenny, Q, M y demás. Pero al final siempre se tira de nostalgia, guiños a los fans y las consabidas persecuciones por tierra, mar y aire. Bond necesita urgentemente un lifting de buenos guiones o, a mi juicio, devolverle a la época de la guerra fría y ampliar allí sus aventuras clásicas.
Esta última entrega, la más floja de las cuatro de Daniel Craig junto con "Quantum of Solace", demuestra que el problema no es de dirección básicamente.
Por lo demás los roles de Belluci y sobre todo de Waltz en ese papel tan importante como es, no solo la némesis de Bond, sino la jefatura de la mítica Spectre, no están a la altura. La apuesta de San Mendes por el humor, la nostalgia y la acción acaba por no convencer ni al propio 007 que al final opta por pasar de todo e irse con la chica. Por algo será.
TRUMAN
10
1 h. 48 m.
España / 2015
Cesc Gay
Si no lo era ya, Cesc Gay, se consagra con "Truman" (5 Goyas) como uno de nuestros mejores directores. El aspecto subjetivo de cada espectador es un elemento siempre importante en la valoración final y en este caso, a un servidor le da de lleno. Si a eso le añadimos que casi todos los demás elementos funcionan a la perfección..., pues eso, un 10.
La elegancia formal y el tacto exquisito sobre el fondo y los fondos de las múltiples cuestiones que suscita la cinta se unen a la prodigiosa interpretación de Cámara y Darín a los que hacen más grandes aún si cabe un elenco de secundarios de lujo confeccionando un mosaico de escenas que no tienen desperdicio. Emotiva hasta la lagrima en ningún momento cae en el melodrama atemperado por la contención magistral de los actores, el humor con el que solo se puede afrontar la vida y la mirada selectiva y limpia del director.
"Truman", se hace por méritos propios inolvidable y esencial si uno se para un momento a mirar a su alrededor y descubrir lo que realmente vale la pena. Apenas un puñado de cosas que no sabemos valorar hasta que suena la alarma de que la función va a terminar.
Por no seguir insistiendo en lo mucho que me ha gustado "Truman" le sacaré un pero: El perro. Troilo que lamentablemente falleció recientemente era un bullmastiff adiestrado para trabajar con niños autistas. Su "interpretación", a mi juicio que tengo perros, no está a la altura de su amo en la ficción, de aquí que Darín se engrandezca aún más porque es capaz de transmitir él solo ( es un gran amante de los animales) todo el amor y complicidad que sienten los perros y los humanos cuando deciden compartir su vida juntos.
EL CADAVER DE ANNA FRITZ
6
1 h. 11 m.
España / 2015
Hector Hernández Vicens
Vicens, cuarenta años, no es un recién llegado. Tiene amplia experiencia como guionista. Y como le pasa a otros muchos guionistas que dan el salto a la dirección, en su opera prima se les nota de donde vienen. A una factura de escaso presupuesto que no deja de remitirnos a un mediometraje de fin de curso de escuela de cine, Vicens contrapone un guión si no original, si lo suficientemente rompedor como para tenernos enganchados una vez superado el titubeante, desagradable y excesivamente largo planteamiento inicial del asunto.
Lo que allí se cuece a partir de ese momento tensa la cuerda que se bambolea entre la reflexión moral de unos personajes que piden mayor desarrollo y elementos comunes del género de terror. El conjunto acaba funcionando. Los actores son voluntariosos y ademas lo bueno si breve...
NO ESTÁ SOLO
Sandrone Dazieri / 2014
Alfaguara / 2015
550 págs.
¿Quien y sobre todo por qué a esta alturas, ha decidido cambiar el título original de "Uccidi il padre" (Matar al padre), por el insulso "No está solo?. Misterios.
Misterio como el que nos propone este thriller en el que se hace hincapié que no es novela negra. Esperemos que el género no haya sido sustituido como propone un Sandrone Dazieri al que se le nota muy suelto y versado en esto de los guiones para cine y televisión que te enganchan hasta el último minuto o capitulo como es el caso. Más de quinientas páginas que dan para poco más que un fin de semana muy entretenido.
Otra cosa es la calidad literaria y el desarrollo del asunto en cuestión. La pareja protagonista es lo suficientemente singular como para que esperemos mucho más de ellos que lo que a la postre nos ofrecen y la trama que se va desenredando con interés a base de golpes de efecto en su último tercio no está a la altura de la propuesta inicial.
Ya hay acuerdo para película, serie y secuela. Efectivamente al final van a tener razón con el título: "No está solo".
3 CORAZONES
4
1 h. 50 m.
Francia / 2014
Benedict Jacqout
A Jacqout lo conocí tarde, en sus últimos trabajos. "Adiós a la reina" (2012) y sobre todo "Villa Amalia" (2009) me dejaron buen sabor de boca. Quizás por eso la decepción haya sido mayor ante este trío pasional que bien contado daba para un corto de 45 m.
Para que aguantemos la hora y cincuenta, el director cuenta con Charlotte Gainsbourg y Chiara Mastroianni que se lo curran ante un desubicado Benoît Poelvoorde que últimamente esta de moda en el cine francés y lo mismo te hace del mismísimo Dios que del profanador de la tumba de Chaplin. Aquí es un inspector de hacienda con el que tenemos que hacer un acto de fe para creernos que es capaz de encandilar a dos señoras tan interesantes como las antes mencionadas.
La inquietante y repetitiva bso de Bruno Coulais pone el misterio que le falta al asunto y el tiempo pasa sin que paradojicamente el recurso de las elipses (horrorosa la voz en off) hagan avanzar la cosa.
Catherine Denueve aparece y desaparece de forma tan insustancial como la subtrama del alcalde corrupto, aunque al menos la Denueve araña miradas que sugieren que lo que estamos viendo podría acabar de otra manera que el desastroso y sonrojante final. A lo mejor es que como sucede en la cinta, Jacquot llegó tarde a la reunión donde Boivent, el otro guionista, ya había puesto el "The End". El caso es que la historia merecería una segunda oportunidad.
SAN PIETRO
8
32 m.
USA / 1945
John Huston
En el 45, a sus 39 años Huston era un reputado guionista pero un novel director con apenas dos películas y media (eso sí, una de ellas "El Halcón Maltés") en su haber. Su contribución al esfuerzo bélico lo puso con su oficio y con el grado de Major filmó tres documentales propagandísticos con desigual fortuna.
El primero "Report from the Aleutians" tenía poco de hazañas bélicas y se centraba en la vida cotidiana de los soldados acantonados en la isla de Adak. Apenas 47 m. que gustaron al ejercito excepto algunas escenas en que la vida del soldado se reflejaba demasiado rutinaria y Huston tuvo que "luchar" para que no fueran suprimidas.
El segundo, el que nos ocupa, relataba la toma de un pueblecito del sur de Italia, San Pietro a mediados de Diciembre del 43 y que supuso una victoria pírrica para las fuerzas aliadas italo-norteamericanas. Huston se explayó durante 90 minutos pero cuando el alto mando vio el resultado se dio cuenta que aquello no iba a levantar la moral de las tropas. Apunto estuvo de ir directamente a la basura pero el general George C. Marshall a la sazón jefe del Estado Mayor decidió que al menos una parte, 32 m., podían ser útiles para que los soldados vieran que aquello de liberar a la vieja Europa no iba a ser un camino de rosas. Eso sí precedido de un prologo del general Clark tan infame como sus aptitudes como soldado.
El tercer documental ni siquiera vio la luz.
Así pues los 32 minutos que han quedado nos ofrecen la originalidad de planteamiento, en el que la voz del propio Huston nos pone en el lugar de un soldado más y nos cuenta como va a ser el ataque. Los reconocimientos previos y los diferentes ataques en sí, uno de ellos con tanques, y el resultado final donde se ve a los habitantes del pueblo liberado.
El astuto John al que le recriminaron que el documental no era pro-bélico, cosa que el admitió con orgullo, cargó las tintas no en las escenas de asalto sino en el costo de vidas humana que conllevaba. Escenas que hoy pueden parecer superadas pero que ya anticipaban las que vendrían años mas tarde desde Vietnam. Al final el pueblo absolutamente en ruinas es el legado que les dejan a unos habitantes subdesarrollados a los que solo les queda el consuelo de ver la fugaz sonrisa de unos niños que esperan un futuro mejor. Y es que en definitiva Huston tenía alma de poeta.
EL ÚLTIMO CAZADOR DE BRUJAS
3
1 h. 46 m.
USA / 2015
Breck Esneir
Melisa Wallack tomó notoriedad como guionista en el 2013 por la nominación al Oscar que obtuvo por el guión de "Dallas Buyer Club" que coescribió con Craig Borten..., quince años antes. Solo dos guiones más en el 2007 y el 12. La reescritura de este, su cuarto trabajo, puede dejar en su carrera una mancha tan perenne como la vida inmortal de este caza brujas de aire comiquero interpretado por un Vin Diesel que ya está más cerca del inefable Kojac (el detective del chupachús inmortalizado por Telly Savallas) que del inquietante Riddick.
La cosa, más allá, del buen trabajo puntual de los técnico de FX, no hay por donde cogerla, en un batiburrillo de ideas que no acaban de ir a ningún sitio y que Eisner dirije con, a mi juicio, escaso talento.
El asunto no solo es pretencioso sino que tenía pretensiones de saga. Dado el fiasco se lo están pensando. Ni Frodo (vaya carrerón el de Elijah), ni la chica de Juego de Tronos ni el maestro Caine, que siempre ha reconocido no tener escrúpulos para trabajar de mercenario en lo que sea por la pasta, saben que hacer con la bruja (con perdón Melisa) que les ha escrito el guión.
EL REINO
Emmanuel Carrère / 2014
Anagrama / 2015
516 págs.
Independientemente de los gustos y creencias de cada cual, "El Reino" es una obra absolutamente recomendable. Si uno no conoce a Carrere, como es mi caso, descubrirá con agradable sorpresa por qué se encuentra en la élite de la narrativa contemporánea con un estilo tan personal como ecléctico, donde confluyen un torrente de géneros bajo el paraguas de la no ficción.
Reflexión personal sobre la fe cristiana, ensayo literario, recreación histórica, investigación erudita, búsqueda interior..., todo se agolpa en estás más de quinientas páginas en una narrativa asimétrica con un preámbulo donde el propio Carrere desnuda su via crucis personal por el paso de la religión católica y nos permite conocer mejor quien cuenta y por qué, en una segunda parte subdividida a su vez, los orígenes del cristianismo y de sus fundadores, sobre todo Pablo y Lucas con sus epístolas, Evangelio y Hechos. Plagado de referencias eruditas y comparaciones populares actuales en un totum revolutum donde no falta el humor y la honestidad de separar lo real, de lo posible, de lo inventado.
En cada una de las partes de este todo exquisitamente imperfecto cada lector encontrara donde poder engancharse para no abandonar el viaje hasta el final.
EDUCACIÓN SIBERIANA
6
1 h. 50 m.
Italia / 2013
Gabriele Salvatores
En el 2009 se publicó la novela homónima, primera de su autor Nicolai Lilin, que inmediatamente fue avalada por Roberto Saviano autor de la exitosa "Gomorra". En ella Nicolai, nacido en Moldavia, aunque su región Transnistria se considera independiente, nos narra sus propias experiencias como miembro de los "Urka", un clan siberiano de "criminales honestos" con sus particulares códigos de honor y conducta que fueron represaliados por el ejercito ruso y se trasladaron a la fuerza a Transnistria. El éxito inmediato ha dado para dos novelas más de las andanzas del alter ego de Nicolai y dos más en la misma órbita. Todas en apenas 7 años.
Independientemente de que se ha cuestionado que lo narrado haya sido vivido por el autor e incluso que sea cierto, la trama es lo suficientemente poderosa para enganchar al lector. Su paso a la gran pantalla en una coproducción italo-norteamericana la ha dotado de una factura notable con la excelente fotografía de ITalo Preticcione y unas interpretaciones ajustadas en las que destaca, como no, el gran John Malkovich. Sin embargo el guión escrito a tres bandas se ha quedado escaso con una hora cincuenta minutos, convirtiéndose en una sucesión de hechos que no acaban de tener el poso suficiente que se merecen. El formato de una serie televisiva de diez o doce capítulos se intuye más apropiado.
El veterano y oscarizado Gabriele Salvatores lo narra con eficacia pero sin pasión.
LA VERDAD
7
2 h.
USA / 2015
James Vanderbilt
El guionista versátil de renombrado apellido se estrena en la dirección dejando patente que su fuerte siguen siendo los guiones, ya sean tan disparatados como en "Asalto al poder" o el excelente de "Zodiac", pasando por los últimos hombres araña. La cosa va de periodismo, o más bien de la añoranza de él, de ese con reporteros/as míticos que sacaban a la luz los watergates de turno y del que probablemente se hayan extinguido todos, en base a la inmediatez de las noticias y a la especialización de contarle a cada cual lo que realmente quiere oír. Por no hablar de los programas informáticos que confeccionan directamente la escueta información de la mayoría de los sucesos.
A dos de esos periodistas de raza, la exitosa productora Mary Mapes y el mítico presentador Dan Rather, ambos en las filas de la poderosa CBS News no le valieron de nada sus curriculums impecables como buscadores de verdad. Al contrario. El poder, en este caso de la administración del impresentables Bush Jr., les tenia ganas. Bush se presentaba a una segunda elección, la primera la había ganado por los pelos a Al Gore y el reportaje que emitió el programa 60 minutos sobre como el presidente se había escaqueado de ir a Vietnam ingresando como tantos otros hijos de notables por enchufe en la Guardia Nacional podía causarle tantos o más problemas como los que le estaban causando por hechos similares a su oponente John Kerry, cuando cientos de jóvenes norteamericanos estaban siendo enviados a luchar en las guerras de intereses de turno.
El caso es que Mapes y Rather por h o por b no se cubrieron bien las espaldas en relación a los documentos que aportaban y eso les costó el descrédito y el puesto. La CBS se acojonó al igual que ciertas fuentes y los posibles errores en la forma sepultaron lo realmente importante que era el fondo.
El libro de memorias de Mapes es la versión de los hechos en que se basa la cinta , que produce Redford, al que interpretar a periodistas de investigación siempre le ha dado buenos réditos. Vanderbilt lo narra con el manual, sin arriesgar, dejando que la Blanchett asuma el mando.
El libro de memorias de Mapes es la versión de los hechos en que se basa la cinta , que produce Redford, al que interpretar a periodistas de investigación siempre le ha dado buenos réditos. Vanderbilt lo narra con el manual, sin arriesgar, dejando que la Blanchett asuma el mando.
VICTORIA
8
2 h. 20 m.
Alemania / 2015
Sebastián Schipper
Este "tour de force" técnico (dos horas y veinte en un solo plano), actoral y de estilo, es una de la más gratas sorpresas del año. Otra vuelta de tuerca a la "nouvelle vague" sin montaje. Todo transcurre en tiempo real en una madrugada en Berlín, aunque podía ser cualquier otra ciudad europea. Con mínimos medios y la maestría del cámara y director de fotografía Sturla Brandth Grovien seguimos a Victoria (gran trabajo de Laia Costa), de la que apenas sabemos que es española, en su fortuito encuentro con cuatro jóvenes alemanes con imprevisibles y, es cierto, poco creíbles consecuencias. El hecho de que apenas intuyamos la trastienda de estos personajes hace que el misterio de sus motivaciones,tenga que ser imaginado por el espectador que se convierte en uno más del grupo, disfrutando de sus transgresiones y compartiendo el subidón de adrenalina cuando las cosas se tuercen. La bso de Nils Frahm es perfecta tanto como el disfrute del Vals de Mefisto de Frank List con el que nos sobrecoge Victoria junto con Sonne. No apta para todos los paladares o para aquellos que busquen que la ficción tenga que encajar con la realidad. Y aunque hay que reconocer que la "historia", los hechos, (el guion es en su mayoría improvisado) están por debajo de la propuesta formal, no deja de ser un Mcguffin para que rocemos e intuyamos todas las historias que Victoria, Sonne, Boxer, Blinker y Fub arrastran consigo.
MI GRAN NOCHE
4
1 h. 40 m.
España / 2015
Alex de la Iglesia
Dice Raphael que se lo ha pasado muy bien en el rodaje, que han sido como una gran familia. Normal, la mayoría del elenco son habituales de Alex y el divo por muy falsa modestia que ejerza seguro que preside todas las mesas y se le rinde obligada pleitesia por su reconocida carrera y veteranía. Y es que además en este nuevo desmadre del director él cumple perfectamente con su rol no muy alejado de su propio personaje como artista. El resto de sus compañeros le siguen el rollo a de la Iglesia con eficacia y todos felices en su particular cotillón.
Los espectadores que no ejercemos de figurantes y aplaudimos y reímos cuando nos lo mandan a los 15 minutos intuimos que tampoco en esta ocasión el espíritu de "El día de la Bestia" hará acto de presencia. El guión del propio Alex que repite con Guerricaechevarria, más que de gran noche es trasnochado. Y mayor delito tiene cuando la idea es bastante prometedora. Pero la cosa se diluye en un batiburrillo coral cuyas subtramas y gags están a la altura de esos sobados fines y comienzos de año con el que nos torturan las televisiones.
Gastarse 4 millones de euros en esto y recaudar casi doce eso si que es un: "escándalo, es un escándalo..."
HOTEL TRANSILVANIA 2
5
1 h. 23 m.
USA / 2015
Genndy Tartakovsky
El acertado diseño de personajes y la fascinación que sentimos por los monstruos siguen estando ahí pero en esta ocasión el guión del que han desaparecido la mayoría de nombres de la primera entrega a excepción de Robert Smigel, ha fracasado en su intento de dar algo de profundidad a la diversión. Quizás haya que apuntárselo en el debe de Adam Sandler que produce, dobla a Drácula y firma a dúo con Smigel el guión.
Algunos minutos en su parte central consiguen que afloren algunas sonrisas. Por lo demás, una segunda parte absolutamente prescindible.
MASA NEGRO: extrictamente PENAL
9
2 h. 2 m.
USA / 2015
Scott Cooper
Una de las grandes olvidadas de la pasada edición de los Oscars. Tanto Depp en el papel principal como cualquiera de los secundarios, en especial Edgerton se merecían al menos la nominación. Ya me gustó el primer trabajo (Corazón rebelde / 2009 que le dio la estatuilla a Jeff Bridges). Creo que la que nos ocupa a pesar de que la crítica en general no ha sido muy entusiasta con ella, ocupará su sitio al lado de las grandes del género. Su factura me parece intachable. Cooper evidentemente no es Scorsesse porque no lo tiene que ser. Cada cual es cada cual y Cooper ha optado por un clasicismo lineal con una cuidada y efectiva búsqueda de lugares y ambientes, muchos de ellos donde ocurrieron los hechos para enmarcar la connivencia de la delincuencia con aquellos que deben evitarla. Si bien Depp da un recital interpretativo ayudado y en algunos planos incordiado por su notable maquillaje, es el personaje de Edgernton en el que a nivel personal se profundiza mas. El director va dejando en el recuento de los hechos las suficientes claves como para que el espectador rellene e imagine lo que se cuece entre bambalinas. Pequeñas migajas que como las de Pulgarcito van marcando el camino: el barrio, los amigos de la juventud, los códigos de lealtad, la diferenciación con los italianos, la "patria irlandesa", el común denominador de la relación con sus mujeres, (estupendas en sus escenas), la frustración de un personaje como "Whitey", bajito y poco agraciado que viste como un adolescente y que nunca se le ve con mujeres ni haciendo ostentación de dinero, al contrario que a Connelly, el amor por la familia (impresionante Cumberbatch en sus escasas apariciones), la ambición enfermiza por el poder y la válvula de escape de la violencia que acaba por ser adictiva, la hipocresía de aquellos que miran para otro lado en base a resultados injustificables, al miedo...
"Black Mass", es una gran película con sus propios códigos, ni mejores ni peores que otros. Sin comparaciones, por méritos propios.
LOS MIÉRCOLES NO EXISTEN
5
2 h. 5 m.
España / 2015
Peris Romano
Probablemente es culpa mía el que ya más cerca de los 60 que de los 50, estas aventuras y desventuras pseudojuveniles no me motiven como para resistir dos horas y cinco minutos en la butaca. Si a eso le añadimos que lo que nos cuenta Peris Romano en un guión a mi juicio escasito y con una puesta en escena más aparente que otra cosa no es como para tirar cohetes, pues eso..., que a la hora y cinco decido que a lo mejor hubiera sido más interesante ver como se las apañaba el mismo Romano con la exitosa versión teatral, que primero fue guión y que al final (que follón) cumplió su destino cinematográfico y como no me creo nada me largo a otros menesteres.
A mi memoria viene "Muchos pedazos de algo" (David Yañez) cinta de este mismo año que como no cuenta con la producción ni el marketing de esta, anda por ahí mal exibiendose y que os recomiendo. A esos otros jóvenes si me los creo.
Madrid sale bonito. Pero solo eso, como si nada tuviera que ver con las andanzas de estos pequeño burgueses guays, simpáticos y patéticos a partes iguales que se esfuerzan (muy bien todo el elenco) por hacernos reír con algo de poso amargo.
Opera prima. El problema como ya decía al principio es que uno ya no tiene edad para tonterías.
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| ÁNGEL DE ANDRÉS LÓPEZ (1951-2016) |
El López a secas adosado a su nombre artístico que le unía a su tío el gran Ángel de Andrés y al mismo tiempo le diferenciaba de él, es el mejor ejemplo de que a este Gandolfini patrio nacido en Madrid le importaba más su trabajo como actor que la fama o la popularidad, que la tuvo.
Para el espectador medio será recordado como el Manolo chapuzas de la serie televisiva "Manos a la obra" junto con Carlos Iglesias. Los mejores profesionales sabían que su talento era mucho mayor y le llamaron desde Berlanga, Almodovar, Pilar Miró, Chavarri, Saura, Alex de la Iglesia Davi Trueba...,
El amaba el teatro desde sus inicios en la mítica Tábano. Le pude ver en varias y diferentes propuestas. Siempre genial. Hombre de palabra, comprometido con su profesión, rechazó llamadas de directores importantes porque estaba de gira con la obra que se hubiese comprometido. Eso le honra como pocos.
Parece ser que se ha quedado como dormido en su casa, en su sillón preferido, con un montón de futuros trabajos en su corazón con los que seguir luchando y peleando por sacar adelante y disfrutar de la profesión de su vida.
Ángel, te vamos a echar mucho de menos y te damos la palabra de que no te olvidaremos.
OESTE LENTO
8
1 h. 24 m.
Reino Unido / 2015
John Maclean
Como en esas pequeñas pastillas de caldo concentrado de carne, verduras o de lo que fuere "Slow West" sintetiza, comprime o empaca todo el repertorio de personajes y situaciones del mejor western. Desde el envoltorio básico e imprescindible de buenos entornos naturales a la violencia inmisericorde que derraman sobre ellos toda una galería de mujeres y hombres que tuvieron que sobrevivir como pudieron en unas tierras de promisión que ya tenían dueño.
El músico escoces, guionista y creador de vídeos musicales Maclean llamó la atención de Fassbender, que acabó apostando por su talento como director y se ha comprometido de lleno con su opera prima actuando y produciendo. El resultado ha sido notable, demostrando que el género sigue vivo y coleando con menos cantidad y más calidad.
Buena dosis de poesía, se mezcla con el desprecio más prosaico a la vida humana, el amor y el humor negro, en unas tierras donde cada cual busca su recompensa vivo o muerto.
EL NUEVO NUEVO TESTAMENTO
8
1 h. 53 m.
Bélgica / 2015
Jaco Van Dormael
Desde que en el 91 el director Belga empezase a ganar premios internacionales con su original opera prima "Toto, el héroe", si bien se lo ha tomado con calma (6 films en 14 años), no ha abandonado sus señas de identidad en cuanto a la originalidad y nos vuelve a sorprender con esta mirada feminista y desvergonzada sobre ese Dios que tanto nos quiere y que bien que nos hace llorar. El tono de comedia irreverente no está exento de la reflexión filosófica existencial: si todos fuéramos conscientes de nuestra mortalidad y del escaso tiempo en que vivimos otro gallo nos cantara.
Si uno es de los de misa diaria o de los de misa simplemente puede que se sienta ofendido por tomarse a risa al creador del cielo y de la tierra. Los demás disfrutaremos, con esta mal avenida familia de dioses, cuyo cabeza de familia no hace más que fastidiarnos. Si el poder absoluto fuera más femenino es posible que las cosas fueran mejor parece ser la moraleja del asunto.
Estructurada en episodios a modo de evangelios cada uno de ellos nos narrará un historia que da para mucho más que la carcajada o la sonrisa, invitándonos a cuestionar lo establecido, identificarnos con alguno de los evangelistas y no resignarnos a nada, sin olvidar la belleza y la sorpresa rayana en el surrealismo. Ver a la Deneuve enrollarse con un gorila es impagable.
Propuesta estimulante de autor con estilo muy personal.
LA CUMBRE ESCARLATA
8
2 h.
USA / 2015
Guillermo del Toro
Vale, no es Poe, ni Brontë, ni Hitchcock..., pero es Guillermo del Toro y eso es mucho en este relato de "Amor y Fantasmas" gótico con una puesta en escena apabullante incluido el homenaje al director Mario Bava (1914-1980) con está puesta al día del subgénero italiano "giallo"(amarillo) mezcla de thriller y terror de los 70, claro precursor del "slasher" (cuchillada) norteamericano de los 80. Como en el "giallo", la trama, que se sigue con cierto interés hasta la mitad del metraje, es una mera excusa para lucirse en la parte visual (Bava era además director de fotografía) donde predominan los colores saturados. Es en este contexto donde Del Toro, junto con su director artístico Brandt Gordon, carga las tintas añadiéndole su impronta personal apoyado por una tripleta protagonista (adorada Chastain) que saben jugar sus roles arquetípicos y lucir el maravilloso vestuario diseñado por Kate Hawley.
No soy muy partidario del gore y el trillado desarrollo final pero, con sus imperfecciones, que las tiene, la he disfrutado.
MARTE (el marciano)
8
2 h. 22 m.
USA / 2015
Ridley Scott
En la cara y cruz de la obra del ya casi octogenario Scott, ahora toca la cara con una cinta del género que le ha hecho pasar a la historia a pesar de fiascos monumentales como "Prometheus" (2012). "El Marciano" no es otro que el nunca suficientemente ponderado todoterreno Matt Damon que cual Robinson Crusoe se nos queda solito plantando patatas en el planeta colorao con nombre de dios de la guerra y que se ha constituido en el nuevo escalón de las ansias exploradoras del homo sapiens, quizás como segunda residencia cuando completemos la destrucción de nuestra propia casa azul.
No trata Scott de emular a Defoe y se zampa sin ningún pudor el calvario emocional que cualquiera por muy norteamericano de la NASA que sea le pondría al borde de la locura en semejante situación. Prefiere Ridley entretenernos y lo consigue en dos horas y media con los bellos paisajes jordano-marcianos, los toques "2001" y las emociones ya probadas en "Space Cowboys" (Clint Estwood / 2000), "Apolo XIII" (Ron Howard / 1995) o la reciente "Gravity" (Alfonso Cuarón / 2013) a las que copia y complementa en un espectáculo taquillero, políticamente correcto y con pretensiones didácticas. Aunque solo sea para rebuscar en la red lo que tiene base científica y lo que no.
Lo he pasado muy bien hasta cuando veo a un astrofisico explicar trayectorias espaciales al director de la NASA y su equipo como si fueran chavales de secundaria. Y además está La Chastain. Esa si que es de otro planeta.
YO, ÉL Y RAQUEL
5
1 h. 45 m.
USA / 2015
Alfonso Gómez-Rejón
Desde la década de los 60 norteamericanos el cine independiente no había dado una obra tan magna como esta. La dirección de Gomez-Rejón se luce con un tratamiento del color increíble, un uso del zoom magistral en una comedia descacharrante sobre el nunca suficientemente tratado problema de los adolescentes de instituto y su metamorfosis vital en prometedores jóvenes universitarios. Todo ello envuelto en una historia humana de gran calado que nos dejará un huella indeleble con un final sorprendente y emotivo a más no poder.
La panoplia de secundarios están magníficamente dibujados por un guión sobresaliente donde cabe destacar un brillante homenaje al cine en una serie de parodias caseras magistrales sobre reputadas películas. Finos y afilados diálogos para una tripleta de jóvenes actores en los papeles de sus vida.
En un momento determinado el prota que narra la historia nos dice una mentirijilla. Yo no quiero ser menos.
HISTORIA DE UN DETECTIVE
7
1 h. 35 m.
USA / 1944
Edward Dmytryck
El 44 fue una excelente cosecha "negra". A "Tener y no tener", "Laura" y "Perdición" se le une esta con las que el molde del que se llamará "cine noir" queda definitivamente cuajado para la posteridad.
No consigue Dmytryk como director estar a la altura de Preminger, Hawks o Wilder, pero lo intenta y nos regala escenas que no desmerecen en absoluto. El trío protagonista, en el que destaca la transformación del Powell cantante y actor de comedias (llevaba ya 40 films sobre sus espaldas), encarnando al "duro" y cínico Marlow, carecen del carisma de Bogart, Bacall o la Stanwick. A Chandler que andaba aprendiendo a escribir guiones con Billy Wilder en su "Perdición" le adaptan esta su segunda novela y llega a declarar que Dick Powell ha dado con la clave de su famoso detective. Puede ser, pero los caretos de Bogart y Mitchum acabaron quedando grabados en nuestra memoria del personaje. Tampoco los secundarios están a la altura de Walter Brennan, G. Robinson o Clifton Webb por seguir con las otras tres mencionadas.
La trama, como todas las de Chandler, es enrevesada, con historias separadas que confluyen, diálogos acerados, flashback, narración con voz en off, sombras expresionistas y rubias fatales. Vamos, el repertorio completo, al que añade Dmytrick un cierto aire onírico y fantástico. El resultado fue un éxito, Powell se consolidó como actor dramático (cambiaron el título original de "Adiós, muñeca" por el de "Murder, my sweet" para que el público no pensara que era una comedia musical de las que solía interpretar el actor). Dicen que se atrevió a dar el paso cuando también lo hizo Fred McMurray en "Perdición" con un personaje más arriesgado.
A Dmytryc le esperaba la caza de brujas del maccarthismo, la cárcel, la posterior delación de sus compañeros y el exilio. Eso si que es cine negro.
BETTER CALL SAUL (Sesión 2)
8
10 episodios
USA / 2016
Vince Guilligan / Peter Gould / AMC
Esta separata (spin-off para los anglo esnobs) de (bajemos la cabeza en señal de respeto) "Breaking Bad", en su segunda temporada no solo mantiene su personal posición sino que avanza y gana terreno (valga el símil militar). Es cierto que para ello sus creadores han "dividido la pantalla" y la evolución de Jimmy en su ascenso o descenso en espiral hacia el desagüe existencial corre en paralelo con las aventuras del "Abu" Mike que se encarga de la parte salvaje del asunto con la eficacia y falsa frialdad que le caracteriza. Complementadas las dos piezas el espíritu de Breaking vuelve a planear por los cielos azul intenso de la Albuquerque de Nuevo México fundada por españoles.
Gilliam y Gould siguen aportando detalles de su impronta visual con acierto. La siempre sugerente bso, deja en esta entrega espacio a prolongados y eficaces silencios y Rhea Seehorn toma también su hueco y el protagonismo que merece.
La tercera temporada ya está tardando.
EL LIBRO DE LA SELVA
8
1 h. 45 m.
USA / 2016
Jon Favreau
El 150 aniversario del nacimiento del escritor nacido en la India bajo dominio británico Ruyard Kipling, premio Nobel a los 43 años ha sido una buena excusa para que Disney aprovechando las últimas novedades tecnológicas haya vuelto a reverdecer los laureles de su clásico de animación del 67 basado muy, muy libremente en los 8 primeros cuentos de la obra "El libro de la selva" publicado en 1894.
A nivel técnico la película es un prodigio digno de disfrutar en una gran pantalla con el plus del 3D. El encargado de su dirección ha sido el polifacético neoyorkino Jon Favreau que se ganó los galones de director respetado con "Iron Man" (2008) y que viene teniendo buen olfato en su trabajo sobre todo como productor. Aquí vuelve al podio de la dirección con acierto dotando de ritmo, fuerza y belleza a un híbrido entre la cinta de animación del 67 dirigida por Wolfgang Reitherman en la que se apoya principalmente y los presupuestos actuales del cine de acción más adulto. El resultado sigue siendo un producto para todos los públicos, éxito taquillero y que probablemente tendrá secuela.
Aunque no se deben comparar una cinta con otra, la profunda huella que nos dejó la primera versión de la casa Disney, lo hace inevitable. Favreau consigue un equilibrio digno y una puesta al día del relato, tan alejado de la propuesta de Kipling como la del 67, pero lo que gana en espectacularidad lo pierde en humor y emotividad. Bagheera (la pantera) y Baloo (el oso) formaron uno de los mejores dúos de la historia del cine, con unos matices de personalidad que la imagen real digitalizada no consigue superar. Sobre todo con el inefable Baloo que Disney convirtió en un sabio bonachón y vital con un corazón más grande que su cuerpo.
Acertado el doblaje de famosos original y la elección del niño indio estadounidense Neel Sethi elegido entre miles de aspirantes para interpretar al cachorro humano Nathoo al que su madre adoptiva la loba Messua rebautizó con el nombre de Mowgli (rana) por carecer de pelo.
Como anécdotas curiosas nos podemos entretener en los cambios zoológicos que experimentan algunos de los personajes animales en relación con el original de Kipling: Baloo, pasa de ser un oso bezudo hindú a un oso pardo del Himalaya. Kaa, pitón de la india se convierte en una anaconda. El rey Loui que no existía en el original, en la primera versión es un orangután, especie inexistente en la India y aquí es un Gigantopithecus, este sí hindú, que debió vivir por el Pleistoceno y llegar a medir 3 metros de altura.
PERDICIÓN
10
1 h. 46 m.
USA / 1944
Billy Wilder
Billy Wilder que estas en los cielos, te damos gracias señor. Y una vez cumplidas nuestras obligaciones...
Cuarto trabajo de este "pequeño" polaco austrohungaro nacionalizado estadounidense. "Doble indemnización" era una novela del también estadounidense James M. Cain publicada en el 35 en ocho entregas en el diario Liberty. Obra inmediatamente posterior a "El cartero siempre llama dos veces" (1934). Obras ambas de la llamada novela negra, de ambiente sórdido y criminal que hundía sus raíces en el primer cuarto del siglo XX y que se publicaron en revistas como Black Mask que contribuyeron a darles nombre. Tuvieron gran aceptación en la década de los 30.
La censura de la Oficina Heys frustró su paso al cine. Era demasiado amoral para la época. Ocho años después se volvió a publicar junto a otros dos relatos en el libro "Three of Kind" y afortunadamente cayó en manos de Willder.
El guionista exitoso que había conseguido tomar las riendas dirigiendo sus propios trabajos se puso manos a la obra con un presupuesto de la Paramount de un millón de dólares. A su media naranja guionista Charles Brackett la cosa le pareció muy vulgar y se desentendió del asunto. El propio autor Cain estaba liado con un proyecto de Ford, así es que Billy de fijó en otro autor que no escribía mal, un tal Raymond Chandler, alcohólico, depresivo y mujeriego para más señas que malvivía de publicar sus relatos en revistas "pulp". Le vino dios (Wilder) a ver, abriéndole una puerta que desconocía, la de los guiones cinematográficos y los sueldos sustanciosos y conviertiendose a la postre en uno de los gurús del género negro. Genero que ni Wilder ni nadie por la época sabía que estaban haciendo, hasta que décadas después lo etiquetaron los franceses. Del encontronazo y la mala relación entre Wilder y Chandler surgió el impecable y excelso guión de "Perdición".
En ella todo encaja, incluso esa puerta que se abre en sentido contrario, incluso la apuesta por un Fred McMurray (George Raft rechazó el papel) actor de comedias que como la Stanwyck temían por su reputación al encarnar a dos criminales cegados por la pasión. Y por supuesto un inmenso Edward G. Robinson que es capaz cada vez que aparece de que nos olvidemos un poco de todos los demás.
Wilder hace confluir todas las influencias anteriores del género herederas en buena medida del expresionismo alemán que conocía muy bien y crea el molde perfecto a seguir e imitar quien pueda, rodando con un pragmatismo y eficacia brutal al servicio como siempre de la historia, en un blanco y negro como no podía ser de otra manera excelentemente fotografiado por John F. Seitz. La estridente música de Miklos Rózsa subraya la tensión y el dramatismo.
El genio de Wilder arriesga, nos cuenta el final desde el principio, nos regala la ambigüedad de unos personajes de los que se guardan para ellos sus sentimientos, nos atrapa con el desarrollo del crimen, nos cuenta una, también doble, historia de amor fatal entre un hombre y una mujer y dos hombres. Y para rizar el rizo es capaz de cortarse a si mismo un final que ya tenía rodado para que la historia no se cierre de forma convencional, adelantándose en años al cine que vendría después.
En un momento determinado a Fred McMurray se le ve su anillo de casado, cuando su personaje es soltero. Ya lo dijo el propio Wilder como colofón en "Con faldas y a lo loco": "Nadie es perfecto".
EL CLUB
7
1 h. 38 m.
Chile / 2015
Pablo Larraín
La verdad es que uno sale algo decepcionado con esta notable película, por lo que pudo ser y no fue. El material explosivo con el que valientemente se atreve a jugar Larraín daba para volar toda una fortaleza y al final solo derriba algún tabique o como mucho, que ya es bastante, agujerea un muro por el que intuir más que vislumbrar un interior sórdido y malsano.
Acierta el director con la atmósfera, con esa fotografía velada que enmarca la acción en un limbo indefinido y una bso que nos recuerda permanentemente que los que allí penan son rehenes privilegiados de una iglesia que aún utiliza sus ornamentadas alfombras para ocultar la porquería acumulada.
Rehenes que maldicen su encierro pero que se aferran a sus barrotes como última barrera para salvaguardar y justificar sus pecados, para no perder la cordura cuando han vendido al Dios que representan por sus 30 monedas de placer, riquezas o poder.
Se deja en el tintero muchas cosas Larraín. Profundiza poco en los personajes, pierde el tiempo en subrayar conceptos y hechos repetidos y divaga en subtramas que no acaban de cuajar.
La excelencia de sus actores y actrices estaban pidiendo a gritos más carne, más compromiso que el que se hace evidente desde el principio. Impresionante Antonia Zegers, en una composición para recordar.
Uno sale con mal cuerpo, con sentimiento agridulce, con pasión por el cine.
TAXI TEHERÁN
6
1 h. 22 m.
Irán / 2015
Jafar Panahi
Desde finales del 2010 Panahi sufre la condena de la dictadura teocrática de su país Irán que le prohíbe hacer cine, amén de 6 años de cárcel. El motivo, aunque el gobierno lo niegue, es que su cine es crítico con el régimen y denuncia sobre todo el estado al que relegan a las mujeres los gobiernos islámicos utilizando la religión para justificar la discriminación social.
Desde finales del 2010 Panahi viene burlando con imaginación, talento y apenas medios dicha prohibición y cada dos años los principales festivales le premian sus precarios documentales, entre otras cosas por ello.
Su lucha y su valor es encomiable. Su talento también. Pero como todo hijo de vecino los resultados no tienen por qué ser obras maestras y pueden gustarnos más o menos.
De estos seis años me quedo con "Esto no es una película" (2011). Ahora saca un taxi y recorre Teherán recogiendo gente variopinta, mezclando verdad y ficción para tomar una cata de la realidad de su país y de la realidad oficial de su país. Con habilidad construye un hábil montaje, dota de ritmo a la escasez de medios y añade en esta ocasión gotas de humor y un tono más ligero sin ocultar la denuncia.
Carne de festival. Ojalá que no tenga que cumplir la injusta condena y pueda desarrollar su trabajo en su país en libertad.
LA PLAYA DE LOS AHOGADOS
5
1 h. 36 m.
España / 2015
Gerardo Herrero
Habría que crear un subgénero que se llamase "cine de coche". Serian aquellas películas que por obtener un (esperamos que suculento) trozo de financiación, hipotecan buena parte del metraje en promocionar un vehículo de una marca determinada. Gerardo Herrero en su faceta contrastada de productor se aplica el cuento en esta historia sin el más mínimo pudor.
Adaptación de la novela homónima del gallego Domingo Villar, segunda del flemático inspector Leo Caldas y su "Pedrín" particular Rafael Estevez, bien interpretados por Carmelo Gómez que esperemos regrese pronto de su exilio del mundo cinematográfico y Antonio Garrido.
No consigue Gerardo Herrero incorporar la idiosincrasia de las costas gallegas a la atmósfera que hubiera sido deseable para una trama que al menos se sigue con el suficiente interés. Se agradece la ausencia de estridencias y tópicos del género pero el pulso narrativo es demasiado blando y la dirección simplona y de manual. En esta "Playa de los ahogados" el asunto en general se mantiene a flote por los pelos (de Carmelo).
PAN (Viaje a Nunca Jamás)
7
1 h. 51 m.
USA / 2015
Joe Wright
El director británico ha demostrado versatilidad y buen hacer en una carrera donde la atmósfera y la puesta en escena suelen estar por encima de los guiones, algunos provenientes o relacionados con obras literarias o en este caso teatrales, como el "Peter Pan y Wendy" de James M. Barry estrenada en Londres en 1904.
Del espíritu de ella, Wright toma poco más que los personajes en una precuela de aventuras para toda la familia que nos hace pasar casi dos horas entretenidos entre barcos que vuelan, piratas, indios coloristas e islas que flotan mas allá de la segunda estrella a la derecha. La cosa da para lucirse visualmente y lo logra. Poco más si uno no va acompañado de la chiquillería. Suficiente para que la aventura continúe y el eterno niño, Garfio, campanilla...,etc sigan haciendo (caja) de las suyas. Cada actor cumple con su rol y el terrible cocodrilo del tiempo no dejará de ella ni los huesos. Cosa que no ocurrirá Nunca Jamás ni con el original ni con la versión de la Disney del 53.
IVAN EL TERRIBLE (Parte II) La conjura de los Boyardos.
7
1 h. 28 m.
URSS / 1946 (1.958)
Sergei M. Eisenstein
Tras las decepciones sufridas a comienzos de los años treinta por Eisenstein en los USA, México y su propia Rusia, en que sus obras no llegaron a buen término, el director se refugia en la historia de su país. Primero con un film sobre el héroe nacional del siglo XIII Alexander Nevsky y dado su éxito (premio Stalin) se lanza a la trilogía sobre Iván El Terrible (siglo XVI). en plena guerra mundial.
A Eisenstein se le controlaba y no era muy de fiar para Stalin, aunque sabía que su talento podía ser muy útil como propaganda. La primera entrega fue una maravilla artística que también se hizo con el premio Stalin y que ya hemos comentado. En los siguientes dos años terminó la segunda, pero en este caso cambiando el enfoque. Ya no eran tanto los hechos y situaciones históricas, sino el propio Iván y sus contradicciones internas, sus demonios personales, su odio acumulado desde la infancia a los boyardos que venían manipulándolo e incluso asesinaron a su madre, sus dudas con la religión... Enfoque que no interesaba a un poder en el que se podía ver reflejado el propio Stalin y que no mostraba al valedor del nacionalismo centralista ruso como alguien equilibrado. Se convocó una reunión en el Kremlin en Febrero del 47 (Stalin vs. Esinstein. cineforever.com) al mas alto nivel con el director, que ya se las veía venir y el protagonista Nikolai Cherkasov. La película no se estrenó y la tercera parte se canceló. Al año siguiente Eisenstein falleció.
Hubo que esperar al 58, (Stalin murió en el 53) para que pudiera estrenarse.
El genio del montaje no pudo participar en el montaje final y se nota. A mi juicio y a pesar de grande momentos y la visión más trágica y shakesperiana de la bestia parda que en realidad fue el personaje, la cosa no es tan redonda como la primera entrega, el ritmo es desigual, se abusa de primeros planos y uno tiene la sensación que consciente de lo que se le venía encima, Einsestein se dedica en buena parte a experimentar y no solo con la parte coloreada gracias a los rollos de películas Agfa que les incautaron a los alemanes. Al teatro Kabuki y la teatralidad en general se incorpora un concepto más operístico y la trama poco o nada desvela de las reformas territoriales (opríchnina) que impuso el Zar y el control despótico que ejerció su guardia personal popular, los temidos oprichniks, creando un régimene de terror que duró siete años.
Con todo y con ello Ivan el Terrible en sus dos partes sigue siendo la obra de un genio del cine que se consagró haciendo de las masas anónimas su protagonista y terminó con una mirada personal al ser humano individual.
DAREDEVIL (Sesión 2)
8
13 episodios / 55 m. aprox.
USA / 2016
Drew Goddard / Netflix
Desde que hace 52 años Stan Lee y Bill Everett crearan al "Temerario" diablo de la Cocina del Infierno de Nueva York, el abogado católico Matt Murdock representó la cara más adulta de los tebeos de la MARVEL, sobre todo a partir de los 80 con la llegada de Frank Miller que tiñó de "oscuro" a todo personaje que tocaba. En medio siglo a pesar de ser popular pasó a convertirse en personaje de culto y a pesar de que sus andanzas siempre fueron las más "fáciles" de llevar a la gran pantalla no fue hasta el boon digital y a remolque de sus otros compañeros de la MARVEL donde hizo su aparición en el 2003 con tan poco acierto de sus responsables de la Fox que fue directamente al cajón durante 12 años.
Afortunadamente el renacer de las producciones televisivas de calidad y la política expansionista de MARVEL-DISNEY lo han recuperado para darle la dignidad que merece. Una primera temporada notable seguida de esta segunda donde el movimiento del equipo directivo no solo ha mantenido la calidad sino que la ha mejorado, sobre todo en espectacularidad.
Al genial Kipling de D´Onofrio, se han incorporado Elektra y The Punisher con igual acierto de sus interpretes. Puede que en algunos momentos puntuales se les haya ido la mano con la violencia y que en esta segunda parte la acción le haya comido mucho terreno a los conflictos personales pero Daredevil, sin lugar a dudas a llegado para quedarse.
CONTRA LA FUERZA DEL VIENTO
Victoria Álvarez / 2014
Editar. lumen
528 págs.
Si uno ha disfrutado con la primera parte de esta trilogía de "Amores y fantasmas", entenderá que las más de 500 páginas se devoren en menos de lo que uno quisiera. La joven salmantina sabe construir historias inquietantes y moldear personajes atractivos que van descubriendo sus contornos en cada entrega. Literatura al fin y al cabo de evasion, donde el misterio, la aventura y las pasiones nos transportan a otras épocas, unos comienzos de un pasado siglo XX, donde literatura, ciencia, mitos y leyendas aún no tenían definidas sus fronteras. Álvarez evoluciona a la par que sus personajes y apuntala mejor la historia, que en su anterior trabajo forzando un final donde todas las bolas acaban en el agujero de un solo golpe. En este nos llevará a los pantanos de una Nueva Orleans donde el vudú bebe del mismo Mississipi.
Con la última página a uno le embarga el sentimiento agridulce de que aún quede otra entrega, pero es la última.
IVÁN EL TERRIBLE (Parte I)
9
1 h. 39 m.
URSS / 1944
Sergei M. Eisenstein
Seria interesante establecer un paralelismo entre la cinta que nos ocupa y el "Enrique V" de Olivier del mismo año. Ambos países, la URSS y Gran Bretaña tan aliados como contrapuestos hacen que sus antagónicos dirigentes, Stalin y Churchill, recurran al cine como método propagandístico para subir la moral de sus pueblos en el tramo decisivo de la guerra mundial. Y ambos tiran de personajes históricos cuyos logros militares y políticos fueron clave en la concepción de sus naciones separados por casi dos siglos de diferencia.
Ambos proyectos también convertidos en arte más allá de su propósito inicial por dos hombres de raíces profundamente teatrales que experimentaron con el nuevo arte en la medida de sus genios.
Sería muy extenso seguir con las comparaciones. Eisenstein estaba en su madurez creativa, desengañado del régimen que había apoyado con entusiasmo y muy consciente de que con el éxito o fracaso de su trabajo a ojos de Stalin se jugaba mucho más que su gran reputación. "Iván El Terrible" parece a primera vista una película antigua para su época, enganchada aún a los presupuestos de un cine sin palabras (habría que poner en valor lo que perdió el cine con el sonoro), las actuaciones exageradas de sus interpretes están consciente y deliberadamente marcadas por la influencia del teatro Kabuki japones donde predomina la estilización formal y el maquillaje muy marcado a modo de máscaras. Ya dejó claro veinte años antes Eisenstein sus influencias japonesas con su manifiesto "montaje de atracciones" sobre la importancia capital del montaje o su articulo "Lo inesperado" donde los ideogramas japoneses y el Kabuki contienen la esencia de sus postulados fílmicos.
Obviamente la estilización a todos los niveles y el ritmo narrativo donde la cámara apenas se mueve hacen que para el espectador medio del 44 y aún hoy, sobre todo acostumbrado a la evolución del cine occidental, "Iván El Terrible" no sea fácil de digerir.
Decíamos que la cinta en un blanco y negro excelso puede parecer antigua, cuando en realidad es de una modernidad en algunos aspectos no superada aún. Cargada de un simbolismo apabullante, donde la utilización de las sombras (otra herencia oriental) es determinante junto con los objetos y el gusto por el detalle, hacen que la palabra casi sea innecesaria. Poco se ha dicho de la posible influencia de "La pasión de Juana de Arco" de Dreyer estrenada en Francia en el 28 y que Eisenstein pudo haber visto. La abundancia y utilización de primeros planos, el expresionismo formal y los espacios blancos son coincidentes.
El Iván histórico hizo de la ciudad de Moscú el centro de un imperio expansionista que tuvo que meter en cintura como todo rey o Zar (Cesar) que se precie a su nobleza feudal correspondiente (los boyardos).
Eisenstein concibió la historia como una trilogía, cuya parte primera fue del agrado del dictador (muy aficionado al cine por otra parte) que seguro se identificaba con "El Terrible" y premiado por ello.
La segunda parte...,eso fue ya otra historia
LOS HIJOS
Gay Talese / 1992
Alfaguara / 2014
768 págs.
Una maravilla. Así sin más. Talese, maestro de periodistas, da una lección de como se escribe.
Diez años tardó en elaborar esta biografía de sus ancestros italianos, que comporta una mirada profunda y exhaustiva a la Italia meridional. Ese sur, como casi todos los sur, de gente humilde, empobrecida como mano de obra barata y carne de cañón para los ricos industriales que invariablemente siempre están en el norte. Desde el sigloXVIII hasta finales de la Segunda Guerra Mundial la extensa familia Talese tiene un pie anclado en las profundas tradiciones de su tierra y otro en las libertades que ofrecen París y el Nuevo Mundo norteamericano donde se ven obligados a emigrar millones de italianos, ciudadanos de segunda clase en el país de las oportunidades, donde crearan sus "Little Italy" como guetos donde refugiarse y seguir añorando aunque solo sea de pensamiento sus orígenes. El sueño americano tendrá muchas ramificaciones para todos ellos. Algunos escribirán su historia con la tinta oscura de la Mafia, otros, los menos, la fama y la popularidad, la mayoría pagaran su tributo en las guerras de turno y sobrevivirán con mayor o peor fortuna aunque para ello tengan que modificar sus apellidos.
La galería de personajes es impresionante y Talese construye la historia apoyándose en cada uno de ellos para realizar un camino inverso que acaba siempre brillantemente desembocando en el futuro que hace avanzar la historia.
Con una prosa tan medida y elegante como los trajes que confeccionan su padre y un primo de este en los que se centra buena parte de la historia, Talese consigue que los recuerdos personales de sus extensos parientes sean un novela de no ficción apasionante y que sus casi 800 págs. nos sepan a poco.
Doce años hemos tenido que esperar a la publicación de esta obra capital que precede a "Vida de un escritor" (2006) que estoy ansioso por leer y que siguió a "Honraras a tu padre" (1971) con el que disfruté y descubrí a un autor para mi ya imprescindible.
GOLPE DE ESTADO
5
1 h. 41 m.
USA / 2015
Jhon Erik Dowdle
No es un mal director Erik Dowle, lo viene demostrando desde el 2007 con una serie de películas generalmente de terror. Sabe adaptar la cámara a todo tipo de espacios e imprimir un ritmo apropiado a cada situación con un montaje eficiente. Consigue en la mayoría de los casos entretenernos. El problema le viene de su faceta como guionista, que comparte con su hermano. Aquí el nivel baja bastante rozando los límites de lo aceptable en cuanto a la trama y con personajes arquetípicos y poco desarrollados.
Cuenta en este su quinto trabajo con nombres de relumbrón como Owen Wilson que es capaz de hacer encajar su peculiar nariz tanto en comedias como en dramas sin desentonar en ninguna y un Pierce Brosnan al que siempre se le agradece que se le note que le gusta actuar y se esfuerza por superar sus limitaciones como actor en personajes variados, a veces como es el caso, débilmente construidos.
La cinta posee algunos momentos de tensión limite bien resueltos y se deja ver aún a sabiendas de lo previsible de la trama y de que la acción está siempre por debajo de la credibilidad y del fondo de un asunto que los hermanos Dowdle despachan con un esquemático monologo de Brosnan para cubrir el expediente.
EL CORO
6
1 h. 46 m.
USA / 2014
François Girard
Pocas o ninguna sorpresa nos depara esta cuarta cinta de Girad, director que se prodiga poco, aparte de reencontrarnos con mi idolatrada Debra Winger en un pequeño secundario que todavía le permite a sus ya 60 años demostrar que quien tuvo retuvo. Debra se permitió a los 40 autoretirarse por la ausencia de buenos papeles para mujeres y la industria dejó de contar con ella, frustrando una carrera que prometía ser de lo mas brillante.
También está el maestro, en este caso por doble partida, Dustin Hoffan, que en su biografía como actor ha sabido realizar la transición de protagonista de lujo a secundario de igual categoría y la siempre eficiente Katy Bates. Ambos con una actuación tan moderada y contenida como todo el tono de la película al servicio de un guión trillado, previsible y mil veces visto.
La factura es más que correcta y se deja ver de forma amable entre bellos gorgoritos de los chicos del coro. Todo muy light y correcto para una de esas tardes en que a uno no le apetece meterse en grandes berenjenales.
ENRIQUE V
9
2 h. 17 m.
Reino Unido / 1944
Laurence Olivier
Estamos en plena guerra mundial. Apenas hace cuatro meses del desembarco en Normandia. En este contexto dicen que fue Churchill a quien se le ocurrió ofrecer a Olivier la adaptación patriótica de la obra de Shakespeare, con financiación gubernamental y con un sustancioso plus a Sir Laurence para que durante año y medio no apareciese en ninguna otra cinta que pudiera hacerle la competencia a esta.
La victoria histórica de Enrique Plantagenet en inferioridad de condiciones ante los franceses de Carlos VI en la batalla de Agincourt venía de perlas para subir la moral de los hijos de la Gran Bretaña.
Claro que para ello había que meterle mano al original y modificar las intenciones del bardo inmortal en cuya obra no estaba tan claro el alegato belicista y el propio Enrique V tenía más luces y sombras que el héroe monocolor que interpretó Olivier. Todo fuera por la causa.
Al final tanto en la realidad como la ficción fueron un éxito quedando demostrado que tanto Shakespeare como autor y Olivier como director eran buenos aliados para dar dividendos comerciales jugosos más allá de las tablas, señalando el camino a los que vendrían después.
Olivier que por supuesto ya había representado la obra teatral en el 37 y el 42 se estrenó en su corta carrera como director cinematográfico (solo 5 títulos) con una original puesta en escena donde las prodigiosas ilustraciones del libro de horas: "Las muy ricas horas del Duque de Berry" (siglo XV) están omnipresentes en atmósfera y vestuario realzados por el Thecnicolor. Por otro lado el desarrollo de la acción elegido nos regala un viaje impagable, casi documental al teatro isabelino en el famoso teatro The Globe para progresivamente fusionarse con planteamientos más puramente cinematográficos solventando con acierto para la época la famosa batalla de Angicourt donde el ejercito empezó a "democratizarse", perdiendo peso la caballería a la que solo podían acceder los nobles dado su costo en beneficio de los arqueros de arco largo y la infantería más asequibles al pueblo llano.
El terreno embarrado y la forma de embudo donde se produjo el choque contribuyeron decisivamente al triunfo británico, más que otra cosa. El caso es que Enrique se quedó con media Francia y posteriormente quiso dar legitimidad a lo obtenido por las armas intentando heredar la totalidad de la corona francesa casándose con la menor de las hijas del rey francés, Catalina de Valois. Matrimonio de conveniencia que da pie a las escenas finales teñidas de un romanticismo anacrónico de cara a la galería, con una bellisima Renée Asherson a sus 29 años, curtida actriz de teatro clasico fallecida en el 2014 a los 99 años y a la que pudimos ver en "Los otros" de Amenabar.
Olivier a pesar de lo plano del personaje se luce en las inmortales arengas del asedio de Harfleur y del día de San Crispín.
"La Historia Crónica del rey Enrique Fift pizca Su Battell Fought en Agincourt en Francia" titulo Obra original de la obra y La película es en Ambos Casos un clásico.
El terreno embarrado y la forma de embudo donde se produjo el choque contribuyeron decisivamente al triunfo británico, más que otra cosa. El caso es que Enrique se quedó con media Francia y posteriormente quiso dar legitimidad a lo obtenido por las armas intentando heredar la totalidad de la corona francesa casándose con la menor de las hijas del rey francés, Catalina de Valois. Matrimonio de conveniencia que da pie a las escenas finales teñidas de un romanticismo anacrónico de cara a la galería, con una bellisima Renée Asherson a sus 29 años, curtida actriz de teatro clasico fallecida en el 2014 a los 99 años y a la que pudimos ver en "Los otros" de Amenabar.
Olivier a pesar de lo plano del personaje se luce en las inmortales arengas del asedio de Harfleur y del día de San Crispín.
"La Historia Crónica del rey Enrique Fift pizca Su Battell Fought en Agincourt en Francia" titulo Obra original de la obra y La película es en Ambos Casos un clásico.
JACK
8
1 h. 43 m.
Alemania / 2014
Edward Berger
Preguntado el director por quien le gustaría que viera su película, responde que: "Vittorio De Sica". Efectivamente la influencia del gran maestro del neorrealismo italiano se hace presente por la calles de esa ciudad alemana contemporánea donde Jack y su hermano, al igual que Bruno y su padre en "Ladrón de bicicletas" buscan incesantemente aquello que más desean y necesitan haciéndonos partícipes a los espectadores de su angustia vital.
Salvando las distancias formales y el tiempo transcurrido con la obra del italiano Berger desnuda sin estridencias el fracaso de otra sociedad, esta ya muy alejada de la posguerra y en un país a la cabeza del mundo occidental, donde siempre pagan el pato los más inocentes. El director impone su ritmo sin pausas y pone el foco en el epicentro de ese niño de 10 años (12 en la realidad) magistralmente interpretado por Ivo Pietzcker, que se hecha a la espalda la película al igual que su personaje la vida y que en los anaqueles de mi memoria se hará inolvidable, junto con el Bruno de De Sica.
Jack se ha hecho mayor antes de tiempo pero aún permanece anclado a una niñez que le ha sido escamoteada y se resiste a abandonar. A lo largo del metraje tomará conciencia de su lugar en el mundo. Es un sobreviviente y decide enfrentarse a su futuro.
No cae Berger en la lagrima fácil ni el tremendismo, porque Jack no tiene tiempo para eso
THE WALKING DEAD (Sesión 6)
7
16 episodios
USA / 2015-16
Frank Darabont / AMC
Lo mejor que se puede decir de esta temporada es que estos zombies siguen muy vivos y que a pesar de que las situaciones son de "sota, caballo y rey" los guionistas se las apañan dignamente a sabiendas de que Rick Grimes y los suyos han conseguido formar parte de nuestra familia televisiva y no los podemos abandonar así como así y menos ahora que están muy contra las cuerdas.
Los caminantes en esta sexta entrega han formado más que otra cosa el omnipresente telón de fondo para dejar paso a monstruos de peor calaña como son los humanos de carne y hueso y tras el debate moral puesto sobre la mesa, al final la historia de la humanidad, con zombies o sin ellos, siempre ha optado por el: o tú o yo. Y así nos va.
La habituales "bajas" siguen siendo el recurso más efectivo y han sabido ponernos al limite, refrendado con un final de temporada que promete otro malvado de campanillas y una salida del laberinto interesante y complicada. A esperar.
| CHUS LAMPREAVE (1930-2016) |
La buena de Chus (en todos los sentidos) ha cumplido con su último papel como siempre, sin alharacas ni aspavientos, una vez más incluso en un acto tan personal como abandonar este mundo ha vuelto a ser objeto de todas las miradas y parabienes, a excepción de la Academia del Cine que perdió la oportunidad como con tantos otros de devolver con públicos honores la deuda que nuestra cinematografía tenía con ella.
Los mejores directores sabían que apostaban sobre seguro cuando le encomendaran defender cualquier personaje y los guionistas se frotaban las manos porque Chus iba a sacar lustre a cada coma de sus frases hasta el extremo de inmortalizarlas.
Su gran vis cómica y su voz atiplada daban para todo tipo de excesos y sobreactuaciones que ella sabía controlar hasta lo imposible dejándonos siempre con la boca abierta después de habernos hecho reír o enternecernos.
Sus alegrías y penas privadas siempre las dejó fuera de los platós para poder regalarnos esa otra Chus que seguirá viva en nuestra memoria y en el celuloide. Y todo esto es así porque los que profesamos de "Testigos de Chus" no podemos mentir.
REGRESIÓN
5
1 h. 46 m.
España / 2015
Alejandro Amenabar
Si no fuera por mi personal regresión auto impuesta en base a la bien ganada solvencia de Amenabar en sus cinco films anteriores los adjetivos de "truño" y "tostón" amenazan con quitarse la capucha y mostrarme su lado más diabólico.
Si no lo firmara quien lo firma y si no contara con el aval de Ethan Hawke, David Thewlis y las expectativas que genera "Hermione-Watson", el producto debería ir directamente a las estanterías de los videoclubs allá donde quiera que sigan existiendo.
Falla más Amenabar en este caso como guionista, en un quiero y no puedo que como director, aunque los primeros 45 m. son penosos narrativamente hablando, sustentados por la fotografía de Daniel Aranyo que acierta con el tono atmosférico, al que se une la también acertada BSO de Roque Baños.
Ni por esas. El desangelado casting de secundarios y lo previsible de la trama, se alían con la frialdad general de la mirada del director, cuyos clichés satánicos apenas quedan justificados con la moraleja final y las extrapolaciones que de ello se quieran hacer en torno al miedo y su manipulación. Hawke se encarga de monopolizar la tensión del asunto en un personaje interesante que exigía otro desarrollo desesperadamente.
A Amenabar siempre se le espera (6 años). En esta ocasión ha llegado por la puerta de atrás.
EL PRECIO DE LA FAMA
5
1 h. 54 m.
Francia / 2014
Xavier Beauvois
Antes que nada aprovecho para enmendar un error. En mi comentario sobre el anterior trabajo de Xavier Beauvois "De dioses y hombres" (2010), le adjudiqué la autoría de "Villa Amalia" (2010) cuyo director fue su compatriota Benoit Jacquot. Y dicho esto...
Hasta el título no está muy acertado en esta comedia agridulce o lo que sea con la que Beauvois da un giro a su linea netamente dramática. Su falta de tono crea un desequilibrio notable que a lo largo de un desmedido metraje y con una BSO extemporánea y pretenciosa nunca es capaz de corregir.
Se esfuerzan sus actores de forma loable en dar algo de sentido a la deriva de un guión simplón y lineal con niña, basado en un hecho real que hubiera dado para algo más que un patético homenaje a Chaplin y su encuentro póstumo con otros dos vagabundos sociales a los que acaba por ayudar como si fuera otra de sus comedias de dos rollos para la Mutual. Y que me perdone el genio allá donde esté por la comparación.
El tiempo se le va a Beauvois entre desentierros y entierros, números de payasos y cabinas telefónicas, estirando las escenas dispersas y deslavazadas a falta de otra cosa que contar.
El grupo de mecánicos polacos que secuestró el cadáver de Chaplin transcurridos apenas dos meses de su fallecimiento es sustituido por un galo y un argelino bienintencionados chapuzas en el oficio de delinquir, con los que debemos empatizar sí o sí. La productora se llama "Por qué no". Y uno no tiene más remedio que preguntarse "Por qué sí".
TENER Y NO TENER
7
1 h. 40 m.
USA / 1944
Howard Hawks
La mitología cinéfila ha puesto en un pedestal, ya inamovible a una cinta, a mi juicio, sobrevalorada.
Primero la "boutade" del consagrado Hawks al decirle a su amigote Hemingway que convertiría en un éxito la peor de sus novelas. Ni fue tal éxito como hubiera deseado Hawks ni se ciñó al original más que en el esbozo del personaje principal y algunos secundarios.
En definitiva fueron los deseos de la Warner de estirar sin pudor y plagiándose a si misma el éxito, ese sí, de la cinta inmortal de Curtiz "Casablanca".
La maestría y buen hacer de Hawks vuelven a salir a la luz a la hora de manejar la cámara y la planificación en base a un guión retocado por la censura del Código Hays (no podía transcurrir en Cuba ni ser tan sensual) y cumplidor con el espíritu patriótico al seguir todavía en plena guerra mundial. Hawks redunda en sus temas preferidos como la camaradería y la amistad, el valor desprendido e individualista de sus héroes, etc. Cuenta con guionistas de lujo, dado que Hemingway se desentiende del asunto a pesar de que la publicidad le utiliza descaradamente y nada menos que Willian Faulker junto con Jules Furthman cargan las tintas, no tanto en la trama general que adolece de baches notables (los números musicales, los cuidados médicos de Bogart al herido), sino en los brillantes y acerados diálogos entre la novata e inexperta Bacall y un Bogart que hace muy bien lo que sabe hacer muy bien.
El gran acierto de Hawks que a la postre hizo inmortal la cinta fue en apostar por la debutante Bacall con la que llevaba ejerciendo de Pigmalión un año pagándola un sueldo a la espera de colocarla en un proyecto que la convirtiera en estrella y que había llegado hasta él desde la otra costa gracias a una carambola en el que estaban implicadas su mujer y creo recordar una secretaria personal o algo parecido.
Al final lo consiguió, pero lo que no había previsto es que aquello, como en "Casablanca", fuera el comienzo de más que una gran amistad entre Bogart (con problemas en su matrimonio) y una jovencita de 19 años que no quería ser la marioneta de nadie. Hawks hizo lo que pudo por impedirlo, sin éxito y de rebote se lió con Dolores Moran quien pagó los platos rotos pasando a un segundo plano del que nunca se recuperaría.
Pero es que la imagen inusual de femme fatal que proyectaba Bacall en esa época era de un magnetismo inigualable. Esta imagen y la etiqueta de señora de Bogart la catapultó al Olympo al tiempo que constituyó un lastre que afortunadamente supo superar con el paso del tiempo.
La guinda la puso un Walter Brennan que ya por entonces cargaba con tres Oscars (aún no superado, si igualado, por ningún actor), en una composición de personaje inolvidable, y al que le quedaba cuerda para rato para seguir maravillándonos con sus entrañables personajes.
La leyenda de la película siguió retroalimentándose con el paso de los años basándose sobre todo en la relación de Steve y La Flaca (apodos tomados de Hawk y su mujer) tan mítica a la vez que diferente como la de Rick e Ilsa en "Casablanca", llegando a mimetizarse cosas como que el guión se escribía sobre la marcha o las famosas frases que nunca se dijeron. En este caso: "Si me necesitas silba". Como dijo no se quien: "No dejes que la realidad te estropee una buena historia".
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LEJOS DE LOS HOMBRES
7
1 h. 41 m.
Francia / 2014
David Oelhoffen
Segundo largo del realizador y guionista francés que ha optado por interpretar muy libremente uno de los relatos, "El huésped", que escribió el escritor y filosofo existencialista franco-argelino Albert Camu, en 1957 dentro de su obra "El exilio y el reino". Si bien es cierto que formalmente respira aromas de western su fondo bebe profundamente de la actitud existencial de Camu alejándose de los presupuestos de Ford o Hawks por citar sus más emblemáticos representantes.
Rodada en Marruecos, el árido y desolado paisaje toma un protagonismo donde los seres humanos y sus conflictos (independencia argelina) quedan ridiculizados ante lo efímero de sus vidas.
La amistad, la dignidad, el intentar acercarse al otro sin dogmatismos políticos ni religiosos, el respeto, la educación como único elemento de salvación y entendimiento, la capacidad de elegir lo correcto a pesar de sus consecuencias... todo ello sobrevuela sobre estos dos personajes que caminan juntos hacia un destino inevitable. Película necesaria y oportuna dado los tiempos que corren donde nos apresuramos a cerrarles las puertas a cal y canto a esos millones de huéspedes que huyen de la barbarie de la enésima guerra.
Para todo ello Oelhoffen apuesta por la sobriedad y la contención con medidas, curradas y emotivas interpretaciones de Mortensen (que también produce) y Kateb. La fotografía y la BSO acompañan con acierto esta reflexión vital cuyo ritmo lento y sus escasos aunque acertados diálogos defraudará a aquellos que esperen aventura y acción. Curioso como el papel de la mujer, tan presente en la vida de Camu queda relegado a una aparición esporádica en unas prostitutas donde el placer se confunde con el refugio donde liberar el aluvión interno que arrastran los personajes en uno de los momentos más emotivos de la cinta.
TU NOMBRE DESPUÉS DE LA LLUVIA
Victoria Álvarez / 2014
Edit. Lumen / 576 págs.
A pesar, a mi juicio, del poco sugerente diseño de portada, descubro gratamente a esta joven salmantina especialista en literatura del XIX, a la que me gustaría preguntarle por qué en la contraportada se alude a esta novela como "Heredera de La dama de Blanco de Wilkie Collins", cuando ni en el fondo ni en la forma tienen nada que ver.
Relato de fantasmas y misterio heredero eso sí, de la novelas decimonónicas de dicho contenido que viene a cumplir con nota con la máxima de M.R. James, autoridad en el género: " «Los dos ingredientes más valiosos en la confección de una historia de fantasmas son, para mí, la atmósfera y un crescendo bien logrado […]. ".
Entretenida, de esas que se leen de un tirón a pesar de sus casi 600 págs. y con personajes adictivos que hacen que uno siga teniendo interés por seguirles la pista en la trilogía de la que forman parte.
Álvarez domina las claves, escribe con un estilo claro y fluido, dosifica muy bien los tiempos y consigue sumergirnos en los ambientes que describe. Por contra la trama tiene los suficientes agujeros como para restarle buena parte de merito al conjunto. O quizá el mayor merito sea que a la postre nos apetezca ser indulgentes con esos "huecos" sin cerrar para dejarnos llevar y disfrutar con un género que, como los fantasmas que vagan por él, aparece una y otra vez para seguir encantándonos. Esta vez en la pluma de una joven compatriota en pleno siglo XXI.
VIENTOS DE AGOSTO
6
1 h. 17 m.
Brasil / 2014
Gabriel Mascaró
Ante tanta saturación de cine de garrafón, uno agradece propuestas interesantes aunque sean irregulares como la que nos propone el documentalista brasileño Mascaro. Esta formula ya contrastada de acercarse a la realidad entreverando la ficción esta dando buenos frutos en las últimas décadas. Esta que nos ocupa más orientada a festivales y espacios artísticos en la linea que propugnaba ya en los años cuarenta Maya Deren que no a salas comerciales poco propicias a la colaboración y reflexión que del espectador requiere este trabajo.
Por que en esta biopsia de una parte de Brasil se encuentra un choque de contrarios (vida-muerte, civilización-naturaleza), un microcosmos particular y endémico que transciende en una visión de la vida más allá de sus fronteras. Mascaro lo sugiere más que lo cuenta dejando que sean los espectadores a través de las imágenes quienes rellenen los huecos y sientan, más que comprendan. Las buenas intenciones afloran de forma esporádica en una narrativa desmembrada, a veces repetitiva y no siempre estimulante. La sensualidad, las formas de vida, el problema ambiental, la explotación social, la ineficacia e indolencia gubernamental aparecen en pinceladas dispersas que imprimen un carácter prometedor a este primer trabajo de ficción de Mascaro.
Irrational Man
6
1 h 36 m.
USA / 2015
Woody Allen
Puntuales como cada año acudimos a la cita con el maestro, siempre esperanzados de recibir una clase magistral y siempre temerosos de que dado su edad pueda ser la última. También sabedores de que las caprichosas musas no siempre son generosas y hay que tirar de oficio para seguir vivo en lo que nos da la vida. Allen recurrió con acierto a "Un tranvía llamado deseo" para regalarnos esa joya que es "Blue Jasmin". Ahora vuelve a tirar de otro clásico y las referencias a "La sombra de una duda" en general y "La soga" en particular de otro maestro como Hitchcock, son más que evidentes. Sin embargo el resultado en esta ocasión es fallido. Adolece de una cierta languidez y desgana formal muy similar a la del profesor de filosofía que compone Phoenix, que a parte de lucir tripita cervecera sin que tengamos claro que es por exigencias del guión, no está a la altura de su calidad como actor en un personaje que daba para mucho mas. Parece que solo las mujeres, Stone y Posey se empeñan en insuflar algo de vida al asunto. La fusión entre los dos maestros, el neoyorquino y el londinense no cuaja en esta ocasión en detrimento del primero.
Este crimen por filosofía dista mucho de ser perfecto.
BATMAN V. SUPERMAN: EL AMANECER DE LA JUSTICIA
8
2 h. 33 m.
USA / 2016
Zack Snyder
Vaya por delante que un servidor aficionado desde su infancia a los tebeos (cómics) no ha salido defraudado de este taquillazo superheroico. Y más cuando la mayoría de la critica le ha sacudido por todos lados y aún esta por ver su rentabilidad económica que justifique el cuarto de billón de dólares que ha costado, a priori algo inmoral con la que está cayendo pero que también genera mucho empleo en la parte que de industria tiene el séptimo arte.
Es complicado ponerse sesudo con la traslación de un cómic (tebeo) a la pantalla y más si es de superhéroes. Los mitos, y en este caso Supermán y Batmán lo son de la cultura popular del siglo XX, pronto serán octogenarios y han pasado y pasaran por "liftings" de fondo y forma repetidamente, con lo cual nunca lloverá superheroicamente a gusto de todos.
La gran pantalla los ha puesto de moda salvándose mutuamente de momento de los peligros que acechan a ambos (las editoriales como MARVEL estaban prácticamente arruinadas) y el cine nunca y actualmente menos puede sustentarse con obras maestras, la más de las veces destinadas a públicos minoritarios.
Como todos los géneros, si no te gusta uno determinado no vayas esperando encontrarte otra cosa y además uno debería aplicar aquello de que: todas las comparaciones son odiosas (MARVEL vs DC, Trilogía de Nolan vs resto, Reeve vs todos..etc, etc). Todo tiene su momento. MARVEL siempre apostó por un lector más juvenil, en un tono más ligero y preñado de humor. DC (Detective Cómics) son herederos directos del cine negro y su campo es más adulto y sombrío en general, siendo Batman el principal valedor de esa linea en una actualidad en la que ya todo se mezcla.
Y es pues en esta linea donde Warner/Snyder apuestan adaptando el tebeo (cómic) original a la puerta abierta por Nolan, Miller y cia para construir un relato pretendidamente épico (por momentos lo consiguen) que de paso con sus dos maestros de ceremonias ilustres al universo DC y su troupe variopinta que augura pingües beneficios, entretenimiento sin complicaciones y tema para que discutan frikis y fans de los cómics (tebeos).
Snyder se pasa de metraje y alterna cine "del bueno" con traca de acción imprescindible en el género. Traca que sobre papel sabe a poco y en pantalla la mayor de las veces empacha. Todo muy bien orquestado técnicamente, con una BSO sobresaliente, y un pulso firme en una dirección que tiene que pagar el peaje correspondiente de licencias argumentales y credibilidad de acción, tiempo, situaciones y personajes propias de los tebeos (cómics). Personajes bien resueltos en general donde Eisemberg se encarga de la interpretación y Affleck y Cavill de las perchas para los trajes. Por cierto que Affleck no desentona en absoluto con la suya.
Larga vida a los cómics (tebeos).
EL DESCONOCIDO
8
1 h. 42 m.
España / 2015
Dani de la Torre
Uno se queda sorprendido de que dado los malos tiempos para la lírica que nos ocupan sigan apareciendo directores nóveles que tengan el arrojo de meterse en el fregao de un cine nacional sin industria y además se atrevan sin prejuicios y con desparpajo a hacer más que dignamente una peli de genero. La misma sorpresa de que sucesos de corte similar al de la película no hallan poblado las primeras páginas en este país cuando tantas familias han perdido su hogar y a la postre sus vidas, literalmente o no, por culpa de una banda de delincuentes organizados sin escrúpulos a los que para mayor escarnio hemos tenido que "ayudar" con nuestros impuestos y la cobertura indecente de nuestros gobernantes y que o siguen de rositas la mayoría o viven en prisión infinitamente mejor que aquellos a quienes han estafado, que en definitiva somos todos.
Y dicho esto dado que el cine puede y debe mezclar entretenimiento con los reflejos de la realidad, Dani de la Torre aprueba con notable en una vuelta de tuerca más a algo que hemos visto demasiadas veces en el cine de Hollywood, igualando virtudes y defectos.
En las primeras, una puesta en escena potente, un excelente montaje y planificación y una dirección que no denota falta de experiencia, al contrario, aunque algunos planos son calcados a otras muchas cintas. Sumemos a Tosar, que se encuentra en un momento dulce de forma y la tensión que con algunos altibajos consigue mantener y acabaremos con un producto nacional por el que ha merecido la pena pagar la entrada.
En el debe el inevitable decaimiento de situaciones tan extremas que aspiran a ocupar todo el metraje, flojita la subtrama de la mujer con una Goya Toledo no muy inspirada, excesivo subrayado social y licencias en un guión que hacen pupa a la credibilidad del conjunto. A saber: una bomba de presión que aguanta carros y carretas, un hermano que no necesita identificación, una jefa de artificieros con más atribuciones de las que parecen propias de su cometido técnico, una segunda bomba sacada de la chistera de recursos del guionista...
LAURA
7
1 h. 28 m.
USA / 1944
Otto Preminger
A pesar de su temprana y exitosa carrera teatral y cinematográfica en Viena a la sombra de Max Reinhardt, no es hasta el estreno y éxito de esta película, ya una vez dado el salto a Hollywood y sufrido su particular via crucis con el preboste de la Twenty Century-Fox, Zanuck, cuando Preminger ocupa un lugar en el mapa del séptimo arte. El mismo sitúa el kilómetro cero de su carrera con esta película de cuyo argumento basado en la obra de la estadounidense Vera Caspary quedó prendado. Caspary vendió los derechos de lo que originalmente iba a ser una obra de teatro que nadie producia con la idea de que un film de bajo presupuesto con actores poco conocidos no daría grandes dividendos. Obviamente se equivocó y precisamente su obra hizo que esos actores se convirtieran en estrellas. Y "Laura" formó parte de la mitología clásica del celuloide.
Se la suele encuadrar dentro del género del cine negro. Personalmente pienso que sus perfiles están más difuminados y a pesar de su estructura de thriller y el arquetipo de policía que encarna Andrews, es en el campo de la novela de misterio decimonónica simbolizado por el famoso cuadro del personaje donde la cinta destila parte de sus mejores aromas.
He de reconocer que no soy un enamorado de "Laura" como personaje central ni de la película en sí cuyo guión escrito a tres manos hace aguas por bastantes sitios y no creo que la monolítica composición de Andrews esté a la altura de la obsesión de su personaje por la misteriosa Laura por mucho que Preminguer le ponga a hurgar en los cajones, leer cartas u oler su perfume. Por otro lado la indudable belleza y buen hacer de Gene Tierney a sus 24 añitos no me seduce ni me intriga tanto como propone el argumento. A pesar de la excelente fotografía de Joseph Laselle que se llevó el Oscar Tierney carece aquí, a mi juicio, de la magia de Ingrid Berman en "Casablanca", Dietrich en "El expreso de Shangay" o Fontaine en "Rebeca", por poner algunos ejemplos. Tampoco me creo que su personaje tal y como lo plantean por mucho musculo que tengan Andrews y Price llegue a enamorarse de ninguno de ellos.
Así pues nos queda solo la resolución del misterio, el mimo conque dirige Preminguer deambulando por esos apartamentos imposibles cargados de objetos y sobre todo para un servidor la gran baza de la cinta: el personaje de Waldo Lydecker, interpretado brillantemente por la estrella teatral en ese momento Clifton Webb que a sus 55 años deja su tarjeta de presentación en este medio, bordando su papel, cargándolo de matices, creando un estereotipo a su imagen y semejanza real y de paso llevándose una nominación bajo la presión de un Zanuck que no le quería para el personaje. Fue otro de los hallazgos de Preminguer.
El personaje de Webb inmediatamente trajo a mi memoria al Andrew Wyke de Olivier en "La Huella" o el Anton Ego de "Ratatouille", doblado por O´Toole. Webb esta maravilloso ejerciendo de columnista omnipotente y elitista que ejerce de Pigmalión con una Laura de la que se considera su creador o su extensión femenina reflejo de su latente homosexualidad hábilmente insinuada por Preminguer y cuyo matiz no desagradaría al propio Webb declarado homosexual.
El tridente formado por Preminguer, Webb y la propia intriga se bastan y sobran para dejar una huella perecedera y siempre disfrutable tan recordada como el tema central de su música.
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LOS CABALLOS DE DIOS
9
1 h. 53 m.
Marruecos / 2012
Nabil Ayouch
Resulta complicado a la vez que oportuno reflexionar sobre esta excelente película a tan solo unos días de la tragedia ocurrida en Bruselas el pasado día 22. En el apartado más estrictamente cinematográfico sobresale la dirección del franco-marroquí Ayoud con una edición de montaje impecable al servicio de un guión del propio Ayoud que si no profundiza en los muchos y variados elementos socio culturales del problema si que ayuda a entender buena parte de él. Una parte básica como es la marginalidad derivada de la pobreza material y cultural donde siempre las religiones de todo tipo han tenido a través de la historia su particular rió revuelto para justificar sus ganancias de "pescadores". Muchos de los que acaban ciñéndose un cinturón de explosivos no provienen de entornos ni países subyugados como ocurrió con la fascinación que ejerció el falso espejismo de la revolución rusa en el pasado siglo que atrapó en sus cantos de sirena a muchos estudiantes acomodados de las prestigiosas universidades inglesas. El totalitarismo y la dictadura soviética también supo ocultar su verdadero rostro y captar fuera de su entorno a muchos que pensaban combatir injusticias radicales del "mundo moderno civilizado" con acciones más radicales aún.
Ayoud se centra exclusivamente en el problema en origen, intentando comprender sin juzgar desde la individualidad y problemática de cada cual la cuestión general.
Emotiva, bien interpretada y mejor dirigida, donde la "mano" del director se hace invisible para estar siempre presente. Aleccionadora, pone rostro y vida a aquellos que se ven manipulados por muchos factores a quitar injustamente en una espiral de violencia la de los demás.
HEIMAT - LA OTRA TIERRA
9
3 h. 45 m.
Alemania / 2013
Edgar Reitz
Edgar Reitz profesor y director cinematográfico alemán comenzó su extensa filmografía a finales de los 60, pero fue a partir del 84 cuando ocupó su lugar en la historia con el estreno de la primera parte de Heimat (Patria), una serie que repasa la vida de Alemania desde 1919 al 2000, tomando como base un pueblecito ficticio, Schabbab, en la zona de Hunsrück en su Renania natal.
La serie que consta de tres partes y más de 50 horas le ha llevado 30 años de su vida y ha obtenido premios y reconocimientos. Ahora a sus 83 años nos regala otra entrega más. En este caso a modo de precuela ambientada a mediados del XIX, cuando se produjo una emigración masiva de la zona, mayoritariamente a Brasil, debido a la pobreza acrecentada por las malas cosecha y el abandono gubernamental.
Rodada en un exquisito blanco y negro con alguna pincelada de color, peca de un perfeccionismo extremo (fotografía, encuadres, diálogos...) que como bien apunta "Servadac" (filmaffinity/23-06-2014) merma en cierta medida su credibilidad etnográfica a favor de su vertiente más metafórica y poética. Una maravilla en cualquier caso de ritmo pausado que nos sumerge en los avatares y anhelos de una familia y su entorno geográfico y social de la que no podemos desengancharnos en sus casi cuatro horas de metraje.
reloj
6
1 h. 40 m.
Líbano / 2013
Amin Dora
Esta fábula costumbrista bienintencionada nos llega con retraso desde una cinematografía poco conocida como es la libanesa y con un director novel que indudablemente apunta maneras. De cine costumbrista sabemos un rato por estos lares, incluso de temática similar como fue la sin par "Los jueves milagro" (1957) del maestro Berlanga. No parece que el reputado y polifacético (actor, escritor, director, guionista de cine en su país) Georges Kabbaz, que aquí firma el guión y protagoniza esté, de momento, a la altura del genio valenciano.
Lo mejor es el ambiente del barrio de Batroun, donde nació Kabbaz y que dicen es una de las ciudades más antiguas del mundo. A lo mejor por eso sus gentes que conforman el reparto coral son un arquetipo algo friki de las singularidades de un ser humano egoísta que solo una vez alcanzado su propio beneficio piensa en ser justo con los demás y al que no le importa creer en lo irracional siempre que le cumplan sus deseos.
Uno no tiene muy claro si denunciar esto ha sido el propósito del film, que intenta mezclar el humor con el drama para que al final los mezquinos y sufridos habitantes del barrio nos caigan bien y todos comamos perdices.
A lo mejor, como le sucedió a Berlanga con su película, no interesaba al mercado económico y moral que el asunto dejara un poso amargo y había que dulcificarlo.
En cualquier caso se deja ver con agrado y la mente vuela nostalgica a aquellos elencos de actores principales y secundarios (Isbert, Vázquez, Alexandre, Muñoz Sampedro) que habitaban los mundos berlanguianos.
EL CASO HEINEKEN
5
1 h. 34 m.
Bélgica / 2015
Daniel Alfredson
Segundo film en apenas cuatro años sobre el secuestro del cervecero millonario Heineken, el primero interpretado por Roger Hauer en 2011 y Anthony Hopkins en el que nos ocupa. Ambos proyectos sin pena ni gloria. Aquí una coproducción con rostros internacionales que apenas dejan traslucir su talento en los pocos minutos que el guión dedica a los personajes, en una narración coral de corte televisivo que el sueco Alfredson dirije de forma desganada y que no dejará ninguna huella en el género. Apenas nos enteramos de unos hechos que podíamos haber leído en la prensa sin necesidad de acudir a la sala. Esperemos algún día la tercera versión.
CITA EN SAN LUIS
8
1 h. 52 m.
USA / 1944
Vincente Minnelli
Mientras que el resto de territorios del mundo se alfombraba de cadáveres, la fábrica de sueños sabía que no todo podían ser hazañas bélicas en la gran pantalla. El rearme moral sobre una sociedad que fruto de la guerra empezaba a quedarse sin referencias de todo tipo también era necesario y cada cual se aplicaba a ello. El lobby cristiano ya había conseguido el Oscar (7) ese mismo año con "Siguiendo mi camino" (Leo McCarey).
En este marco se encuentra este delicioso y acaramelado musical basado en los relatos semiautobiográficos de Sally Benson a la que representa la notable actriz infantil Margaret O´Brien en su papel de la tierna y repipi Tootie Smith que a la postre fue la única que se llevó un Oscar especial de las 4 nominaciones con que contaba la cinta. Sally Benson llegó a ser una reputada guionista con algunas nominaciones.
"Meet me en St. Louis" es ante todo un buen musical, brillante y divertido en su primera hora sobre todo con momentos notables sobre el amor adolescente en los que Judy Garland ejerce con convicción su papel de estrella total, bien arropada por un reparto muy eficaz.
Pero sobre todo esta película tiene su lugar en la historia gracias a que Minnelli consiguió liberar al género de su encasillamiento en los teatros. A partir de ahora en cualquier lugar y acorde con la situación de la trama cualquiera de los personajes podía cantar y bailar. El molde estaba creado.
El diseño de producción es notable en atmósferas y vestuario de un St. Luis en el estado de Misuri, considerado la puerta al Oeste, un lugar a mitad de camino entre los polos opuestos de Nueva York y San Francisco. Un San Luis que en 1904 albergó no solo la Exposición Universal sino los Juegos Olímpicos de los que curiosamente no se habla en la cinta.
La malograda Garland tras un aborto el año anterior se divorció de su marido e inicio un relación con Minnelli que acabaría en boda el año siguiente en una historia personal muy alejada del mundo de colores idílicos de los musicales de Minnelli.
EDEN
6
2 h. 11 m.
Francia / 2014
Mia Hansen-Love
A sus 37 años y con un bagaje de cinco largos, Hansen-Love es ya una de las directoras y guionistas más interesantes del panorama actual. A sabido, entre otras cosas, recibir y hacer evolucionar la herencia de la "nouvelle vague" al servicio de sus guiones, siempre hasta la fecha, relacionados con experiencias vitales propias o de su entorno más cercano.
Su cine rezuma pues esa mirada personal a la que parece no importarle mucho sus posibilidades comerciales y tomándose todo el tiempo que necesite o le apetezca para narrar con evidente maestría aquello que le interesa.
Y dicho esto, a cada espectador le puede llegar en menor o mayor medida su trabajo. Este que nos ocupa está por un lado acotado por la atmósfera musical de la música de Dj,s y su espídica evolución en los 90 que arrastró y devoró a sus hijos en una ola cambiante en la que era muy difícil saber adaptarse para no acabar engullido por ella. Co-guionizada con su hermano que fue uno de esos DJ,s, se nota el mimo con el que la directora trata a sus personajes a pesar de una frialdad formal que puede poner a prueba nuestra paciencia como espectador y más si pensamos que una vez más en su obra se excede de metraje y tiene momentos redundantes. Al final consigue emocionarnos y hacernos reflexionar más allá del leit motiv musical.
Reconozco que es el trabajo que menos me ha gustado de su brillante trayectoria.
DOS AÑOS, OCHO MESES Y VEINTIOCHO NOCHES.
Salman Rushdie / 2015
Editar. Seix Barral
400 págs.
Toma como referencia la recopilación de cuentos tradicionales orientales realizada en la Edad Media en lengua árabe "La mil y una noches" (el título aparece aquí desglosado en años meses y días). El escritor británico nacido en Bombay y estigmatizado por su condena a muerte a finales de los ochenta por el ayatolá Jomeini al que parece ser no le hizo mucha gracia "Los versos satánicos", novela que público Rushdie en el 88, nos sorprende, al menos a un servidor, con una joya original, ambiciosa y exquisita de imaginación y reflexión sobre la esencia de los seres humanos.
Mi "experiencia" con el autor empezó con mal pie identificando sus "versos" con la política y acabó por desinteresarme con la infumable versión cinematográfica de su obra más laureada "Hijos de la medianoche" perpetrada por Deepa Mehta en el 2012.
El caso es que la espera a valido la pena y solo por la obra que nos ocupa Rushdie ocupará un lugar preeminente en mi biblioteca.
La fuerza narrativa y el estilo multidisciplinar con que nos cuenta esta historia, plagada de humor y referencias inagotables de todo género, donde el realismo mágico se fusiona con los cuentos, la ciencia ficción, la filosofía...apabulla en su primer tercio sin que nos pese lo más mínimo.
La enjundia sobre todo tipo de facetas humanas y míticas pasadas presentes y futuras nos acompaña en un recorrido con algunos párrafos y disquisiciones para enmarcar.
A la postre la razón y la fe aparecen como el trasfondo más importante de un ser humano que en esencia no puede dejar de contarse historias para intentar comprender la suya propia.
Imprescindible.
Mi "experiencia" con el autor empezó con mal pie identificando sus "versos" con la política y acabó por desinteresarme con la infumable versión cinematográfica de su obra más laureada "Hijos de la medianoche" perpetrada por Deepa Mehta en el 2012.
El caso es que la espera a valido la pena y solo por la obra que nos ocupa Rushdie ocupará un lugar preeminente en mi biblioteca.
La fuerza narrativa y el estilo multidisciplinar con que nos cuenta esta historia, plagada de humor y referencias inagotables de todo género, donde el realismo mágico se fusiona con los cuentos, la ciencia ficción, la filosofía...apabulla en su primer tercio sin que nos pese lo más mínimo.
La enjundia sobre todo tipo de facetas humanas y míticas pasadas presentes y futuras nos acompaña en un recorrido con algunos párrafos y disquisiciones para enmarcar.
A la postre la razón y la fe aparecen como el trasfondo más importante de un ser humano que en esencia no puede dejar de contarse historias para intentar comprender la suya propia.
Imprescindible.
EVEREST
6
2 h.
USA / 2015
Baltasar Kormákur
Durante la primera hora, o más, asistimos a un deja vu, de aquellas películas de catástrofes de los 70 como "Aeropuerto" o "Terremoto" con la sobada presentación de los personajes y como van llegando a donde va a ocurrir la tragedia. Lo más grave es que la amplia panoplia variopinta de personajes con apellidos de actores de renombre carecen de desarrollo posterior que queda fagocitado por el propio monte Everest y la propia tragedia en sí que no puede por menos de sobrecogernos.
Los personajes reales en que se basa merecían un mejor tratamiento para el recuerdo aunque queda constancia de la generosidad, valentia y aceptación ante los hechos en los hombres y mujeres de montaña, amén del circo turístico monetario en que se ha convertido lo que fue en tiempos una aventura, un viaje personal épico e intransferible.
El presupuesto se luce en tomas aéreas y buena fotografía en una película acotada por su género y evidentemente no de las mejores.
B
7
1 h. 18 m.
España / 2015
David Ilundain
El desprecio que me provoca este corrupto, administrador de corruptos y la reflexión subsiguiente sobre los entramados que a través de los siglos nos hemos dotado para que por secula seculorum unos pocos vivan a costa del resto de muchos daría para muchas lineas donde el cine ocuparía un pequeño pero importante rincón desde el que tomar nota y reflejar y denunciar la realidad, acaso de forma inmediata como es el caso o distorsionarla como elemento propagandístico de dichos entramados. Hollywood, Bollywood y cualquiera que maneje posibles sabe de que estamos hablando, como lo sabia Goebbels. Salvando por supuesto las distancias entre unos y otros.
El caso es que las luchas intestinas del partido en el poder hacen que este señor B diga lo que dice y Alberto San Juan tarde cero coma en cazarla al vuelo y montar una obra de teatro (Ruz-Barcenas) de la que es transposición, con los mismos actores principales, el film que nos ocupa. (Le sugiero muchos más títulos variados: los ERE, El "hermanisimo", RUMA S.A., La sindi Esfera Armilar, "Una de Cal" o "Los Tres destructores masivos" y ya puestos la vergüenza nacional de como manejaron nuestras clases políticas de todos los colores el horror del 11-M)
"B" lo dirige el novel David Ilundiain que sale airoso del cuartito donde se desarrolla la acción, dejando básicamente que Pedro Casablanc de un recital de interpretación, convenciéndonos de que él y no el auténtico Barcenas a vivido de primera mano todo lo que cuenta. El resto del elenco, con Manolo solo como el Juez Ruz, están a la altura.
¡Ah, si Montesquieu levantara la cabeza!
REINA Y PATRIA
7
1 h. 54 m.
Reino Unido / 2014
John Boorman
a
Todo huele a nostalgia, a ecos de una vida. En este caso la del maestro Boorman que a sus 83 años parece intuir la despedida y ha querido añadir a las que ya nos contó en "La esperanza y la gloria" (1987) un capítulo más, el de la adolescencia, sus vivencias personales semiautobiográficas. Adolescencia que se forma y cuaja en un ambiente militar de posguerra que entronca directamente como muy bien ha apuntado Javier Ocaña en El País con "Vida y muerte del Coronel Blimp" (1943) de los "arqueros" Powell y Pressburger.
A la crítica y sátira de un estamento militar enredado en caducos códigos militares, añade Boorman el relevo de la nueva generación. Hombres y mujeres que verán el mundo de forma diferente y cuyas costumbres sociales se liberarán en previsión de que la siguiente guerra no les pille sin haber vivido lo suficiente. Amor, amistad y mucho humor aderezan este casi testamento de Boorman que dirige sin alardes, de forma clásica, aferrado a la maestría de toda una vida.
No es una obra sobresaliente y hubiera ayudado un actor con más carisma que Calllum Turner, pero en cualquier caso deja un agradable sabor de boca en la hipotética despedida de Boorman.
LOS HÉROES DEL MAL
5
1 h. 38 m.
España / 2015
Zoe Berriatúa
Dice el novel Berriatua, patrocinado por Alex de la Iglesia, que con esta propuesta: "no quiero dar una respuesta masticada" a los problemas que pueden surgir en la adolescencia en una parte de aquellos que se sienten marginados por unos u otros motivos. Pues la verdad es que a mi juicio, si que hubiera debido masticar un poco más el lenguaje narrativo de la misma para un bocado cuyo guión es del propio director, que se me antoja demasiado grande y poco cocinado y que a la postre acaba por atragantarse. Mucha carne dura de roer para dientes tan tiernos.
Hay que alabar el arrojo de ir a por todas con una opera prima y el esfuerzo de resultados irregulares de su trío protagonista. Materia haberla hayla: la incertidumbre vital, la presión del entorno social, la búsqueda de la identidad y afecto, la iniciación sexual, el dilema moral..., un torbellino de emociones en fase primaria que Berriatua no acaba de dar con la clave para contárnoslo con acierto y se pierde en los mismos pasillos de un laberinto del que no encuentra salida y acaba por hacer un agujero algo burdo y precipitado para poder dar por terminado, al menos filmicamente, el asunto.
YO ANDUVE CON UN ZOMBIE
8
1 h. 9 m.
USA / 1943
Jacques Tourneur
Otra pequeña joya del tandem Tourneur-Lewton, director y productor que acertaron a suplir la falta de dinero con arte e imaginación. Aquí el guión de Siodmack y Wray trata sobre la historia de las experiencias de Inez Wallace en Haiti acomodadas al argumento de la Jane Eyre de Brontë.
Encuadrada dentro del grupo de cintas de terror barato pero inteligente con los que la RKO quiso unirse a la senda que había iniciado las cintas de la Universal.
Probablemente junto con "La mujer Pantera" (1942) la mejor de ellas, debe buena parte de su éxito artístico a la excelente fotografía de J. Roy Hunt que da todo un recital de juegos de sombras de todo tipo creando una atmósfera inquietante y exótica y a la maestría de Tourneur que dirige con una elegancia proverbial y sabe optimizar al máximo los decorados con unos encuadres precisos y efectivos. El éxito popular vino dado por la novedad del mundo del Vudú y los zombies que todavía no habían pasado por el filtro gore de Romero ni explotado (a veces literalmente) por el reciente fenómeno de "Walking Death". Parece pues que los zombies siempre son garantias de éxito en taquilla.
Defraudará a aquellos que esperen vísceras y sangre y seguirá enamorando a aquellos que preferimos los cuentos y las historias misteriosas y evocadoras. El escaso desarrollo de los personajes (bien interpretados) consigue sin embargo dejar en el aire preguntas sobre ellos que dan para que el espectador rellene los huecos con su propia imaginación. !Qué tiempos!
LA VISITA
6
1 h. 34 m.
USA / 2015
M. Night Shyamalan
Por mucho ahínco que haya puesto en cavar su propia tumba, Shyamalan aún colea. Los tiempos de grandes presupuestos quedan lejanos y el director indio pasados ya 17 añitos de aquel "Sexto sentido" que parecía poseer para las historias con aires de cuentos de misterio intenta redimirse volviendo a los orígenes de forma más humilde. Durante buena parte del metraje lo consigue mezclando humor con intriga y excelentes actuaciones del elenco destacando la de los dos excéntricos chavales y la estupenda Kathrin Hahn en sus cortas intervenciones.
Shyamalan parece disfrutar y nos regala algo de la magia que posee como realizador en algunas tomas pero al final, una vez más, el guión no sabe rematar la faena y recibe varios avisos teniendo que descabellar in extremis. Valga el símil taurino sin que sirva de precedente. No al maltrato animal.
AMERICAN ULTRA
5
1 h. 35 m.
USA / 2015
Nima Nourizadeh
Hay que reconocer que este segundo trabajo de Nourizadeh, londinense de origen iraní bregado en vídeos musicales, tiene un punto (parodia de géneros, humor negro, estética de cómic, romance juvenil...) tanto formal como de fondo que sirve para que nos enganchemos a esta historia como a un buen tebeo que entretiene y pasa rapidito. Pero tales presupuestos son abandonados a los 30 minutos para, una vez más en el cine USA, caer en la mediocridad de una vulgar peli de acción donde los tópicos en las acciones y personal secundario se repiten "ad infinitum". La escena en el supermercado ya la habíamos visto recientemente en "El protector" (Antoine Foqua / 2014) con un Denzel Whasington más curtido en esos avatares.
El prestigio deEisemberg y Stewar consigue salir indemne por los pelos.
UNA SEGUNDA OPORTUNIDAD
5
1 h. 45 m.
Dinamarca / 2014
Susan Bier
Descubrí a Susanne Bier con la excelente y oscarizada "En un mundo mejor" (2010). Personalmente también me gustó su siguiente trabajo, esta vez en clave de comedia "Amor es todo lo que necesitas" (2012) pero sus dos últimas entregas le están restando el crédito que le había concedido sin menospreciar su extensa carrera desde el 91 que desconozco.
El caso es que aquí nos plantea un drama tremebundo y tremendista bien interpretado por sus actores pero con el que parece que no sabe muy bien que hacer con él. Se regodea, a mi juicio excesivamente en la brutalidad humana sobre los más indefensos y abusa de tomas de bebés que acaban por inundar la pantalla en un lucha de opuestos que no merecía tanto subrayado. Por otro lado el ritmo es irregular y la historia se atasca, no avanza por mucho que intercale algún giro que llega demasiado tarde. La critica social no casa muy bien con ese puñado de planos de la naturaleza que sigue su curso ajena a las tribulaciones de los hombres y el buen hacer de Coster-Waldau acaba por ser repetitivo en una intriga que aguanta solo los minutos iniciales.
Otra vez será Susanne.
PERFIDIA
7
1 h. 51 m.
Reino Unido / 1943
Leslie Arliss
En 1924 nacen los Estudios Gainboroughs en Inglaterra como filial de Gaumont-British. Toman su nombre del pintor inglés Thomas Gainboroughs del siglo XVII y su finalidad es producir películas de serie B y melodramas. Mira por donde estos últimos obtienen un tremendo éxito popular y dan lugar a una serie de ellos que acaban por ser los que identifiquen para la historia a los propios Estudios. Por ellos pasaron a modo de plantilla más o menos fijas una serie de actores y actrices que se encumbrarían o les servirían de trampolín para sus posteriores carreras. Nombres como James Mason, Steward Granger, Margaret Lockwood o Phylis Calbert. Todos protagonistas de esta historia (The man on grey) que inició esta serie que se prolongaría hasta el 49 y que contribuyó poderosamente al escapismo de las gentes en tiempos de guerra y posguerra.
Realizados con una notable ambientación en estudio a mayor gloria de un vestuario de época, buenas interpretaciones y guiones sacados de novelas de éxito contemporáneas como esta de Eleanor Smith cuya obra siguió siendo inspiración para los films.
A "Perfidia" le sobra metraje, está notablemente fotografiada y los caracteres de los personajes bien definidos como arquetipos de valores opuestos: mal-bien, hombre-mujer y clases sociales.
Trufado de humor, amor, enredo y violencia fue un gran éxito de público y una demostración de que los británicos podían producir películas que compitieran en la taquilla con los productos de Hollywood.
La dirigió un Leslie Arliss en nómina de los Estudios pero en declaraciones de Phylis Calbert fue el productor, Edward Negro el artífice del éxito de la película.
Como curiosidad James Mason estaba propuesto para el papel de galán que luego interpretaría Granger. El astuto Mason pidió que se lo cambiaran por el malvado marques Rohan. Ambos Mason y Granger salieron ganando.
Mallas de la TARDE
9
14 m,
USA / 1943
Maya Deren / Alexander Hammid
Uno que no pasa de ser un aficionado compulsivo al cine, cada día va descubriendo cosas nuevas. Maya Deren(kowsky), nacida en Kiev, de cultura cosmopolita y nacionalizada norteamericana, habitante en el Nueva York más creativo se me revela como en una aparición onírica de su cine experimental y me sorprende con su visión integral de un cine-arte en las antípodas del cine-ocio de Hollywood donde confluyen danza, poesía, psicoanálisis y técnica fílmica con la gran experiencia de su marido el fotógrafo y cámara Alexander Hammid , al servicio de una experimentación creativa que se sumerge en el surrealismo, sea cine surrealista o no y que nadie mejor que ella para definir este "entramado de la tarde", su primer trabajo terminado y premiado: “Esta película se ocupa […] de las experiencias de un individuo. No registra un evento que podría ser presenciado por otras personas. Más bien, reproduce la manera en la que el subconsciente de un individuo desarrollará, interpretará y elaborará un incidente aparentemente simple y casual y hará de él una experiencia emocional crítica. […].
Se ha dicho que su obra son poemas visuales o sueños convertidos en películas, cine de trance, psicodrama...
En cualquier caso y con el permiso de Buñuel una autentica revolución conceptual, de una modernidad sorprendente, preñada de belleza, lirismo, misterio... y todo ello en el 43 abriendo la mente y la cámara a muchos creadores posteriores que aplicaron la libertad creativa a las películas de las grandes salas, como David Lynch.
Madre del cine de vanguardia norteamericano, la danza, el vudú y el psicoanálisis fueron algunas de las influencias más importantes en un trabajo inclasificable. Arte por amor al Arte.
MIENTRAS SEAMOS JÓVENES
6
1 h. 37 m.
USA / 2014
Noah Baumbach
El anterior trabajo de Baumback, "Frances H" (2012), otra comedia neoyorkina, a quien escribe le dejó muy buen sabor de boca. Confieso que en esta nueva entrega no acabo de pillarle el punto a lo que nos quiere contar, amén de la crisis de los 40 de una pareja de documentalistas que provoca de paso una reflexión sobre la verdad objetiva o subjetiva de los creadores en ese género. Ambas siguen la estela de Allen y el director conserva el buen pulso para filmar un guión en este caso errático que abarca pero no aprieta. En algunos momentos afila la punta satírica y provoca la sonrisa pero no acaba de navegar bien entre esta y el drama de aceptarse a uno mismo según pasan los años.
Adoro a Naomi Watss y solo por verla bailar hip-hop a sus estupendos 46 años vale la pena el rato. Los esfuerzos de Stiller por dejar de ser el gracioso de turno son loables pero...
RUSIA
Edward Ruthefurd
Rocabolsillo / 2015
868 Págs.
La formula a la que ya nos tiene acostumbrados Rutherfurd de combinar sagas familiares noveladas para ejercer de divulgador histórico sobre ciudades o países sigue dando frutos razonables que entretienen y enseñan como el libro gordo de Petete.
Ahora toca reeditar una obra de hace unos años que se atreve a concentrar 1.800 años de historia de un país y sus gentes difuminados y demonizados por occidente en base a la guerra fría y su pasado totalitario más reciente. Un totalitarismo que siempre ha planeado como una losa en las vidas de un pueblo marcado por la religión y el paternalismo aristocrático y despótico de sus zares y nobles.
Ruthefurd, ensambla historias diferentes que confluyen a lo largo de los siglos e intenta capturar la idiosincrasia de los pueblos y etnias que conforman la madre Rusia.
En mayor o menor medida da un repaso a sus hechos históricos más notables acercándonos a falta de estudios más sesudos a un vecino que como se suele decir está tan cerca y tan lejos.
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| GEORGE KENNEDY (1925-2016) |
Cumplidos los 40, en la década de los 60 George Kennedy tuvo en la gran pantalla sus mejores momentos y se convitió en un rostro y un físico reconocible, amén de su talento como actor versátil, casi siempre de reparto, que fue recompensado con un Oscar en el 67 por "La leyenda del indomable" (Stuart Rosemberg) donde le daba la réplica a Paul Newman. En las siguientes décadas sus abundantes colaboraciones en cine y televisión le convirtieron en ese secundario de referencia que aportaba lustre a productos y papeles inferiores a su valía y así se fue difuminando en la historia del celuloide a pesar de seguir trabajando hasta hace tan solo un par de años.
Siempre me cayo bien y su careto y buen hacer quedarán en nuestro recuerdo cinéfilo.
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CORAZÓN SILENCIOSO
8
1 h. 37 m.
Dinamarca / 2014
Bille August
La sombra de Bergman (Ingmar) es alargada. August que andaba ciertamente algo perdido últimamente ya ganó una Palma de Oro en el 92 ("Las mejores intenciones) colaborando con el sueco. Aquí vuelve a rondar su espíritu en una cita programada con la muerte de una mujer con una enfermedad mortal y a la que son invitados sus seres más queridos en una "celebración" de despedida. La aceptación de la libertad de cada cual para decidir el final de sus días con dignidad y sobreponerse al miedo y la conciencia de lo inevitable planea sobre este grupo de nórdicos civilizados que son el exponente del camino que aún queda por recorrer en este tema tan inexcusable como delicado.
Ejemplares la interpretación de los actores, la presencia de la casa familiar, la fotografía y la música respetuosa y evocadora y sobre todo el tono sereno, neutral e intimo, con el que August filma sin caer en dramatismos melodramáticos. La cosa podía haber dado para más, para profundizar en los recovecos de los personajes, algunos de ellos infrautilizados pero lo que queda es más que suficiente para que asistamos con emoción a la reflexión que nos plantea el guión de Christian Torpe.
El cine viene tratando con acierto últimamente este tema tabú en los inicios de un siglo XXI que demanda respuestas sociales al respecto.
LA SOMBRA DE UNA DUDA
8
1 h. 48 m.
USA / 1943
Alfred Hitchcock
Trigesimo segundo film de la filmografía del "maestro del suspense". En el 43 Hitchcock ya esta asentado en los USA, ha triunfado, a pesar de que personalmente no se llevó ningún Oscar (a excepción del honorifico a toda sus carrera posteriormente), tiene problemas con el productor que le ha traído al otro lado del atlántico O. Seltnizk el cual ejerce un férreo control sobre las películas que produce y tiene muy recientes las muertes de su madre un año antes y su hermano ese mismo año. En este contexto recibe guiones de Margaret McDonell, jefa del departamento literario de Seltnizk y (¿casualidad?) el director elige "Tio Charlie" escrito por el marido de Margaret, Gordon McDonell.
Segundo trabajo con la Universal en el que Hitchcock se aplica adaptándose a rodar en exteriores mas de lo que acostumbra, básicamente en el pueblo de Santa Rosa en California, dado que en plena guerra los estudios no estaban para florituras escénicas. Tras la frustración de no poder conseguir a actores de primera linea en su anterior película (Sabotaje), aquí cuenta con una joven Teresa Wright que figura como cabeza de cartel gracias a sus tres nominaciones consecutivas al Oscar en sus recientes comienzos y un Joseph Cotten, que apenas dos años antes había debutado públicamente en el cine de la mano de Orson Wells con Ciudadano Kane y empezaba a labrar su propia leyenda.
Ambos están estupendos en una historia que tiene más recovecos que los que plantean su MacGuffin como thriller psicológico. Desde la presentación gemela de ambos protagonistas creando un lazo indisoluble entre ambos, a la pulsión sexual de la sobrina por su tío, el hastío vital que les embarga a ambos, la dura crítica social para la época vertida a través del personaje de Cotten contra las viudas ociosas, la acomodaticia posición de la policía para quien lo más importante no es el quien sino el alguien que pague el pato, el valor de las apariencias de la comunidad (si eres guapo y con pasta no hay preguntas incomodas)...
Aún contrapuntea Hitchcock con la pareja que frivoliza con las mil y una maneras de cometer el crimen perfecto y esa madre que es la escusa para que nada salga a la luz.
El maestro se luce con variedad de planos en momentos cúlmenes flojeando en la resolución final y lo empasta todo con la excelente fotografía de Joseph Valentino.
El prestigioso novelista y dramaturgo Thornton Wilder apenas trabajo lo suficiente en el guión para dejar algún poso en la atmósfera familiar y del entorno provinciano y sus gentes.
En definitiva un trabajo notable que a quedado un poco soterrado entre la gran popularidad de otros films de Hitchcock. El propio director llegó a decir que era uno de sus trabajos preferidos. Estamos de acuerdo.
Ambos están estupendos en una historia que tiene más recovecos que los que plantean su MacGuffin como thriller psicológico. Desde la presentación gemela de ambos protagonistas creando un lazo indisoluble entre ambos, a la pulsión sexual de la sobrina por su tío, el hastío vital que les embarga a ambos, la dura crítica social para la época vertida a través del personaje de Cotten contra las viudas ociosas, la acomodaticia posición de la policía para quien lo más importante no es el quien sino el alguien que pague el pato, el valor de las apariencias de la comunidad (si eres guapo y con pasta no hay preguntas incomodas)...
Aún contrapuntea Hitchcock con la pareja que frivoliza con las mil y una maneras de cometer el crimen perfecto y esa madre que es la escusa para que nada salga a la luz.
El maestro se luce con variedad de planos en momentos cúlmenes flojeando en la resolución final y lo empasta todo con la excelente fotografía de Joseph Valentino.
El prestigioso novelista y dramaturgo Thornton Wilder apenas trabajo lo suficiente en el guión para dejar algún poso en la atmósfera familiar y del entorno provinciano y sus gentes.
En definitiva un trabajo notable que a quedado un poco soterrado entre la gran popularidad de otros films de Hitchcock. El propio director llegó a decir que era uno de sus trabajos preferidos. Estamos de acuerdo.
ÁTICO SIN ASCENSOR
7
1 h. 32 m.
USA / 2014
Richard Loncraine
Probablemente el que esta película sea absolutamente disfrutable tenga que ver con la edad del espectador. Esa edad en la que a uno le embarga la nostalgia y todavía tiene resuello para apurar la copa de la vida hasta el último trago, por amargo que este sea. Si además Keaton y Freeman estan bien engrasados pues miel sobre hojuelas.
También es cierto que el guión regatea sin pudor el lado oscuro de la moneda, pero incluso esto dado los tiempos que corren se agradece de vez en cuando. Brooklyn versus Manhattan, el arte versus el negocio. El amor como último bastión contra la estupidez de los que tienen prisa por vivir una vida demasiado corta. En su no muy brillante carrera Loncraine nos deja esporadicamente alguna gota de celuloide evocador.
LAS SILLAS MUSICALES
6
1 h. 23 m.
Francia / 2015
Marie Belhomme
La idea de partida es atrayente y el don de la empatia que posee Isabelle Carré, esa Amy Adams francesa, hace que el asunto se siga con interés y con alguna que otra sonrisa, pero el desarrollo del guión escrito a dos manos por la propia directora y Michele Leclerc se enroca en si mismo y no progresa hacia un final a la altura de la propuesta. Marie Belhomme lo filma con soltura con un buen apoyo fotográfico de Penelope Pourriat.
Las gotas de soledad y patetismo que imprime Carré a su personaje dan mayor consistencia a un personaje que merecía mejor desarrollo. Carmen Maura se deja ver en un secundario episodico cuyo potencial Belhomme acaba desperdiciando, dando minutos a otra galería de personajes que no aportan demasiado.
RICKI
5
1 h. 41 m.
USA / 2015
Jonathan Demme
Jonathan Demme, 74 años, tuvo su momento de gloria con "El silencio de los corderos" (1991). Nunca, ni antes ni después repitió el éxito, aunque "Philadelphia" cosechara algunos premios. Su carrera desde el 74 ha ido subsistiendo entre documentales y televisión. Esta segunda colaboración con "La Streep" desgraciadamente no bebe de las últimas hornadas televisivas que son capaces de ganarle el pulso a la gran pantalla sino que entronca directamente con los más rancios y trillados telefilms de sobremesa que se resisten a dejar su hueco perenne para facilitarnos la siesta.
La Streep a sus 66 tacos puede con todo lo que le echen y supongo que le haría gracia transformarse en una vieja rockera y olvidarse del sobado guión y el bueno de Kevin Klane últimamente no está como para despreciar nada.
Para los fans de la diva y público de sofá.
DEADWOOD (Serie de TV).
7
3 Temporadas. 36 capítulos.
USA / 2004-06
David Milch / HBO
A querido la casualidad, o el inconsciente o vaya ud. a saber, que después de visionar "Incidente en Ox-Bow" (1943) haya saldado la deuda pendiente de ver esta serie considerada de culto en el género del western, galardonada con un puñado de Emmys hace ya más de una década. Ambas, película y serie tienen muchos puntos en común y se puede decir sin lugar a dudas que de aquellos polvos vienen estos lodos y nunca mejor dicho en el ambiente malsano y embarrado de "Deadwood", población fronteriza donde la fiebre del oro atrajo a todo tipo de buscadores propios y foráneos de un lugar donde hacerse un hueco en el mundo y cuya prioridad era sobrevivir por encima de todo y de todos.
Al igual que en la película de Wellman, la acción es escasa y predomina la palabra, preñada en el caso de la serie de un exceso de malsonantes palabrotas que por momentos acaban por conseguir el efecto contrario de lo que pretenden. También aquí el reparto es coral y muy efectivo aunque Ian McShane sobresale bordando un personaje basado en el auténtico Al Swearengen, astuto y despiadado proxeneta dueño del Gem Theater.
La mezcla de fiel ambientación, personajes históricos, humor negro y luchas por el poder de corte shekaspeiriano (otra semejanza con Ox-Bow), la convierten en una serie notable en una época en que la propia HBO ya había marcado las pautas con la excelsa "Los Soprano".
Por contra, a mi juicio la trama es irregular, muchas veces redundante, con capítulos y subtramas de personajes poco relevantes, diálogos embarullados y en general una falta de foco y desarrollo claro de los personajes principales. Amén de un final precipitado y poco convincente. No es muy lógico el tratamiento que gentes tan sin escrúpulos en una ciudad sin ley dan al magnate minero Hearst padre de Williams creador del imperio mediático al que machacó Wells en "Ciudadano Kane".
A la postre una "Crónicas de un pueblo" bizarras dignas de pegarse a la pantalla.
INCIDENTE EN OX-BOW
8
1 h. 12 m.
USA / 1943
William A. Wellman
"Incidente en ox-bow" fue la primera novela que publicó en 1940 el novelista, cuentista y educador de Nevada Walter van Tilburg Clark. Fue un éxito a pesar de que era una novela de western y para mayor inri se saltaba todas las convenciones del género. Quizá por ello a Zanuck, el preboste de la Twenty no le hizo gracia la propuesta de Wellman de que le comprara los derechos a la Paramount que tampoco sabía que hacer con una novela atípica por muy "de moda" que hubieran estado los linchamientos en los USA en los últimos 40 años. Presionado por Wellman finalmente los compró y accedió a filmarla pero asignándole un bajo presupuesto. Ambos, director y productor acertaron. La película fue un éxito de critica y nominada a un Oscar y un fiasco en una taquilla que no acababa de entender donde estaban los buenos de la peli, porque no había tiros, grandes paisajes y final con puesta de sol o en su defecto beso. Pero es que casi no había ni chica.
Wellman se las apañó en estudio y filmó con habilidad un film noir vestidos de vaqueros, con una atmósfera teatral de tragedia shekaspeiriana y supo sacarle partido a los sugerentes decorados apoyados por una fotografía en blanco y negro más que notable del reputado Arthur C. Miller.
La interpretación coral no tiene fisuras y cada actor aprovecha sus momentos. Fonda está estupendo y Anthony Quinn que por esos años aún seguía su periplo de secundarios étnicos ya empezaba a comerse la pantalla.
Un robo y asesinato aparentes dan lugar a que los habitantes arquetípicos de un pueblo sirvan de metáfora para volcar sus miedos, sus miserias y sus prejuicios en un linchamiento que no es más que un ajuste de cuentas de los problemas y traumas de cada uno de ellos. Todos por acción u omisión son culpables y cada cual tendrá que afrontar las consecuencias.
A pesar de carecer de la épica de obras teatrales similares posteriores como "Doce hombres sin piedad", y que hace mella el bajo presupuesto, amén de algunos fallos de racord que sugieren cierta desidia en el montaje y subtramas poco desarrolladas como la relación de Fonda con la chica, no deja de ser un clásico a contracorriente del género del western que abrió la puerta a otra forma menos tópicas de contar sus historias y una brutal crítica social que acaba por golpearnos con contundencia.
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ATRAPA LA BANDERA
6
1 h. 37 m.
España / 2015
Enrique Gato
Una vez conseguida la financiación, profesionales y talento sobran por nuestros lares para que la animación española a nivel técnico no tenga nada que envidiar al resto del mundo. Otra cosa es que este o aquel proyecto acierte con la historia y el modo de contarla o ya puestos con el camino a seguir. Dicho camino parecía prometedor con las aventuras de ese Indiana Jones patrio que nos dejó un buen sabor de boca. Sin embargo en este segundo trabajo de Gato y su equipo, la idea inicial a priori interesante a los pocos minutos deviene en un montón de clichés y lugares comunes que después de décadas de haber pasado por las pantallas de la mano de las industrias norteamericanas se nos antoja algo caduco y que nos sitúa como recién llegados al final de una fila sin demasiado futuro.
Países como Bélgica, Francia o Irlanda, están encontrando su hueco en la animación aportando ideas originales y formas estéticas diferentes en el diseño de ambientes y personajes.
"Atrapa la bandera" entretiene que no es poco a niños de corta edad y papás que les acompañen y no sean demasiado exigentes con un guión demasiado "yanki" y con unos agujeros tan grandes como los cráteres de la luna.
Hay momentos entrañables y divertidos y se han llevado un Goya por aquello de que el tuerto es el rey en el país de los ciegos. La animación española es muy potente y creativa. Que lo demuestre no solo pensando en la taquilla.
Iniciaron incendios
7
1 h. 4 m.
Reino Unido / 1943
Humphrey Jennings
Con el reciente estreno del documental español "La vida en llamas" de Manuel H. Martín sobre un grupo de bomberos que se dedican a combatir los incendios forestales, uno se pregunta si en su trabajo habrá estado presente este documental, aunque falso, sobre otros bomberos. En este caso londinenses que lucharon con muchos menos medios que los actuales contra los terrible incendios de los blitz alemanes en la SGM.
Humprey Jennings (1907-1950) artista polifacético que acabó recalando en el cine por razones meramente económicas y que fue miembro fundador del proyecto "Mass-Observación", en el que se proponía un estudio de corte antropológico sobre la vida cotidiana de la población en todos los ámbitos, considerado por sus detractores como demasiado intrusivo en la vida privada de las gentes.
La guerra potenció los documentales de carácter patriótico en los que Jennings se descubrió como un gran documentalista cuyo buque insignia pudo ser este largometraje sobre los bomberos londinenses en su sacrificado trabajo y vida social que a pesar de ser un documental protagonizado por bomberos reales fue montado y rodado recreando los hechos reales mediante la ficción cinematográfica. El resultado es brillante y emotivo por momentos con una fotografía notable y un documento histórico impagable. Jennings siguió desarrollando esta faceta con otros documentales notables. En la búsqueda de exteriores para otro de ellos en Grecia cayó por un acantilado falleciendo a los 43 años.
UN DÍA PERFECTO
9
1 h. 46 m.
España / 2015
Fernando León de Aranoa
Salvo muy contadas excepciones todos los grandes cineastas han tenido altibajos en sus carreras por unos u otros motivos. Desde la impagable y premonitoria "Los lunes al sol" (2002) León de Aranoa no acababa de reencontrar su tono. Afortunadamente ha dado un golpe de timón, un cambio de registro, sin abandonar su inquietudes sociales y nos regala esta película, que personalmente me ha encantado.
Gran adaptación de la novela "Dejarse llover" de la madrileña Paula Farias presidenta de Médicos Sin Fronteras, sobre la vida de un grupo de cooperantes al final de la guerra de los Balcanes en los años 90, para vergüenza de una Europa que no supo atajar un conflicto en su propia casa y que trajo el horror durante una década a millones de personas y cuyas consecuencias aún guardan rescoldos de futuro incierto.
Acaban de entregarse los Goya y Fernando León ha sido recompensado por esta adaptación y sin desmerecer al resto de candidatas merecía alguno más.
El reparto internacional cumple a la perfección con sus roles y el tono formal mesurado se agradece pero no evita que la crueldad, el caos, el miedo, la ineficacia y la avaricia de aquellos implicados en el conflicto esté siempre latente y que la tensión envuelta en brillantes diálogos y en un humor de subsistencia, no decaiga. Cada uno de los personajes principales representa una forma diferente de afrontar una realidad cruel y sin sentido en la que voluntariamente han decidido poner parte de sus vidas para ayudar a paliar el desastre. Un gran trabajo de los cooperantes reales y de sus alter egos en la pantalla.
SEÑOR. HOLMES
7
1 h. 44 m.
Reino Unido / 2015
Bill Condon
Bill Condon no levantaba cabeza desde el 2006 que nos sorprendió con el estupendo musical "Dreamgirls", aunque su paso por los vampiros crepusculares supongo le compensaría en su bolsillo. Se redime en parte con este nostálgico y también crepuscular drama sobre el inmortal detective creado en 1887 por el escoces Sir Arthur Conan Doyle, adaptando la novela "Un truco leve de la mente" (2005) del estadounidense también con ascendencia escocesa Mitch Cullin. No puedo decir si la adaptación es más o meno fiel porque no he leído la novela, que a raíz del estreno de la película se ha publicado con el mismo título que el film.
El caso es que es que asistimos a un recital interpretativo de Sir Ian McKellen que a sus 76 años puede con todo y que debería ponerse de ejemplo en las escuelas de interpretación.
Holmes en los últimos años de su vida, retirado cuando comenzó a darse cuenta de que su memoria comenzaba a fallarle por la edad y al borde de la senilidad, necesita reencontrarse con quien fue antes del final y marcar las diferencias con el personaje que supuestamente había modelado el Dr. Watson. Holmes vs. Holmes, ficción y realidad, metáfora sobre la propia realidad del auténtico personaje de ficción de Conan Doyle, reflexión sobre los beneficios de creer en lo que imaginamos, en los mitos, en lo que necesitamos creer para sobrellevar una realidad más dura, prosaica y vulgar en la mayoría de los casos.
Hablando de casos, aquí también hay uno sin resolver que mediante flashback se constituye en la llave para echar el candado de cierre sin resquicios, a la vida de aquel genio que dedujo con su razón que en la vida todo es elemental. Mi querido...
BANCO DE CORTE
7
1 h. 32 m.
USA / 2014
Matt Shakman
La población de Cut Bank, fronteriza con Canadá en el estado de Montana, es el gélido lugar (presumen de ello) donde Patino (guionista) encuadra una historia tan fría como el lugar y sus gentes. Gentes que son un mosaico de clichés de personajes de la américa profunda: el sheriff local, la pareja joven que mira hacia nuevos horizontes, el rarito del pueblo, la dueña del bar antigua miss cut bank, etc, etc. El asunto huele a refrito, a corta y pega de Fargo, película y serie en la que han trabajo director y guionista, a cosa ya vista..., y sin embargo funciona.
El mcguffin aguanta el tirón, se sigue la trama con interés y los acontecimientos van acumulándose como una bola de nieve en un fatalismo inevitable, sin estridencias ni regodeo visual con la violencia y sobre todo con un plantel de principales y secundarios que mantienen en pie a sus personajes con dignidad y sugieren más de lo que enseñan.
Una vuelta de tuerca más a la fascinación por las pequeñas comunidades donde todos creen conocerse hasta que surgen las (desagradables) sorpresas. Shakman filma con corrección televisiva (últimamente ya no hay tantas diferencias con la gran pantalla) y Patino sale indemne de un guión que deja poco margen para las florituras. Siempre es un placer reencontrarse en mayor o menor medida con Malkovich, Oliver Platt roba plano en cada escena y Michael Stuhlbarg compone un tipo inquietante demostrando lo buen y camaleónico actor que es.
VIDA Y MUERTE DEL CORONEL BLIMP
8
2 h. 44 m.
Reino Unido / 1943
Michael Powell / Emeric Pressburger
Parece que una vez más los "sacrosantos Cahiers du cinema" franceses iniciados en los 50 se pasaron de frenada cuando en sus listas de "buenos y malos" autores cinematográficos relegaron al ostracismo a "The Archers" (Los arqueros) que no eran otros que el tandem formado por los directores y guionistas Michael Powell (Británico) y Emeric Pressburger (Húngaro). Ambos dieron al celuloide de la Gran Bretaña 20 títulos entre los más selectos de su industria.
La carrera de Powell en solitario ya venia desde el 28 y seguiría sin Pressburger, el cual dos años antes de esta cinta había ganado el Oscar como mejor guión original con "49th Parallel (The invaders)", obra que junto con "One of our Aircraft is missing" (1942) habían contribuido al espíritu bélico de la contienda que se estaba viviendo.
Sin embargo un año después deciden rizar el rizo e inspirados en el personaje de cartoon del dibujante David Low, Coronel Blim (los Blim eran los globos de barrera antiaérea que semejaban un Zepelin) nos narran la vida y milagros del militar Clive Candy que al igual que el dibujo animado en el que se inspira representa aquellos viejos militares del imperio que no han evolucionado con los nuevos tiempos y cuyos códigos de honor repletos de reglas y formulismos no corresponden con los nuevos tiempos ni con las nuevas amenazas que implican la victoria a cualquier precio. Su ingenuidad caballeresca y su moral estricta es vista con amor y condescendencia a través de la mirada del duo de directores. No así el Gobierno de Winston Churchill que trató de boicotear la cinta por todos los medios sin conseguirlo, impidiendo (para bien o para mal) que Laurence Olivier la protagonizara.
Pero por encima de todo estos Powell y Pressburger dan un recital de estilo, elegancia y sabiduría cinematográfica con un lenguaje narrativo arriesgado donde la elipsis es la protagonista y una constante en su obra posterior. A ello se le suman un diseño de producción sobresaliente, una utilización del Technicolor exquisita y un reparto donde Anton Walbrook se luce (la escena de su interrogatorio es memorable) y la recién llegada Debora Kerr deja su impronta en una tripleta de personajes que ya presagian su brillante futuro como actriz.
La amistad, el amor, el honor, el paso del tiempo..., todo cabe en las sutiles pinceladas de un guión donde los que se sugiere está por encima de lo que ocurre en pantalla.
Definitivamente Cahier du cinema se pasó de frenada.
La amistad, el amor, el honor, el paso del tiempo..., todo cabe en las sutiles pinceladas de un guión donde los que se sugiere está por encima de lo que ocurre en pantalla.
Definitivamente Cahier du cinema se pasó de frenada.
MALA SANGRE
7
1 h. 59 m.
Francia / 1986
Leos Carax
No es que Carax inventará nada nuevo en el 86, pero si que reafirmó la impronta del llamado cine de autor y planteó un desarrollo formal osado y personal jugando con las posibilidades técnicas que ofrece el cine entendido como arte. Son estos autores los que desbrozan el camino a despecho de menores beneficios económicos para futuros realizadores se cual sea su tipo de trabajo. Carax aún sigue en ello con trabajos tan increíbles como "Holly motors" (2012) En este sentido el cine tiene un deuda perenne con ellos.
Por alguna razón que desconozco, se repone su segundo trabajo y uno se queda perplejo de lo innovador que sigue siendo y de los mágicos momentos de algunas escenas memorables.
La película es de bajo presupuesto y el argumento encuadrado, por decir algo, en la ciencia-ficción con dosis de trhiller no deja de ser una escusa para el trabajo creativo, poético del director y contarnos una historia de amor a tres bandas heredera y sublimadora de Godard y de la nouvelle vague.
El túnel del tiempo nos hace reencontrarnos con la divina juventud de Denis Lavant, esa especie de duende "Puck" que siempre acaba por hipnotizarnos y de dos damas de la escena como son Binoche y Delpy, más bellas que nunca y demostrando en un bucle atemporal todo el arte que llevan dentro.
Evidentemente no es cine comercial y aunque Carax aguanta el tipo con la trama superficial, hay otras que van dejando sus perlas soterradas con cuentagotas (amor fou, los años del sida...).
SEÑOR MANGLEHORN
7
1 h. 37 m.
USA / 2014
David Gordon Green
Esta pequeña y extravagante joya he de reconocer que me ha tocado la fibra sensible. Llena de defectos y virtudes a partes iguales y sin ser el regreso esperado de Pacino a un cine que le dio su fama y que nunca volverá es un retrato brutal y descarnado sobre el paso del tiempo y los sueños perdidos, lo que pudo ser y no fue o lo que no tenía mas narices que ser. Una mirada reflexiva e inmisericorde sobre uno mismo cuando vislumbramos el final del camino y no podemos volver atrás, cuando no somos capaces de reconocer y aceptar la imagen que nos devuelve el espejo y nos volvemos gruñones. Cuando no somos capaces de mirar alrededor y valorar lo mucho o poco que aún nos queda. Cuando estamos a punto de tirar la toalla sin tener fe en un golpe afortunado del destino que nos haga ganar el último combate aunque solo sea a los puntos.
Y todo ello reflejado en el careto de este señor en estado de gracia actoral que es capaz de transmitir todo eso sin, aparentemente, hacer ningún esfuerzo. Impagable por otro lado una Holly Hunter inmensa que si la hubiesen dado más minutos la cosa hubiera sido ya la leche.
El Señor Cuernoroto también es irregular, se queda a medio camino de muchas cosas, divaga y Gordon Green se pierde a veces en ejercicios de estilo, amén de ceder al final en un gesto de cortesía existencial que hace que se nos afloje el nudo de la corbata o lo que sea, sobre todo a los que ya peinamos muchas canas, porque cuando aún hay ilusión se produce la magia.
OPERACIÓN U.N.C.L.E.6
1 h. 56 m.
USA / 2015
guy Ritchie
Servidor apenas contaba entre 5 y 9 años cuando del 64 al 68 en algún momento indeterminado veía por la televisión única española "El agente de CIPOL". Nunca supe lo que significaba CIPOL". Años, que parecen siglos, después descubrí que en el original norteamericano la serie se llamaba "The man fron U.N.C.L.E" y dado que uncle en inglés significa tío, entendí porqué el gran Ibañez encuadraba a los agentes Mortadelo y Filemón en una organización llamada la T.I.A.
El caso es que hablando de nombres lo que si quedó grabado en mi memoria fue, no solo los caretos y los nombres reales de Rober Vaughn y David McCallum sino los ficticios de Napoleón Solo e Illya Kuryakin. Sobre todo este último, que por alguna extraña razón, fonética probablemente, nunca se fue de mi memoria y me sirvió para presumir ante los amigos cada vez que en alguna otra película aparecía McCallum y yo retaba a que me dijeran como se llamaba el actor en la serie.
!Ah, la nostalgia!. De buena parte de ella se nutre este juguete glamouroso de Guy Ritchie que se toma licencias sobre la serie pero que nos retrotrae a tiempos pasados donde al llegar los reyes magos los niños más pudientes se pedían el maletín del agente de CIPOL con su arma y gadgets incorporados.
Los nuevos Solo y Kuryakin cumplen lo justo, como el guión, en un diseño de producción y dirección artística gozoso y lujoso autentico plato fuerte de la cinta.
Habrá secuela seguro. El plato es tan liviano y agradable como insustancial y no hace daño a nadie.
YANQUI DANDY
8
2 h. 6 m.
USA / 1942
Michael Curtiz
La Warner fue el estudio más aplicado a la hora de contribuir al espíritu bélico y patriótico de una nación que acababa de enrolarse en la segunda contienda mundial hacía solo 6 meses del estreno de esta película y a otros 6 meses del fallecimiento del autor, George M. Cohan, del cual se nos narra su vida y milagros en el mundo del espectáculo.
Cohan fue importante y poderoso en la primera mitad del siglo XX. Autor, actor, bailarín, cantante, director, productor, compositor, empresario..., con una carrera fulgurante desde sus comienzos en el mundo del vodevil en compañía de sus padres y hermana, "Los cuatro Cohen". Se patearon el país de cabo a rabo hasta que el esforzado George se unió en sociedad con Sam Harris y comenzaron sus triunfos. Tal relevancia tuvo que fue el primer actor que recibió la medalla del Congreso. Sobre todo porque sus obras y melodías simples y pegadizas insuflaron moral a los soldados americanos en la I guerra mundial. Y es esta misma jugada la que Warner quiere repetir en esta nueva guerra con la biografía edulcorada de Cohan, encarnado por un Cagney que como siempre es el centro del show empujando con su magnetismo y energía y dando en este caso rienda suelta a su faceta como destacado bailarín. Dicen que estudió las formas y maneras de actuación del propio Cohan y las hizo suyas. No estamos hablando de Aster ni Kelly ni de números al estilo Berkeley ni de grandes composiciones musicales, pero funcionan de forma agradable y más si las situamos en su contexto: Norteamérica, años cuarenta, guerra.
Curtiz se luce en la dirección demostrando que es capaz de sacar adelante con nota cualquier género y el resto del elenco está a la altura. Joan Leslie al igual que Cagney tenían ascendencia irlandesa y provenían del vodevil al igual que Cohen, quien tuvo tiempo de dar su beneplácito a la cinta. Cinta que como no podía ser de otra manera dada la situación social fue un éxito popular y recibió un buena tanda de nominaciones al Oscar que al final se llevó Cagney junto con sonido y banda sonora.
Su primera parte gustará a los faranduleros en especial, recreándose en los entresijos de los teatros y el mundo de los cómicos. En general aunque se nota el paso del tiempo, el subrayado patriótico y los guiños locales, "Yankee Doodle Dandy" aún sigue 74 años después en razonable buena forma.
MI CASA EN PARIS
5
1 h. 47 m.
Reino Unido / 2014
Israel Horovitz
Horovitz, autor teatral y guionista consagrado, a sus 75 años se estrena como director (si exceptuamos un mediometraje sobre su monologo "3 Weeks after Paradise" en el 2002), con esta versión de su exitosa obra "My old lady" / 2002 de proyección internacional (en España se estrenó en Barcelona sin demasiado éxito con Lola Herrera como cabeza de reparto y con el título "Querida Matilde).
El autor, muy relacionado con Francia, vive en París a menudo, sitúa este folletín con toques de ligera comedia en la ciudad marco que siempre acaba robando protagonismo a las historias que suceden en ella.
El trío protagonista es de muy alto nivel contrastado, pero es Kevin Klane quien saca mayor partido a su personaje en un difícil y extenuante equilibrio entre el patetismo, la comicidad y el desgarro traumático de una vida marcada por los conflictos de sus progenitores.
Horovitz no se luce especialmente como realizador y sabiamente deja hacer a los actores que acaban por sustentar un drama algo pasado, a veces pretencioso, de ambiente teatral y aderezado con secundarios tan notables como Dominique Pinon o Michael Burstin. El buen resultado teatral a la postre no ha tenido su reflejo en la gran pantalla.
FIGHTERS
7
1 h. 38 m.
Francia / 2014
Thomas Cailley
Otra opera prima notable, y van... Parece que hay una tendencia a que cuanto más novel es el director y menos maleado esta por la industria que le corresponda mejores trabajos se ofrecen. Sería interesante ver cuantos de estos directores prometedores siguen manteniendo su linea de calidad. Thomas Cailley realizador y guionista al alimón con Claude Le Pape es uno de ellos. Esta mezcla de comedia y relaciones juveniles va más allá de ello gracias a una narración ágil a medio camino entre el cine europeo y americano, con una fotografía notable y una joven pareja de interpretes que aciertan en sus roles, inversos a los que normalmente estamos acostumbrados. La metáfora sobre como la juventud actual ve con preocupación el futuro que se les avecina, el marco de un entrenamiento militar y las situaciones que propicia son bien aprovechados por el tandem de guionistas y ha dado su fruto en público y crítica. El manejo de los tiempos, los giros argumentales y como se ha dicho la imprevisibilidad de lo que pueda ocurrir son más que suficientes para compensar un cierto decaimiento según va avanzando el metraje.
Otro buen ejemplo de que el cine francés está a todos los palos, generalmente con acierto.
TEATRO.
ÉXODO.
Cía. 181 grados y Mutis Aescena.
Sala Cuarta Pared. Madrid. / 2016
Dramaturgia: Julio Salvatierra
Dirección: Roberto Cerdá.
Como dice en el programa de mano: "Éxodo" es un espectáculo que se ha visto beneficiado por la I convocatoria de ayudas de la fundación BBVA a investigadores, innovadores y creadores culturales". Pues bienvenida sean dichas ayudas, que supongo serán el chocolate del loro de aquellos que nos sangran a base de préstamos (a quien se los den) esclavistas y un mar proceloso de comisiones varias, en los que al menor descuido puedes naufragar con todos tus bienes para toda la vida. Este también es otro tipo de éxodo que daría para otro espectáculo igual de necesario que el que nos ocupa.
La idea, el planteamiento de Cerdá y su traslación a texto de Salvatierra es loable y funciona moderadamente bien, en una hora de espectáculo multidisciplinar (poesía, danza, música, canto) con una puesta en escena sencilla y efectiva que aprovecha la propia singularidad de la sala.
El collage de referencias culturales en que se apoya Cerdá para que acompañemos el viaje de estos emigrantes forzosos, funciona mejor cuando se ve infinitamente potenciado por la obra de Salgado que no puede dejar indiferente a nadie y que motiva acertados versos de Salvatierra y hace que la empatía y el sentimiento por estos seres marginados, estos "daños colaterales" de la barbarie humana traspasen la batería del escenario y lleguen directos al corazón.
No siempre se consigue dicho resultado. El ritmo es irregular, las entradas y salidas de personajes son mejorables y el nivel actoral no es homogéneo, pasando del tono veraz y emotivo de Marta Gómez a otras voces que aún suenan demasiado a escuela de interpretación, sin desmerecer por ello el trabajo colectivo, auténtico motor del espectáculo. La labor coreográfica de la propia Marta debería con el rodaje de la obra pulirse aún mas.
En suma otra programación acertada y oportuna de "La Cuarta". El público aplaudió falto de pasión, lo justo para recompensar merecidamente el trabajo y el esfuerzo sobre las tablas.
UN MARIDO RICO
8
1 h. 27 m.
USA / 1942
Preston Sturges
Otra de las piezas clave de la llamada comedia alocada (screwball): diálogos chispeantes, frases ingeniosas, ritmo desenfrenado y situaciones que rozan el absurdo con toques de "slapstic" (golpes,caídas, bufonadas...) en las que Sturges cimentó parte de su fama en su lustro prodigioso de principios de los 40.
Repite con un Joel McCrea cuyo destino parece ser fagocitado por los poderosos personajes femeninos con los que le tocó compartir escena y el carisma de actrices como Veronica Lake o en este caso una Claudette Colbert en plena madurez artística y personal.
Con un brillante guión especialidad de la casa, del propio director, hallazgos de dirección novedosos como el fulgurante empiece digno de la mejor comedia silente y una atrevida mezcla entre la comedia clásica de malentendidos y enredos, el humor de los Marx (escenas de los cazadores en el tren), glamour y crítica social, Sturges compone un divertimento que tuvo que ser censurado por el tratamiento demasiado liberal del matrimonio y las relaciones de pareja, lleno de sensualidad (geniales las escenas de las cremalleras).
Es cierto que el ritmo es irregular y que el paso del tiempo ha cambiado algunas claves humorísticas que ahora no funcionan igual que en los 40 y personalmente a un servidor la Colbert en su belleza casi hierática me pone menos (en términos actorales) que la Stanwyck en "Lady Eve" por seguir con la obra de Sturges solo un año antes.
Se aprovecha también el tirón del cantante "crooner" de éxito Rudy Vallee, que consigue quizás su mejor actuación en su faceta como actor y una esplendida Mary Astor en un secundario que roba planos al menor descuido.
"The Palm Beach story" ha quedado un poco olvidada y merece por derecho propio revisitarla de vez en cuando.
Las sobras (Serie de TV)
8
2 temporadas (10 episodios cada una de 52m. aprox)
EE.UU. / HBO
DL / Tom Perrotta
Uno seguía mosqueado con Lindelof por habernos mareado y estafado con "Lost", así que la desconfianza ante su nueva apuesta televisiva era importante. Al menos ha tenido la decencia de advertir de antemano que dado que la cosa parece ir también de misterios y tiene tufillo a "Lost", que dichos misterios no serán resueltos y que solo son el marco para desarrollar el drama de sus personajes.
Y una vez sentada esta premisa y tomando como base el libro de Tom Perrotta que también guioniza, adaptan y desarrollan el tema principal que no es otro que la angustia existencial de aquellos que no desaparecieron y tienen que vivir en ausencia de los que les rodeaban. Aunque el 11-S es una referencia inevitable la premisa vale para cualquier situación en que nos falten nuestros allegados repentinamente y nos planteemos el sentido o no de seguir caminando hacia adelante.
Con la factura de calidad de la HBO, unas magnificas interpretaciones y una conseguida atmósfera, "The leftovers" te engancha y te arrastra a una original espiral no exenta de bandazos y trucos de prestidigitador, pero que mantiene sus presupuestos con coherencia y la convierte en una excepción a las reglas seriefilas no apta para todos los paladares, como una "stravaganzza", o una "delicatessen" de la que no conviene abusar.
A destacar su acertada banda sonora, sus impactantes caratulas de presentación y el buen criterio de renovarla una y definitiva temporada más.
LA MUJER PANTERA
8
1 h. 12 m.
USA / 1942
Jacques Tourneur
A veces las cenicientas se convierten en princesas. En este caso la magia obró su efecto y una película de serie B se transformó en una joya impagable. Los "hados madrinos" que hicieron posible el milagro fueron el productor Wall Lewton que se consagró con la cinta en la RKO aprovechando su propio cuento "El Bagheeta"(1930) y el director francés nacionalizado estadounidense Jacques Tourneur, cuya carrera posterior nos dejó algún título memorable más.
La RKO imitó el éxito de la UNIVERSAL en los años 30 con sus películas de terror de bajo presupuesto y acertó de lleno con este clásico del género, que empezó teniendo el honor de sustituir a la "fracasada" (en taquilla) "Ciudadano Kane" y reponer las arcas de la productora.
La historia, breve, casi un cuento, encaja a la perfección en todos sus elementos: duración, atmósfera, tensión, interpretación, música, fotografía y una sutil y elegante dirección de Tourner que apuesta por "esconder al monstruo" sabiendo que nunca se puede competir con la imaginación del espectador. Sus tres memorables escenas: la persecución, la piscina y la confrontación con el psiquiatra, crearon el molde de aquellos que huyen del gore y prefieren el misterio, aplicable también a muchos otros géneros.
Amén de la leyenda Serbia, "Cat People" sugiere conflictos más personales de índole sexual en la protagonista. No es casualidad que el antagonista sea un psiquiatra, adelantándose en este tema del mundo de la psicología y la imagen surrealista (el sueño de Irena) a "Recuerda" de Hitchcock tres años después.
El éxito trajo múltiples secuelas que nunca estuvieron a la altura del original.
STAR WARS: EL DESPERTAR DE LA FUERZA.
5
2 h. 15 m.
USA / 2015
J.J. Abrams
Es lógico que la industria amenazada seriamente por la red y su propia ineficacia e intransigencia a la hora de buscar soluciones para adaptarse a las condiciones de acceso a la cultura del nuevo siglo, se enroque en si misma y lance loas y alabanzas a cualquier producto que reviente sus taquillas. Es la única explicación que se me ocurre para que la AFI (American Film Institute) haya incluido esta cinta en el top-10 de las mejores del año.
"Star Wars" es algo más que una franquicia de la que manan dólares sin parar. Para algunos es casi una secta y para la mayoría un punto de inflexión en nuestra capacidad de soñar a través de la gran pantalla. Y aunque los seis episodios anteriores (salvo el primero, llamado III, en fin un lío) no sean ninguna maravilla de otro planeta (nunca mejor dicho) si que se merecen un respeto al entramado que han ido tejiendo con mayor o peor fortuna.
A los ejecutivos de las multinacionales que dominan la industria, en este caso la omnipresente Disney que de seguir así tendrá que cambiar su famoso castillo de presentación por una estrella de la muerte, lo del respeto se la trae. Lucas, como en el dicho, dijo: "hasta luego", y vendió por 30 monedas a sus hijos. Que le aprovechen.
Hans Solo y su troupe pudieron con un imperio pero no pueden con este de los ejecutivos agresivos que no tienen el más mínimo pudor de resucitarlos gracias a la fuerza (de la nostalgia) cual zombies intergalacticos despojados de los honores que tanto les costó conseguir (se han pasado la continuidad y toda lógica por el forro) y les obligan a repetir las mismas hazañas (los papeles de calco se debieron agotar en el despacho de los guionistas) en un reseteo teñido de homenaje para que la burra siga dando maná.
Para ello quien mejor que este aprendiz de brujo que es J.J. Abrams, trilero mayor del reino, quiero y no puedo a base de dólares de seguirle los pasos a un Spielberg irrepetible.
Miré la hora cada 15 minutos (era consciente de lo que sucedería en la pantalla los siguientes 15), bostecé con el doble de periodicidad y tuve que apartar la vista cuando Hans se encuentra con su hijo en la pasarela y.... (ni Adam Driver ni Harrison Ford y sobretodo Hans se merecían tal bodrio de escena). El ridículo argumental y de mínima credibilidad no es que se bordee es que se despeña constantemente.
No voy a detallar punto por punto los momentos sonrojantes porque sería interminable. Otros han publicado suficiente.
Me quedo con los personajes nuevos carismáticos como bb-8 o la chatarrera interpretada por Daisy Ridler y los mitos incombustibles de Chewbacca y el abuelo Solo.
La panoplia de malvados es tan patética como el marrón que se ha comido Oscar Isaac participando en este episodio VII o el que sea.
Continuará (sin duda).
CIUDADES DE PAPEL
7
1 h. 49 m.
USA / 2015
Jake Schreier
Para aquellos que abominan de las comedias románticas de adolescentes, el cartel promocional la verdad es no ayuda demasiado. Sin dejar de serlo "Paper Towns" es algo o bastante más. Aprovecha el tirón comercial de los best-sellers de éxito del escritor estadounidense John Green y de su versión para la pantalla de otra de su novelas "Bajo la misma estrella" (Josh Boone / 2014). En este caso dirige Jake Scheirer con la misma eficacia y buen tono que demostró en su anterior trabajo "Un amigo para Frank".
Parece que los que han leído el libro no están muy satisfecho con este guión. A servidor, que no lo ha leído, le ha parecido una interesante visión de una adolescencia que si bien se deja en el tintero muchas aristas de esa etapa vital, se centra en la idealización de un mundo que aún esta por golpear con fuerza y en la construcción y toma de conciencia de unos recuerdos que jamas se olvidarán. Un antes y un después, un cruce de caminos que deja atrás un tiempo que no volverá y que sin embargo nos marcará para siempre. Rezuma cierto aroma nostálgico de "Los 5" de Enid Blyton mezclado con los Goonies.
Además es entretenida y divertida, con actuaciones corales eficientes que se reparten el peso de la acción aunque el tirón comercial se lo lleve la prometedora modelo y actriz inglesa de 23 años Cara Delevingne.
AL OTRO LADO DEL MURO
7
1 h. 42 m.
Alemania / 2013
cristiano Schwochow
Alemania
Radio, teatro, televisión, cine..., este director con apellido de pisar charcos, a sus 37 años es un valor consolidado en Alemania. "Westen", título original se basa en la novela de la novelista berlinesa Julia Frank "Zona de tránsito", quien a los 8 años emigró con su madre y hermanas al Berlín Oeste.
Siempre se habla del drama de aquellos que se quedaron en el Este, la mayoría atrapados contra su voluntad y poco o nada de aquellos que aún pasando al otro lado tuvieron que sufrir su particular via crucis, para poder empezar de nuevo.
Esta es una de esas historias. Sin estridencias ni excesivos subrayados Schwochow mantiene la tensión y el interés en una atmósfera temporal lograda y donde el peso de la actuación y el drama se apoya en las magnificas actuaciones de Jordis Triebel y un jovencito Tristan Göbel al que no hay que perderle la pista.
BERNIE
7
1 h. 39 m.
USA / 2011
Richard Linklater
Con carácter retroactivo (tres años) nos llega este trabajo de Linklater. Después nos dejaría dos joyas como "Antes del anochecer" y "Boyhood". Como casi todos sus trabajos, no es un trabajo corriente. En este caso la mezcla de ficción y realidad documental se fusionan en una comedia dramática basada en hechos reales con un personaje bastante peculiar al que da vida Jack Black en una interpretación memorable.
Linklater se hermana con los Coen, sabiendo sacar todo el provecho de la idiosincrasia particular de esas comunidades cerradas, de esos "ecosistemas" tan particulares que forman las poblaciones pequeñas norteamericanas alejadas de los grandes centros urbanos. Así pues el periplo de personajes entrevistados sobre el paso de Bernie por su comunidad no tiene desperdicio. Todo el reparto saca punta a sus personajes y la factura es impecable. Queda en el tintero el saber más sobre el personaje principal, la psicología de este simpático enterrador. El drama real queda arrinconado para bien de una acertada comedia negra.
LA EXTRAÑA PASAJERA
8
1 h. 57 m.
USA / 1942
Irving Rapper
"Ahora, viajero, zarpa adelante. Es hora de buscar y encontrar". Son los versos del poeta Walt Whitman que dan lugar al título original de este melodrama emblemático trasunto del patito feo con madre castradora, que deberá encontrarse a si mismo hasta convertirse en cisne. La novela original provenía de una serie de cinco libros (el tercero) sobre Vale, apellido de la protagonista, escritos a principios de los 40 por la novelista y poeta norteamericana Olive Higgins (1882-1974) autora también de "Stellas Dallas", otro importante melodrama llevado varias veces a la pantalla con el que se encumbró Barbara Stanwick en el 37.
Es de suponer que las varias crisis nerviosas que tuvo que superar Higgins en su vida le sirvieran de inspiración para la depresión y superación de la protagonista a través del psicoanálisis representado por el psiquiatra que encarna Claude Reins.
La enfermedad de Edmund Gouldin con Irenne Dunne como protagonista hizo que el proyecto fuese a parar a Michael Curtiz con Norma Shearer o Ginger Rogers a la cabeza, pero la Davis (menuda era), en un momento álgido de su carrera se hizo con el papel imponiendo a su amigo Irving Rappel en la dirección con el que hizo otras películas y obtuvo el mayor éxito de taquilla de su carrera. Ni que decir tiene que está espléndida y una vez más fagocita la pantalla, secundada por un reparto estupendo, una fotografía y vestuario notables y una música de Max Steiner que a pesar de llevarse el Oscar, cabreó a la Davis por su excesiva e innecesaria presencia en muchas escenas, opinión que comparto.
La historia tiene tres fases. Cada una de ellas marcada por la madre, la historia de amor y la redención con la hija. Daban cada una para un mayor y mejor desarrollo u otras películas, pero el conjunto de prácticamente dos horas consigue salvar la narración gracias básicamente a la Davis. Se hizo popularmente famosa la escena del encendido de cigarrillos copiada de otra cinta del 32 Al final y parafraseando a su personaje: "no pidamos la luna si tenemos las estrellas".
UNOS DÍAS PARA RECORDAR
5
1 h. 21 m.
Francia / 2014
Jean Becker
De un tiempo a esta parte la capacidad de Becker para contar o sugerir mucho a través de personajes pequeños, cotidianos y sacar jugo a los detalles más que al todo es innegable. Un buen exponente de ello fue "Conversaciones con mi jardinero" (2007). Octogenario aún conserva dicha capacidad con esta comedia suave y bienintencionada, a ratos aburrida en torno a un paciente hospitalario por cuyo entorno van pasando una galería de conocidos y desconocidos que acaban por hacerle enfocar la vida y su realidad social de otra manera.
La cosa se cuenta mejor de lo que el débil guión acaba por conseguir a pesar de que va de menos a más y al final nos deja un tibio regusto agradable.
EL SECRETO DE ADELINE
6
1 h. 52 m.
USA / 2015
Lee Toland Krieger
"El secreto de Adeline" me evoca esos hijos/as que no dan problemas a sus padres, que mantienen un tono neutro y obediente, cursan sus estudios, se casan como Dios manda y se pone a formar parte de la maquinaria rutinaria y establecida de hombres y mujeres "de bien". Película estándar perfecta de productora con nombre, negocio rentable y a otra cosa mariposa.
El envoltorio esta cuidado y salpicado de un apellido famoso aquí, una buena interpretación allá, las dosis justas de misterio, drama y amor y un final para que después de la peli siente bien la cena.
El asunto daba para mucho más y para otro tipo de película mas arriesgada. El diseño de vestuario se luce y casi todos contentos.
The Beatles Anthology7
8 episodios (tv). 10 h.
Reino Unido / 1995
Bob Smeaton y Geoff Wonfor / ITV / ABC
Descubro esta serie documental 20 años después de ser estrenada (creo que en España no) y vista por 400 millones de personas en el mundo. ¿Como se me pueden pasar estas cosas? ¿Donde andaba uno en el 95?. Como nunca es tarde me las prometía muy felices pero, y ya que estamos con refranes, no es oro todo lo que reluce.
Después de superado el placer de reencontrarme, una vez más, y todo de golpe con la música de los cuatro de Liverpool, !sorpresa¡ los tres últimos episodios no los he podido visionar y los cinco primeros... subtitulados en portugués.
Más que suficiente para darme cuenta de que por encima de la calidad del producto, las míticas canciones, la abundante y variada documentación visual y sobre todo los propios comentarios de sus protagonistas no deja de ser una hagiografía sobre el grupo a mayor gloria de sus fans más incondicionales. Por supuesto Lennon fue asesinado quince años antes y sus comentarios están grabados hacia el 76, cuando ya se habían separado.
Así pues servidor se ha quedado en pleno cambio artístico con la edición del séptimo album de la banda: "Revolver" en el 66.
Dicen los que han visto la totalidad, que el tono sigue siendo de lo más light y que el lado oscuro, que lo hubo, precipitado por la muerte del mánager que los encumbró Brian Epstein, brilla por su ausencia.
En las cinco primeras entregas el poder de la nostalgia y el paso del tiempo arrasa con todo.
UNA DAMA EN PARÍS
7
1 h. 34 m.
Francia / 2012
Ilmar Raag
Tercera cinta y primera fuera de su país que nos llega con tres años de retraso del director estonio poco conocido por estos lares a pesar de haber estrenado ya dos trabajos mas.
Es un trabajo de sobriedad y contención, un drama vital donde lo que no se cuenta, lo que no se ve, lo sugerido tiene una importancia determinante a la hora de dibujar una encrucijada en las vidas de un triangulo peculiar en el París actual y eterno.
Jeanne Moreau, mito del cine francés y mundial, con un palmares profesional y existencial de órdago, a sus 87 años demuestra que quien tuvo retuvo (incluso dirigió algunas escenas), componiendo un personaje riquísimo en su contención, a la que da una excelente replica la estonia Laine Mägi (trasunto de la madre del director), a las que se une sin desmerecer Patrick Pineau.
Sin grandes alardes estilísticos Raag narra una historia con poso sobre los emigrantes de su país, su propia madre, el amor y el paso del tiempo.
EL CUARTO MANDAMIENTO8
1 h. 28 m.
USA / 1942
Orson Wells
No se si los responsables de titular las películas en los años cuarenta en España quisieron aportar su granito de arena a la historia de desafortunada manipulación a la que se vio sometida la segunda película del por entonces joven (27 años) prodigio Wells. En cualquier caso lo hicieron colocándole este título tan bíblico y tan desafortunado al original "La magnificencia de los Amberson", homónimo de la novela ganadora del pulitzer en 1918 escrita por el novelista y dramaturgo norteamericano Booth Tarkington.
Wells en su contrato de dos films con la RKO tenía libertad para elegir y eligió esta novela sobre la decadencia de una familia poderosa (entre otras cosas). Y el genio la pasó por su "turmix" creativa concibiendo un proyecto más personal que "Ciudadano Kane", de dos horas y doce minutos, que a tenor de lo que ha quedado bien podía haber sido el peliculón del siglo.
Pero no lo fue. Comenzó la guerra, Wells se marchó obligado a Brasil a rodar dentro del marco de amistad cultural con latinoamerica promovida por la administración de Roosevelt, con el beneplácito del magnate Rockefeller uno de los máximos accionistas de la RKO. La desafortunada y rocambolesca historia de su periplo por Brasil daría para un libro entero. El caso es que cuando al final volvió al cabo de ocho meses, la RKO había cambiado y también su relación con Wells, del que querían deshacerse por caótico y anticomercial.
Y el pato lo pagó la cinta que nos ocupa, estrenada sin la autorización ni el montaje de Wells, mutilada en unos 45 minutos y con escenas finales añadidas para suavizar el final. El desastre fue total. Pero lo peor estaba por llegar. George Shaefer productor y presidente de la RKO mandó destruir el material rodado por Wells que habían desechado. Dios se lo demande. A parte de que le echaron de la RKO.
Aún así la mezcla de teatro, radio y cine que engendró Wells es tan poderosa que apabulla y nos estremece pensar lo que pudo ser originalmente.
La excelente dirección, siempre innovadora, su atmósfera sombría y decadente con un uso de la luz y una fotografía excelsa, su aroma shekaspeiriano interpretado fielmente por la mayoría de actores teatrales de su compañía del Mercury y su abanico de posibilidades dramáticas van mucho más allá que la decadencia de una familia. Ochenta y ocho minutos de escenas memorables que no pudieron ser ensambladas como debían. Probablemente si lo hubieran sido también habría sido un fracaso comercial. Y es que el público aún no estaba preparado para una forma de hacer cine del que Wells fue su más ilustre precursor.
LIO EN BROADWAY
6
1 h. 33 m.
USA / 2014
Peter Bogdanovich
Que Bogdanovich es un hombre de cine (historiador, critico, productor, actor y director) es innegable. Su vida artística, tras sus exitosos inicios al frente de una nueva ola de directores americanos de los años 70, se fue convirtiendo en un calvario a partir de los 80 y mal que bien nunca acabó de levantar el vuelo.
Ahora a sus 76 años vuelve la vista atrás con una comedia de corte clásico, de aromas de su admirado y estudiado Hawks, con toque de Allen, en la que durante algunos minutos de su metraje consigue que sintamos una forma de hacer comedia que no volverá. Aunque solo sea por unas gotas de esa esencia merece la pena. El problema es que ese aroma no deja de ser apenas una evocación que se desvanece en manos de un guión muy alejado de aquellos de los grandes maestros. Con todo, el reparto es carismático y se deja ver con agrado.
LOS VIAJES DE SULLIVAN
8
1 h 30 m.
USA / 1941
Preston Sturges
Una de la media docena de películas (para algunos la mejor) que en apenas cuatro años fijaron a Sturges en la posteridad del celuloide. Casi los mismos años, del 40 al 44 en que también lo hizo el icono sensual (a pesar de sus 1.51 de estatura) la malograda Verónica Lake, que acapara la publicidad de esta cinta eclipsando mediaticamente a su partenaire y protagonista Joel McCrea, antes de que este pocos años después sacara abono de por vida para los westerns.
"Tutti frutti" de generos, la cinta arranca de manera espectacular "in media res", para dejarnos claro que la cosa va sobre el cine y su papel en la sociedad como espejo de la realidad social o como válvula de escape para soportar dicha realidad. Sturges, hace declaración de intenciones y habla en el prólogo de un homenaje a todos los cómicos con una coda final que reivindica el papel catártico e igualador de la risa en la especie humana.
Los diferentes estilos de comedia salen a la luz en escenas más o menos afortunadas y algunas veces encajadas con calzador. El ritmo es notable, lo diálogos brillantes y vertiginosos sobre todo en su primera mitad y el giro argumental llega en el momento preciso. No se olvida Sturges de plasmar la brutal diferencia de clases de la época (nada a cambiado) así como el terrible y discriminatorio sistema judicial y penal en unos USA que presumían y presumen de democracia y libertades.
Otra cosa es la intencionalidad que pudiera tener Sturges sobre ese lado oscuro y su ausencia de crítica explicita y soluciones basadas en la limosna y la caridad. Cuando Sullivan reparte billetes de 5 dolares entre los mendigos es el espectador quien debe decidir si el director esta sacando a la luz la actitud paternalista de los más favorecidos o frivolizando sobre el problema.
El reparto de protagonistas y secundarios cumple a la perfección con sus roles y la fotografía de John F. Seitz se luce en muchos momentos, sin que los fallos del poco creíble guión lastren el buen resultado final.
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PIXELS
4
1 h. 45 m.
USA / 2015
Chris Columbus
Sandler produce, guioniza y protagoniza esta puesta de largo del corto del mismo título de Patrick Jean. Dirige un Chris Columbus, que también produce, con el piloto automático puesto. Ambos saben que la propuesta sobre el mundo de los videojuegos de los 80 es atrayente para nostálgicos y modernos y la taquilla les ha recompensado.
El tema ya se trató con la calidad y la excelencia de "Rompe Ralph" (Rich Moore/2012), cinta de animación. Aquí no es el caso. Después de una intro que podía estar firmada por Spielberg, Columbus y Sandler se dejan llevar por un guión más que previsible, unos efectos que no pasan de curiosos y unos personajes tan planos como los juegos de Arcade y que solo el genial Peter Dinklage consigue mantener en pie.
Servidor la catalogaría directamente para una chavalada poco exigente de sábado por la tarde en el Canal Disney, y uno ya está muy mayor para eso.
MI FAMILIA ITALIANA
5
1 h. 44 m.
Italia / 2015
Cristina Comencini
Noveno film de la realizadora, escritora y guionista italiana Comencini. Reconozco que no he visto ninguno de los otros ocho. El titulo español aparentemente alejado del original a priori más apropiado: "Latin Lover", pudiera cobrar todo el sentido si lo aplicamos a la propia directora, hija de uno de los cineastas padres de la "commedia all´italiana": Luigi Comencini. Constituyéndose la propuesta entonces como un homenaje al cine que le tocó vivir y crear a su padre, plagado de tipos y personajes como el finado Severio Crispo sobre el que rota toda la trama de esta comedia preñada de nostalgia.
El plantel internacional con actores de nombres relevantes en el que destaca el personaje de Marisa Paredes y la ocasión de ver por última vez a la bella y reconocida actriz Virna Lisi, fallecida poco después a la edad de 78 años.
En general el homenaje resulta más voluntarioso que efectivo y y Comencini no acierta a trasladarnos toda la magia de una época pasada del celuloide europeo y mundial. Lo que empieza de forma prometedora se va diluyendo en un guión bastante descafeinado donde el humor tampoco brilla por su agudeza.
La cinta se va dejando ver entre alguna que otra cabezada.
CIEGO
8
1 h. 36 m.
Noruega / 2014
Eskil Vogt
Vogt, guionista acertado de las dos films de Joachim Trier, opta por dirigir él mismo su tercer guión en una opera prima que se ha hecho notar por su notable y original capacidad narrativa y su elegante factura en un guión alambicado donde el espectador puede sentirse perdido, desconcertado, pero nunca defraudado.
La asunción física, mental y emocional de una ceguera en la vida de la protagonista y el torbellino que ello dispara en lo que era lo que será o pueda ser su vida es increíblemente sutil y explicito a la vez. Sus miedos, sus deseos, sus represiones..., todo aflora en un maremágnum creativo donde la realidad y la fantasía se entremezclan sin lineas divisorias.
Con toques de humor negro, el amor, el deseo, la sensualidad, la angustia, la desconfianza existencial empiezan a tomar luz cuando los ojos de Ingrid dejan de verla.
Excelente fotografía e interpretaciones. El cine escandinavo recupera ecos del trono perdido de otras épocas.
EL SARGENTO YORK
7
2 h. 14 m.
USA / 1941
Howard Hawks
La cinta se estrena el 2 de Julio de 1941. Cinco meses después los japones atacan Pearl Harbor y los USA entran en guerra. Unos USA con un fuerte sentimiento de no intervención a resultas de la experiencia que les supuso su participación en la primera contienda. Roosvelt y su administración ya se venían preparando para ello con un rearme manifiesto y que mejor manera de convencer al pueblo que con el inmenso poder propagandístico del cine.
En este marco se encuadra "El sargento York" con la que Hawks como otros muchos directores contribuyó a la causa bélica. Para ello venia al pelo adaptar a la ficción la biografía de Alvin C. York, un granjero de Tennesee algo pendenciero que se ve redimido por la religión y que tras filosóficas reflexiones bíblicas y apoyo implícito de su pastor decide ir a luchar en la I primera guerra mundial.
No destriparemos la trama pero es evidente que la intención de convencer al pueblo norteamericano de que abandonen sus dudas y vayan a sacrificarse por su país cumple su objetivo.
Parece ser que el propio Alvin, en principio siempre reacio a utilizar sus hazañas con fines comerciales, accedió a esta propuesta si era Cooper quien le representaba.
El talento de Hawks para narrar historias se pone de manifiesto tanto en una primera parte donde impera el amor familiar, espiritual y mundano como en la segunda de hazañas bélicas. Prefiero la primera, bien secundada por el resto del reparto, las atmósferas campesinas, y la composición de bruto ingenuo dotado de proverbial puntería que realiza Cooper, ya en la cresta de la ola de su popularidad y que ese mismo año 41 estrenaba "Bola de fuego", también a las ordenes de Hawk.
11 nominaciones a los Oscars acabó solo con dos, el primero (cantado) de Cooper en su carrera, que declaraba sentirse identificado con el personaje y que hasta ese momento era su película preferida. Ese año ganó "Que verde era mi valle" de John Ford que tocaba otras fibras muy diferentes.
OSLO, 31 DE AGOSTO
7
1 h. 35 m.
Noruega / 2011
Joachim Trier
Para existir, para ser lo que somos y quien somos, necesitamos las proteínas, nadie sabe en realidad cuantas tenemos pero puede haber del orden de un millón en el cuerpo humano. Dichas proteínas necesitan para formarnos 20 tipos distintos de aminoácidos formando cadenas de 200 en una secuencia determinada. Las probabilidades de que esto ocurra son de 1 entre 10 elevado a 260, "cifra por si sola mayor que el número de todos los átomos del universo" (Bill Bryson).
Y una vez producido el improbable milagro de nuestra vida, una vez que hemos sido elegidos entre ese número impensable de combinaciones, algunos deciden, que no vale la pena y acabamos con nuestro milagro esparciendo nuestros átomos a otros menesteres. Mucha responsabilidad y mucho poder en una decisión a priori desagradecida con nuestra única e irrepetible combinación ganadora. Así somos.
Un joven Anders inicia un viaje exterior e interior por las calles de Oslo en busca de una razón para seguir viviendo. No puedo por menos de recordar el Ulyses de Joyce donde Bloom y Dedalus inician otro viaje de un día por Dublín en busca de su particular Ítaca. Un reverso de la moneda ya que Anders no consigue en ninguno de los puertos en los que atraca la clave para que merezca la pena seguir en el viaje.
Poética, desoladora, crítica, imparcial al extremo de caer en el voyeurismo, Tryer en su segunda obra nos conmociona y nos hace reflexionar sobre la existencia.
La historia viene de lejos: la vida del poeta surrealista Jacques Rigaut inspiró la novela breve "Will O´ the Wisp" de Pierre Drieu La Rochelle, sobre la cual Louis Malle realizó la película "El fuego dentro" que da lugar a esta versión de Trier. Todo está inventado.
INVESTIGACIÓN POLICIAL
6
1 h. 30 m.
España / 2013
Daniel Aguirre
Daniel Aguirre cual Juan Palomo se lo lleva currando desde hace un tiempo. Series web, actuación, ayudante de dirección, guionista, fotografía... Es un artista que sabe adaptarse al medio, precario, en el que subsiste la inexistente industria cinematográfica en este país, porque no le queda otra y prefiere hacer de los defectos virtud antes que tirar la toalla y dedicarse a vender seguros, por poner un ejemplo.
Así pues y con dos años de retraso nos llega esta stravaganzza rodada bajo mínimos donde un surrealismo costumbrista, si es que eso existe, aprovecha la sátira sobre el género de policías para narrar con humor y patetismo la historia de un Quijote con su Sancho que sueñan con desenfacer entuertos para escapar de la mediocridad conque el destino los tiene atrapados.
La original idea no cuenta con la dirección adecuada y sobrevive de un ingenioso guion y de la actuación empática que nos provocan sus protagonistas. La cosa hubiera quedado mejor en un mediometraje. Se agradece la colaboración autoparódica de Resines y Ingrid Garcia-Jonsson aparece fugazmente como en un flashback de "Hermosa Juventud" (Jaime Rosales / 2014) a la espera de que la ofrezcan los papeles que merece.
Que no decaiga señor Aguirre.
JOHN ADAMS (serie de TV)
8
7 capitulos de 1 h. aprox.
USA / 2008
Kir Ellis (novela de David McCullough) / HBO
Podríamos decir que a John Adams, segundo presidente de los Estados Unidos, la historia le hizo un bocadillo, entre dos pesos pesados y mediáticos como fueron George Whasington y Thomas Jefferson, primer y tercer presidente respectivamente.
La HBO a través de la adaptación de la novela premiada con el Pulitzer, reivindica su figura y nos traslada a los orígenes y los gérmenes de la independencia de unas colonias británicas en el nuevo mundo que acabaron por formar una nación para un nuevo mundo global que aún hoy lideran en mayor o menor medida.
Tiempos convulsos y apasionantes donde Adams jugó un papel esencial en muchos de sus aspectos, desde la elección de Whasington como comandante en jefe durante la guerra de independencia, su constitución de Massachusetts de donde procedía, modelo inspirador de la Declaración de Independencia, sus embajadas en Europa y su mandato presidencial (1797-1801) donde supo aguantar las intrigas políticas de dentro y fuera de su partido manteniendo una paz necesaria con Francia y firmando leyes de extranjería incomodas para apaciguar ánimos y en las que no puso mucho empeño por aplicarlas.
Hombre, vehemente, vanidoso, no se le conocen escándalos ni corrupciones, de profundo arraigo familiar, apegado a su tierra natal y cuya mujer Abigail Adams parece ser que supo pulir y moderar sus exceso retóricos y políticos.
Todo ello lo cuenta HBO en una producción exquisita, patriótica pero sin chauvinismos, con personajes históricos sagrados para los americanos que son tratados con sus luces y sombras con un elenco intachable en general donde brilla, una vez más, Giamatti como Adams, Wilkinsom como Franklin y Laura Linney que pone el contrapunto al aspecto didáctico- histórico de la labor de Adams como político, dándole el volumen humano que conlleva el personaje.
El guión y la dirección de Tom Hooper no son demasiados ágiles y a partir del segundo episodio la historia se vuelve seca y áspera para aquellos que no estén especialmente interesados en la historia norteamericana en particular, amén de la obsesiva manía de Hooper por abusar de la inclinación de los planos a veces de forma incomprensible y ridícula.
Tampoco faltan los momentos emotivos en una serie de calidad que se llevó nada menos que 13 Emmys y 4 Globos de Oro, aunque quizás, como le pasó a Adams, no sea una de las más recordadas de la historia televisiva.
EL HUÉRFANO
Adam Johnson (2012)
EDITAR. Seix Barral / 2014
616 págs.
Premio Pulitzer con su segunda novela. ¡Ahí es na!. Este profesor de escritura creativa de la Universidad de Standford (California) ya ha dado buen ejemplo a sus alumnos para la posteridad. Es cierto que ha tardado diez años desde la primera, pero la espera a merecido la pena. La critica le ha colmado de parabienes de forma unánime.
La verdad es que la distopia sobre una Corea del Norte que tuvo la ocasión de poder visitar, nos retrotrae inmediatamente a los aromas espeluznantes de "1984" de Orwell. Uno sospecha, dado el hermetismo de aquel país, que ficción y realidad no deben equidistar mucho de lo que nos narra Johnson. Aún quedan en el mundo compartimentos más o menos estancos donde los dictadores, caudillos y demás personajes siniestros y sus acólitos siembran el terror ante la impotencia de unos y el mirar para otro lado de otros.
Pero no solo habla de ello "El huerfano". Con una prosa clara, brillante, en ocasiones poética, mezcla de géneros donde lo dulce y lo amargo, el amor y el horror caminan juntos, asistimos al periplo vital de Jun Do, un huérfano, un Juan Nadie norcoreano que es zarandeado desde su infancia en una sociedad cuyas reglas de subsistencia bordean la locura ética y moral.
Un mundo surrealista, plagado de giros argumentales, de situaciones realmente hipnóticas, atroces, que todavía dejan hueco para la esperanza aún a costa del sacrificio.
Modestamente pienso que la historia en sus últimas páginas toma unos derroteros menos fascinantes, a mi juicio, que el resto del relato. Aún así al terminarlo uno tiene la sensación de que por sus manos ha pasado un clasico contemporáneo.
LA MIRADA DEL SILENCIO
10
1 h. 43 m.
Dinamarca / 2014
Joshua Oppenheimer
En esta segunda entrega, grabada al mismo tiempo que la multipremiada "The Act of killing" (2012), Oppenheimer se reservaba un as en la manga: las victimas mostrando la verdad cara a cara a sus verdugos. No hay palabras para describirlo. La reflexión que eso conlleva sobre la grandeza y la miseria de los seres humanos es sobrecogedora.
Aún se permite el director rodar con exquisita delicadeza y enmarcar en bellisimas imágenes la cuota de horror que periódicamente desde que el hombre existe le toca pagar a cualquier parte del mundo.
Imprescindible.
ETERNO
5
1 h. 54 m.
USA / 2015
Tarsem Singh
En 1966 el gran director John Frankenheimer realizó su película más arriesgada y una de las mejores de su carrera: "Plan diabólico", adaptación de la novela de David Ely, "Seconds" protagonizada por un Rock Hudson también en una de sus mejores interpretaciones. En ella se inspira este nuevo trabajo de Tarsem Singh.
Cualquier comparación con la del 66 es más que odiosa. Todo lo que en la primera era misterio, crítica social y buenas dosis de psicoanálisis y metafísica, amén de la dirección de Frankenheimer, aquí se convierte en un vulgar thriller de garrafón que a duras penas cubre el expediente de entretener lo justo. Los minutos iniciales se sobrellevan mejor gracias a que Ben Kingsley siempre deja su huella con lo que le toque lidiar. En el momento que desaparece Kingsley, Ryan Reynolds toma el relevo en una carrera que ya está perdida de antemano.
Con todo y con ello los ecos lejanos de la novela de Ely aún dan para reflexionar sobre el desequilibrio entre las posibilidades científicas y la ética existencial del ser humano.
EL HALCÓN MALTÉS
8
1 h. 40 m.
USA / 1941
John Huston
¿Qué se puede decir que no se haya dicho ya de este clásico de la cinematografía apunto de cumplir su 75 aniversario?.
Que es la matriz, el molde del género de detectives que junto con el de gánsteres ya existente conformarían el llamado cine negro. Título tomado de la revista "Black Mask Stories", donde se publicaron esta serie de relatos.
Que fue el primer film del hasta entonces guionista John Huston, que bordó la adaptación de la novela de Dashiell Hammett, basada en sus experiencias como detective real, publicada en el 29 y que contaba ya con dos adaptaciones desafortunadas en el 31 y el 36, la segunda de ellas con Bette Davis.
Que supuso, junto con "El último refugio" (Raul Walsh) ese mismo año el trampolín a la fama de Bogart que iba y seguiría con "Casablanca", convirtiendo en oro todos aquellos personajes que, afortunadamente, George Raft rechazaba.
Que el ritmo es tan trepidante como en la película de Walsh, pero aquí la velocidad la imprime la palabra en vez de la acción. Se habla mucho, se cuenta mucho y muy rápido, desvelando y enredando la trama al mismo tiempo. Que el trío formado por "el gordo" Greenstreet, (Oscar incluido), Cairo-Lorre y Elisha Cook Jr, como el pistolero de Greenstreet están estupendos y que a toro pasado, Mary Astor ya en su madurez esplendida y habiendo ganado en su juventud concursos de belleza, fue la única que no dejó el cliché de su imagen para la posteridad en un personaje mil veces repetido que encarnarían otras actrices más sensuales. Todo lo contrario de Bogart.
Que Warner no confiaba mucho en el resultado dado los fracasos anteriores y trato la cinta con presupuesto de serie B.
Que el expresionismo alemán se deja notar en la puesta en escena y que Huston fue menos Huston como director que lo seria después.
Llevo cinco décadas revisitando esta cinta y con sus defectos, que los tiene, siempre acabo enganchado hasta el final. Sera porque esta hecha "con la materia que se hacen los sueños".
A CAMBIO DE NADA
7
1 h. 33 m.
España / 2015
Daniel Guzmán
A sus 41 años, Daniel Guzmán, no es un recién llegado, partiendo como grafitero de barrio se labró una prolífica carrera como actor en cine, tv y teatro, amén de pasar por el boxeo y el motociclismo puntualmente. Por si esto fuera poco debutó con un corto ("Sueños" / 2003) y se llevó un Goya. ¿Se puede pedir más?.
Pues sí, escribir y dirigir una película y que además le salga bien, que la premien en el festival de Málaga y que le lluevan las nominaciones a los Goya. Y no es que "A cambio de nada" sea la bomba, pero al aceptable guión y realización, se le unen unos diálogos muy ágiles, un buen ritmo narrativo, secundarios de esos que apuntalan cualquier película (soberbio Rellan y Felipe Velez, prometedor Antonio Bachiller) y una atmósfera popular, de cine de barrio barnizada de nostalgia, cuya mezcla de drama y comedia sabe caerle bien a la mayoría de espectadores y críticos.
Dario, interpretado por un Miguel Herrán que aún debe pulirse y que en ocasiones se le nota encantando de ser el prota de la peli, es un chaval de 15 años cuya padres lo utilizan como objeto arrojadizo en su separación. Dario, saldrá a buscarse la vida huyendo de sus demonios personales y se la encontrará con su cara y su cruz.
Buen comienzo en la dirección de Guzmán. Le seguiremos la pista.
SAN ANDRÉS
5
1 h. 54 m.
USA / 2015
Brad Peyton
Era el año 1975, salir de mi barrio y alejarme de los maravillosos cines de sesión continua para acudir al centro más pijo, al cine más moderno recién estrenado (Cid Campeador de Madrid) a una única película ("Terremoto") de estreno con la última tecnología "Sound Surround", fue todo un acontecimiento para un chaval de 16 años que nada tienen que ver con los 16 años de los chavales de hoy. Ni siquiera existe ya el cine, que ha sido reconvertido en una macro agencia de viajes, después de 33 años haciendonos viajar a través de la pantalla a muchos de nosotros.
De como me hice pasar por un miembro de rtve para colarme en el estreno en este cine de "La naranja mecánica" pocos años después lo dejaré para otra ocasión.
Y aquí estamos 40 años después viendo una vez más como la falla de San Andres en California acaba una vez más con Los Ángeles. La verdad es que "Terremoto", en la linea de la moda de películas de catástrofes que engordaban la taquilla en esos años y a pesar de su elenco de glorias en hora bajas como Charlton Heston o Ava Gadner, me defraudó por la misma causa que esta nueva versión: su guión. Toda la apuesta está en el espectáculo y el morbo de vivir la catarsis viendo como todo se derrumba a tu alrededor pero tu no estás ahí. Y además tienes claro que los protas siempre se salvarán por los pelos, mientras que cientos de extras, digitales o no, la palmarán sin el menor pudor.
En el 74, lo efectos especiales a base de maquetas, miniaturas y decorados se llevaron premios en los Oscars. Ni siquiera podían soñar con lo que el milagro digital podría lograr hoy en día. Sin embargo, por muy logrados que estén ya no nos sorprenden lo más mínimo a estas alturas donde estamos saturados de birguerias paridas por ordenador.
Por lo tanto y dado el anémico guión, ni siquiera nos queda el consuelo de, como con Heston o Gadner, recordar a "The Rock" y Carla Gugino en películas memorables.
Aunque siempre es reconfortante ver a Giamatti y a Alexandra Daddario. Obviamente por motivos diferentes.
RETRATOS DE FAMILIA
8
1 h. 39 m.
Singapur / 2013
Anthony Chen
Ya no sorprende tanto como antaño el que las operas primas sean películas bastante maduras, como si realmente no fueran operas primas. La que nos ocupa es un ejemplo mas de ello. El denominador común es que suelen ser de base autobiográfica precedidas de un corto a modo de borrador del asunto y de las calidades del director. En este caso nos llega de Singapur en Indonesia, cuyo nivel cinematográfico desconozco y que Chen a puesto en el mapa del celuloide al ganar la Cámara de Oro en Cannes.
La aparente simplicidad del asunto que el mismo produce y guioniza entronca directamente con la cinta brasileña "Una segunda madre" de Anna Muylaert, o al reves ya que esta última es posterior. En ambas la criada de una casa acomodada de clase media es el sustento sobre el que se disecciona las interioridades y conflictos de ese pilar de la sociedad que llamamos familia. Ambas asistentas tienen que dedicar su vida a otros hijos y otras familias para poder mantener en la distancia a las suyas propias. La discriminación y la injusticia social no entienden de fronteras, crisis ni momentos históricos y a ambos lados del mundo se hacen patentes. Chen rueda con minuciosidad y ritmo fluido los pequeños detalles cotidianos, los encuentros y desencuentros entre seres (estupendamente interpretados) que se necesitan desesperadamente en una lucha por salir adelante en una vida siempre a punto de zozobrar.
Lo dicho, Camara de Oro a la mejor Opera Prima.
CUERO Y TINTA
6
1 h. 5 m.
España / 2015
Jose Luis Sanchez Maldonado
Pocas florituras artísticas para contar de forma directa y simple a través de los gurus pasados y presentes de la comunicación deportiva los tejemanejes de una profesión que vive básicamente de un deporte al que llaman rey y que ejerce de tal controlando a sus súbditos informativos mediante un vasallaje como siempre económico. Malos tiempos para la prensa.
Se dice que a los clubs ya no les interesan los "hinchas" como tal sino como consumidores de un producto en el que las cuentas casi nunca están claras y gozan de la benevolencia política por mor de tener a las masas entretenidas (con chicas ligeras de ropa en contraportada) y dirigir sus frustraciones hacia el enemigo deportivo en vez de sacarle los colores a los encargados de administrar nuestros recursos. Dopaje, compra de partidos, periodistas que se convierten en personajes de show televisivos...
El espectáculo cada día está más fuera de los estadios que dentro. A muchos había que sacarles la roja directa.
TIEMPO SIN AIRE
7
1 h. 46 m.
España / 2015
Samuel Martín / Andrés Luque
Aunque no fuera para tirar cohetes, ya me gustó el primer trabajo de esta pareja de directores (Agallas / 2009) en la que también participaba Carmelo Gómez. En seis años han madurado y se nota con este segundo proyecto que sin llegar tampoco a ser redondo es un paso notable hacia delante en un cine, el español, necesitado de más apuestas como la presente y menos comedietas bufas.
Con un hilo argumental dramático lo suficientemente sólido para seguirse con interés a pesar de algunos bajones de ritmo, acertadas interpretaciones de la pareja protagonista y un final al alza, la cinta planta interesantes reflexiones sobre el sentido de la venganza y la justicia. Subtramas como la del personaje de Carmelo Gómez o el de Adriana Ugarte podrían haber tenido mayor desarrollo. Esta última cuenta además con el handicap de que tanto ella como Felix Gómez tienen problemas de dicción y hay momentos en que no se entiende lo que hablan.
La crítica no ha sido muy benevolente con la película en general y con Carmelo en particular. Ya se sabe que por estos lares carecemos de término medio, o encumbramos o lapidamos sin piedad. Carmelo ha decidido retirarse del cine como en su día lo hizo del teatro al que ahora vuelve. Seguro que al cine también volverá. Se le necesita.
LAS TRES NOCHES DE EVA
7
1 h. 34 m.
USA / 1941
Preston Sturges
,
Del 40 al 45 Sturges que había conseguido afianzarse como guionista en el Hollywood de la época, consigue dar el salto a la dirección de sus propios guiones abriendo una brecha en la industria por la que pasarían otros ilustres guionistas como Huston o Wilder. Apenas cinco años de esplendor en los que consiguió dejar su huella en la historia del celuloide con siete títulos para recordar.
Entre ellos esta comedia donde la "guerra de sexos" se adereza con un toque de "slapstick", todo ello a mayor gloria de una Barbara Stanwick esplendida en su belleza fuera de la ortodoxia y demostrando que sus grandes recursos actorales daban para todos los géneros.
El enredo, los equívocos, los buenos secundarios habituales, una notable fotografía y una dirección inspirada ponen a esta comedia cerca de las grandes del género. El tiempo la ha erosionado algo y apagado parte de su brillo, pero aún así ya quisieran muchos hoy en día llegar a su altura.
LA FIESTA DE DESPEDIDA
7
1 h. 35 m.
Israel / 2014
Tal Granit / Sharon Maymon
Esta comedia teñida de humor negro en realidad es un lobo con piel de cordero. El derecho a una muerte digna en la mayor parte del mundo aún no es un derecho y seguimos dejando la última palabra de nuestra vida en manos de los dioses, cuando se supone que estos nos dotaron del libre albedrío. Y de nada vale si vives en algún estado laico y no crees en los omnipotentes. Así pues plantear tal cuestión en Israel podría parecer un suicidio y sin embargo la cosa no les ha ido mal a la pareja de directores y la cinta ha tenido una gran acogida fuera y dentro del país.
Está magníficamente interpretada por cómicos reconocidos en su tierra que van entreverando de sonrisas el drama que conlleva dejar partir, si así lo desean, a nuestros seres queridos ahorrándoles el sufrimiento y las miserias de una espera sin esperanza por mucho que, como las meigas, milagros, haberlos haylos. Y de paso, reconocen la pareja de directores guionistas, ponen de nuevo su "pica en flandes" con el tema de la homosexualidad. Cada uno que viva, ame y muera como quiera.
Rara avis, en un tema tan delicado, capaz de hacerle la competencia humildemente a la sacrosanta "Amor" de Haneke
GÜEROS
8
1 h. 47 m.
México / 2014
Alonso Ruizpalacios
Probablemente esta opera prima del realizador mexicano Ruizpalacios sea más que la manida frase de "un soplo de aire fresco" en un cine, el de su país, como el de muchos otros, absolutamente colonizado por el modo y maneras del cine estadounidense. Su buena acogida en festivales donde ha cosechado varios premios pone además el foco por unos instantes en la realidad social de un México asfixiado por la corrupción y el narcotrafico como males mas relevantes de los muchos que le aquejan.
Como toda opera prima Ruizpalacios tira de vivencias personales como la huelga de 10 meses ocurrida en 1999 en la Universidad Nacional (UNAM) para enmarcar a un grupo de jóvenes con diferentes grados de aceptación y compromiso con los problemas sociales de sus país. Desde la joven dirigente estudiantil al jovencito de provincias que empieza a abandonar una adolescencia inconsciente.
Y también como toda opera prima Ruizpalacios aprovecha la ocasión para demostrar todo lo que lleva dentro como realizador y aquí a mi juicio esta su éxito y su derrota. Es tal el torrente, la berborrea narrativa y formal que el director vierte en la historia que se le va la fuerza por las costuras y aprieta poco en el fondo o los muchos fondos que tiene su película. Y así la mayoría de las esencias quedan apenas esbozadas sin que tengan el poso suficiente como para asentar en nuestras conciencias. Aquello de quien mucho abarca poco aprieta.
La ciudad, la juventud, la poesía existencial, la fotografía en blanco y negro atemporal, el metalenguaje fílmico, el amor, el desencanto, la violencia, el humor, el ritmo irregular adecuado a las situaciones..., todo confluye en un totum revolutum donde prima el estilo por encima del contenido.
La influencia de Jarmusch se hace evidente y por mucho que intenten luchar, en inferioridad de condiciones, por su distribución en salas comerciales, la cinta es carne de festivales.
Y aún siendo más borrador que obra terminada, el borrador es bastante notable y Ruizpalacios se ha ganado nuestra atención.
ELSA Y FRED
5
1 h. 44 m.
USA / 2014
Michael Radford
Esta nueva versión (remake para los esnobs) americana de la cinta original argentina del mismo título con producción española, estrenada en el 2005, goza de los mismos aciertos y defectos que su predecesora.
El acierto es básicamente la calidad de sus protagonistas, el placer mitómano de contemplar a estas leyendas octogenarias como Maclaine y Plummer, a las que no desmerecen el gran Alexandre y China Zorrilla en una comedia amable de últimas oportunidades que no ocupará un lugar destacado en los anales del género. Y no lo hará básicamente por que el guión es de mínimos, trillado y previsible a más no poder. Un guión que funciona mejor en su premisas, cuando los personajes se encuentran y se aceptan, que el escaso desarrollo posterior y el hiperglucémico desenlace.
El polifacético Michael Radfor se limita a servir con corrección la puesta en escena para no estorbar a Plummer y Maclaine.
TERMINATOR GÉNESIS
5
2 h. 6 m.
USA / 2015
Alan Taylor
Uno entiende que más tarde o más temprano el regreso a las pantallas de ex-gobernador de California, tenía que pasar por reencontrarse con Terminator. El éxito en caja estaba cantado.
Desde el punto de vista, no ya artístico sino del cine de entretenimiento sin más, esta última entrega, ni era necesaria ni aporta nada nuevo a la franquicia. Los líos de familia espacio-temporales con un reparto con escaso punch y una puesta en escena basada en la nostalgia, entretienen lo justo para sobrellevar esas tardes de sofa con el amodorramiento pertinente. La película al contrario que el modelo de Terminator que encarna Arnold, no es vieja, pero si obsoleta.
QUE VERDE ERA MI VALLE
10
1 h. 58 m.
USA / 1941
John Ford
El título bien podría servir como añoranza de aquellos años dorados del cine que no volverán, pero que aún podemos revisitar con gozo y esplendor. En lo personal todos recordamos bajo el prisma del tiempo nuestro propio "valle" en el que crecimos y nos conformó como lo que somos. La novela de Richard Llewellyn seudónimo de Richard David Vivian Llewellyn Lloyd, cuya ascendencia galesa marcó su obra parecía estar escrita para que la dirigiera Ford como un paralelismo biográfico con su propia ascendencia irlandesa.
El proyecto estaba previamente muy trabajado por Wiliam Wyller a quien Zanuck había encargado la dirección en un principio y de todos es sabido que Zanuck metía mucha mano en sus proyectos. Pero Wyller al final se decantó por "La loba" y la cosa cayó en manos de un Ford en plena madurez que hizo suya la película de principio a fin y pario prácticamente una obra maestra compendio de todo su saber hasta la fecha, de sus influencias artísticas alemanas y soviéticas, de sus valores tradicionales, de sus personajes de una pieza, de su amor por sus orígenes, de su desencanto vital, de su gusto por las canciones populares y de una lucidez visionaria ante el mundo que terminaba y el que se reiniciaría diferente después de la II guerra mundial. Guerra que impidió que se pudiera rodar en el propio Gales y hubo de recrearse en un set en la montañas de Santa Mónica que a su vez impidieron el uso del color dado que el color de la floresta de la zona nada tenía que ver Gales.
La película no tiene desperdicio y comentar cada una de sus magnificas escenas y la pluralidad de intenciones y sentimientos que conllevan daría para mucha páginas. Hay que verla, disfrutarla y sin duda emocionarse.
El reparto está impecable y cada uno en su papel también merecería mención a parte, desde los protagonistas a los más secundarios. El guión de Philip Dunne es un prodigio que no tenía nada que envidiar al de Ciudadano Kane, película con la que Ford compitió con Wells en los Oscars de ese año. Ganó Ford, quizá como homenaje y despedida a un cine que ya daba el relevo a todo lo nuevo que traía el joven Wells, otro genio que al preguntarle sobre sus directores favoritos decía: Ford, Ford y Ford.
¡Ay..., qué verde era mi valle!
APRENDIENDO A CONDUCIR
7
1 h. 45 m.
USA / 2014
Isabel Coixet
Coixet ha aceptado el encargo y ha realizado una película pequeña de delicado paladar, con aroma y especiada con sus propios demonios interiores. Una Coixet a la que había perdido la pista últimamente y no tenía buenas referencias de sus últimos trabajos. Una Coixet que ya tiene un bagaje fílmico, nacional e internacional desde el 88 con 16 trabajos. Ya lo quisieran algunos.
Aquí repite con Kingsley y Clarkson con quienes ya trabajó en "Elegy" (2008). Ambos apuntalan esta comedia dramática con acertadas composiciones de personajes en favor de la relación de culturas, pero es sobre todo el, como siempre, fantástico trabajo de Patricia Clarkson el que eleva el tono del asunto y arrima el ascua a la sardina de Coixet.
No es como para tirar cohetes pero sí para relajarse y contemplarlos con agrado.
AMOR Y MISERICORDIA
8
2 h. 1 m.
USA / 2014
Bill Pohlad
Es sabido que los grandes y míticos productores de la época dorada y extinta de los poderosos estudios, metían toda la mano que querían en "su películas", para bien o para mal, pero nunca se atrevían a dirigirlas abiertamente y firmarlas como tales.
Pohlad, cuya carrera como productor ejecutivo a tenido buen ojo para sus proyectos, a sabido conseguir un equilibrio entre la comercialidad y un cine más comprometido, llámese de autor o no.
Y después de 25 años de estrenarse como director, a vuelto a "arriesgarse", a coger los mando de un proyecto más que interesante donde nuevamente ha hecho gala de equilibrio y el biopic sobre Brian Wilson, alma mater de los míticos Beach Boys, se empasta casi perfectamente con un ejercicio de estilo en el que Pohlad aprueba con nota.
La misma bipolaridad, que también encarna el propio Wilson es reflejada en una pirueta acertada al encargar a dos actores que asuman el personaje en distintos momentos de su vida. Y es aquí donde Dano (prometedor) y Cusack (consagrado) dan el do de pecho, probablemente en sus mejores trabajos, perfectamente secundados por Elizabeth Banks y el maestro Giamatti.
Quedan en el tintero un buen puñado de porqués de la azarosa vida de este genio musical, capaz de crear inolvidables "canciones de playa" vitalistas y sinfonías pop como "Pet Sounds" en los efervescentes e irrepetibles 60 en California. Su banda, su familia, su relación con las drogas y la manipulación a la que fue sometido generan más preguntas que respuestas. A los Beach Boys se les ha considerado los Beatles estadounidenses y su legado musical reconocido por la crítica puede que aún este por descubrir para muchos de nosotros.
PROFANACIÓN (LOS CASOS DEL DEPARTAMENTO Q)
6
1 h. 59 m.
Dinamarca / 2014
Mikkel Norgaard
Dicen los que han visto la primera entrega de los casos de este departamento Q danés de casos policiales perdidos (Misericordia / 2013), también dirigida por Norgaard, que esta segunda parte es más de los mismo tirando a la baja.
Dentro de la linea que abrió hace unos años el éxito de la saga "Millenium" del malogrado sueco Stieg Larsson, en el que "descubrimos" que los paraísos sociales nórdicos también esconden cadáveres bajo la alfombra, en este caso generalmente de nieve. Ahora le toca a Dinamarca explotar el éxito superventas de Jussi Adler-Olssen con el introvertido inspector Carl Morck al mando.
Aparte de la inquietante composición que realiza Danita Curcic, la cosa, pese a una cierta atmósfera más o menos lograda, no da más allá de una miniserie televisiva de grado medio. El uso trillado de los flash-back, lo previsible del asunto y la falta de carisma de la pareja de detectives convierten el éxito de la novela en un thriller pasable.
CURVA PELIGROSA
5
1 h. 6 m.
USA / 1934
Phil Rosen
Apenas un año después de su estreno teatral la RKO hacía su versión para la pantalla de la obra con que se estrenó como dramaturgo el británico J.B. Priestley. Desafortunadamente ni la calidad ni el éxito posterior de la pieza dramática se ve reflejado en la pantalla. El encaje de bolillos que tuvieron que hacer los cuatro guionistas para poder remendar las mutilaciones que el recién aprobado Código Hays de censura le hizo al texto original, acabó convirtiendo un magnifico estudio psicológico de personajes, plagado de crítica social, misterio y brillante resolución, en una comedia amorosa de intriga, fácil de ver y muchísimo más fácil de olvidar.
Todo en manos de Phil Rosen un director de estudio que a pesar de sus 142 films en su carrera no ha pasado a la historia más allá de encargarse de media docena de las aventuras del detective de origen chino Charlie Chan en la década de los 40 y ser uno de los fundadores de la Sociedad Americana de Directores de Fotografía.
Quizás por eso es en este apartado, a cargo de J. Roy Hunt, donde se encuentra lo más destacable de la cinta.
NEGRO VELAS (Serie de TV)
9
8 (1ª) y 10 (2ª) capítulos de 56 m. aprox.
USA / 2014-15
Jonathan E. Steimberg / Robert Levine / STARZ
En 1883 L.R. Stevenson publicó el clásico de la literatura universal y referencia de las historias de piratería "La isla del Tesoro". Así pues no se podía escoger mejor punto de partida para realizar una obra que se precie sobre esos hombres y mujeres que por unas u otras razones buscaron su propia libertad en el nuevo mundo declarándole la guerra al resto.
En estos tiempos dorados de la ficción televisiva que corren ha sido Starz, compañía premium de televisión por cable estadounidense quien ha echado el resto en la producción de esta precuela de la obra de Stevenson, donde el ficticio Capitán Flint y su tripulación nos ofrecen sus aventuras y desventuras en torno a la población de Nassau en la isla de Nueva Providencia, sede de asentamientos piratas desde 1715 al 25, dentro del archipiélago de las Bahamas.
No solo de personajes literarios como Flint o el famoso "Long" John Silver se nutre la serie sino que recogiendo probablemente las crónicas de un contemporáneo de la época, Charles Jhonson en su "A General History of the Robberies and Murders Of the most notorious Pyrates en el año 1724", los guionistas incorporan personajes reales como fueron Anne Bonny, Jack Rahman, Hornigod, Charles Vance entre otros, cuyas biografías se acomodan a la ficción o incluso aparecen en forma de otros personajes como es el caso de la también pirata Mary Read.
Nada que ver por lo tanto ni en el tono ni en la forma con los excéntricos "Piratas del Caribe" de la popular serie de Disney. La serie conjuga acción con mucho y buen dialogo, cuidada ambientación, notable infografía y una caratula inicial y música más que notables, así como personajes con volumen bien delineados y mejor interpretados donde las mujeres cargan con un protagonismo muy relevante luchando por liberarse de su estigma social y siendo punta de lanza en un "nuevo mundo" que les ofrece la oportunidad de ser ellas mismas a costa de verse abocadas a la rebelión y a la marginalidad con los poderes establecidos en la vieja Europa que les hizo pagar por ello.
Dos temporadas y renovada afortunadamente por otras dos más. A cualquiera, le guste el género o no, no debería perderselas.
EL ÚLTIMO REFUGIO
10
1 h. 40 m.
USA / 1941
Raoul Walsh
Zero, el perro que tenía Bogart en esa época asume con gracia y brillantez sin desmerecer un ápice de su dueño, el papel del destino fatal de sus amos en la pantalla, pero a Bogart solo le trajo suerte ya que esta fue la cinta en la que el brillo de su estrella comenzó a titilar. Para ello Paul Muni y George Raft, cabezas de cartel del momento, por unas u otras razones declinaron el papel de Roy Earle un exconvicto de buen corazón que como acertadamente propone (sin que sirva de precedente) el título español, busca su último refugio, donde acabar en paz sus días.
Dado que su nombre aún no tenia el tirón necesario para la taquilla, se antepone el de la joven de 23 años Ida Lupino que venía triunfando desde el 39 como actriz dramática. La pareja Bogart-Lupino funcionó a la perfección en la pantalla, que no detrás de ella donde el trato que Bogart la dispensó hizo que ella no quisiera volver a trabajar nunca con el mito que no paraba de tirar de su cinturón para subirse los pantalones.
El guión de W.R. Burnett sobre su propia novela es un prodigio de síntesis, apoyado nada menos que por Huston que ese mismo año se estrenaría como director con "El Halcón Maltés", comenzando su leyenda a la par que la de su amigo Bogart.
Hablar de Walsh, es hablar de la historia del cine norteamericano, desde sus inicios como ayudante de Griffit. Esta era su 68 película y estaba en plena madurez a sus 54 años. Especialista en cine de acción (el era un hombre de acción) que a base de encadenados imprime un ritmo vertiginoso a la cinta y sin embargo define perfectamente la psicología de todos los personajes, personificados en un buen reparto. Pasan muchas cosas en muy poco tiempo como solo los maestros son capaces de contarnos.
El brillante final es la guinda que eleva a rango de tragedia griega esta obra maestra.
LOS INSÓLITOS PECES GATO
7
1 h. 35 m.
México / 2013
Claudia Sainte-Luce
Su profesora de guión animó a la ayudante de dirección y actriz, la joven mexicana Claudia Sainte-Luce a que escribiera su propio guión sobre sus experiencias autobiográficas con Marta, una mujer portadora de VIH que vive sola con sus cuatro hijos. Así se inició su primera aventura como realizadora cuyo resultado ha sido una estupenda película, de bajo presupuesto, muy personal, emotiva y entrañable no exenta de un tono primerizo que deberá ir puliendo y desarrollando en sus futuros trabajos.
En la recomendable entrevista que le hizo "Farrucini", Claudia explica los porqués de tan atractivo título, así como lo que le costó encontrar a la actriz que se metiera en la piel y la mente de Marta, la madre, y su dificultad al trabajar con cinco actores jóvenes a la vez, una de ellos, Wendy Guillen, autentica hija de la ya fallecida Marta, que afortunadamente al final fue interpretada de forma excelente por Lisa Owen.
El gran acierto de la directora es abordar un tema tan melodramático sin estridencias, de la forma más natural posible, para mostrar la aceptación de lo inevitable como parte de nuestras vidas y reconocer, como ella misma comenta que: "La existencia empieza a cobrar sentido cuando alguien voltea a verte a los ojos".
LO QUE HACEMOS EN LAS SOMBRAS
8
1 h. 24 m.
Nueva Zelanda / 2014
Taika Cohen / Jemaine Clement
La verdad es que esta caricatura satírica gamberra sobre el universo vampírico y los falsos documentales tiene su gracia y mucha coña. Con un modesto presupuesto, que dado su éxito, ha quintuplicado beneficios, la pareja de cómicos neozeolandeses que dirigen, guionizan e interpretan ponen la guinda que faltaba a un género, como sus protagonistas, inmortal.
Con este su tercer largometraje Taika "Waititi" se consolida como un prometedor director que está a punto de dar el salto a USA con la tercera entrega de "Thor".
La coñas vampíricas no dan para mucho metraje y los directores, con buen criterio no se extienden demasiado. Lo suficiente para hacernos pasar un rato divertido, con un elenco eficiente y adjuntarla por derecho propio y excepción a la regla al panteón de ilustres señores de la noche.
EL NACIMIENTO DE CHARLOT
7
1 h. 3 m.
Francia / 2013
Serge Brombec / Eric Lange
No es que aporte demasiado a la amplia y conocida historiografía del genio pero se constituye en un breve repaso sinóptico de la trayectoria de un Chaplin sobreviviente a una infancia terrible, gracias a sus dotes heredadas, sobre todo de su padre que le posibilitaron refugiarse en el mundo del music-hall, un genero hoy olvidado y que en su momento gozó de gran aceptación popular y donde llegó a triunfar mucho antes que en el cine. Es en este periodo pre-americano donde la labor documental juega sus mejores bazas.
Lo demás, su periplo de ascensión meteórica desde la "Keystone" de Mack Sennett, donde creó el personaje de "Charlot", su paso con catorce films por la "Essanay", para acabar en la "Mutual", donde según sus palabras fue el periodo "más feliz de su carrera", es sobradamente conocido y los directores no profundizan demasiado.
El personaje del vagabundo había llegado a su madurez para quedarse instalado para siempre en nuestra alma y constituirse como el icono por excelencia del séptimo arte.
Todo ello nos lo cuentan Brombec y Lange de forma somera y agradable cargada de nostalgia, como no podía ser de otra manera cada vez que Chaplín-Charlot se asoma a la pantalla.
GALERÍA NACIONAL
10
3 h.
USA / 2014
Frederick Wiseman
"Hay otros mundos. Pero están en esté". Bien podría aplicarse este dicho popular a cualquiera de los grandes museos. El octogenario y gran documentalista Wiseman nos lleva de la mano a uno de ellos durante tres horas que nos hacen perdernos en otra dimensión. Una dimensión donde la cultura, el arte, la belleza, lo divino en definitiva, se marida con lo humano dejándonos el paladar espiritual con un regusto embriagador. Los infinitos laberintos de la pinacoteca inglesa apenas son bosquejados con maestría por la mano y el ojo invisible del realizador de Boston. Un ojo ávido de saber y contemplar que nos pone en contacto con hombres, mujeres y niños contemporáneos que se ven curiosos e intrigados en el espejo de aquellos otros que han quedado inmortalizados para siempre. Con un registro de luces y sombras de lo que fuimos y seremos Con quienes tienen la responsabilidad de cuidar y gestionar ese mundo, con sus aciertos, miedos y fracasos. Con sabios que saben tanto para darse cuenta de lo que aún les queda por saber sobre quienes interpretaron el misterio de la vida con trazos de colores sobre un lienzo. Fascinante.
EL ÚLTIMO CATÓN
Matilde Asensi / 2001
Edit. Planeta / booket / 2015
652 págs.
Catorce años después de su primera edición y pasada ya la fiebre de Dan Brown y su Códigos, del que este libro es anterior, descubro en su reedición de bolsillo que no trata sobre la Roma de ninguno de los Catones (Viejo y Joven), aunque este último se utiliza como referencia. En definitiva es un libro de aventuras con más de 20 millones de ventas, buque insignia de la periodista y escritora Matilde Asensi que se ha consolidado como referente nacional en estos géneros pseudo históricos aventureros.
En este caso es Bizancio y el imperio romano de oriente el que centra el discurso histórico, base sobre la cual Asensi fabula el robo de reliquias en la actualidad, de la Vera Cruz, descubierta por Santa Helena esposa de Constantino el Grande, por una secta religiosa: los staurofílakes.
Tres personajes, dos de ellos relacionados con el Vaticano dan pie para que la autora aflore algunos trapos sucios de la iglesia católica, mientras que los protagonistas se lanzan a una búsqueda mundial de las reliquias siguiendo las pistas que Dante Alighieri dejó en su Divina Comedia.
La original y prometedora trama, más allá de lo que uno va aprendiendo de la parte erudita de la historia, acabó por defraudarme por la poca credibilidad de los personajes principales y sus relaciones, así como el estilo previsible y repetitivo de las situaciones y de como se enfrentan a ellas.
El desarrollo literario del estilo de Asensi, a veces demasiado farragoso no está, a mi juicio, a la altura de su desbordante imaginación. Al final uno quiere saber como termina la cosa y acaba por engullir las casi 700 páginas. Matilde Asensi acaba de publicar "El regreso del catón". Creo que con el primero he tenido suficiente.
DE CALIGARI A HITLER
9
1 h. 54 m.
Alemania / 2014
Rüdiger Suchsland
Imprescindible y necesario documental para entender buena parte de los cimientos del séptimo arte y la importancia que en ellos tuvo Alemania y su situación social durante el periodo de entreguerras en la llamada República de Weimar de 1918 al 33.
El periodista y crítico de cine Rüdiger Suchslan acaba por transmitirnos la pasión que siente por el cine en general y por aquellos hombres y mujeres en particular, algunos de ellos olvidados, que inventaron casi todo y que acabaron exiliandose a un Hollywood que se benefició de su arte a cambio de refugio ante el fascismo y dólares.
Siguiendo las pautas marcadas por la obra del sociólogo Siegfried Kracauer, de la que toma título el documental. Suschland repasa en portentosas imágenes desde el expresionismo al objetivismo, dando luz a directores perdidos en la memoria y su obra, sin dejar de lado a iconos como Lang o Murnau. El aspecto psicológico, la importancia de las masas en los comienzos del siglo XX, el sentido lúdico, inmediato de la vida en contraste con la pobreza y la inflación de un país que lucha en la dicotomia de una vida moderna llena de esperanza y normalidad reflejada por "Gente en Domingo" (1930) realizada por un colectivo de jóvenes artistas ("Nueva objetividad) prometedores y una suelta de sus peores demonios y monstruos ("La pantalla demoníaca" / Lotte H. Eisner) en una explosión de creatividad formal expresionista que auguran los oscuros tiempos que vendrán.
Casi todo el cine posterior está contenido en esta época aún no sonora y estos autores, a pesar de que Hollywood, patria de los vencedores haya sabido llevarse la fama e imponérsela al resto del mundo. Es bueno que se sepa que la deuda con Wiene, Lang, Murnau, Pabst, Reinhardt, Wegener, Boesse, May, Jutzi, Wilder, Siodmak..., entre otros, así como con los estudios UFA es impagable.
UNA SEGUNDA MADRE
8
1 h. 50 m.
Brasil / 2015
Anna Muylaert
Muylaert ha querido realizar una película social y ha conseguido más que eso. Aparentemente sencilla el trabajo cinematográfico es muy elaborado donde la aséptica y cristalina fotografía de Bárbara Álvarez, nos muestra un terrario armonioso donde el caos se sostiene con una reglas invisibles que ocultan la verdad. Un mundo donde cada personaje ocupa un estatus con el que no está satisfecho pero al que no quieren renunciar por miedo o por desidia. Todo ello metáfora de un Brasil donde las brechas sociales son endémicas. La aparición de un nuevo personaje, pondrá todo patas arriba y cada uno de los afectados, se verá impelido a tomar sus propias decisiones al respecto.
Con un ritmo algo moroso, espléndidas interpretaciones y cargado de referencias simbólicas en cada plano de una casa-castillo amurallada que empieza a recibir aire fresco por las grietas que comienzan a salirle. El reencuentro de una madre y una hija fusionan el pasado y el presente en una tercera vía prometedora.
AMY
9
2 h. 8 m.
Reino Unido / 2015
Asif Kapadia
Las dotes de documentalista creativo de Kapadia ya han quedado patentes en sus trabajos anteriores como el magnífico "Senna" (2010) y aquí vuelve a confirmarse como uno de los mejores en la actualidad. Su retrato sobre la joven frágil e inestable que se hallaba detrás de la estrella del soul Amy Whinehouse, es realmente conmovedor y poderoso.
Esta chica de origen humilde, bulímica, no obtuvo de sus padres separados la estabilidad emocional necesaria para superar sus traumas. El amor de su vida, al que se agarró desesperadamente para compensar sus carencias afectivas, resultó ser un drogadicto al que decidió acompañar en su infierno particular para no perderlo. La fama que le produjo su prodigiosa voz de una madurez inusual a la altura de las grandes del género y sus desgarradas composiciones nacidas de sus vivencias, la auparon a un podio al que ella no quería subir ni estaba preparada para ello. Sin anclajes afectivos, con managers y un padre más preocupados por el negocio y los dividendos que producía el dolor anímico en forma de canciones de Amy, no pudo soportar la presión emocional, mediática y el espejismo del refugio de las drogas y el alcohol. El corazón roto de esta chiquilla acabó por pararse a sus 27 años, dejándonos un mito que no suple el anhelo de encontrar la paz que refleja su mirada.
PREY (Miniserie TV)
7
3 episodios de 50 m. aprox.
Reino Unido / 2014
Cristo Lunt / ITV
"Prey" (Presa), podría ser el ejemplo perfecto de como la ficción de calidad le va comiendo terreno a la gran pantalla gracias a poder alargar el metraje mediante capítulos. Así una película monotemática como esta dispone de más minutos para poder desarrollar la trama y sobre todo la complejidad de los personajes.
Con un guión bien urdido por Chris Ellis, la solvente dirección de un Nick Murphy que dirige los tres episodios y la excelencia en el reparto a las que ya nos tienen acostumbrados las series inglesas, conforman una historia que se sigue con interés en el tiempo justo y necesario.
John Simm, a quien uno recuerda de otra estupenda serie como fue "Life on Mars" (2006-07), se luce en su papel del consabido fugitivo perseguido por un crimen que no cometió.
HAPPY VALLEY (Serie de TV)
9
6 episodios de 50 m. aprox.
Reino Unido / 2014
A Sally Wainwright / BBC
Probablemente antes del boom de las series norteamericanas de calidad, ya el Reino Unido venía teniendo una larga tradición en la ficción televisiva, cuyo buque insignia siempre fueron Dickens y los dramas de época. Siempre con repartos intachables. "Happy Valley", apodo que se le da eufemísticamente debido a su abandono social, tasa de drogas y delincuencia a una zona del norte de Inglaterra en el condado de Yorkshire, es el marco rural donde la guionista Sally Wainwright toma prestada muchas referencia de "Fargo" para desarrollar un thriller absorbente, magníficamente realizado e interpretado, que sirve de excelente excusa para el desarrollo psicológico de unos personajes con muchas aristas.
Con una Sara Lancashire a la cabeza de un gran reparto, como la sargento de policía local, Catherine Catwood, en estado de gracia que probablemente se llevará otro BAFTA a sus casa.
Difícil de olvidar a esta mujer madura divorciada, ex detective, que combina el deber de su oficio en condiciones precarias con sus traumas familiares y que es capaz de ser durisima sin esconder su fragilidad.
La cosa acaba redonda. Pero el respetable quiere más y habrá, otra segunda temporada. Genial.
HOMBRE HORMIGA
7
1 h. 57 m.
USA / 2015
Peyton Reed
Que tiempos, aquellos años 60, en que el original "Hombre Hormiga" era el bioquímico Henry Pym, miembro fundador de los Vengadores, esposo de Janet Van Dine (La Avispa), rescatador en el hielo del Capitán América, auténtico creador de Ultrón y aprovechando la inestabilidad de su carácter, chico para todo de la Marvel, creciendo y decreciendo como "El hombre gigante", "Goliat" y el esquizofrénico "Chaqueta Amarilla". Y eso solo en los 60.
Pero..., el tiempo pasa para todos y ahora le toca a Scott Lang, asumir en la pantalla la identidad de "Ant-Man" que ya tenía desde 1979.
Así las cosas y si uno no es muy exigente como fan marveliano o cinéfilo, pasará un rato muy entretenido con este híbrido perfecto entre MARVEL y DISNEY, para todos los públicos, de mesurada factura y muy bien arropado por un elenco de secundarios que cumplen con sus roles a la perfección. Todas las adaptaciones de superhéroes no tienen por qué ser oscuras y sazonar el género con algo de comedia simpática, no viene mal.
LA PROFESORA DE PARVULARIO
5
2 h.
Israel / 2014
Nadav Lapid
Para algunos el director israelí de 40 años con dos películas estrenadas (ambas premiadas) en su filmografía personal, es un valor en alza. Incluso ven en esta película una de las mejores del año y abogan por que llegue al gran público. A un servidor le aburrió solemnemente. Cada cual puede contar su historia y las implicaciones que ella conlleva, sus demonios personales o su visión sobre el arte y aquellos que lo reciben y de paso realizar su particular ejercicio de estilo con la cámara, pero si para ello utilizan un lenguaje hermético, una narración tediosa, y declinan la responsabilidad de lo que muestran al cien por cien en el espectador la cosa acaba siendo una paja mental a cuyo manual de instrucciones le sobra literatura y le falta consejos prácticos.
La actriz Sarit Larrit, carga, con su buen hacer, con todo el peso dramático de la propuesta.
Lapid construye su guión partiendo de sus propias poesías que también escribió de niño para dejarse llevar en una reflexión personal sobre el arte y su contradiciones en la sociedad actual. O eso dice él. (entrevista en la revista Magnolia.es). Al leer sus explicaciones y puntos de vista uno se queda igual que al final de las dos horas de metraje: buscando respuestas a unas preguntas mal formuladas.
HISTORIAS DE FILADELFIA
7
1 h. 48 m.
USA / 1940
George Cukor
La Hepburn tenía problemas. Su meteórica ascensión al olimpo hollywoodiense desde el 32, con Oscar incluido, había derivado en el tramo final de la década de los 30 en sonoros fracasos de taquilla en cine y teatro y un cierto rechazo popular dado su carácter altivo y su mala relación con los medios.
No era una mujer que se amilanase y se quedase esperando un golpe de fortuna. Tomó las riendas.
Encargo a Philip Barry una obra a medida que produjo y protagonizó con éxito en Broadway. Consiguió que su amigo el multimillonario Howard Hughs le comprase los derechos para el cine que vendió al mejor postor con la condición de ser ella quien protagonizara la cinta dirigida además por un George Cukor que la había descubierto y con quien ya había trabajado en "Mujercitas". Y a pesar de que no pudo conseguir el pleno con los actores que ella quería que le dieran la replica: Gable y Tracy, tuvo la suerte de que su amigo Cary Grant y James Stewart bordaron sus personajes. Para remate, fue tan inteligente como para castigarse y reírse de si misma con un inicio genial en el mejor estilo del cine mudo, en el que Grant agarrandola de la cara la lanza al interior de la casa sin piedad. Así purgaba sus "culpas" y volvía a granjearse el favor del público. La comedia fue un éxito, con 6 nominaciones y dos Oscars a James Stewart y al mejor guión adaptado, convirtiéndose en un clásico, a mi juicio, sobrevalorado, que de rebote sirvió a Cukor para afianzarse como director de prestigio.
Cukor impuso su estilo elegante, junto con la dirección artística de Gibbons y la producción de Mankiewicz y dejó hacer a los actores con solo dos tomas, lo mejor de la película.
No es una gran comedia y el guión peca de blandito a la hora de buscarle las cosquillas a la alta sociedad. Se habla mucho con un ritmo superior al contenido de lo que se dice. El foco va variando de unos personajes a otros sin profundizar demasiado y el personaje de la Hepburn no parece redimirse demasiado a pesar de un esplendido final.
HIJOS DEL TERCER REICH
8
3 episodios de 1 h. 30 m.
Alemania / 2013
Philipp Kaldelbach / ZDF
De factura impecable esta miniserie alemana ("Nuestros padres, nuestras madres" título original) cuenta la historia de cinco jóvenes alemanes cuyo proyecto de vida se vió inmerso en el conflicto mundial que su patria inició de la mano de un Führer que prometió una Alemania renacida y acabó hundiendola en un oprobio, sobre todo moral, del que sus descendientes aún sufren las consecuencias.
El telón de fondo de los avatares, en ocasiones forzados de estos cinco amigos, posee tantas implicaciones que es inevitable que haya suscitado controversias por parte de los que se ven reflejados en la serie. En cualquier caso el drama se sigue más que con interés, el reparto tanto protagonista como secundario es magnífico y aporta la novedad de ver el punto de vista de unos hechos desde el lado de los perdedores.
EN LA MENTE DE UN PERRO: LO QUE LOS PERROS VEN, HUELEN Y SABEN.
Alexandra Horowitz
RBA / 2011- 2015
352 Págs.
Básicamente compramos libros sobre nuestras mascotas, para saber como educarlos, detectar sus posibles patologías y en definitiva adaptarlos a nuestra conveniencia y necesidades. ¿Pero que hay de lo que quieren ellos?. La psicóloga cognictiva de animales, Alexandra Horowitz, adscrita a la Universidad de Columbia en USA, parte de la base de que estos animales, sobre todo los perros han dejado de serlo, en exclusiva, para convertirse en animales sociales, en una simbiosis equitativa con el ser humano y que merecen que les prestemos más atención hacia lo que son, como ellos nos la prestan con creces a nosotros.
Queda dicho pues que no es un libro de adiestramiento sino un ensayo científico, que a pesar de su tono ameno, requiere cierta concentración por parte del lector.
Horowitz, empieza por reconocer lo poco que sabemos y la escasez de estudios, no siempre bien enfocados, sobre el que se dice es nuestro mejor amigo. Aún así podemos sacar algunas conclusiones que nos ayudaran a comprender mejor a nuestro perro tal y como es, su punto de vista (Humwelt), y su relación con nosotros. Imprescindible para aquellos que queremos que los perros sean tan felices como nosotros lo somos con ellos.
WHITE GOD (DIOS BLANCO)
4
1 h. 59 m.
Hungría / 2014
Kornel Mundruczó
Más allá de constatar que el hombre es el peor enemigo del perro o de cualquier otro ser vivo que no sea él, esta cinta de un cine húngaro poco visible por nuestros lares, mezcla churras con merinas en un batiburrillo de tonos y tramas que por mucho que intentemos ampararnos en metáforas y alegorías, no deja más poso que algunas escenas logradas por el buen hacer de los actores caninos. Se ha llevado el premio "Una cierta mirada" en Cannes 2014 presidido por el Bonaerense Pedro Trapero (el sabrá por qué).
Lo único que puedo opinar al respecto es que dejen vivir en paz a los perros y demás compañeros de viaje en este planeta, incluso en el cine, donde algún día alguien tendrá que escribir la historia del uso y abuso de los mismos para nuestro entretenimiento.
VIAJE A SILS MARIA
8
2 h. 4 m.
Francia / 2014
Olivier Assayas
Si las cuentas no me fallan este debe ser el decimoquinto film desde el 86 de este parisino de 60 años. Le descubrí con su serie para televisión "Carlos", sobre el narcotraficante Escobar y con su película precedente a esta, de tintes autobiográficos "Después de Mayo" (2012). Ambas con una ambientación histórica encomiables, que destilan el ambiente social de las épocas en que transcurren y su influencia en las gentes que las habitan.
Aquí es un lugar de una región alpina, Sils Maria, donde se sitúa el fiel de la balanza entre el pasado y el futuro, en un presente que repite perenne un fenómeno atmosférico llamado "la serpiente de Aloja", en el que las nubes recorren un tortuoso sendero entre las montañas, ajenas al efímero devenir humano. Un sitio de esos donde dicen que fluyen energías como las que sirvieron a Nietzsche para escribir buena parte de su obra.
Película de actrices (a cual mejor). Binoche ya está por encima del bien y del mal. Stewart viene demostrando que después del crepúsculo sale el sol y Moretz es una bomba imparable. Película, de diálogos, de cine y teatro dentro del cine y teatro, de entresijos del mundillo, del punto de vista cambiante según el paso del tiempo, de relaciones al filo, de misterios y probablemente de más cosas de índole personal que se escapan al espectador o que no están bien definidas. Todo ello con una subyugante dirección y fotografía y un estupendo movimiento de cámara final que pone el broche de lujo a un trabajo que invita a revisionarlo varias veces.
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| Maureen O'Hara (1920-2015) |
Servidor siempre se hizo un lío trasponiendo los nombres de las dos explosivas irlandesas: La O´Hara y la O´Sullivan. Para mi, una siempre sería Jane la pareja del Tarzán de Johnny Weissmuller y la otra se me difuminaba en mi adolescencia entre mujeres bucaneras y aquellas "de una pieza" que eran capaces de poner "romántico" a John Wayne (eran por otro lado íntimos amigos).
Años después quedaría inmortalizada en mis recuerdos como Mary Kate Danaher, esa campesina irlandesa de armas tomar, aprisionada por la tradiciones de su tierra en la inmortal "El hombre tranquilo" (John Ford / 1952).
Con 19 añitos declina un ofrecimiento como cantante de Opera (su madre también lo era) en su tierra y se larga a Londres a buscarse la vida como actriz donde el maestro y avispado Charles Laughton le hecha el ojo a su melena incendiaria y a sus ojos esmeralda (La reina del technicolor) y le consigue un papel en una cinta que dirigiría una joven promesa llamada Alfred Hitchcock. Laughton la toma bajo su ala, le cambia el apellido de Fitzsimons por O´Hara y se la lleva a Hollywood. Lo demás es leyenda.
En treinta años dedicada en exclusiva, 45 películas, con títulos como "Esmeralda, la zíngara", "Que verde era mi valle", "El cisne negro", "Rio Grande", "El hombre tranquilo"..., televisión, musicales.
Fue la primera irlandesa a la que le dieron la nacionalidad americana, llegó a hacer una película titulada "La pelirroja de Wyoming". Se nos fue con 95 años, un Oscar a toda su carrera y una estrella en el paseo de la fama. Ella y sus películas daban fe de que hubo un tiempo en que el cine era la mejor fábrica de sueños.
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| ANA DIOSDADO (1938-2015) |
Lo suyo era, ante todo, puro teatro. No podía ser de otra manera para esta argentina-española, hija del exilio de sus padres actores, en tierras sudamericanas ante la incivil guerra hispana. Si por genética no fuera bastante, la segunda mujer de su padre fue la insigne actriz Amelia de la Torre y su madrina nada más y nada menos que Margarita Xirgu.
La niña no podía defraudar. Y no lo hizo. Ya a sus 5 añitos debutaba en las tablas junto a su madrina. Y a los 24 era finalista del premio planeta. Porque además de actuar le dió por escribir. Y de que manera.
En los años 70 y 80 no paraba de estrenar obras teatrales de éxito, series de televisión, guiones radiofónicos, novela..., incluso se dejaba ver como actriz en alguna de ellas. Ana, fue sin duda durante dos décadas la autora teatral y guionista televisiva de mayor éxito en nuestro país. No creo que haya sido superada aún.
Su relación y posterior matrimonio con el actor Carlos Larrañaga, rompiendo este con su esposa y tandem profesional Maria Luisa Merlo, dió en su momento mucho juego en los tabloides.
Diosdado ha hecho su particular mutis por el foro, demasiado pronto, de forma casi improvisada. Aún le dió tiempo a recoger un premio Max, a toda una vida de profesión. Se lo merecía.
LUNA NUEVA
10
1 h. 32 m.
USA / 1940
Howard Hawks
Probablemente la "screwball" más vertiginosa rodada para la pantalla y paradójicamente no es la imágen la que produce ese vértigo sino la palabra. Un texto teatral de Ben Hetch y Charles McArthur que había triunfado en Broadway y que ya contaba con una primera adaptación exitosa del 31 a cargo de Lewis Millestone ("Un gran reportaje"). Hawks respeta la herencia teatral espacial y carga las tintas, no tanto en la profesión "inmisericorde" del periodismo y la corrupción política sino en la lucha de sexos que ya le había dado fruto en "La fiera de mi niña" dos años antes, también con Cary Grant. Para ello modifica el original con una relación de pareja entre el taimado dueño de Morning Post y su periodista estrella, a la que convierte en mujer. Variación más que acertada que propició un duelo antológico entre Grant y Rosalind Russell. El resto del reparto está a la altura con un Ralph Bellamy que da el tipo del tercero en discordia, un personaje ingenuo que ejerce de sufridor, blanco de todas las artimañas de Grant para evitar perder a su amor y reportera. Y quizás no por ese orden.
Junto con la versión posterior de Billy Wilder del 74 igual de genial, convirtieron este título en un clásico inmortal.
SEÑOR. ROBOT
7
10 episodios / 60-45 m. aprox.
USA / 2015
Sam Esmail / Red de EE.UU.
Con uno de esos títulos horribles que de triunfar la propuesta acabará por convertirse en icónico, Sam Esmail, ha encontrado su gallina de los huevos de oro. Aún esta por ver si son solo chapados. De momento vive de las rentas de un piloto sorprendente, original y muy bien llevado en el que los movimientos antisistemas ponen de manifiesto la podredumbre de todo el tinglado que nos gobierna a nivel global, apostando por que la misma tecnología que nos mantiene en el redil puede ser utilizada para abrir las puertas del mismo. Esmail, recoge la cosecha de otras muchas propuestas anteriores, desde "V de vendetta" a "American Psycho", pasando por "Lost", entre otras y las mezcla con subtramas del más puro telefilm trillado en algunos episodios.
La complejidad del guión, apoyado por un excelente trabajo de su protagonista Rami Malek y un excelente malvado al que da vida Martin Wallströn junto con una visión del mundo informático más cercano a la libertad de Linux que al encarrilamiento de Windows, aprovecha la última crisis de turno para ganar muchas simpatías y abocarla a serie de culto.
Sin embargo y mientras la segunda o próximas temporadas no demuestren lo contrario, los presupuestos iniciales han perdido fuelle y la cosa se ha ido disolviendo en una, aparente, huida hacia adelante que a servidor le parece un órdago de farol. Si queremos descubrir las cartas de Esmail no nos queda otra que seguir jugando atentos a la pantalla.
MUCHOS PEDAZOS DE ALGO
7
1 h. 44 m.
España / 2015
David Yañez
"Outcast Filmmakers" (supongo que el inglés vende más), me invita a realizar la crítica de esta opera prima de un cacereño, David Yañez, que pasando por Madrid, recaló en Zaragoza y que como no puede ser de otra manera, se la juega como Juan Palomo (la producción y el guión es suyo) en un país donde hacer cine y por ende ser artista es comprar un abono para el suicidio profesional. Afortunada e incomprensiblemente, hay más gente como David.
Acudí pues, alimentada mi vanidad aún a sabiendas de no ser el único, a la sala "Artistic Metropolitan" de Madrid, donde en el campo de la distribución, otros suicidas en potencia, luchan por abrir canales nuevos, sin olvidar los clásicos, a aquellos que necesitan expresarse a través de la pantalla.
Y me encontré, Sabado 24 de Octubre, que efectivamente era el único (espectador). Aquello no pintaba bien.
Pero mira por donde al cabo de unos minutos, Alejandro, Natalia, Teo, Luis, Sofia, Patricia, Enma, Javi, Noemi y Fee, empezaron a llenar la sala y a meterse en mi cabeza donde, si no les vuelvo a ver, seguirán teniendo un agradecido recuerdo.
Estos jóvenes casi treintañeros que hace unas décadas deberían tener su vida encarrilada, viven un día a día de precaria subsistencia existencial y emocional y apuran a tragos largos el desconcierto, la ilusión, el desencanto, la amistad, la diversión...en un mundo cuyas reglas de convivencia se ven difuminadas por el ansia de no sentirse solos.
Es cierto que a Yañez, la vena social le dura apenas unos minutos iniciales donde se acoge a su experiencia como documentalista y acaba sumergiéndose más en el roce cotidiano de estos amigos desorientados que buscan encontrarse a si mismos en el otro.
El guión y la gama de recursos dramáticos y fílmicos que utiliza Yañez, no es tan original como aparenta (todo está inventado) pero si que los utiliza con acierto y aplomo y se acerca mucho más a la realidad de esa cosa que llaman "amor" y a la que el cine ha hecho tanto daño con un ritmo y unos estereotipos que poco tienen que ver con la realidad y que a la postre queremos imitar y causan frustración.
El trabajo actoral es impecable. La notable fotografía en blanco y negro de Carlos González, apuntala como ya hizo Allen con Gordon Willis en "Manhattan" (1979) que la buena comedia romántica, más allá de lo cómico y lo romántico tiene un substrato lleno de gamas de grises que se refleja mejor con el contraste entre la luz y las sombras.
El Festival Pirineo Sur ofrece el marco donde, el buen gusto musical pone la guinda a una historia sencilla de gentes sencillas que lo tienen complicado.
Como dije, entré solo al cine y salí muy bien acompañado. Nos vemos en "Side-B"
FARGO (Serie de TV)
9
1ª Temporada / 10 episodios / 45-60 m. aprox.
USA / 2014
Noah Hawley / FX
"Fargo", la película de los hermanisimos Coen del 96 ya dejó su huella (probablemente en la nieve) en la historia del cine contemporáneo. Ocho años después, la serie para televisión sigue fiel a los mismos presupuestos de gran guiñol en esa norteamérica más o menos profunda donde se sustituyen los desiertos del sur por llanuras desoladas cubiertas de nieve. Son comunidades pequeñas, donde todos se conocen y el espectador pasa a ser un cotilla más de todo aquello que se sale de lo normal en la rutinaria vida de esas comunidades.
Terreno abonado para la caricatura, sazonada con el humor negro propio de los Coen y una buena dosis de violencia para potenciar el condimento.
"Fargo", la serie empieza engañandonos con unos título al comienzo de cada capitulo en el que se dice que la historia ha sido real. Declaración de intenciones de que mucho de los que se nos va a contar es una farsa llena de momentos y personajes cuya falta de credibilidad es una regla de un juego que aceptamos gustosos aunque a vece nos sonroje. Y es que la realización es excelente, con una fotografía y una bso que dan el tono perfecto a la atmósfera gélida y sorprendente de lo que acontece. El reparto lo borda. Por supuesto el "Killer" que interpreta Bob Thornton es antológico pero me gustaría destacar a Oliver Platt que compone probablemente uno de los mejores personajes de sus carrera.
Han aprobado una segunda temporada. Lo tiene difícil después de la altura a la que ha dejado el listón esta primera sesión.
LAUREN BACALL. Por mí misma y un par de cosas más.
Lauren Bacall./ 1978/2005
Editar. RBA / 2005
590 págs.
Hay que leer mucho entre lineas, como en casi todas las autobiografías, para completar el perfil de esta muchachita judía de ascendencia rumana y polaca nacida en Nueva York que pasó de soñar con que su nombre estuviera en las marquesinas de los teatros desde su puesto de acomodadora a estar incluida entre las 10 mejores actrices de todos los tiempos.
Tras desvelar la casualidad y la fortuna en sus comienzos gracias a unas fotos en la revista Harper´s Bazaar que la ponen en el punto de mira de Howard Hawks, acude a California a sus 19 años para ser modelada a gusto del director y convertirla en un mito con solo dos películas que pasaron a la historia como: "Tener y no tener" y "El sueño eterno".
Su imagen de mujer sensual y a vueltas de todo estaba muy alejada de la jovencita inexperta y temblorosa que quería subirse a las tablas del teatro y acabó empezando por el cine. Hasta el nombre la cambiaron. Betty dejó paso a Lauren.
Y apareció Bogart. El mito y el hombre que la consolidó en los altares artísticos, la liberó de Hawks y la hizo madurar como persona durante los 12 años que estuvieron casados.
Bacall centra más su autobiografía en su yo más personal, en sus miedos, inseguridades, sufrimientos y amor por su profesión y sus seres queridos y la perdida de estos que por el mundo del espectáculo arrollador y vertiginoso que le tocó vivir. Conocemos así, más a la persona que a la actriz.
El cine la impulsó a la fama pero fue el teatro el que a la postre le dio sus mayores recompensas profesionales. Luchadora incansable tuvo que saber adaptarse a el tremendo vacío que dejó Bogart en su vida, a una relación frustrada con Sinatra y a un segundo matrimonio fallido, para acabar el último tramo de su vida prefiriendo la compañía de su perrita.
El amor a su profesión y su firme determinación de no ser de por vida "la viuda de Bogart" le hizo aceptar retos profesionales de los que salió reforzada.
Fue reconocida y multipremiada capaz de ejercer de puente entre una época mítica y otra mucho más prosaica. Físicamente nos dejó hace un año, pero ya lo dijo ella misma: "si me necesitas, silba".
LEJOS DEL MUNDANAL RUIDO
8
1 h. 59 m.
Reino Unido / 2015
Thomas Vinterberg
Esta cuarta versión de la cuarta novela, publicada originalmente por entregas en 1874 del novelista y poeta inglés Thomas Hardy (1840-1928) y que supuso su primer éxito en la versión definitiva de 1901, sigue adoleciendo como otras grandes adaptaciones de novelas semejantes, véase "Cumbres Borrascosas", del metraje necesario a pesar de sus dos horas, para desarrollar la compleja psicología de los personajes, por otro lado magníficamente interpretados por el cuarteto protagonista. Cuarteto encabezado por una Carey Mulligan que reconozco santo de mi devoción, con una trayectoria hasta la fecha impecable a sus 30 años.
Con todo y con ello, creo que aún se queda corta en plasmar el torbellino mental y pasional de su personaje y (deformación de la edad) uno no puede menos que pensar en Katharine Hepburn metida en la piel de esta Bathsheba Everdane de nombre bíblico, orgullosa, vanidosa, pasional, inteligente, esforzada trabajadora precursora feminista y celosa de su libertad.
Tres hombres orbitan su vida, tres posibilidades de elegir un camino "correcto", donde solo uno de ellos le evitará el fracaso laboral y emocional en una inglaterra donde mantener la independencia en una mujer era poco menos que el suicidio social.
Tras el éxito de su anterior film "La caza" (2012), el danés Thomas Vinterberg se olvida una vez más de sus radicales postulados del movimiento Dogma del que fue co-fundador y acude al clasicismo narrativo y visual, acabando por ofrecer un resultado impregnado de la belleza de la campiña inglesa en una cinta eficaz comercialmente, notable en su puesta en escena y a la postre algo light a la hora de meter la mano en las entrañas de sus personajes.
HISTORIA DEL ÚLTIMO CRISANTEMO
8
2 h. 23 m.
Japón / 1939
Kenji Mizoguchi
Nunca es tarde cuando la dicha es buena. Sabía de Mizoguchi como uno de los componentes que conformó la triada clásica de maestros del cine japonés, junto con Ozu y Kurosawa, pero hasta la fecha no había tenido la ocasión de ver ninguno de sus trabajos y como me ocurrió con Ozu, la espera ha merecido la pena.
La copia no estaba en buen estado pero aún así, este melodrama ambientado a finales del XIX de más de dos horas de duración destila aromas y atmósferas embriagadoras a un ritmo pausado donde el estilo personal de Mizoguchi, innovador en muchos aspectos, nos convierte en testigos invisibles a media distancia, de lo que ocurre, observadores privilegiados que asistimos con reverencial silencio a la fuerza y al drama personal y social contenido en una sociedad donde las formas difieren de nuestro mundo occidental pero el fondo tiene siempre elementos comunes, en la discriminación de la mujer, la lucha de clases y la hipocresía de quienes temen perder su estatus por relacionarse con aquellos que rompen las normas establecidas.
Así la bella historia de amor incondicional se funde con la crítica social y el documento cultural del mundo del teatro popular Kabuki en una de sus diferentes fases.
Ausencia de primeros planos, travellings contrapicados, un plano por escena y una utilización de los elementos escenográficos como filtro y parapeto para observar a los personajes y sus acciones mediante la profundidad de campo y el fluido movimiento de la cámara, son algunos de los recursos que utiliza para dejar su firma personal.
Es de suponer que la venta de su hermana como gheisa por un padre despótico debió de influir en el tratamiento y el cariño que despliega ante el personaje de Otoku, paradigma del estatus y sacrificio del género femenino, que aún sigue coleando en cualquier nación del mundo en mayor o menor medida.
Fue una de sus primera películas de éxito a pesar de llevar más de 70 filmadas en la década de los 20. A partir de aquí supongo que me queda mucho por disfrutar con su cine.
FÉNIX
8
1 h. 38 m.
Alemania / 2014
christian Petzold
La colaboración entre el director y su actriz fetiche sigue dando sus frutos al tiempo que Petzold continua revisitando desde diversos ángulos el pasado traumático de su país y exorcizando sus demonios. En esta ocasión entreverado con una historia de amor que es puesta a prueba ante el horror y del que nadie sabemos como responderíamos.
Nina Hoss demuestra una vez más sus solvencia como actriz y da los matices necesarios para que nos creamos su desgarrado personaje y una historia increíble, apoyada por el resto de protagonistas, donde Nina Kunzendorf deja poso con su encarnación de un personaje que nos recuerda al de Wanda interpretado por Agata Kulesza en la excelente "Ida" (Pawell Pawlikowsky / 2013).
La tensión se mantiene pese a algunos altibajos y todo queda rematado con un brillante final.
CUMBRES BORRASCOSAS
8
1 h. 43 m.
USA / 1939
William Wyller
Hablar una vez mas de William Wyller, es hablar del trabajo bien hecho, de la profesionalidad y meticulosidad de cada plano, de la eficacia narrativa y emotiva de toda su obra, de saber rodearse de los mejores y conducirlos a buen puerto. Luego sin duda vienen los matices y los peros, estos últimos casi siempre por imposición de los estándares de trabajo de los grandes estudios.
El clásico de 1846 de la literatura inglesa escrito por Emily Brontë, no valorado en su día, siempre ha tenido en sus muchas y parciales adaptaciones la escasez de tiempo necesario para apurar el rico contenido de la obra y la psicología de los personajes y aunque esta versión debido al influjo de Hollywood se impone como referencia no deja de estar edulcolorada para que los personajes no sean tan crudos como los describe Brontë. Desde el cine silente, pasando por Buñuel, Kosminsky, o la versión japonesa de Yoshida, hasta la más que interesante y última de Andrea Arnold, entre otras, este drama donde la naturaleza y sus elementos de funden con las pasiones humanas, sigue siendo fuente inagotable de arte cinematográfico.
La música de Newman y la fotografía de Toland corroboran que por encima del nombre del director hay un trabajo en equipo donde cada elemento brilla por si mismo a la vez que potencia el conjunto.
Olivier, necesitaria más metraje para desarrollar el personaje, a Merle Oberon le queda grande y uno no puede por menos que acordarse de la Davis en "Jezabel" y un joven Niven pasa casi desapercibido. Al final fue Geraldine Fitgerald quien pudo acercarse más al alma de su personaje y fue premiada con la nominación al Oscar.
EL MAGO DE OZ
9
1 h. 38 m.
USA / 1939
Victor Fleming
Este clásico inmortal cuyo éxito inicial se vio amplificado para la posteridad gracias a sus reiterados pases por televisión tuvo muchos padres, en un proceso de producción donde acabó firmando Victor Fleming, pero en el que participaron en mayor o menor medida Taurog, Thorpe, Cukor y sobre todo King Vidor quien rodó, entre otras, la escena de la canción "Over the rainbow", sin olvidar la excelente labor de producción de Mervin Leroy. Increiblemente, entre tanta mano, el desarrollo no decae y se compacta en una versión "sui generis" del libro "El maravilloso mago de Oz" (1900) y su exitosa saga de Oz escrita por el estadounidense L. Frank Baum cuyos presupuestos y motivaciones (Oz equivale a onza de oro) en una norteamerica en auge deslumbrada por la fiebre del oro Californiana, quedan diluidos en un espectáculo infantil que acaba siendo universal a mayor gloria de los colores saturados del Thecnicolor.
Como en los buenos cuentos, hay personajes clásicos (la bruja) y otros inolvidables (el espantapájaros, el hombre de hojalata y el León) y como no, el inefable Totó. La metáforas y las analogías dan para todos los gustos y todos los movimientos sociales, sin perder un gramo de la esencia de cuento infantil, entretenido y a veces terrorífico, con su inevitable moraleja. Esta última algo desconcertante dado que visualmente abandonamos un mundo de fantasía y color para regresar a un Kansas polvoriento y en blanco y negro.
Judy Garland con 17 años se consagró en el papel de Dorothy, pensado en principio para Shirley Temple o Deanna Durbin. El resto del elenco se inmortalizó, aunque no tuvo tanta suerte posteriormente.
El rodaje tuvo de todo, desde la crueldad de pintar a una caballo de colores en repetidas ocasiones, hasta el macabro incidente del ahorcado, pasando por los desmanes de todo tipo de los enanos que representaban a los munchkins o las quemaduras que sufrió Margaret Hamilton en su brillante interpretación de la bruja del oeste.
Pero sobre todo son las inolvidables canciones de su BSO firmadas por Harold Arlen y E.Y. Harburg y la dirección de arte de Cedric Gibbons y William A. Horning quienes completan una obra que habita en lugares alejados del tiempo.
LA PROFESORA DE HISTORIA
7
1 h. 40 m.
Francia / 2014
Marie-Castillie Mención-Schaar
"Los herederos", título original con mayor calado que el español, vuelve a poner el dedo en la llaga en la importancia de la educación y de los educadores (siempre mal pagados y no reconocidos) en un periodo de nuestras vidas como es la adolescencia donde la personalidad aún está lo suficientemente maleable para que con la ayuda de un buen educador seamos capaces de elegir los mejores caminos para desarrollarnos como personas y ciudadanos.
El género ha dejado en cada época algunas buenas huellas, desde "Rebelión en las aulas" (James Clavell / 1967) hasta "La ola" (Dennis Gansell / 2008). Aquí, la profesora de historia consigue motivar y concienciar a un aula de chavales desestructurados y con problemas sociales, mediante la toma de conciencia del holocausto y la tremenda lección que nos dejó, legado que muchos no quieren aprender y que hay que mantener vivo en un sistema democrático occidental mucho más frágil de lo que se le supone.
El reparto coral es efectivo y en general el tono peca de "buenismo" y se hace previsible, en una cinta necesaria más que otra cosa, que debería ser de uso habitual en centros de enseñanza.
NEGOCIADOR
5
1 h. 20 m.
España / 2014
Borja Cobeaga
La verdad es que se agradece la sutileza y la ironía de Cobeaga ante un tema tan capital. Los actores están impecables, pero aún así, a servidor tanto perfil bajo, tanta caída de tensión no le provoca ni risa ni horror por mucho que estén latentes y que el director ponga las piezas sobre el tablero pero no sepa muy bien como desarrollar la partida. Hubiera funcionado mejor como un corto, de hecho casi lo es.
Detrás de los conflictos, siempre hay personas tan humanas y miserables como el que más, donde la banalidad y la locura se dan la mano. Mucho filete para comerlo solo con una guarnición cutre de patatas, en vez de mojarse con una buena salsa.
SOLO LOS ÁNGELES TIENEN ALAS
8
2 h.
USA / 1939
Howard Hawks
Sabemos que Hawks fue piloto de aviones y coches antes de meterse en el mundo del cine. Jules Furthman venia haciendo guiones desde 1915, con grandes títulos en su nómina como "Rebelión a bordo", y los que le quedaban. Así es que entretejieron una historia de base real, en un lugar imposible con hombres y mujeres imposibles creando un micromundo cerrado en si mismos donde recalaban aquellos que no tenían más remedio que jugarse la vida cada día por un salario que no lo merecía con una profesión-pasión que les hacía sentir la vida intensamente. Para poder sobrevivir necesitaban una buena dosis de cinismo y crear unas reglas de deber y camaradería a prueba de todas las inclemencias exteriores, ya sean nieblas, tormentas o amores.
Rodada en estudio, consigue una agobiante atmósfera que se traslada de las barracas, al puesto de vigilancia en la montaña y a las latas de sardinas que eran las cabinas de los aviones de la época. Mundo de hombres curtidos donde la mujer es una rara avis siempre en un segundo plano, incapaz de sobrellevar y entender los códigos de los alfa-man.
Cary Grant y Jean Arthur no parecen los más adecuados para sus personajes. La evolución de los mismos es tan rápida como increíble, el lugar, la pista, los vuelos, todo destila trampantojo y sin embargo funcionan, nos emocionan, entramos en el juego y reímos y lloramos. ¿No es eso el cine?: mentiras imposibles que nos hacen soñar.
Hawks, nos presenta en la alta sociedad fílmica a Rita Hayworth, quien impone su presencia por encima de un personaje metido con calzador y que evoluciona como todos los demás tan rápido como cambia el tiempo en Barranca. Solo el gran Tomas Mitchell, en un año 39 para él glorioso, consigue un personaje redondo que vuelve a bordar. La excelente fotografía de Joseph Walker apuntala cada una de las escenas, los diálogos van a juego con los personajes y al final Hawks consigue que la cinta forme parte de nuestros recuerdos aunque para ello haya tenido que utilizar una moneda con dos caras.
FANT4STIC
5
1 h. 40 m.
USA / 2015
Josh Trank
Tras la promesa de "Chronicle" (2012) para Josh Trank han llegado "la hora de las tortas". Las que se ha llevado de crítica, público y fans de "la primera familia" marveliana.
Parece que su visión de los 4, sobre un guión de mínimos no gustaba a la Fox y a la postre Trank no ha sabido hacerse con las riendas de un proyecto que ha acabado fracasando y aumentando la leyenda de gafe que tienen estos superhéroes en su paso al cine. La posible secuela parece algo forzada para no perder los derechos y que estos vuelvan a Marvel.
En definitiva y si no somos muy exigentes hay mucho peores cintas que inundan la cartelera. Pero el caso es que el género demanda espectacularidad, que no tiene, efectos especiales a la última, que aquí poseen un cierto aire retro, por otro lado encantador, de "Perdidos en el espacio" aquella serie de televisión de los 60 y sobre todo que no existe apenas interrelación entre los personajes, base indispensable del éxito del cómic. Red, Sue, Johnny y Ben deben seguir esperando a que los rayos gamma de alguien con más acierto creativo los conviertan de una vez por todas en lo que se merecen y son: Los 4 Fantásticos.
MISIÓN IMPOSIBLE: NACIÓN SECRETA
7
2 h. 11 m.
USA / 2015
Christopher McQuarrie
La colaboración entre Cruise y McQuarrie ya dio sus frutos razonablemente satisfactorios en "Jack Reacher" (2012), así es que repiten la jugada de género pero esta vez con la pasta gansa de los inversores chinos. Y esa pasta se nota en una serie de "set pieces" (escenas de acción) espectaculares encadenadas para mayor disfrute de pantalla gigante. La franquicia revive con un tono más Bond (James, James Bond) y Cruice luce estiramientos faciales y profesionalidad, acompañado de su equipo que le hace de comparsa de forma eficiente y de una partenaire que le roba muchos planos y que, a mi juicio, se lleva el gato al agua.
Me he reído y disfrutado con las escenas de la Opera y cuando el asunto se ponía pelín pesado ya estaban muy cerca los títulos de crédito. Blockbuster impecable y nada más. Ni menos.
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HOMBRES BUENOS
Arturo Pérez-Reverte
Ed. Alfaguara / 2015
592 págs.
Pues un placer. Uno de esos libros que se pueden devorar sin tregua pero que recomiendo se paladeen sin prisa porque lo merece. Ficción novelada y realidad se entremezclan como se entremezclan el Reverte novelista, pensador, articulista y académico, en un relato donde las ideas y los personajes se imponen a la acción, que la hay, no exenta de intriga y emoción aún a sabiendas del desenlace.
Homenaje a la Real Academia de la Lengua Española de la que Reverte es miembro, y mirada inteligente y educativa sobre un siglo XVIII español, poco tratado novelisticamente en el que se perdieron muchos trenes y se siguieron amasando los barros que trajeron los lodos en los que aún de una manera u otra seguimos enfangados.
La "Enciclopédie" francesa de 1751, llave maestra de la ilustración que antepone la razón a la religión, tenía en España las puertas cerradas. Había que salir a buscarla y dos "hombres buenos", cual Quijote y Sancho de la RAE viajan a París con la misión de incorporarla a la biblioteca patria.
Por el camino nada sera fácil y las dos españas tendrán voz para exponer argumentos a favor y en contra, aunque es, sobre todo el autor, que aparece como personaje en un ejercicio de metaliteratura quien, sobre todo en boca del "el almirante" Don Pedro Zárate, apuesta por un hombre nuevo donde la tradición o el honor como valores bien entendidos vayan de la mano de la razón, la educación y la libertad de expresión como faros que guíen el devenir de los pueblos libres, dejando y respetando las creencias religiosas de cada cual para el ámbito privado de sus almas y no como bandera y escusa para intereses más espurios.
La llama que prendió hace ya casi tres siglos sigue iluminando un mundo plagado de sombras.
LA DILIGENCIA
9
1 h. 39 m.
USA / 1939
John Ford
Cuando Ford compra los derechos del relato de Ernest Haycox que se nutre a su vez de el cuento "Bola de sebo" de Guy de Maupassant, tenia ya "el celuloide pelao" como aquel que dice aunque llevaba 12 años sin tocar el género. Un género, el Western que estaba de capa caída y que había quedado relegado a films de series B. A pesar de retocar el guión para añadirle más alicientes comerciales, los grandes estudios rechazaron el proyecto y fue el productor independiente Walter Wagner quien solia dar libertad creativa a los directores de sus proyectos quien con buen ojo asumió el proyecto.
Lo demás es historia. La diligencia marcó el inicio de una nueva etapa dorada del Western, con Wayne como icono del mismo, catapultado a la fama gracias a su papel de Ringo Kid en la cinta, papel que había rechazado Gary Cooper. Hoy en día Wayne es utilizado como reclamo del film cuando en realidad el nombre de Claire Trevor, "la reina del cine negro", estaba por delante y el reparto coral esplendido contaba con apellidos que ya habían demostrado su solvencia mucho anates que "El Duque". Fue a la postre Tony Mitchel en su papel del "Doc" quien se llevó el Oscar en una composición excelente que bien podía haber sido concedida ex aequo a todo el reparto.
El equilibrio entre denuncia social y acción es casi perfecto, con los toque de humor y romanticismo justos para que el conjunto casi roce la perfección, empañada por algunas licencias de rodaje que se tomo Ford,el limitado realismo del infierno traqueteante que debía producirse en el interior de un carruaje donde todos iban apiñados soportando caminos imposibles y los trucos inhumanos afortunadamente ya desterrados, utilizados para derribar a los caballos en carrera que ponían en peligro, cuando no dejaban cojos a los inocentes animales.
Sin embargo las espeluznantes escenas del especialista Yakima Canutt, doblando a indios y al propio Wayne saltando al tiro de caballos de la diligencia son un hito de como se jugaban la vida personas reales, de forma real para que la ficción fuera creíble. Canutt, vaquero norteamericano, campeón del mundo de rodeo varios años consecutivos, es un personaje de biografía apasionante y que estuvo implicado durante toda su vida en las mejores escenas de acción, sobre todo con caballos de la historia del cine.
Ford se luce con una gama amplia de recursos con un presupuesto limitado, variedad de planos, la escena del ataque de los indios de 8 minutos a la que tanto debe el último Mad Max y toda una galería de personajes y situaciones que actualizaran el molde para generaciones posteriores.
La diligencia ha superado el paso del tiempo y sigue inmortal cabalgando por Monument Valley (otro de los aciertos de Ford), al ritmo de su pegadiza banda sonora, como metáfora de el largo y tortuoso camino de la vida donde más vale que nos acojamos a lo que nos une que a lo que nos separa si queremos llegar enteros a nuestro destino.
CUERNA
5
2 h.
USA / 2013
Alexandre Aja
Impecable actuación de Radcliffe que da un paso más en su distanciamiento de actor infantil y al que su pasado potteriano hace que cada nuevo trabajo le sea mirado con lupa. Aquí, una vez más sale airoso soportando sobre sí todo el peso de las dos horas de un metraje desigual con una primera hora original y prometedora donde la mezcla de géneros (fantástico, thriller, comedia, romanticismo y critica social) funciona razonablemente bien. Desafortunadamente todo desemboca en una segunda parte donde el director francés se debe haber tomado un tripi y comienza a desbarrar en un tótum revólutum que nos hace desear pedir tiempo para que la cosa acabe cuanto antes. Los efectos especiales se hacen dueños de lo que pudiera quedar de guión y uno tiene la sensación de que al final a quien nos han puesto los cuernos es a nosotros dejándonos en la mitad de nuestro idilio con la cinta y con cara de tontos.
Ninotchka
8
1 h. 50 m.
USA / 1939
Ernst Lubitsch
A la "Divina" Garbo le costó lo suyo romper el estereotipo de mujer fatal con el que había triunfado desde la época del cine mudo y entroncar con una serie de papeles de mujeres históricas que siguieron aumentando su leyenda. La relación escasa entre su caché y los beneficios que daba a finales de los 30 hicieron que este nuevo cambio de rumbo, ahora a la comedia, tuviera sus riesgos y la publicidad se volcó con aquel mantra de : "La Garbo ríe", cosa que por otra parte ya venía haciendo desde hacia tiempo en la pantalla.
Para ello se buscó a un director de prestigio, a un maestro como Lubitsch en esto de hacer comedias sofisticadas apoyado por una tripleta de guionistas prometedores y brillantes entre los que se encontraba el genio de Billy Wilder trabajando para su admirado director que tanto influiría en su obra posterior, sobre un argumento de Melchior Lengyel sobre el musical de Brodway "Silk Stocking" (Medias de seda).
La comedia es una sátira al comunismo más recalcitrante entreverado en una historia de amor. El ritmo y los diálogos son exquisitos por encima de una trama simple y poco creíble donde, una vez más, La Garbo, se apodera de la pantalla y conquista a la cámara por enésima vez haciendo suya la película. El reparto que la acompaña es excelente aunque el contrastado Melvin Douglas, a pesar de su buen trabajo actoral no llega, a mi juicio, a dar la imagen necesaria, la química suficiente para enamorar a la diosa sueca y servidor no deja de imaginarse a Cary Grant en ese papel.
Su estreno fue un éxito pero se vio lastrado por el comienzo de la guerra que impidió una distribución internacional. Se intentó repetir la formula dos años después con la misma pareja protagonista y bajo la dirección de Cuckor (La mujer de las dos caras / 1941) que tuvo duras críticas y a la postre supuso la despedida insustituible de una mujer que en la cumbre de su fama decidió disfrutar de su vida privada y así mantener siempre viva su leyenda.
"Ninotchka no fue la mejor comedia de Lubitsch, pero Garbo, Wilder y compañía la hicieron inmortal.
CONDUCTA
7
1 h. 48 m.
Cuba / 2014
Ernesto Daranas
La amplia y contrastada experiencia del director cubano en el mundo de la televisión se deja notar en este film que destila un cierto aroma de telenovela dignificado por la rotunda fotografía de Alejandro Pérez. Fotografía que juega con la luz del caribe y una paleta de colores que no siempre apoyan dramáticamente el drama que se nos está contando.
El notable trabajo de sus intérpretes también se resiente de ese tufillo televisivo como si de un "Cuentame" cubano se tratara. Al alimón de lo que pudo ser y no fue de la excelente "Regreso a Ítaca" (Laurent Cantet /2014), toca ahora el porvenir de una Cuba en transformación, donde una buena parte de sus nuevas generaciones arrastran el lastre de las miserias y aciertos de su historia reciente. Sentido homenaje al nunca bien reconocido trabajo de los maestros y maestras que perfilan nuestro futuro el resto no acaba de engancharnos la entrañas como merecen muchas de sus aristas. Al final queda una bonita y bienintencionada historia de iniciación a la vida que apuesta por un futuro sin dejar atrás a aquellos que siempre creyeron en él.
LA VIDA DE EMILE ZOLA
7
1 h. 54 m.
USA / 1937
William Dieterle
Dieterli fue uno de esos directores centroeuropeos, alemán para más señas que huyendo de la peste nazi y fascista que germinó en la vieja Europa a mediados del siglo pasado, engrosó las filas de una industria floreciente hollywoodiense necesitada de profesionales eficientes y curtidos que tras adecuar sus nombres, se nacionalizaron estadounidenses y dieron lustre y esplendor a la máquina popular de hacer monedas, vendiendo sueños. Y aunque su apellido no ha tenido el brillo de otros, su extensa obra, en la que se encuentran algunos títulos inolvidables, merece todo respeto.
Aquí repite biopic con Muni de protagonista, pasando de un francés como Louis Pasteur a otro, el escritor padre del naturalismo, Emile Zola. A pesar de titularse: "La vida de...", apenas nos ofrece un esbozo del trabajo y la personalidad de Zola, centrándose básicamente en el llamado caso "Dreyfus", en el que la cúpula militar francesa de la Tercera República, aplicando criterios nacionalistas y antisemitas le cargó el muerto de un caso de espionaje al capitán de ingenieros Dreyfus y decidió no enmendarla cuando se descubrió al autentico culpable. Francia se dividió en dos presagiando lo que ocurriría más tarde con el gobierno de Vichy, y fueron hombres como Zola que arriesgaron su estatus y prestigio para, mediante su palabra escrita, conseguir que la verdad saliera a la luz.
Con una producción notable, nos hurta mucho de un Zola interpretado notablemente por Muni, en ocasiones demasiado teatral y un reparto eficiente premiado con el Oscar a Joseph Schildkraut por su Dreyfus. Su vida personal, su obra literaria y sus relaciones en un París plagado de artistas notables queda para otra ocasión. No se atreve la Warner ni Dieterli a poner sombras en el antisemitismo contra Dreyfus ni en las discutibles circunstancias de la muerte del escritor. Aún no había llegado la guerra y la industria estaba más en el entretenimiento que otra cosa.
ARROW (1ª Temporada)
5
23 episodios de 42 m. aprox.
USA / 2012-13
Greg Berlanti / Marc Guggenheim / Andrew Kreisberg / The CW Television Network
A pesar de haber sido un friki comiquero desde aquel primer tomito de las imperfectas ediciones Vertigo que cayó en mis manos, hace ya...., sobre la primera familia marveliana; Los 4 Fantásticos, DC se limitó a Superman, Batman y poco más. Su panoplia de superhéroes solo me eran conocidos visualmente, entre ellos Flecha Verde, que tampoco parecía que estuviera en el top de Detective Cómics.
Tampoco estuve interesado por las incursiones que la televisión, aparato que hace décadas deje de utilizar más allá de diez minutos, en el mundo de los superhéroes. Pero como se suele decir: "A la vejez viruelas" y ahora que vuelven a estar de moda gracias a los avances técnicos, primero la estupenda Daredevil y la apañadita The Flash, me han llevado a este arquero de flechas verdes que lleva ya cuatro temporadas abriendo camino a un universo DC que parece tener cuerda para rato.
La serie es floja en muchos sentidos y aprueba con un suficiente raspao. El guión es repetitivo denotando algún trauma de los guionistas sobre las relaciones entre padres e hijos, la historia que corre paralela en flashback tediosa y algunos personajes duran lo que tarda Oliver Queen en lanzar una de sus flechas. Su influencia por no decir transposición descarada es el hombre murciélago pero en serie B.
No obstante hay que reconocer a sus creadores, que han sabido concebir un entorno y algunos personajes reconocibles que apuntan maneras y que siempre están prometiendo tiempos mejores. Suficiente para seguir la serie sin prisas y sin ansias como los tebeos de grapa esperando que de cada cinco, uno supere la media.
Puro entretenimiento banal, casi infantil, más para aquellos que tiramos de la nostalgia cuando vemos aquellos héroes de papel que cobran cuerpo en la pantalla, que para los hijos que mamaron de la PS,
UNA PALOMA SE POSÓ EN UNA RAMA A REFLEXIONAR SOBRE LA EXISTENCIA
6
1 h. 40 m.
Suecia / 2014
Roy Andersson
Si uno se imagina una sala de gran aforo abarrotada un fin de semana y al público saliendo en tropel con una sonrisa de oreja a oreja comentando y discutiendo sobre lo bien que se lo han pasado reflexionando sobre la existencia humana con esta película sería una imagen tan surrealista y absurda digna de figurar en el propio film como antítesis de cualquiera de sus escenas. Cine de autor. De un autor sueco que tras sus prometedores inicios de juventud en los 70 y el posterior rechazo a su segundo trabajo encontró en el mundo de la publicidad el éxito profesional y el camino para hallar un estilo propio, abstracto, con el que ha realizado una trilogía de madurez sobre el ser humano con referencias a su país, donde amalgama influencias tan diversas como Buñuel, Tatí, Becket...
Su estilo parte de presupuestos pictóricos con una cuidada estética, inmovilidad de la cámara en plano fijo con gran profundidad de campo y una estructura narrativa muy influenciada por la brevedad publicitaria.
Obra interesante, vanguardista que posibilita que otros autores como el alemán Dietrich Brügemann destilen sus enseñanzas y acaben por plasmarlas en propuestas tan estupendas como "Camino de la cruz" (2014). Dicho esto, rechazada por Cannes para llevarse el León de Oro de Venecia, "Una paloma..." puede ser insufrible y admirada a partes iguales. Un servidor comparte un poco de cada.
EL FLASH
6
23 episodios de 42 m. aprox.
USA / 2014-15
Greg Berlanti / Andrew Kreisberg / Geoff Johns / The CW Television Network
Desde que en 1940 Flash fue creado por Garnerd Fox y dibujado por Harry Lampert, no ha parado de correr. Bueno, no han parado, porque Flash ha habido unos cuantos que iban asumiendo la personalidad del velocista con el cambio de los tiempos. Sus historias se han cruzado y enmarañado hasta lo inimaginable debido a su capacidad de viajar en el tiempo e incluso ha sido utilizado como detonante para hacer borrón y cuenta nueva en el universo DC, paso obligado como ocurrió con Marvel, para que se puedan seguir vendiendo tebeos a las nuevas generaciones.
El cine, gracias a sus avances tecnológicos, ha llegado como buen superhéroe al rescate de las dos grandes editoriales para sentenciar su definitivo paso del papel a la pantalla. La televisión no ha querido quedarse al margen y aprovechando las décadas de nuevo florecimiento de la ficción televisiva, los está incorporando para explotar el filón junto con su hermano mayor y los demás soportes digitales.
Flash, la serie y en su primera temporada, es ante todo entretenida, para todos los públicos, con personajes empáticos y reconocibles, buena factura técnica y la ligereza argumental de los tebeos de grapa. Ha conseguido superar el reto de 23 episodios de cuarenta y tantos minutos por temporada y abrir las puertas aún más al universo DC plagado de héroes y villanos que a poco que sepan gestionarlos van a intentar quedarse tanto tiempo como sus predecesores de papel.
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EN ALAS DE LA DANZA
6
1 h. 45 m.
USA / 1936
George Stevens
Cuando Ginger y Fred empezaban a bailar, uno podía hacer un paréntesis y parar el mundo unos minutos para sentirse vivo y abandonarse entre giros, piruetas y el hechizo del ritmo marcado por el tap de los zapatos de claqué. Probablemente nunca la liberación espiritual que provoca la danza fue tan popular como pudieron hacerla esta pareja tan encantadoramente imperfecta, gracias al cine. El era un virtuoso inigualable que según se decía comenzaba a bailar donde otros no llegaban y ella supo suplir muchas de sus carencias técnicas, simplemente siguiendo actuando mientras bailaba a base de profesionalidad, tesón y mucho sacrificio para convencernos una y otra vez de que juntos se complementaban de forma insuperable.
Diez películas, nueve para la RKO y una para la MGM, donde lo de menos eran las historias, casi siempre las mismas. Aquí, en su quinta colaboración contaron con la dirección de George Stevens que intentó aportar más calidad al conjunto. En cuanto que Fred, solo o acompañado de Ginger comenzaba a bailar ya todo daba igual. Dicen que esta cinta contiene el mejor baile de la pareja, uno de los mejores de Astaire y al mejor director que pudieron tener. ¿Como puede nadie pensar en todo eso cuando la felicidad se abre paso en nuestra alma a ritmo de swing?
CABALLERO SIN ESPADA
7
2 h. 4 m.
USA / 1939
Frank Capra
No sé el grado de ingenuidad que pudiera tener Capra en su fuero interno, pero desde luego era un idealista y creía en el "sueño americano" del que él mismo era un claro exponente llegando como emigrante siciliano y acabando como uno de los directores más afamados de Hollywood.
En la ceremonia de los Oscars del 33 a Will Rogers se le ocurrió llamar al galardonado como mejor director solo por su nombre de pila, haciendo alusión a sus comienzos humildes y Capra sintiéndose aludido se levantó a recoger el premio que en realidad era para su tocayo Frank Lloyd. Después de este maltrago, el ya nacionalizado director, se desquitó llevándose a sus vitrinas tres estatuillas a título personal y otro buen puñado junto con nominaciones varias para sus películas en los seis años siguientes. Su compromiso con la nueva patria que le había acogido se incrementó con una serie de documentales propagandísticos durante la segunda guerra mundial que también fueron recompensados con la estatuilla del tío Oscar.
Quizás por ese compromiso y viendo lo que se avecinaba en Europa, en el 39 no tuvo empacho en repetir la misma formula que le había reportado éxito con "Mr. Deed goes to town (El secreto de vivir). Incluso el título original lo proclama con descaro. Y aunque cambió a su guionista de cabecera Robert Riskin por Sidney Buchman y a su actor fetiche Gary Cooper por Stewart, el asunto es más de lo mismo: el hombre ingenuo proveniente de la América rural llega allí donde se cuecen los destinos de los ciudadanos para enmendarle la plana a quienes han olvidado para que fueron elegidos y recordarles los valores democráticos de los padres fundadores de la nación.
"El poder del pueblo, por y para el pueblo", palabras escritas en la piedra del monumento a Lincon, que la realidad fuera de las fábulas caprianas no tarda ni un segundo en desmentir en cualquier lugar del globo, aunque con abismales diferencias entre ellos. El afán didáctico del director nos recuerda como funciona el Senado (norteamericano por supuesto), aunque a los propios senadores de Whasington no les hizo gracia la cinta y se dieron por aludidos. En muchas naciones europeas de la época, incluida España, eso de la democracia y el uso de la palabra como derecho primordial, tampoco estaba muy de moda y la cinta fue prohibida.
Jean Arthur es un valor seguro junto con Thomas Mitchell, y la paleta de corruptos (Rains, Arnold, Kibbee, Pallette) mágnifica ofreciendo diferentes matices de corrupción y por supuesto James Stewart que da otro paso de gigante en su carrera aprovechando su desgarbado aspecto inocente y juvenil a pesar de contar ya con 31 años.
La juventud norteamericana heredaría la victoria mundial y la responsabilidad de liderar el mundo libre. A la vista están los resultados. Si Capra levantara la cabeza...
EL UMBRAL DE LA ETERNIDAD
Ken Follet / 2014
DEBOLSILLO / 2015
1.144 págs.
Como queda patente en la cubierta esta es la conclusión y tercera entrega de la trilogía que Follet abordó sobre el convulso y cambiante siglo XX.
Ante todo es una obra entretenida y didáctica. No es su intención profundizar en los hechos sino acudir a ellos a través de la ficción de unas cuantas familias relacionadas entre sí de diversas nacionalidades, donde la credibilidad es pura ficción al servicio de los hitos históricos más relevantes que salpicaron el siglo pasado. Se le puede aplicar la sobada etiqueta de: "se lee de un tirón" a pesar de sus más de mil páginas y viene e enmendar en parte el "pinchazo" de la segunda entrega. La televisión ya tiene los derechos para una futura serie.
La división de Alemania con el vergonzante muro de Berlín, la segregación racial norteamericana, el conflicto de los misiles cubanos, la fuerza impulsora de los movimientos pop y rock, la década del amor libre de los 60, los asesinatos de la familia Kennedy y Martin Luther King, la represión en Checoslovaquia y Polonia de sus intentos aperturistas, la guerra de Vietnam, el lado oscuro de presidentes como Nixon o Reagan y el progresivo declive de la URSS hasta la caída del muro alemán vienen a ser los ejes centrales de tres décadas que algunos recordaremos con nostalgia y que para otros más jóvenes puede suponer un bosquejo a vuela pluma de lo mucho y rápido que ha cambiado el mundo en tan pocos años.
MAÑANA DE LA TIERRA
7
2 h. 10 m.
USA / 2015
brad Bird
En poco menos de tres décadas Brad Bird se ha prodigado como director poco (siete film) y bien, sobre todo en animación con un par de obras maestras, sobresalientes y notables altos. Podríamos decir aquello de que todo lo que toca lo convierte en oro, hasta este megaproyecto financiado por Disney que le ha quedado más bien chapado en dorado y con el que no han hecho ni un dolar de beneficio.
La cinta es notable en muchos momentos, sobre todo en su primera hora, bienintencionada hasta extremos de buen rollo de anuncio de coca cola de los años 60 y con un mensaje casi desesperado que aboga por que las nuevas generaciones se apoyen en la tecnología para construir un mundo mejor o al menos salvar este.
El diseño de producción de ese mundo futuro entronca como digno sucesor de aquel magnifico que creó William Cameron Menzies en "La vida futura" allá por 1936, más meritorio aún dado que no disponía de la tecnología actual.
La irregularidad del confuso guión en que ha metido mano el desafortunado, hasta la fecha, Damon Lindelof, va llevando el asunto de una prometedora aventura fantástica a un convencional blockbuster de tópicos manidos. El reparto no pasa de la corrección, a excepción de una joven actriz inglesa de 13 años, Raffey Cassidy que viene pisando muy, muy fuerte.
Y todo acaba con un broche, o mejor dicho, un pin final para todos aquellos que siempre ven la botella medio llena. No lo verán mis ojos.
HIPÓCRATES
7
1 h. 42 m.
Francia / 2014
Thomas Lilti
Thomas Lilti ha elegido para su segundo largometraje, después de siete años, acudir a su experiencia como estudiante de medicina. Un joven interno, hijo de un medico consagrado, accede cual Serpico de bata blanca, a un hospital público parisino con los bolsillos llenos de ilusiones por curar enfermos en cuerpo y alma y reafirmarse ante su padre.
La realidad se le vendrá encima y descubrirá en palabras de un compañero doctorado en argel, que la medicina, no es un trabajo sino una especie de maldición.
Los que de verdad caen bajo el hechizo hipocrático se verán acosados por políticas presupuestarias donde lo que menos importa es la vida humana, un corporativismo no exento de discriminación y un uso y abuso de las condiciones materiales y laborales en un personal que acaba por tener la facultad de disociar el drama de cada día con una explosión vital que ahogue o amortigüe la convivencia con el dolor, la enfermedad y la muerte.
Ante todo ello el sufrido paciente es "manipulado" en función de las circunstancias y a uno se le ponen los pelos de punta y reza por no contraer enfermedades que no sean rentables para el sistema.
Lilti, lo cuenta sin florituras apostando más por el fondo que la forma e interpretaciones correctas y momentos emotivos que le han valido un buen puñado de nominaciones en los Cesar.
La visión de la herida no es muy profunda pero si lo suficiente para saber que el asunto no tiene buena pinta.
AMANECE
9
1 h. 29 m.
Francia / 1939
Marcel Carné
Descubro a Marcel Carné con esta película. Desde sus inicios en el cine mudo como ayudante de Jacques Feyder tuvo sus mejores momentos a finales de los años 30 hasta mediados de los 40 en Francia dentro del llamado realismo poético.
A pesar de que uno de sus films: "Les Enfants du paradise" fue considerado en el 90 la mejor película francesa del siglo XX, por la propia critica francesa, su figura como director ha quedado empañada por considerar Truffaut y cia que era un director muy dependiente de sus colaboradores destacados: el guionista y poeta Jacques Prévert y el director artístico Alexandre Trauner. Ambos se lucen especialmente en esta cinta sobre todo Trauner cuyos entornos quedan en nuestra memoria más allá del contenido de la historia.
A falta de tener una visión más general de su obra no me parece que Carné sea eso que eufemisticamente han dado en llamar: "un artesano". Su movimiento de cámara, sus encuadres y sus decisiones narrativas como los fundidos que nos llevan a una acertada utilización de los flash backs quizás demasiado moderna para la época, cambios de eje, primeros planos, etc ponen de manifiesto que sabía lo que hacia y lo hacia bien.
El reparto resulta eficiente y equilibrado destacando un Jules Berry teatral que compone un personaje inolvidable y como anécdota, una fugaz aparición de un joven Bernard Blie que comenzaba a hacer sus pinitos en la pantalla.
No me acaba de quedar claro el trasfondo de la historia de Jacques Viot, por mucho que algunos personajes sean metáforas de la realidad social del momento, ni los auténticos motivos que mueven a sus personajes, pero la forma de contarlo es hipnótica convirtiéndose en un puente sólido que enlaza y amalgama muchas tendencias anteriores con un futuro que aprovecharía la senda abierta.
HIJO DE ARMA
4
1 h. 48 m.
Australia / 2014
Julius Avery
La película es mala. Digámoslo antes que nada. Hay que reconocer merito, aunque no sea nada nuevo ni sorprendente, a que le hayan producido un guión tan trillado al director y que además hayan conseguido implicar a Ewan McGregor como reclamo del asunto. Mayor delito tiene que guiones así, mil veces visto no le hayan servido al director Avery para al menos limitarse a copiar con un mínimo de coherencia alguna propuesta anterior cualquiera que fuese.
McGregor es lo suficientemente solido para salir a flote con su parte encomendada por muy mal dibujada que esté y el resto del reparto bastante tiene con dejarse filmar en espera de mejores oportunidades.
El montaje es un despropósito y los cambios de rumbo parecen propios de que el que maneja el carro ha bebido más de la cuenta. No he visto los prometedores cortos de este director australiano que le han posibilitado este estreno. Dicen los que saben que sigue siendo prometedor. Pues que suerte tiene.
SIGUE
6
1 h. 40 m.
USA / 2014
David Robert Mitchell
Cuatro años han pasado desde la notable opera prima de Robert Michell, director indi que a pesar de su pasado "éxito" ha tenido que ingeniárselas y muy bien por cierto, para ofrecernos una obra original e interesante con la misma escasez de medios de hace cuatro años.
Francamente hábil ha sabido cambiarlo todo para seguir hablándonos de lo mismo: de las etapas de cambio del ser humano desde la pubertad a la adolescencia en "El mito de la adolescencia" y de aquí a la juventud que ve perfilarse en el horizonte el inevitable paso a la madurez y a la consciencia de que el destino inexorable nos alcanzara a todos nos escondamos donde nos escondamos.
Para ello ha optado por un envoltorio más asequible a todos los públicos como es el terror adolescente y en un arriesgado ejercicio de estilo de resultado irregular nos ha devuelto aparentemente el slasher ochentero para realizar su metáfora existencial. (Recomiendo el estupendo comentario de "moisesrock" en filmaffinity)
La cosa ha sorprendido y ha gustado a unos y otros. Los que se han quedado en el envoltorio y los más sesudos. Por lo pronto ya le han contratado para una serie de tv. de terror los primeros, y ha poco que siga siendo tan inteligente sabrá dar lo que le piden sin abandonar su lado más filosófico.
A un servidor como película de género, que no lo es, no me aporta mucho. Hace tiempo que el buen terror y el humor se venden muy caros. Y en cuanto al fondo, creo que su primera obra acertó con más claridad a reflejar el alma de los adolescentes y aquí se pierde un poco intentando subrayar su marchamo de autor.
Siento curiosidad por saber si su próximo trabajo cerrará en una trilogía lo que nos viene contando y si para ello se le ocurrirá otro golpe de timón.
NUESTRO ÚLTIMO VERANO EN ESCOCIA
7
1 h. 35 m.
Reino Unido / 2014
Andy Hamilton / Guy Jenkin
No pasaría nada si en el cartel promocional se sustituyeran los nombre de los actores consagrados por los de los tres chavales que son los que sustentan esta comedia con pretensiones existenciales y que apuesta por aquello de: !a vivir que son dos días!. La vida es demasiado corta para malgastarla, encorsetarla y estar todo el día a la greña con amigos y enemigos.
Estos niños increíbles sueltan todos los gags con desparpajo admirables y nos embaucan en su mundo haciéndonos pasar un rato realmente divertido. El afán moralizante del último tercio hace trastabillar todo el conjunto pero acabamos siendo condescendientes porque nos han hecho tomar una pausa para pensar en aquellas cosas que realmente importan y recordar como veíamos el mundo cuando aún no sabíamos como era, vestidos de vaqueros, princesas o vikingos.
Corn Island
8
1 h. 40 m.
Georgia / 2014
George Ovashvili
Notable poema existencial donde el cine vuelve a poner de manifiesto que esencialmente es un arte visual. Desde los primeros fotogramas uno queda atrapado en esta isla fruto de un rió cíclico y cambiante, metáfora de la vida, que ofrece sus efímeros dones de tierra fértil donde el ser humano, siempre a cambio de esfuerzo y sacrificio pueda ver germinar sus sueños antes de que lo arrastre la inevitable corriente que a todos nos alcanza.
La mirada sin prisa pero sin pausa de Ovashvili de este ciclo vital, apoyado en una excelsa fotografía, testigo imparcial de las luces y las sombras de la naturaleza en una tierra georgiana propia, trufada de hombres que prefieren destruir, antes que construir y compartir.
Los rostros esculpidos del abuelo y su nieta reflejan todo lo que sus edades, el pasado y el futuro, saben y desean descubrir. Apenas hay dialogos. Sobran las palabras.
Es cierto que el conjunto decae en algún momento y que prolonga el poema innecesariamente. Lo bueno si breve, dos veces bueno.
LA REGLA DEL JUEGO
7
1 h. 53 m.
Francia / 1939
Jean Renoir
Uno casi teme estar cometiendo sacrilegio por no adorar en los altares a esta multi reconocida obra maestra del maestro Renoir. Eso si, reconocida a partir de la década de los 60 dentro de la tendencia a dignificar el cine de autor y ganada la guerra. El público francés le dio la espalda, incluso con los apaños posteriores que hizo el propio Renoir. Luego fue prohibida tanto por el gobierno francés como por los alemanes. Parece ser que a nadie, por unas u otras razones le hizo gracia que el desencantado socialmente Renoir pusiera al descubierto en tono de sátira y sin tapujos cuales eran las reglas del juego marcadas por la hipocresía y mezquindad humana que realmente condicionaban los comportamientos sociales de las clases dirigentes y del pueblo obediente.
¿Es que no se había aprendido nada con la I Guerra mundial". Pues parece ser que no.
La comedia, el voudeville de claras referencias guíñolescas pasa por el tamiz del nuevo arte a un ritmo trepidante donde la profundidad de campo amplia el zoo humano que habita entre largos corredores, vestíbulos y escaleras de un palacio en el que Renoir y su cámara se mueven de forma magistral implantando una lección para la posteridad.
Y dicho esto, no me divierte como "Boudu salvado de las aguas", no empatizo con los personajes como con "Toni", no me emociona como "Una partida de campo", y por no extenderme demasiado, no me llega su mensaje tan hondo como "La gran ilusión". A la postre es el propio Renoir y su obra el que me hace quizás infravalorar esta obra que en palabras del propio Renoir: "era un divertimento". Se dice que hay que verla varias veces. No se si eso cuenta a favor. ¿No estaremos siendo más papistas que el Papa?.
MEJOR LLAMAR A SAUL
8
1ª. Temporada. 10 capítulos.
USA / 2015
Vince Guilligan / Peter Gould / AMC
En plena y desoladora orfandad de "Breaking Bad", sus creadores optaron por no abandonar del todo el universo de "Heisenberg" y compañía. La responsabilidad era mucha y todo el peso iba a caer sobre Saul Goodman, un abogado corrupto que cumplía a la perfección su rol en la añorada serie. Creo que la mayoría hemos cruzado los dedos y al final el bueno de Goodman, o mejor dicho Bob Odenkirk ha logrado quitarnos cuando menos el mono de forma notable.
Su gran identificación con el personaje ha sustentado los acertados guiones y puesta en escena, muy cuidada por cierto, de Gilligan y Gould que dejan su impronta personal mezclando admirablemente el humor negro con el drama, sazonado todo ello con contrapuntos musicales marca de la casa.
Los "secundarios", algunos ya conocidos, están perfectos y "Jimmy Resbalones" ha dejado claro que tiene cuerda para rato. !El Rey a muerto, viva el Rey!.
7
5 Temporadas. 54 episodios.
USA / 2011-15
Tony y Joe Gayton / AMC
Atractiva y adictiva serie. Siempre que a uno le guste el género del western. Pero aunque no sea así la metáfora sobre el ser humano y su "evolución hacia el progreso y las libertades", tiene en esta serie un descarnado ejemplo de la cruda realidad. De lo que en verdad hace que el carro de los humanos tire hacia adelante dejando tras de si un rastro de sangre y crueldad imposible de perdonar por mucho que inventemos todas las variantes religiosas que se nos ocurran en cada civilización. Aquí hay negros, chinos, irlandeses, nativos americanos..., una babel más que representativa de nuestra especie. Cristianos, protestantes, budistas, mormones y un buena sopa de letras de las iglesias de todos los santos o los adjetivos que les queramos poner. Sorprende la virulencia con que los hermanos Gayton desmontan las creencias en dioses grandes y pequeños que no tienen cabida en un infierno sobre ruedas donde la vida vale mucho menos que los clavos de las traviesas del ferrocarril. Y así ha sido y será como los grandes hombres y los grandes imperios graban sus nombres en oro para la posteridad.
Tras unos primeros capítulos titubeantes, sobre todo en el apartado artístico, los protagonistas van dejando poso de su carisma, los cielos plagados de nubes y los espacios abiertos se conjugan con la sordidez del campamento que acompaña a los constructores del ferrocarril de la Union Pacific y aprendemos un poco de historia real con personajes arquetípicos y a veces caricaturizados, de esa gran epopeya sangrienta que fue la unión del este con el oeste estadounidense, motor de progreso para los de siempre y aniquilación y expropiación de los "salvajes" que legítimamente eran los dueños durante siglos de las tierras por donde galoparía el caballo de hierro.
A la postre el sudista Cullem Bohannan, bien interpretado por Ansont Mount, una especie mixta entre Vigo Mortensen y Sandokan, es el que, omnipresente, aglutina todo el protagonista en un overbooking de personajes de reparto que desbordan con sus posibilidades a los guionistas que no saben muy bien como desarrollarlos como se merecen. Por otro lado parece del todo imposible que el "duro" de Bohannan sea capaz de resistir las palizas anímicas que le inflige el guión.
Así pues, situaciones y personajes diferentes vienen a repetir argumentos y a los creadores parece que la cosa se les ha quedado demasiado grande.
Mención destacada para Colm Meaney, ese "secundario" que no puede negar que es irlandés y que se parece físicamente como un huevo a una castaña al original Thomas C. Durant artífice de la Unión Pacific, que estafó todo lo que pudo a quien pudo. Meany consigue gracias a su interpretación, sin restarle ni un gramo de maldad, que gocemos con cada una de sus intervenciones.
A pesar de sus 5 temporadas, ha quedado en un segundo plano en una cadena la AMC en la que series como "Mad Men" o "Breaking Bad" eclipsaban a cualquiera.
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| LINA MORGAN (1937-2015)
Única e irrepetible. La "tonta" más lista, que en una España de posguerra machista, ente otras cosas, supo abrirse camino en un mundo de revista y sobresalir por encima de vedettes altas y jamonas. Y es que como le pasaba a Saza, para llegar antes, mejor si eres guapo, pero para quedarte, mejor si eres bueno.
Fruto de mi generación y mi pasión por el teatro de texto, las "payasadas" de La Morgan, nunca me interesaron, pero siempre que las vi, me hicieron reír como los mejores payasos, o mejor dicho, ella me hizo reír, por muy casposo que fuera el cine o el teatro que le tocó en suerte. El público, ese que llamamos el respetable, ese que no la dejaba demostrar que también sabía hacernos llorar, abarrotaba su teatro: La Latina. De pequeña soñaba con ser artista sobre sus tablas y acabó comprándolo y programándolo con éxito a falta de subvenciones con la inestimable ayuda vital de su hermano. Ella no necesitaba subvenciones. Eran los distintos políticos de turno quienes buscaban arrimarse al pueblo haciéndose la foto con Maria de los Angeles López Segovia.
El público jamás la abandonó, ni en el cine ni en la televisión donde siguió reventando audiencias.
Con ella se van muchas cosas buenas y malas de una profesión y un estilo que ella siempre dignificó. Nos deja la nostalgia de sus piernas torcidas mientras sacaba la lengua y bailaba un tango para hacernos pasar un buen rato ausentes del lado gris de la vida. Vida que compartimos con ella y solo le podemos decir, parafraseándola: "Gracias por venir".
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