!COSAS VEREDES! CINE, LIBROS & MÁS




AHORA SÍ, ANTES NO

 6
2 h.
Corea del Sur / 2015
Hong Sang-Soo






A pesar de que gran parte de la crítica la considere muy divertida les aseguro que la alegría de la huerta no es este, casi ensayo sobre las posibilidades del cine a la hora de narrar historias y las posibilidades de los seres humanos de labrarnos nuestra propia historia. Como diría Cantinflas: "ahí está el detalle". En esas pequeñas decisiones que nos abren una puerta u otra y nos hacen ser lo que somos o aparentar lo que nos somos.
Reconozco que me he aburrido. Tanta naturalidad me acaba por producir el efecto contrario y todo parece muy ensayado. La ensalzada pareja protagonista sobre todo él, no me inspiran grandes simpatías. Creo que entiendo lo que Hong Sang-Soo propone pero no me entusiasma como lo propone. Basta con visionar otra de sus películas, "En otro país" (2012) con la cual descubrí a este director que me sigue resultando interesante, para, a mi juicio, marcar la diferencia entre las diferentes formas de expresar temas similares. Con relación a la película citada es fácil terminar diciendo que: antes sí, ahora no. 










TRUMBO. LA LISTA NEGRA DE HOLLYWOOD

 7
2 h. 4 m.
USA / 2015
Jay Roach




No le vendría mal al guión de Mcnamara que el propio Dalton Trumbo le  diera un repasito, aunque el Sindicato de guionistas, lógicamente dado el tema le haya premiado con una nominación. Por otro lado Jay Roch  ha salido airoso de la propuesta sin poder evitar ante un tema tan desgarrado tirar de su experiencia en la comedia para aligerar, con acierto en ocasiones, el infierno por el que pasaron muchos profesionales de la educación y la cultura en la caza de brujas del Mchartismo, con un final menos afortunado que el de Trumbo.
Brian Cranston andaba algo perdido por aquí y por allá desde Breaking Bad y necesitaba un buen personaje para hincarle el diente ayudado por la siempre colaboración especial de Hellen Mirrer como Edda Hopper, personaje vitriólico que junto con el de Edward G. Robinson merecerían una historia aparte.
En espera de otros proyectos que se atrevan a hurgar en la llaga con más enjundia de ese periodo nefasto, bienvenido sea este biopic dentro de los cánones de la industria sobre ese "comunista acomodado" de cuya pluma surgieron historias para soñar y pensar.














MONSIEUR CHOCOLAT

 7
1 h. 50 m.
Francia / 2016
Roschdy Zem





Zem ha contado con un amplio presupuesto de producción para este biopic sobre el primer artista circense negro francés y el equipo de dirección artística lo aprovecha.
Con un estilo de narración clásica en este tipo de géneros y las licencias pertinentes con algunos aspectos de la realidad sobre todo con el personaje del payaso Foottit magníficamente interpretado por James Thierrée cuyo parecido físico y contrastado dominio corporal nos remite a su abuelo Chaplin, asistimos a una Francia de principios de siglo, donde los avances artísticos iban mucho más deprisa que los derechos sociales con un racismo manifiesto.
Rafael Padilla "Chocolat" (1867-1917) nacido en Cuba, trasladado a España acaba escapando y después de diferentes oficios recala en un circo de provincias donde Foottit le encuentra y acaba por montar una puesta en escena donde los tipos de los payasos Augusto y Carablanca interactúan por primera vez. El éxito de la propuesta les llevará a París donde alcanzaran fama y popularidad.
Los entresijos del teatro de variedades se acumulan en una primera parte más brillante. En la segunda vemos la realidad social del momento y como afecta al aspecto humano de los personajes, sus miedos, aspiraciones y debilidades que acaban por hacerles transitar por camino diferentes hacia finales diferente.
El popular Omar Sy defiende con dignidad su papel. La importancia del dúo en la evolución del circo y Chocolat en concreto fue olvidado y bien está que el cine les rescate para ubicarles en el papel que se merecen. 


















LA PUNTA DEL ICEBERG

 6
1 h. 31 m.
España / 2016
David Cánovas






La producciones de Gerardo Herrero, hasta el momento, traen apareadas una corrección formal como moneda de doble cara. Por un lado garantiza unos guiones y puestas en escenas dignas al servicio de la historias y por otro lado una frialdad narrativa, lineal y con total ausencia de riesgos o miradas personales de sus diferentes directores. David Cánovas no es la excepción y todo transcurre dentro de "lo que Dios manda" en el hacer cinematográfico. Al final son siempre los actores los que marcan la diferencia, generalmente bien elegidos y con recurrentes de lujo como Carmelo Gómez.
He de reconocer que cuando la notable Maribel Verdú se convirtió en La Verdú, me cuesta disociarla de los personajes que interpreta. Casi siempre la estoy viendo interpretar aunque lo haga muy bien. Decía Al Pacino que el arte de la interpretación es no interpretar, o al menos que no se note que lo haces. Uno tiene la mala suerte que a la Verdú se lo noto casi siempre.
Por lo demás esta adaptación de la obra teatral de Antonio Tabares discurre sin sobresaltos, sin que perdamos el interés por muy previsible que sea el desenlace y buenos mano a mano entre La Verdú y el resto del elenco.
Como dice su título, asistimos apenas a la punta del Iceberg de lo que el sistema empresarial entiende por rendimiento y resultados, que nada tienen que ver con la dignidad y la vida de aquellos seres humanos que a la postre los consiguen.
El problema se resolverá en breve cuando la robótica nos haga ya definitivamente prescindibles. Ahí si que aumentaran los suicidios. 







PRIMAVERA EN UN PEQUEÑO PUEBLO

 6
1 h. 34 m.
China / 1948
Mu Fei



La mejor película de la historia del cine chino (Hong Kong Asociación de Críticos / 2005). Ahí es nada. Servidor que no es partidario de estos maximalismos, listas de las diez mejores de..., etc, etc que siempre son simplificadoras y subjetivas carece por otro lado de base comparativa del cine chino, sobre todo en los años 40 y de sus influencias en directores posteriores más allá del remake realizado de esta misma cinta en el 2002.
Por todo ello y añadiéndole el mal estado de la copia disponible uno no puede calificarla más allá de interesante dentro del panorama del cine oriental, que en los años cuarenta en una China, al menos en una ciudad tan abierta a influjos exteriores como Shangai donde se inició Mu Fei, bebe del cine occidental.

Esta mezcla durante la denominada segunda edad de oro del cine chino antes del maoísmo que la condenó al olvido por supuesta falta de crítica política, conservadora y reaccionaria, la saca del contexto del cine político de su época y abre la posibilidad de contar la realidad social a través de otros géneros como en este caso el melodrama romántico.
A pesar de su evidente modernidad en la planificación y tratamiento del conflicto entre los personajes y su entorno, el ritmo sigue siendo oriental, pausado, contemplativo y los movimientos de los actores aún arrastran cierta teatralidad coreográfica.
En un ambiente cerrado, en una pequeña localidad (en donde parecen habitar solo los personajes protagonistas) entre las ruinas del final de la Segunda Guerra Mundial, cargado de simbolismo patrio, una mujer casada sin amor se encuentra atrapada con un esposo incapaz de soportar la decadencia de la estirpe familiar. Acompañados de un criado eco del pasado y una joven que mira hacia el futuro, sus vidas tomaran un punto de inflexión con el regreso después de diez años de un amigo del marido y antiguo enamorado de la mujer que les hará cuestionarse su existencia.
La utilización de la luz con contrastes acusados, la doble atmósfera de los espacios cerrados y la libertad de los exteriores, el riesgo de algunos planos y el mantenimiento de la tensión son sus logros más destacados, en una cinta que a día de hoy no provoca grandes entusiasmos más allá de su importancia para el cinéfilo.    













LA NOCHE EN QUE MI MADRE MATÓ A MI PADRE

 6
1 h. 33 m.
España / 2016
Inés París



Si uno quiere ver una mágnifica comedia de salón actual en la pantalla grande remítanse a "El nombre" tanto en su adaptación francesa como italiana. Creo que también está en cartelera teatral en Madrid.
Mientras tanto y como aperitivo tenemos este apañadito vodevil firmado a dos manos por París y Colomo que va de más a menos con un ritmo tan desigual como las interpretaciones de algunos de sus protagonistas. Estupenda Maria Pujalte y un Eduard Fernández que nos remite al gran Agustín González en esos papeles estereotipados que dominaba a la perfección.
Todo va y viene con aciertos y desaciertos y un final algo cansino. Lo de "La comedia del año en España" es más gracioso que algunos de los gags de la película.
Es entretenida y se deja ver. En el país de los tuertos...











EL CASO FRITZ BAUER

 6
1 h. 45 m.
Alemania / 2015
Lars Kraumer




Quienes ostentan el poder de forma absoluta y despótica durante el suficiente tiempo acaban por crear un entramado enquistado difícil de limpiar por mucho cambio democrático que se produzca y purga de unos cuantos cabecillas y algún que otro cabeza de turco. Los que toman el relevo siguen utilizando y necesitando "la experiencia" de muchos de los que se hicieron especialistas en ensuciarse las manos y las conciencias para seguir "luchando contra el enemigo de turno". Chile, Argentina, España..., lo difícil es encontrar un país que sea la excepción, y por supuesto la Alemania de posguerra perdedora y renacida a la sombra de una guerra fría y de unos intereses a muchas bandas.
Al cabo de casi tres cuartos de siglo el cine alemán empieza a reflejar esos años de un pasado que a muy pocos les interesaba seguir recordando. Junto con "Hanna Arendt" (Margharette von Trotta / 2012) y "La conspiración de silencio" (Giulio Ricciarelli / 2014), esta última continuación natural del trabajo de Fritz Bauer, forman una trilogía esencial para comprender y acercarnos a ese periodo histórico de la nación más poderosa de Europa.
La cinta consigue crear la atmósfera (menudo parque automovilístico), exponer los hechos sobre el intento del fiscal de enfrentar al pueblo alemán a sus fantasmas con la captura de Eichmann (acabó siendo Israel quien se llevó el merito) y mantener el interés acercándonos al famoso fiscal sobre todo gracias a la acertada interpretación de Burghart Klaussner. 








CEGADOS POR EL SOL

 6
2 h. 4 m.
Italia / 2015
Luca Guadagnino




Remake al parecer muy libre de "La piscina" (Jacques Deray / 1969) y que no hay que confundir con "Swimming Pool (La piscina) (François Ozon / 2003) aunque en esta última también haya temas comunes a ambas.
El caso es que el mayor morbo aliciente de la del 69 era el reencuentro en la pantalla de dos mitos como Alain Delon y Romy Schneider cargados de erotismo fuera y dentro de la pantalla y que habían sido pareja en la vida real. Dicen que "la química" funciono muy bien y por si fuera poco el triangulo lo conformaba Jane Birkin esplendorosa con 23 añitos.
Por mucho que admiro a Fiennes y Swinton la química queda muy lejos de hacer que toda la trama explote como en la del 69. Dakota Johnson cual remedo de Lolita y Mathias Johnoson acaban por ser convidados de piedra ante el lúdico desparrame de Fiennes y la siempre inquietante Swinton.
El erotismo del 69 sigue ganando por goleada a los desnudos de Fiennes y cia. La tensión parece después de una primera media hora en la que Guadagnino nos regala una mirada interesante y notable sobre los personajes y su entorno irse diluyendo hacia un final poco climático (la parte final con la policía es un absurdo jarro de agua fría) y las dos horas cuatro minutos (el mismo metraje que la cinta del 69) se las pasa Guadagnino en darnos un bello paseo por la isla (autentica protagonista) y sus costumbres acompañando a estos ricos acomodados que comen requesón ajenos a la tragedia de los inmigrantes que ocurre a su lado. No es suficiente para que el lejano aroma de Antonioni nos enganche. 











TORO

 4
1 h. 40 m.
España / 2016
Kike Maíllo




Debut más que prometedor de Kike Maíllo allá por el 2011 con "Eva". Su segundo trabajo tres años después mejor olvidarlo y ahora se apunta, al rebufo de los éxitos en el genero de "El niño" y la "Isla mínima", a un thriller con pretensiones en el que parece, a tenor del flojo resultado, que "se ha hartado de balón". Valga el símil futbolero en el que el jugador lo tiene todo a su favor (promoción, producción, actores y calidad como director) y al final falla estrepitosamente.
No acaba Maíllo de encontrar el tono, divaga entre varias opciones sin acabar de engarzarlas con acierto y sobre todo no funcionan unos personajes poco creíbles: mal desarrollado el de Sacristán, desafortunada Claudia Canal y sorprendente un Tosar que parece que actúa dopado con unos cuantos lexatines, aletargado con una interpretación impropia de su categoría, como si a Maíllo le bastara con el look hortera que gasta el personaje. Casas es el que sale mejor parado, no por mucho manteniendo la coherencia entre un puñado de escenas tanto dramáticas como de acción forzadas al límite de la credibilidad El marco racial y localista naufraga como atmósfera flotando a la deriva en el campo estético de esas construcciones de un boom inmobiliario tan extraterrestre como la camisa de López.   








LINE OF DUTY (TV. Sesión 2 y 3)

 9
12 episodios de 50 m. aprox.
Reino Unido / 2013-14
Jed Mercurio / BBC Two




Tras una primera sesión prometedora, hay que ponerse de pie al finalizar la tercera temporada por el endiablado y adictivo guión sin tregua del creador Jed Mercurio en una historia que abarca los doce episodios de la segunda y tercera sesión. Una vez más son los actores invitados a la nueva trama sobre los que recae las investigaciones del AC-12 (anticorrupción) los que se llevan la palma (soberbia Keeley Hawes) aunque hay que reconocer que los protagonistas y recurrentes en base al guión consiguen elevar el nivel.
Los premios no han tardado en llegar y la BBC One se la lleva a su parrilla para una cuarta y quinta temporada que tendrán un listón muy alto que igualar. Empezamos a salivar no se la pierdan.
















EL PODER DEL MAL

 9
1 h. 18 m.
USA / 1948
Abraham Polonsky




Con tan solo tres películas como director en su historial gracias a la caza de brujas del McCarthysmo en un un tiempo y país donde ser comunista era el estigma del diablo, Polonsky ha pasado desapercibido por el gran público. En su momento esta película tampoco triunfó en los USA y tuvo que ser la crítica inglesa quien la pusiera en valor. Hoy es considerada una obra maestra y está en la biblioteca del Congreso.
Ahora que parece inevitable contar con al menos dos horas para contar una buena historia cuando no seis o siete si nos atenemos a la televisión, Polonsky lo hace en apenas una hora y dieciocho minutos, con una gran definición de los personajes tanto principales como secundarios, moviéndose con maestría tanto en los espacios cerrados como en los exteriores. 
En el magnífico comienzo ya queda clara la dualidad entre la ciudad y sus grandes edificios y construcciones enormes y poderosas reflejo de una sociedad rica y boyante en contraste con el ambiente mísero de la gente de la calle donde las loterías ilegales eran una forma de salir adelante de muchos de aquellos que el crack del 29 les dejó en la miseria. Pero el ansia del poder y del dinero tampoco les dejó y las mafias se hicieron con el negocio con la colaboración de los estamentos políticos corruptos.
Garfield con el que Polonsky ya había colaborado y que también fue perseguido por la caza de brujas, esta estupendo en esta ocasión en un personaje puente que busca justificaciones y equilibrios en un mundo que no entiende de ellos. La crítica hacia el capitalismo salvaje es evidente.
Polonsky busca y rebusca el ángulo de cámara mas efectivo y la influencia de Wells es patente, el abanico de planos y escenas sobresalientes es desbordante, los diálogos rápidos y brillantes, y los estándares del noir (sombras, voz en off, mujer fatal...) brillan y se combinan con nuevas miradas en las que la fotografía de George Barnes y la música de Rudolph Polk toman relevancia. Un trabajo espléndido en su conjunto y una grata sorpresa redescubrir a este director marginado por intereses ajenos al arte cinematográfico.
Como anécdota la presentación y casi despedida de la prometedora actriz Beatriz Pearson que con solo dos películas desapareció del mundo del espectáculo.      

















LINE OF DUTY (TV. Sesión 1)

 7
5 episodios de 50 m. aprox.
Reino Unido / 2012
Jed Mercurio / BBC Two




El angulo desde el que se plantea la BBC otra serie de policías es en este caso el del departamento de Anti Corrupción o Asunto internos, esto es, policías que investigan a otros policías. Tampoco es que sea muy original pero la profesionalidad y la seriedad con la que la televisión británica aborda sus series televisivas siempre es una garantía.
Aquí, a mi juicio lo mejor es el guión de Jed Mercurio, creador de la serie, y la figura  central del personaje investigado, al que Lennie James aporta un carisma que desgraciadamente no consigue el resto del elenco. Un uso a veces abusivo e injustificado del zoom no impide que tenga buen ritmo y que la trama sea interesante y apetezca seguir, no tanto a sus protagonistas como a los casos que les ocupan. Tres temporadas y renovada para una cuarta. Veremos. 












THE LADY IN THE VAN

 5
1 h. 44 m.
Reino Unido / 2015
Nicholas Hytner




La historia real de Mary Shepherd y su encuentro en los 70 
con el escritor y dramaturgo Alan Bennet le ha dado a este un filón (parte de sus memorias, novela, radio, teatro y película).
La verdad es que su vida si que daba, por si alguien se anima, para un dramático film. Alumna destacada de un famoso pianista, llegó a actuar en público, quiso ser monja, fue internada en un centro por su propio hermano (no queda claro donde ni porqué) del cual se escapó y tras un accidente fortuito con muerte de un motorista del que se creía culpable vivió el resto de su vida en la mendicidad y con el sentimiento de culpa y el miedo de poder ser arrestada.
Bennet, al menos en el guión que escribe para la película trata todo esto de forma anodina y casi superficial dejando en manos de una excelsa Maggie Smith que canalice todo el drama de esta mujer a través de un rostro curtido por la vida donde los ojos de La Smith llegan a contarnos mucho más de lo que hace Bennet. Este se "enreda" en su doble personalidad de escritor y actor de lo que escribe sin demasiado acierto con tan interesante posibilidad y con las anécdotas de la convivencia en su jardín durante quince años con la señora y la furgoneta donde vive. Vecinos  y asistentes sociales ponen la nota de la hipocresía oficial y de la falsa caridad.
El afamado director teatral y cineasta Nicholas Hytner que también fue el encargado de su puesta en escena en las tablas tampoco aporta nada destacable como para que "The lady in the van" sea solo el recuerdo de una actriz que en el último tramo de su carrera (81 años) sigue en plenitud de facultades. 












VICTOR FRANKENSTEIN

 5
1 h. 49 m.
USA / 2015
Paul McGuigan




Ahora que los grandes directores se pasan a la televisión, McGuigan afamado por su serie de Sherlock, insiste en su irregular carrera en la pantalla grande con este blockbuster que pretende darle otra vuelta de tuerca al universo de Mary Shelley con estética de cómic y por supuesto a años luz no solo del original sino de las clásicas e inmortales versiones con Karloff a la cabeza (del monstruo).
Todo es forzado, embarullado y mil veces visto por mucho que se esfuercen Radclife y sobre todo McAvoy en dotar de sentido y sensibilidad a sus personajes. McGuigan impone su ritmo habitual y la producción está cuidada pero el asunto no da para más y dura en nuestra memoria lo que duran las palomitas para acompañar.










RACE: EL HÉROE DE BERLÍN

 7
2 h. 14 m.
Canadá / 2016
Stephens Hopkins


Las cuatro medallas de Owens en los juegos del 36, (48 años tardaría Carl Lewis en igualarla en el 84), lavaron la cara y ayudaron a los vencedores de la guerra a tapar mediaticamente durante muchos años el gran triunfo deportivo (89 medalla contra 56 de USA), organizativo y propagandístico ( los documentales de Leni Riefenstahl son una obra maestra que inmortalizaría los juegos) de una Alemania apunto de entrar por las puertas de un infierno de la mano del horror nazi.
Esta superproducción de aires televisivos, medio en el que se ha curtido Hopkins y estructura clásica de biopic consigue elevarse lo justo para abordar con sutileza los aspectos comprometidos (dilema de asistencia a los juegos, discriminación racial por parte de ambas naciones...) y ensalzar la hazaña de Olwen como atleta al tiempo que pasa el consabido peaje emotivo (entrenador, mujer, amigos, familia) las veces que sean necesarias para que el asunto cale en todo tipo de público. La cuidada y efectiva producción canadiense, enmarca con acierto la época y los lugares y en definitiva pasamos un rato agradable y aprendemos algo de historia.
Ante la famosa polémica de si Hitler saludó o no a Olwens, Hopkins se atiene a lo poco que se sabe al respecto y descarga en Goebbels todo el veneno nazi. Lo que si se sabe es el trato discriminatorio que su propio país dispensó a su héroe atlético antes, durante y después de su hazaña.
Los controvertidos personajes de la celebre cineasta Riefensthal y del dirigente olímpico Avery Brundage que abogó por que USA no boicoteara los juegos son tratados con la suficiente ambigüedad para que cada cual saque sus propias conclusiones.
Quien si boicoteo los juegos montando otros paralelos en Barcelona fue la República Española. En este caso la guerra incivil les ganó la carrera. 












LUKE CAGE (TV. Sesión 1)

 5
13 episodios de 50 m. aprox.
USA / 2016
Cheo Hodari Coker / NETFLIX




De la mano de Archie Goodwin y de los lapices de Jhon Romita Sr., Luke Cage o Power Man vio la luz en los cómics Marvel allá por el 72 (con otras pintas por supuesto). El primer superhéroe afroamericano dentro de la moda de temática negra imperante en esos días (blaxploitation).
Jugaba en "ligas menores" o de barrio (Harlem) y junto con "Puño de Hierro" (el último que Netflix-Marvel incorporará en Marzo del 2017 a la trilogía Jones-Cage-Rand) fundaron los Héroes de Alquiler.
Marvel Televisión y Netflix, abrieron la caja con Daredevil a quien le devolvieron su dignidad y protagonismo que no supieron en la pantalla grande. Las aventuras del abogado ciego les dieron el crédito suficiente y unido a una mágnifica campaña de marketing "Jessica Jones y ahora "Luke Cage" están viviendo de las rentas sin que su nivel esté a la altura del diablo rojo.
Una factura apañada estéticamente y un elenco más que digno hacen lo que pueden con unos guiones que superado los guiños de turno, orígenes y demás están súper inflados y no dan más que, como mucho, para media docena de episodios.
Aquí los personajes y nunca mejor dicho, no están bien dibujados y van dando bandazos, repitiendo hasta la saciedad sus planteamientos (el buen actor que es Mahershala Ali se ha debido volver loco con el suyo). Muchos de ellos tampoco cuentan con actores con el carisma suficiente.
Mike Colter da la percha pero de momento poco más y su empaste con el Luke Cage que apareció en "Jessica Jones" está cuando menos desencajado. La idea de utilizar como argamasa la música estupenda de Harlelm es un quiero y no puedo y el propio barrio aparece sobado en los textos y poco en imágenes que realmente tomen la temperatura de sus calles.
En fin todo muy light, sazonado con la dosis habitual de violencia y pretencioso que no llega a  la tontería de "Arrow" ("Flash" se salva por su tono desenfadado y sin pretensiones) pero que le anda muy cerca.
Mucho me temo que "Iron Fist" seguirá el mismo camino y cuando les reúnan a todos en "Los Defensores" ya veremos si "el ciego" les hace ver la luz.













CANTINFLAS

 5
1 h. 46 m.
México / 2014
Sebastian del Amo




Un biopic sobre Cantinflas es uno de esos proyectos que a los fans incondicionales, como un servidor, le hacen salivar y más después de 32 años de su última aparición en pantalla.
Por eso y con dos años de retraso en su exhibición en nuestro país el desencanto es mayúsculo, un quiero y no puedo de gran producción con aires de telenovela y un guión que apenas roza la vida y milagros del genio "peladito".
La dirección de Sebastian del Amo es penosa como patético el desfile de famosos al estilo de "tu cara me suena" y si no fuera por el excelente trabajo de composición de Oscar Jaenada todo el asunto se derrumbaría desde los primeros minutos.
Poco o nada es minimamente creíble en una atmósfera de set de televisión. Se esboza tímidamente alguno de los claroscuros del personaje y su indisoluble mezcla con la persona de Mario Moreno, cuidándose muy mucho de mantener al ídolo en su pedestal.
Para contar la vida de un genio, su obra y sus contrastes hay que tener algo de esa misma genialidad y no es el caso. Hay está, lamentablemente, el detalle. 







SECRETO TRAS LA PUERTA

 7
1 h. 49 m.
USA / 1947
Fritz Lang



Uno puede entender que el productor, Walter Wanger le pegara un tiro en las ingles a Jennings Lang el agente de su mujer en un ataque de celos. Su mujer era la arrebatadora y excelente actriz Joan Bennett, con la que el maestro Lang filmó cuatro películas. Esta fue la última de sus colaboraciones y la número 62 de la Bennet con tan solo 37 años.
Para Lang era la decimotercera de su etapa americana donde el sistema de estudios y la dictadura de los géneros ceñía su libertad creativa. Pero quien tuvo retuvo y se les apañaba para dejar su huella personal en cada proyecto como en esta ensalada de géneros que fue "Secreto tras la puerta", una cinta con aires de serie B al rebufo de éxitos como "Rebeca" en la que se inspira, o "Recuerda", entre otros. La sombra de Hitchcock es más que evidente. Aunque, como anécdota, habría que preguntarle a Bernard Hermann compositor de "Psicosis" si las famosas cuchilladas de la ducha no se parecen sospechosamente a los efectos que utiliza Miklós Rózsa en el clímax, fundido en negro incluido de la cinta que nos ocupa.
El guión de Silvia Richards sobre la novela de Rufus King, autor de novelas policiacas, no es como para tirar cohetes, pero Lang eleva el asunto con una narración que mantiene el suspense y en la que su vena  arquitectónica se luce tanto como el vestuario de la Bennet. Añadaselé su maestría con el expresionismo y la impagable fotografía en blanco y negro de Stanley Cortez para que el conjunto nos regalé un puñado de escenas memorables.     



















LARGA ES LA NOCHE

 8
1 h. 54 m.
Reino Unido / 1947
Carol Reed




Desconozco si la novela del 45 del inglés F.L. Green daba más juego que el flojo guión en el que también participó el autor. La verdad es que, conflicto político aparte, lo que comienza como un thriller con buen pulso deriva en un ejercicio de estilo a veces surrealista de Reed que es el que mayor partido saca al asunto con ese Belfast nocturno, auténtico protagonista, sus picados y contrapicados y una fotografía excelsa de Robert Krasker. Anticipo de lo que volverian a hacer con la Viena de "El tercer hombre" dos años después.
El caso es que esta cinta puso a Reed en el mundo después de una década en la sombra como director de estudio. Se llevó el primer Bafta de la historia de los Bafta al mejor film británico y le permitió un mayor control en sus películas engarzando un trienio excelente junto con "El idolo caido" y la citada "El tercer hombre" que acabaron por darle el estatus que con altibajos ya nunca le abandonó en su carrera.
Otro que se puso en el mapa dando un salto de calidad fue James Mason que aquí compone con dignidad una actuación a veces tan abandonada como el propio personaje. Reed sabe crear magistralmente la atmósfera y llenarla de personajes a los que saca partido más estéticamente que dotándolos de un volumen psicológico que deviene en detrimento de la trama.
















MONSIEUR VERDOUX

 9
2 h. 3 m.
USA / 1947
Charles Chaplin






Los 57 años de Chaplin del año 47 eran ya más que suficientes para que el inmortal "vagabundo" hubiera madurado. Charlot aún aparecía a modo de despedida en el anterior film "El gran dictador" (1940), la primera de las películas sonoras de Chaplin y aún en esta se resiste a desaparecer del todo y se trasluce bajo la piel y los movimientos de un Chaplin-Verdoux todavía en una forma física excelente.
Pero evidentemente algo había cambiado, sobre todo una segunda guerra mundial que certificaba lo poco que nos importaban los millones de muertos de la primera y que no auguraba nada bueno en pos de una tercera.
Lo que no pudo el crack del 29, arruinarlo, lo consiguió este personal proyecto de un Chaplin autor integral que no quería que su legado artístico se limitara al personaje de Charlot por muy grande que este fuera como acabó pasándole a su admirado Mario Moreno con Cantinflas.
El "respetable" no perdona que sus ídolos se comporten de formas diferente de aquello por lo que fueron elevados a sus altares. Y la sociedad conservadora ganadora de la guerra no podía admitir que alguien tan popular les pusiera delante de sus narices la hipocresía de sus actos. En definitiva un fracaso económico del que Chaplin pudo escapar gracias a Charlot y la reposición de "Luces de la Ciudad".
El genio no obstante quedó tocado y desengañado de un país donde las libertades eran cada vez más acotadas en base a la sacro santa seguridad nacional, cajón de sastre y río revuelto donde sacan tajada los de siempre.
La idea original partió de Orson Welles pero no llegaron a un acuerdo y Chaplin compró los derechos y adaptó la historia del famoso asesino de viudas francés Landrú en una tragicomedia a la que el único pero que se le puede poner es su excesiva duración.
La seguridad con la que rueda Chaplín, su esmerada planificación y puesta en escena, la excelente fotografía y su magnetismo personal como actor ante la cámara nos dejan un rosario de escenas memorables tan trágicas y emotivas como divertidas en un alarde de humor negro.
Por si no fuera suficiente se permite el lujo de decir lo que piensa en cuanto a la religión, los valores del sistema capitalista y las justificaciones de las guerras. No se lo perdonaron.
"La más inteligente y brillante de mi carrera", así es como la definió el propio Chaplin. Tuvo que exiliarse en Inglaterra y dejar que pasaran unas décadas para que se lo reconocieran. 















EFRAIN

 6
1 h. 34 m.
Etiopía / 2015
Yared Zeleke





"Efrain" es una película sencilla en su planteamiento con voluntad estética y social sobre la identidad de un niño y su abandono precipitado de la inocencia de su infancia debido a la ausencia y perdida de sus progenitores. Como único amigo y ancla emocional de su vida anterior tiene un cordero, símbolo metafórico a su vez de una Etiopía, antigua Abisinia, cuya existencia está condicionada desde los 80 antes que nada por las hambrunas producidas por las sequías en una sociedad superpoblada eminentemente agrícola y las guerras con Eritrea y Somalia.
La película por otro lado sirve como ínfima muestra del cine africano en general y el etíope en particular orientados a un consumo interno hoy por hoy incapaces de saltar el muro de la industria norteamericana monopolizadora de los canales de distribución y exhibición. La recepción sobre lo que nos cuenta  y muestra el debutante Yared Zeleke es por tanto diferente si no se es etíope y pone en el punto de mira sin profundizar demasiado la realidad, sobre todo rural, de su país en el exterior. Un país que tuvo que abandonar a los 10 años con rumbo a USA.
El papel de la religión cristiana y la mujer toman cierto protagonismo en una historia bien interpretada por actores debutantes, por momentos emotiva y de final algo errático que según su director promete secuela.













EL NOVATO

 6
1 h. 21 m,
Francia / 2015
Rudi Rosenberg





Con amplia experiencia como actor de cine y televisión, se estrena en la dirección Rosenberg rindiendo cuentas con su pasado adolescente apostando por ese colectivo de marginados que suelen ser objeto de las despiadadas burlas de aquellos que ya en periodos de formación tan tempranos van prefigurando una sociedad clasista y discriminatoria que perpetuaran de la que han heredado de sus mayores sin que los "educadores" o el sistema de educación preste la suficiente atención a un problema de base de consecuencias en ocasiones trágicas.
"El gordo, la discapacitada, el nuevo, el empollón...", son entre otros el blanco del resto de "arios sociales" y sus acólitos.
No es un drama lo que cuenta Rosenberg a pesar de la base subyacente sino una comedia amable, en general divertida, con buenas actuaciones de los chavales que unidos son capaces de encontrar su propio lugar, crear lazos más sólidos y salir adelante disfrutando de su edad.
Se agradece la mesura y la búsqueda de sentimientos reales en el tratamiento de las emociones de este grupo de chavales entrañables. 











EL SABOR DE TUS HERIDAS
Victoria Álvarez
Edit. Lumen / 2016
411 Págs.




Con sabor agridulce se queda uno al acabar de degustar el notable colofón a la trilogía "Dreaming Spires" con la que Victoria Álvarez salmantina de 31 años nos ha llevado en volandas hasta principios del siglo XX en un periplo que ha recorrido desde su base en Oxford, Irlanda, Nueva Orleans y centro europa de la mano de unos personajes difíciles de olvidar (este es uno de sus mejores logros) acompañados siempre de fantasmas anclados al mundo terrenal o entidades arcanas y misteriosas de dudoso origen.
Agridulce digo porque como le pasó a Conan Doyle con Holmes me temo que no nos vamos a conformar con que las aventuras de estos personajes o algunos de ellos no vuelvan a tomar vida en la pluma de Victoria y más dado su juventud. Le concedemos eso si un descanso para que la autora explore si lo desea otros géneros, pero le rogamos que no nos prive de ellos para siempre.
Victoria, se me antoja, es a la novela decimonónica de fantasmas lo que Pérez Reverte a las de capa y espada del Siglo de Oro español.
En estas próximas navidades un pack con la trilogía sería un regalo estupendo para aquellos que disfruten con la lectura de evasión sin merma de la calidad literaria, en un estilo claro, ágil, bien estructurado, lleno de detalles y descripciones concisas y eficientes que crean la atmósfera y el tiempo idóneo para enmarcar la acción, con las dosis justas de folletín y romance romántico y apasionado para que el mundo de los vivos y los muertos queden tan enganchados como nosotros a sus páginas.
Un placer Victoria.





LA INVITACIÓN

 5
1 h. 30 m.
USA / 2015
Karyn Kusama




No es que la trayectoria de Karyn Kusama (esta es su cuarta película en quince años) hasta la fecha sea como para rebasar el listón de la mediocridad... pero comenzó con premio en Sundance y ahora Sitges le otorga el de mejor película.
Film indi de bajo presupuesto no reniega a mi juicio de forma torpe y pretenciosa a más altas cotas como el dolor y la superación o no de la perdida de seres queridos, la ausencia de valores en una sociedad anodina y estandarizada, la salida a todo ello por las puertas falsas de las nuevas pseudo religiones y todo aquello que al espectador le de por pensar para no aburrirse y justificar el paso de los minutos, para al final desembocar en lo de siempre y ponerle una guinda de farolillo rojo que en último extremo nos convenza de que lo que se nos ha contado y mal tiene su enjundia.
La afamada tensión de la que presume solo puede competir con el aburrimiento soberano con una escena realmente inquietante y una bso que merecía otra película. Los flashback son infumables y el reparto tan desangelado como la casa en la que transcurre la historia y a la que Kusama trata de sacar partido con escaso resultado. 









KIKI, EL AMOR SE HACE

 6
1 h. 42 m.
España / 2016
Paco León




"Haz el amor y dejate de guerras", podría ser el mantra de la tercera incursión de Paco León en la gran pantalla después del universo personal y sainetero de las dos Carminas que tan buen resultado dio a mayor gloria de su madre Carmina Barrios.
Agotado o no ese filón, León se ha decantado por hacer un remake patrio de la película australiana "The Little Death" (Josh Lawson / 2014) donde una vez más destaca el trabajo de los actores (genial Candela Peña) que parece ser de momento la mejor baza del director al que todavía le queda mucho camino por recorrer a la hora de narrar con el ritmo y la planificación adecuada de alguien más cinéfilo y menos teatral.
Las situaciones, algo forzadas, divierten por momentos y dejan un buen rollo de tolerancia y libertad sexual. 











O LOS TRES O NINGUNO

 6
1 h. 42 m.
Francia / 2015
Kheiron





Kheiron, monologuista y rapero, una especie de Dani Rovira iraní de nacionalidad francesa se estrena en la dirección con un homenaje a sus padres, que huyeron de Irán escapando de regímenes dictatoriales tanto del Sha como de Jomeini.
Sobre un fondo político y social Kheiron construye el periplo de sus padres y él mismo sobre la base del género que mejor conoce: la comedia.
La película es irregular, con un arranque narrativo juguetón que va dando paso a diferentes tonos que no siempre acaban de encajar yendo de más a menos sin que nunca termine por aburrirnos.
A la postre Kheiron consigue sus objetivos de entretener, rendir tributo a sus progenitores y darse a conocer internacionalmente como actor y director. Misión cumplida.











NUESTRA HERMANA PEQUEÑA

 6
2 h. 8 m.
Japón / 2015
Hirozaku Koreeda



Nos llega, siempre anheladas por un servidor, la penúltima película (novena) de este director japonés de 54 años que desde que me atrapó con "Still Walking" (2008) no puedo desengancharme de su forma de narrar y contar historias con la cámara y su prodigiosa mano en la dirección de actores, sobre todo infantiles.
Es cierto que de un tiempo a esta parte su rumbo no es tan firme y él que es experto en nadar entre dos aguas (de autor y comercial) se está escorando hacía un cine más asequible y conformista en su forma que no el fondo donde sus obsesiones sobre la muerte, la infancia, la familia y su tierra natal siguen destilando momentos para que los que le adoramos demos por bueno cada nuevo trabajo.
Aquí roza el melodrama, utiliza subrayados musicales, si bien breves, innecesarios que recargan la emotividad y se pasa de metraje sin querer hurgar más de lo imprescindible en los demonios de estas hermanas herederas de aquellos niños de "Nadie sabe" (2004) que cimientan y construyen con amor el camino vital que les queda por recorrer. No puede uno dejar de pensar en Ozu, en su mirada sobre la cotidianidad, de lo pequeño  a lo inmortal y constatar sus afinidades pero también en este terreno sus grandes diferencias con el maestro fallecido un año después del nacimiento de Koreeda
Koreeda o Kore-eda nos regala un final  hermoso y una estupendas interpretaciones de sus protagonistas. Y seguimos enganchados a la espera de que esté al caer, ya toca, otra de sus obras maestras.













RESUCITADO

 5
1 h. 47 m.
USA / 2016
Kevin Reynolds




Anda Kevin Reynolds en edad (64 años) de hacer un primer balance sobre su desigual carrera desde sus prometedores éxitos comerciales iniciales ligados a Kevin Costner ("Robin Hood príncipe de los ladrones" / 1993) como a aquellos sonoros fracasos que le apartaron de las pantallas también de la mano de su tocayo Costner ("Waterworld" / 1995).
Desde el inicio del nuevo siglo hasta hoy y a falta de ver la serie para televisión "Hatfields & McCoys" / 2012, que parece tener buena pinta, otra vez con Costner, pocos y agraciados títulos entre los que se encuentra este "peplum" rodado con elegancia y estilo formal cuyo punto de vista inicial sobre la muerte y resurrección de Cristo prometía más de lo que al final da.
Los sugerentes aires de thriller más terrenal que divino nos enganchan en su primera mitad para dejarse ir en una segunda en un cambio de timón convencional y previsible a mayor gloria del catecismo de catequesis.
Sus interpretes defienden el producto y los demás nos quedamos con la duda de si seguir teniendo fe en Reynolds o dar ya por imposible su resurrección.














DOCTOR ZIBELIUS
Jesús Ferrero
Edit. Algaida / 2014
250 págs.


Uno puede acercarse a una obra por ser de un autor determinado o por el presumible contenido de la misma. Servidor no había leído nada de este autor nacido en la modernidad de nuestro país, representante de la nueva narrativa en democracia y que desde los ochenta ha sido uno de los pocos supervivientes literarios de su propia generación.
Dicho lo cual y por lo tanto, lo que me atrajo de esta corta novela fue su temática evocadora de unos personajes salidos de la pluma de Mary Shelley pululando por el último tercio del siglo XX en el marco de unas capitales españolas tan antagónicas a priori como Madrid y Barcelona por esas fechas. Todo ello, suponía yo, aderezado con la más inquietante ciencia ficción y sus dilemas morales.
No digo que Ferrero no lo intente con su peculiar estilo. Sorprende con esos saltos temporales que se zampan en dos frases hechos con los que otros autores invertirán varios capítulos, su vuelta a los ambientes de la movida que conoce bien y a unos personajes que huelen ya un poco a naftalina y un maremagnum tonal que acaba por estrellarse sin salpicar y sin, en mi caso, mojarme ante lo que esperaba.
La filosofía del asunto podría haber quedado resumida en un artículo no muy extenso. ¿El alma reside en el cerebro? y si es así, puede este trasplantarse a otro cuerpo sin que ambos entren en contradicción más allá de lo meramente físico. ¿Puede el cuerpo recordar sus experiencias?.
Tan apasionantes preguntas no han soportado bien el trasplante a la prosa de Ferrero y se ha producido un rechazo en el lector que ansiaba más y mejor con tan prometedores mimbres. Se quiere leerlo en apenas una tarde al empezarlo y se siente el deseo de abandonarlo antes de tiempo cuando uno toma conciencia de que la obsesión del doctor Zibelius da para tan poco como la obsesión de Ferrero por las "braguitas de hilo dental".
En Logroño le han dado un premio. Pues eso. 






EL RECUERDO DE MARNIE

 8
1 h. 43 m.
Japón / 2014
Hiromasa Yonebayashi



Antes de cerrar su producción, esperemos que momentáneamente como en otras ocasiones, los afamados estudios Ghibli japoneses lanzaron esta película junto con "El cuento de la princesa Kaguya" del maestro octogenario Isao Takahata, una joyita que como ya hemos comentado en otro artículo no tuvo éxito en taquilla.
Aquí es el "joven" (43 años) Yonebayashi el encargado de tomar el relevo a sus maestros que ya nos dejó un buen sabor de boca fílmico con su anterior y primer trabajo "Arrietty y el mundo de los diminutos". (2010). Ambas películas basadas en novelas de las británicas Joan G. Robinson y Mary Norton publicadas en el 67 y el 52 respectivamente. Literatura juvenil e infantil en la tradición de las adaptaciones europeas japonesas (Heidi, Marco, Ana de las Tejas  Verdes).
Con el dibujo clásico y formal de linea clara reconocible y sin florituras formales en la narración, Yonebayashi y sus guionistas consiguen una vez más, una buena adaptación de la novela sin desperdiciar un ápice del misterio y la emotividad que conlleva.
Apta para todos los públicos, la trama se sigue con interés y consigue revivir el gusto por una cierta literatura juvenil de emociones y sentimientos hoy algo olvidada arrinconada por Potters, videojuegos de acción y batallas galácticas.  










HITCHCOCK / TRUFFAUT

 7
1 h. 20 m.
USA / 2015
Kent Jones



Si uno ha leído el libro mítico de Truffaut del 66, creo, este documental apenas aporta algo más que ilustrar con imágenes en movimiento algunas de las cosas que allí se dicen junto con los comentarios de destacados cineastas, entre ellos Scorsese con el que Kente Jones ha colaborado en documentales anteriores.
Para los que no lo hayan leído constituye un buen aperitivo, una pequeña parte seleccionada del análisis exhaustivo que Truffaut planificó de la obra de Hitchcock pero que contiene la esencia del mismo y es que Hitchcock era un autor reflejando en sus películas su personalidad y sus obsesiones por encima del entretenimiento de masas y del género, el suspense, en el que se sustentaba su obra. Un director puramente visual que nunca renunció a escribir con la imagen, heredero de los origines más puros de la época del silente, donde el sonoro aún no había cercenado en la mayoría de los autores futuros la maravilla de contar historias y expresar sensaciones y sentimientos con la manipulación de las imágenes.   





CONVERSACIONES CON AL PACINO
Lawrence Grobel / 2006
Edit. Belacqua / 2007
282 Págs.




En el 78 Grobel consiguió después de 25 años de silencio entrevistar a Marlon Brando, antes lo había hecho con Truman Capote. Pacino se dijo que si Brando había confiado en ese entrevistador se merecía una oportunidad y de ahí en adelante surgió una amistad que llevó a periódicas conversaciones entre ambos que fueron publicadas a lo largo de treinta años. El libro que nos ocupa es la recopilación de las mismas.
Pacino se muestra como un hombre introvertido, de orígenes humildes, neoyorkino por los cuatro costados, y fuera de los estándares convencionales de una estrella de Hollywood. Básicamente se considera un hombre de teatro, su auténtica pasión, que hace cine.
La conversación no es chispeante, ni contiene declaraciones jugosas sobre la profesión o sus colegas con los que Pacino se cuida muy mucho de alabarlos siempre y no decir nada políticamente incorrecto. Apenas unos esbozos de su vida privada: padres separados, vida en apartamentos y villas de alquiler, pocos lujos externos y muchas parejas y nada de matrimonio.
Es en la faceta laboral donde Al se explaya un poco más: su amor por Shakespeare, sus tres películas propias, íntimas y personales, dos de ellas solo han visto la luz en un pack de dvd y a las que considera "artecine" alejadas de la exhibición para el gran público y que están en algunos museos.
Algunas pinceladas sobres sus grandes y míticos éxitos ( "El Padrino I y II", "Serpico", "Tarde de perros"...) y su mayor fracaso: "Revolución". Entre medias todas las demás hasta el 2005.
El libro se lee en un suspiro, se repiten temas y preguntas según pasan los años, con pocas variaciones en las respuestas y uno al terminarlos se queda un poco frustrado y con ganas de saber más de este icono de la interpretación que a sus 76 años sigue en la brecha esparciendo gotas de su calidad actoral con 51 películas en su curriculum y disfrutando de sus hijos en su celosa intimidad.
"Actuar es el arte de no actuar" (Al Pacino)
  





EL PREGÓN

 5
1 h. 15 m.
España / 2016
Dani de la Orden




Si uno es fan o le gustan los programas televisivos de Buenafuente con Berto incluido ya tiene algo ganado, de lo contrario más vale que ni se acerquen a la sala. La comedia desgraciadamente las hay peores y más pretenciosas y no hará historia en la filmografía patria aunque puede que a El Terrat le salga a cuenta en caja la inversión sin grandes excesos.
El presupuesto de partida es atrayente, con esos dos hermanos que tuvieron su momento de gloria antaño en los 90 con su grupo tecno pop "Supergalactic" y que vuelven a encontrarse por necesidades pecuniarias en las fiestas de su pueblo natal invitados como pregoneros de las mismas y por momentos funciona, arrancandonos alguna que otra sonrisa.
Obviamente las carencias interpretativas de estos dos cómicos y showman a pesar de que se nota su esfuerzo y contención por hacerlo lo mejor posible sin excesos ni divismos, no contribuyen a elevar el resultado final de un guión con altibajos muy pronunciados. Se agradece por otro lado la concisión y el ritmo que imprime Dani de la Orden y la excelente composición de personaje de Jorge Sanz que no por tópico hay que saber hacerlo y hacerlo bien como es el caso.










LUCES DE PARÍS

 4
1 h. 38 m.
Francia / 2014
Marc Fitoussi





Un fallido título en castellano y en original para una película fallida donde de forma poco acertada y deslavazada Fitoussi que también guioniza supongo que quiere transmitirnos alguna moraleja sobra la vida del campo y la ciudad y los misterios del amor a través del paso del tiempo. No me atrevo a especular cual es esa moraleja que huele a resignación y comprensión cristiana para toda la vida en base a una chispa inicial que inició un fuego de cuyos rescoldos solo se calienta una de las partes. Los oropeles de la ciudad son fuegos fatuos, espejismos de la auténtica vida pastoral entreverada para acallar las conciencias con un viajecito por el mundo que si eres un terrateniente ganadero te podrás permitir. En fin.
La siempre estimulante presencia de La Huppert, omnipresente y la vaga esperanza de algún chispazo de Darroussin hacen que no abandone antes de un plano magnífico al final donde Huppert justifica y consigue en un minuto lo que Fitoussi todavía seguía buscando en más de hora y media de metraje.







EL EMPERADOR DE OCEAN PARK
Stephen L. Carter / 2002
Edit. Mondadori / 2003
720 Págs.


Rebuscando en la biblioteca una "novela para el verano", el grueso tomo de tapa dura de más de 700 págs. parece un buen candidato sin pretensiones literarias para pasar un buen rato entretenido con algún misterio en los que el ajedrez parece tener algo que ver. Es la primera obra de un autor que desconozco. Stephen L. Carter es profesor de derecho en la universidad de Yale en los USA y la novela que nos ocupa estuvo once semanas en las listas de más vendidos del New York Times.
Después de unos primeros capítulos algo farragosos donde la cantidad abultada de personajes de la familia y allegados profesionales del abogado y profesor protagonista son presentados durante las exequias de su padre, un famoso juez conservador, uno va tomando conciencia que la novela es bastante más que un entretenido  thriller veraniego.
Sin prisa pero sin pausa dosificando bien todas las piezas del misterio el autor nos sumerge en el mundo de una clase media acomodada de raza negra que ocupa con esfuerzo, en una sociedad de blancos, su rincón en el mundo de la jurisprudencia y la enseñanza de las leyes en la costa noreste estadounidense. Al tiempo todo un entramado familiar y personal del personaje central perfectamente construido con el que tiene que lidiar al mismo tiempo que desenreda un enigma en el que se agradece la honestidad del autor a la hora de no sorprendernos con trucos de última hora por muy alambicada que sea la resolución de la trama.
La prosa y el estilo se aleja favorablemente de los guiones cinematográficos con los que parecen estar escritas las novelas contemporáneas ultimamente y podemos paladear el gusto por las descripciones cotidianas y la palabra a la hora de perfilar a los personajes y la propias reflexiones del protagonista.
Notable novela al fin donde el entretenimiento marida con acierto con la calidad literaria.




CARTA DE UNA DESCONOCIDA

 9
1 h. 24 m.
USA / 1948
Max Ophüls




Cinco añitos pasó en el dique seco, del 41 al 46 exiliado en USA, hasta que Max Oppenheimer más conocido como Max Ophüls o Ophuls o Opuls depende cuando y como, pudiera demostrar todo el arte que llevaba dentro. Había triunfado como director teatral y cinematográfico en su Alemania natal y Francia y cuando gracias a Douglas Fairbanks Jr, dirige su primera película en los USA ya tenía otras 18 en su curriculum.
Esta que nos ocupa es la segunda de las solo cuatro que realizó en los USA antes de regresar a Francia en el 50.
Le salió un melodrama romántico por excelencia sobre la exitosa novela de 1927 del mismo título del prolífico escritor Vienés Stefan Zweig, con algunos arreglos acordes a los códigos morales imperantes en el cine de Hollywood de la época y a los musicales del director (el protagonista pasa de ser escritor a músico).
Ophüls borda un entramado barroco de aires teatrales con una puesta en escena para mayor lucimiento de su director artístico y sus constructores escenográficos. Sumemosle la impecable fotografía de Frank Planer y el virtuosismo en la planificación y movimientos de cámara de Ophüls y tenemos una obra maestra.
La Fontaine que produce sin acreditar, no está tan bella como en "Rebeca", pero  quien tuvo retuvo y a pesar de ser a sus treinta años, cuatro mayor que Louis Jourdan, ambos cumplen en sus roles y la química funciona con algunas escenas memorables donde, una vez más la puesta en escena y el movimiento de la cámara potencian el no siempre convincente y pasional argumento, hoy aún mas apolillado.
Uno de los aspectos más destacables a mi juicio es como Ophüls y su guionista Howard Koch trasladan en un alarde de sinopsis y elipsis el contenido de la carta mediante los flashbacks. Lo que vemos en imágenes se ciñe a lo que se puede contar en una carta no muy extensa. 
Al final el ciclo se cierra brillantemente igual que comienza con algún último subrayado cuestionable. En el amor romántico  y en la guerra todo vale.    


























IMPAGABLES (III)






MARTY FELDMAN (El jovencito Frankenstein)



SABIO, GRUÑÓN, MOCOSO, TÍMIDO, DORMILÓN, FELIZ Y MUDITO (Blancanieves y los siete enanitos)




JOHN CARRADINE (Las uvas de la ira)


JUDITH ANDERSON (Rebeca)


PETER LORRE (El halcón maltés)




CALLE CLOVERFIELD 10

 6
1 h. 43 m.
USA / 2016
Dan Trachtenberg



Produce el trilero mayor del reino: J.J. Abrams. Así es que fantasía, entretenimiento y mucho truco para que al final la bolita no esté donde pensabas y se te quede cara de tonto. Hasta entonces estas enganchado a la pantalla.
Se estrena en el largo el presentador y director de anuncios con apellido de platos rotos Dan Tranchtenberg que apunta maneras mientras le dejan y la parte del guión escrito a tres bandas discurre en ese ambiente teatral y claustrofóbico del bunker, con la colaboración inestimable del gran John Goodman. La tensión funciona y te pica la curiosidad por saber de qué va el asunto, pero..., no olvidemos que Abrams está detrás y lo que pudo ser no fue y la bolita vuelve a estar en el más increíble, facilón y trillado de los cubiletes.
No importa, la promoción ha hecho bien su trabajo a la sombra de "Cloverfield" (Monstruoso / Matt Reeves / 2008) aunque poco o nada tengan que ver y la prometedora intra historia de los tres personajes se la meriendan los marcianos sin más.
Al abandonar el visionado me pareció escuchar las carcajadas de la teniente Ripley a costa de la escena del cóctel molotov. 











STRANGER THINGS (TV. Sesión 1)

 7
8 episodios de 45 m. aprox.
USA / 2016
Matt y Ross Duffer / NETFLIX



Netflix se ha apuntado otro puntito con sus propias producciones. La serie o miniserie o película de casi cuatro horas (las fronteras ya no están tan definidas), esta de moda.
Concebida como un "Grandes Éxitos" de géneros de los ochenta los hermanos Duffer juegan a un corta y pega de escenas referenciales para componer un puzzle vistoso y entretenido cargado de nostalgia y revivir el cine de aventuras juveniles en la tradición de Enid Blyton pasados por la turmix de Spielberg, Scott, Stephen King..., entre  otros.
"E.T.", "Alien", "Los Goonies", "Stand by me", "Encuentros en la tercera fase", "Pesadilla en Elm Street"..., son convocados como afluentes que vienen a engrosar el mismo caudal.
La producción es notable, los intérpretes funcionan asumiendo roles y conflictos por compartimentos de edades (me quedo con esa niña de 12 años inglesa nacida en España  que traspasa la pantalla, Millie Bobby Brown) y el resultado es divertido y entretenido, mejor en su primera mitad, con una segunda más convencional en el que la acción sustituye a los personajes y muchas cuestiones se esfuman, quizás eso esperamos, para desarrollarlas en futuras entregas.
Ya de paso "Stranger Things" saca los colores a J.J. Abrams y "Super 8" (2011) en su intento fallido con los mismos mimbres y mayor presupuesto.
La formula de enmarcar hechos extraordinarios ya sean crímenes, extraterrestres o nuevas dimensiones en comunidades pequeñas con un microcosmos de personajes identificables sigue dando excelentes resultados.













EL CUENTO DE LA PRINCESA KAGUYA

 8
2 h. 17 m.
Japón / 2013
Isao Takahata


Paradojicamente puede, ojalá que no, que el testamento fílmico de este genio octogenario de la animación japonesa, esta obra maestra en su faceta artística sea el principio del fin de los afamados estudios Ghibli, fundados en 1985 por el propio Takahata junto con el probablemente más reconocido y premiado Miyazaki.
El fracaso en la taquilla, que no en la crítica, de la cinta junto con la anunciada jubilación  de Miyazaki, han hecho que el viento del desierto Ghibli deje de soplar para impulsar el cine de animación después de 21 películas.
Esta, octava de Takahata y quinta que escribe y dirige es la adaptación fidedigna pero parcial de un cuento milenario (siglo X) japonés: "El cuento del cortador de Bambú", también conocido como "El cuento de la princesa de la Luna" o Kaguya (luz brillante). Takahata ha prescindido del último tercio del cuento, donde la famosa princesa frustrada por su ausencia de la tierra, acaba por querer convertir esta en una segunda luna cosa que no consigue gracias al emperador. Kaguya se venga convirtiendo el monte Fuji en un volcán.
Takahama, padre de las inolvidables series "Ana de las tejas verdes", "Marco" y "Heidi" ha optado por no dejarnos esa impresión de la bellisima, triste y encantadora princesa, amén de no alargar la duración ya de por si excesiva sobre todo para el público infantil.
Dicho esto, la bso de Joe Hisaishi es para enmarcar y el recital de sabiduría en la animación de Takahama a sus ochenta tacos nos deja admirados y  pasmados ante la variedad y modernidad en su concepción de recursos estilísticos, acudiendo a técnicas de trazo tan antiguas que acaban renaciendo para convertirse en absolutamente vanguardistas, imprimiendo un ritmo y una belleza formal auténtico motor y leitmotiv de una narración que conjuga estereotipos de cuentos medievales (los príncipes que tienen que conseguir cosas imposibles para casarse con la princesa) con un canto a la vida en la tierra a favor de la naturaleza y en detrimento de la vida en las ciudades donde la pérdida del entorno natural acaba por ofrecernos una falsa y castrante felicidad basada en las apariencias y el poder.
Prefiero esta propuesta a la contemporánea "El viento se levanta" de su socio Miyazaki. En cualquier caso, ante el futuro de la animación ahí queda para la inmortalidad esta princesa que efectivamente brilla con intensidad y luz propia ante un peligrosamente estandarizado mundo digital. 











EL REGALO

 6
1 h. 48 m.
USA / 2015
Joel Edgerton




El actor y guionista australiano se pasa a la dirección sin abandonar sus otros dos roles con una ópera prima voluntariosa que pretende y en cierta medida lo consigue dar una vuelta de tuerca a un subgénero que nos lleva a referenciar "De repente un extraño" (John Schlesinger /  1990). Sin alardes estilísticos y con un presupuesto limitado mantiene la tensión a pesar de, llegado un punto, lo previsible del asunto y nos invita más que asustarnos, a reflexionar sobre la importancia de las relaciones en la infancia y adolescencia y como de ellas puede quedar marcado el camino de la vida adulta.
Todos hemos conocido en mayor o menor grado a esos abusones en el colegio o el instituto que machacaban a los más débiles para reforzar su liderazgo y todo hemos soñado volver a encontrárnoslos  de adultos y que de alguna manera  la justicia poética si es que existe nos regalara el placer de la venganza propia o ajena. 
En definitiva Edgerton se abre un camino en la dirección con la suficiente dignidad como para seguir atentos a futuras propuestas.










EL FANTASMA Y LA SRA. MUIR

 10
1 h. 44 m.
USA / 1947
Joseph L. Mankiewicz


Mankiewicz dio sus primeros pasos en la Paramount, pero fue en la MGM donde se desarrolló como guionista y productor, con el suficiente éxito como para que Mayer lo encasillara en estas facetas y le impidiera dirigir sus propios guiones. Así que se marchó a la Fox (bendita competencia) y nació la leyenda de uno de los grandes, destacando en las adaptaciones literarias como es la que nos ocupa sobre la novela de Josephine Aimee una irlandesa que firmaba con el pseudónimo de R.A. Dick.
"El fantasma..." es un prodigio de elegancia y sensibilidad poética con un envoltorio de comedia romántica, magníficamente interpretada por todo el elenco en el que destaca el personaje del Capitán Gregg con un imponente y seductor Rex Harrison y el intachable trabajo, uno de sus últimos de calidad, de la bella y estupenda actriz Gene Tierney.
El tema del amor hacia aquellos que ya no están físicamente con nosotros era especialmente sensible después de terminada la contienda mundial, un amor espiritual  que hace que sigan permaneciendo con nosotros siempre y cuando así lo queramos y que puede ser más fuerte que el amor mundano, sin renunciar por ello a la realidad.
La famosa química entre actores funciona a la perfección en este caso a tres bandas con el paisaje y entorno natural donde se desarrolla la acción, que evoca a través de ese mar omnipresente la libertad, la aventura y en definitiva la vida con sus tormentas y calmas. Detrás es innegable que se encuentra un gran director de todos los elementos de la orquesta: Mankiewicz.
El equipo técnico artístico remata la faena haciendo que todo encaje con un mimo exquisito para hacernos, reír, soñar y creer que la vida es solo un sueño donde todo es posible.
Como anécdota tenemos a una Natalie Wood con ocho añitos haciendo sus primeros pinitos de gran estrella.














MUSTANG

 8
1 h. 37 m.
Francia / 2015
Deniz Gamze Ergüven




Acierta Ergüven en el título. Una analogía y metáfora de la mujer. Aquella que nos dice que el caballo como todas las especies de animales nacido libre fue rápidamente sometido, explotado y sojuzgado desde tiempo inmemorial para mayor beneficio o diversión de otra especie que se considera superior: el ser humano. Su resistencia y fortaleza nos impulsó en nuestros desplazamientos, conquistas, trabajos y ocio. Probablemente no seriamos lo que somos sin ellos. A cambio poco o nada les hemos devuelto, excepto el tiro de gracia cuando ya no nos son útiles.
Algunos de ellos, los mesteños o mustang consiguieron escapar y volver a ser libres  en la naturaleza que aún queda sin explotar. 
Uno no quiere ponerse radical pero el sometimiento y explotación de la mujer por parte del varón tiene muchas más similitudes con las del noble animal y el mustang bien podría ser el símbolo de la ansiada igualdad y libertad que desgraciadamente en todo el planeta sigue dejando mucho que desear y en algunas partes en concreto es sangrante.
Turquía puente entre el mundo "oriental y occidental" es un ejemplo y no el peor de todo lo anteriormente expuesto.
El cine una vez más sirve de reflejo y denuncia y en este caso una turca de nacimiento y francesa de adopción lo expone con brillantez narrativa y éxito festivalero en su opera prima por toda esa parte del mundo que debería presionar a esa otra donde la mujer esta atrapada entre las rejas de la religión y las tradiciones que en definitiva no son otra cosa que pura y dura explotación con múltiple fines y de paso hacérselo mirar también en su propia casa.
La alegría contagiosa que tan bien reflejan esas "mujercitas" (mágnifica elección del casting) empastadas con la luz limpia y clara del cielo y el mar de esa parte del mundo nos deja sobrecogidos cuando es cercenada por esos matrimonios concertados y esos prejuicios sociales inmisericordes. No hay que remontarse muchos años en nuestro propio país católico apostólico y romano para encontrar esa exaltación de la virginidad femenina como valor moral y social y ni siquiera horas para seguir de diferente y encubiertas formas relegando a la mujer a un papel de ciudadano de segunda cuyos mejores dones son los de ser una buena madre y esposa.
Si nos atenemos exclusivamente a la pantalla, la cinta tiene partes diferenciadas desiguales, es algo repetitiva y concentra el foco sin dar demasiadas explicaciones de las profundas causas de lo que ocurre, condicionando a los "opresores" a meros "malos de la película", con un planteamiento a todas luces maniqueo. Pero debemos respetar la libre elección de la propuesta de esta directora a la que hay que seguir de cerca y que firma con un mensaje de esperanza que me temo aún tiene que recorrer un largo y tortuoso camino.











KUNG FU PANDA 3

 7
1 h. 35 m.
USA / 2016
Jennifer Yu / Alessandro Carloni



En esencia la saga sigue funcionando. Tiene su merito. Un trabajo técnica y artísticamente de calidad que en menor o mayor medida conjuga el cine familiar para llevar a los peques con un plus más adulto sin pasarse ni buscar otra cosa que un producto de entretenimiento bien hecho.

A cada cual nos puede gustar más, este o aquel villano, nuevo personaje o cualquiera de las entregas pero lo importante es que la franquicia sigue funcionando y nos hace pasar un rato entretenidos. Repite en la dirección Jennifer Yu al que se le suma Carloni que siempre estuvo implicado en la franquicia.
El guión no es para tirar cohetes, pero el orientalismo y las gansadas de Po se bastan para seguir manteniendo el fuelle en espera de la cuarta entrega que seguro vendrá. 










BONE TOMAHAWK

7
2 h. 13 m.
USA / 2015
S. Craig Zahler



S. (Steven) Craig Zahler a su 43 años ha optado por aquello de hágaselo ud. mismo, consiguiendo la financiación, sobre todo europea, para filmar con bajo presupuesto este western con plus de terror y sacar la cabeza después de cuatro novelas, algunos álbumes musicales y una treintena de guiones que nunca llegaron a buen puerto. Ha sabido elegir con acierto al elenco de estrellas sin el mega delante y sobre todo ha sabido colocar su producto en el festival apropiado para él: Sitges. Donde ha sido premiado.
Se considera un fan del western, es evidente por las abrumadoras referencias que sugiere la cinta y se viene arriba en una entrevista para poner pingando a "El renacido" de Iñárritu. Es cierto que sobre gustos..., pero algo de humildad le vendría bien porque a mi modesto entender a su Tomahawk huesuno le falta algún hervor todavía para ser algo más que un aprendiz y aspirante algo original y pretencioso de un género y unas obras de firmas indelebles en la historia del cine.
Tiene los suficientes aciertos: presentación de personajes, algunos diálogos (sobre como leer en la bañera), la larga y poco creíble marcha, los inquietantes trogloditas y el buen hacer de sus actores como para darle un visto bueno notable y seguir atentos a Zahler como director.
Pero creo que no acaba de acertar en el tono, que hay baches de tensión muy gordos que afectan a la credibilidad del conjunto y sobre todo, es una opinión muy personal, los personajes y la situación general está tan referenciada que uno no tiene por menos de tener todo el rato en la cabeza a Wayne, Brennan, Carradine y Caan por citar un reparto mítico, aunque podían ser Bridges, Broadbent, Fassbinder y Damon en la actualidad. No quiero ni pensar en el papel femenino o en el nombre de directores o películas míticas en las que obviamente Zahler se inspira. Y es entonces cuando a uno se le va la mente en lo que pudo ser y no fue en manos de aquellos a quien evoca. Y la distancia es tan abismal...
Es cierto que en algunos momentos se libera y consigue una personalidad propia, siendo el uso del tiempo en la parte central su mejor baza.
El "holocausto canibal" pone un punto macabro y gore para el recuerdo que contrasta mal con la actitud y los diálogos poco creíbles del momento sin acabar de mojarse a fondo con la situación.
Larga vida al western. So long.







KINGDOM (TV. Sesión 2)

 8
20 episodios de 45 m. aprox.
USA / 2015-16
Byron Balasco / DirecTV




Tras la prometedora primera sesión, DirecTV se ha lanzado a la piscina con nada menos que 20 episodios mas donde no solo han mantenido el nivel sino que a mi juicio se han ganado un lugar en el podio de las series de drama, que debería tener reflejo en algún Emmy.
Las odiseas existenciales que sufren este plantel de actores en estado de gracia con un Jonathan Tucker soberbio, siguen enganchándonos  capítulo a capítulo, con la verdad de unos personajes tan inestables como la nitroglicerina.
De fondo el marco de las artes marciales mixtas con sus combates y sus enormes cinturones cual vitolas de puros gigantescos por los que un puñado de hombres y mujeres se parten la cara para poder mirarse con orgullo en el espejo.
Ya ha comenzado la tercera sesión, "Kingdom" no nos da respiro.







GENE WILDER (1933-2016)

Este chico de Wisconsin procedente de una familia de emigrantes judíos rusos, pasó por el teatro nada más y nada menos que con "Madre Coraje" de Beltor Brecht junto a Anne Bancroft que le recomendó a Mel Brooks y aquí su pelo encrespado y sus ojos desorbitados le hicieron un hueco de honor en la imagineria de la comedia de los años 70 y 80.
Sus actuaciones mayormente llenas de histrionismos casaban con el humor disparatado y absurdo que proponia Brooks y el tandem nos dejó para la historia "Los productores", "Sillas de montar calientes" y "El jovencito Frankestein" film por el que probablemente será recordado.
Recuerdo que en aquella etapa adolescente ir a ver una cinta donde trabajara Wilder era garantía de unas cuantas carcajadas. Los tiempo fueron cambiando que diría el poeta y su tandem con el cómico Richard Pryor lo mantuvo en lo más alto de la taquilla, aunque para un servidor después de la mágnifica "El expreso de Chicago" (1976) el humor de Wilder y cia empezó a moverse en unos niveles más convencionales y menos arriesgados.
Dirigió cinco películas con algún que otro taquillazo, produjo y guionizó hasta su retirada en el 99. Dicen que era un buen tipo y que hizo mucho por causas benéficas. Algunos le debemos unas cuantas risas inolvidables. Chao Gene.





















RETORNO AL PASADO

 10
1 h. 37 m.
USA / 1947
Jacques Tourneur



Como para despedirse de su útima colaboración Torneur  y Musuraca (Director de fotografía), la volvieron a liar, esta vez con un presupuesto de clase A, como ya lo habían hecho para la posteridad con "La mujer pantera" en 1942 (clase B). Dos genios que se han quedado injustamente en una segunda fila sin merecerlo.
Tourner se empeñaba en que no había género ni presupuesto que le impidiera hacer una buena película y aquí remata la faena del noir con una cinta en la que sin olvidar ninguno de sus ingredientes, los sublima y deja el molde definitivamente terminado.
El aroma de "El último refugio" (Raoul Walsh / 1941) y "Forajidos" (Robert Siodmack / 1946) planea indudablemente en ciertos momentos de la cinta, pero Tourner le imprime su sello personal, mimando la puesta en escena, los elementos simbólicos, los acerados y brillantes diálogos, y un juego de luces que abarcan todos los espectros del blanco y negro para con un ritmo sin prisa pero sin pausa viajar del pasado al presente de un personaje en el filo moral que intenta rehacer su vida aún sabiendo que el karma de cada cual es inexorable.
Quizá por eso Mitchum (ya había rodado 34 películas antes de esta) se deja llevar con la actitud de un personaje parecido a él en la vida real. No quiere morir, pero llegado el caso prefiere ser de los últimos en hacerlo, dice en un momento determinado y cuando Jane Greer, creo recordar, le pregunta si la cree, el responde: "que más da".
La ambigüedad y el misterio de las relaciones entre los personajes es uno de sus mejores aciertos, quedando abierto el debate que es lo mejor que le puede pasar a una historia.
La femme fatale encarnada por Jane Greer es el otro lado del espejo del personaje de Mitchum. Probablemente la más despiadada y manipuladora del género sin levantar una ceja ni poner un gesto de más.
La fuerte presencia de un Kirk Douglas en su segundo papel ya hizo que Mitchum se picara con él para que no le robora escenas. El papel fue ofrecido en primer lugar a Bogart y acabó en manos de Mitchum como cuarta opción. Su poderosos físico es inolvidable, siendo zarandeado impotente por los dioses de la tragedia. El final es formidable. Un postrero acto de amor y honor a través de la amistad, para en el fondo vencer al destino. 














KINGDOM (TV. Sesión 1)

 7
10 episodios de 42 m. aprox.
USA / 2014
Byron Balasco / DirecTV




Afortunadamente también hay series de calidad fuera de HBO. Una de ella es la que nos ocupa, que pronto estrenará su tercera temporada aunque la segunda casi que vale por dos con el doble de episodios que la primera.
Si uno busca en ella, por como lo venden y la imagen que dan, una serie de acción basada en artes marciales mixtas, probablemente se sentirá algo defraudado. Como diría Hitchcock ese es el McGuffin de un drama familiar muy bien elaborado e interpretado. Seis personajes entrelazados en torno a un gimnasio, no precisamente de fitness, todos ellos luchando unidos en su particular ring, encajando, cayendo y volviéndose a levantar de la lona de la vida ante un rival difícil de vencer: ellos mismos.
Los capitulos estan muy bien estructurados y se hacen cortos, no hay subrayados inútiles ni melodrama de garrafón.
"Kingdom", al menos en su primera temporada es un cóctel explosivo que uno se bebe de un tirón.
Uno desea que le vaya bien a esta gente, otra cosa es que  me parezca fatal eso de machacar a hostias a un rival y llamarlo deporte.






IMPAGABLES (II)









KURT GERRON (El angel azul)


ANNA MAY WONG (El expreso de Shangai)


JOHN GILBERT (La reina Cristina de Suecia)



WALTER CONNOLLY (Sucedió una noche)


EDWARD EVERETT HORTON (Sombrero de copa)




DWIGHT FRYE (Drácula)





NUNCA ES TARDE (Danny Collins)

 7
1 h. 46 m.
USA / 2015
Dan Fogelman




Dan Fogelman ha demostrado que es un guionista solvente, así que no le ha debido costar mucho ver que en la carta que John Lennon escribió a Steve Tilson cuando este empezaba su carrera como cantante folk en el 71 y que no recibió hasta treinta y cuatro años después había una historia que contar.
A parte del hecho de la carta todo lo demás es ficción. Fogelman se estrena en la dirección con una sencilla historia que apuesta por caminos ya muy transitados pero que funciona sobre todo gracias a algunos puntos de vista y decisiones prometedoras como director, y algunos diálogos con la suficiente base para que, y aquí está el truco del asunto, un puñado de monstruos de la interpretación en distintos momentos de su carrera, los eleven muy por encima de su nivel original.
Pacino, que últimamente parece aceptar papeles en los que da la sensación de que ni se "baja del autobús" para interpretarlos con poso y eficacia y Plummer, Ganner, Cannavalle y Bening demuestran que no hay papel pequeño en manos de grandes actores comprometidos con su trabajo.
La cosa entretiene y emociona por momentos en una historia de redención, de padre e hijos, de amistad y en la que aún son capaces de arrancarme alguna carcajada.
No pasará a la historia pero es de esas que se recuerdan con agrado.    











LÍBRANOS DEL MAL

 8
1 h. 41 m.
USA / 2006
Amy Berg



Una década antes de que nos sobrecogieran los "curitas" de "El Club" (Pablo Larrain) y se llevara el Oscar a mejor película "Spotlight" (Thomas McCarthy), Amy Berg tuvo la osadía de denunciar en este documental los cientos de miles de abusos pederastas que vienen cometiendo un tanto por ciento más que significativo  los ministros de la iglesia católica probablemente desde tiempo inmemorial y como sus dirigentes lo vienen encubriendo sistemáticamente.
Como muestra, Berg utiliza el "botón" del "padre" Oliver O´Grady que en un alarde de cinismo, patológico o no, (él también fue victima de abusos familiares en su infancia) se planta delante de las cámaras para con media sonrisa pedir perdón y a otra cosa mariposa, mientra pasea libremente por Irlanda, uno de los feudos del catolicismo más ortodoxo.
El testimonio de algunas de sus victimas y familiares es sobrecogedor, católicos convencidos que acaban por acudir a Roma para exigir responsabilidades. La curia romana más preocupada de que ningún turista pase a la basílica de San Pedro con pantalón corto o escote indecoroso, les da con las puertas del santo en las narices.
El nuevo Papa Francisco es cierto que ha pedido perdón, pero el daño moral y espiritual cuando no material infligido a las victimas es algo que cada uno de ellos debe superar al menos con la tranquilidad y garantia de que los causantes no volverán a las andadas. Buena parte de la educación de muchos países entre ellos el nuestro está en manos de estos pastores que saben que se juega a la ruleta rusa con nuestros hijos y rezan para que al menos no se encuentre el arma.
Que Dios, Buda, Alá o quien corresponda los lleve a su gloria, cuanto antes. 


Oliver O´Grady



Víctimas


JANIS

 6
1 h. 45 m.
USA / 2015
Amy Berg



No mucho se puede decir sobre este documental, quizás el más flojo de los de su reconocida autora, más que es una notable recopilación gráfica de la vida de esa niña tejana feucha a la que machacaron en su infancia (como a tantos otros) por no haber nacido con los cánones estéticos y sociales estúpidos e inmisericordes que imponen las sociedades y que promueven la crueldad y el acoso físico y psicológico a millones de niños y adolescentes que ni siquiera tienen el don de la voz de Joplin. Esa niña triste que se empeño en no serlo y se convirtió en un icono de la música y de la rebelión y la libertad personal. Sus éxitos en el escenario la dieron todo el amor que necesitaba para volverselo a quitar en cuanto bajaba de él. Los hombres y mujeres que la amaron y la defraudaron alimentaron su letras llenas gritos y lamentos. Mucho sexo, blues, y rock & roll, el alcohol y las drogas que abren las almas y consumen los cuerpos y las mentes se la llevaron a los 27 años para hacerla inmortal.


















EL AMOR ES MÁS FUERTE QUE LAS BOMBAS

9
1 h. 45 m.
Noruega / 2015
Joachin Trier
Hace cuatro años Joachin Trier nos dejó con "Oslo, 31 de Agosto", una tarjeta de presentación que dejaba bien claro que no solo es primo del gran Lars von Trier, sino que posee un universo propio y capacidad artística para contárnoslo.
Ya entonces estaba en proceso la producción de la cinta que ahora nos llega con un excelente reparto internacional. Se la esperaba y la crítica la ha recibido con división de opiniones, más cercanas a la decepción que otra cosa.
A un servidor, no solo no le ha decepcionado en absoluto sino que me ha parecido que esta deconstrucción de La Familia, con mayúsculas como bloque y pilar básico social es un portento de sensibilidad, respeto por la libertad individual, el amor, síntesis y análisis generacional, sociológico, humano y esperanzador canto a la unidad desde la diversidad, donde el suicidio planea como una opción más ante la vida por paradójico que parezca.
El distanciamiento respetuoso de Trier por los miembros de esta familia y el resto de personajes es intachable y el melodrama surge limpio sin añadidos ni subrayados. La sutil forma de mirar, de montar y de marcar el ritmo nos deja escenas cargadas de poesía y diferentes tonalidades sin estridencias. Las capas y las reflexiones son múltiples. Viéndola, disfrutandola se me ocurría que bien pudiera proyectarse en sesión doble con "La gran familia" (Fernando Palacios / 1962). El análisis de esas dos realidades, entre dos formas de entender el núcleo social por excelencia, en dos países con una evolución social antagónica y los 44 años que las separan, daría para un estudio y una reflexión vital enriquecedora.
La metáfora de esas chicas jovencitas dando volteretas despreocupadas en el aire es bellisima.
Que no decaiga, señor Trier, el amor que ud. siente por el cine es más fuerte que las bombas (de los críticos).  











CIEN AÑOS DE PERDÓN

 6
1 h. 37 m.
España / 2016
Daniel Calparsoro




Hay que reconocer a este barcelonés de niñez vasca que mantenerse veinte años en la pomada con un decena de películas en este país es todo un merito. No es que su nota media como realizador haya nunca superado el seis pero, otros ni eso. Últimamente le ha cogido el truco a clonar películas de género según modelo estándar USA y llevarlas a nuestro terreno patrio con una producción más que aceptable que nos entretiene lo suficiente como para pagar la entrada y olvidarlas unas horas después de consumidas.
El producto en este caso esta mucho mejor planificado que el robo que nos cuenta. Promoción televisiva a tope por la cadena que ha puesto la pasta, caras conocidas y un guión justito con guiños nada sutiles a la corrupción patria, para que nos duren las palomitas o las patatas.
Poca emoción, poca chicha que rascar en los personajes y situaciones. Tiene suerte Rodrigo de la Serna, le tocan las mejores lineas. Y las sabe aprovechar.










13 MINUTOS PARA MATAR A HITLER

 6
1 h. 50 m.
Alemania / 2015
Oliver Hirschbiegel




Desde "El hundimiento" (2004) Oliver Hirschbiegel, no levanta cabeza, más bien todo lo contrario. A lo mejor por eso recurre otra vez al nazismo buscando la inspiración. Lamentablemente le ha salido un biopic solo apañadito sobre George Elser un campesino y carpintero de la región alemana de Suabia que perpetró, obviamente sin éxito, el segundo de los 6 atentados más famosos contra el Führer (se dice que tuvo 42 intentos), pero ya dice el refrán que: "bicho malo...".
Así pues el meollo de la cuestión no es tanto el atentado en si sino el bosquejo de Elser, y un ligero vistazo a la implantación del partido nazi en las comunidades rurales, todo ello sin profundizar demasiado. Los personajes históricos escasos de volumen psicológico, nos ilustran sobre los hechos y sus consecuencias, a la par que una subtrama amorosa del propio Elser pone el contrapunto en una balanza sin demasiado peso. La producción y la dirección salvan el asunto con dignidad y quedamos a la espera de que a este alemán de a pie que de forma individual tomó conciencia de lo que se les venía encima y arriesgó su vida para evitarlo, le toque un proyecto más acertado y apasionante para volver a contárnoslo.





IMPAGABLES (I)






ERNEST BORGNINE (Grupo salvaje)


JOHN McINTIRE (Tierras lejanas)




WALTER BRENNAN (Rio Bravo)



TONY MITCHELL (La diligencia)



MACK SWAIN (La quimera del oro)


CHARLEY CHASE (Compañero de juerga)


TIRANOSAURIO (King Kong)


(La parada de los monstruos)


ASTA (Ella, él y Asta)

MARGARET DUMONT (Sopa de ganso)




!QUE BELLO ES VIVIR!

 10
2 h. 10 m.
USA / 1946
Frank Capra



El tópico de citar a ciertas películas como: "un clásico", para probablemente añadir aquello de: "obra maestra", nunca tuvo más sentido que en este film de Capra. Podríamos aventurar que si a uno le gusta minimamente el cine y ya ha cumplido los 40 la habrá visto, gracias sobre todo a la televisión y la navidad, quizás más de una vez con sus allegados y también probablemente sepa lo que es inevitable recordar para aquellos que aún tengan la inmensa suerte de no haberla visto. A saber:
Que supuso la vuelta al cine de Capra después de la guerra y su ejemplares documentales de propaganda y el inicio de su nueva compañía "Liberty Films", junto con Wyler, de escaso recorrido y que supuso el inicio de su declive, paradojicamente en buena parte por el fracaso de público y crítica de la obra que nos ocupa.
El cine estaba, como la sociedad, cambiando (se imponía el realismo)  y la cinta de Capra olía a pasado, demasiado cristiana en un país básicamente protestante, demasiado dulce, idealista y anticapitalista para una sociedad que despegaba a lo más alto de dicho sistema y que tenía muchos muertos de guerra en sus cajones. Hubo que dejar pasar el momento, una década, para revisitarla y valorarla en su justa medida, como una de las mejores películas de la historia. Para Capra, que afortunadamente llegó a vivir para verlo, la mejor.
Desde el punto de vista puramente cinematográfico es intachable, tanto en los aspectos técnicos (esa nieve), como su magistral ritmo y planificación. El recital de variedad de planos, encuadres, travellings, etc, es de magisterio de cine.
Aquí están presentes la comedia romántica, la screwball, la ciencia ficción, los cuentos, el terror, el drama, Dickens, Poe, la angustia existencial, la crítica social..., en fin, y todo perfectamente encajado y equilibrado.
El reparto saca petroleo, oro, diamantes y lo que se encuentre en cada uno de sus personajes con un James Stewart que solo por este trabajo ya podría pasar a la historia. Afortunadamente hizo muchos más.
Capra tuvo la inspiración y la lucidez de ver en el breve contenido de una felicitación navideña el argumento para su película. Han pasado 70 años y su actualidad es manifiesta. Acotarla como un película  de buenas intenciones navideñas es ser muy corto de miras o ser muy listo para que no pensemos que otra sociedad es posible, si la base social explotada por el capitalismo salvaje apela al sentido común y la solidaridad sabiendo que cada individuo es importante y que "juntos podemos" (les suena). Dado el adn de nuestra especie es una utopía hacia la que a sabiendas de que lo es, deberíamos caminar para que nuestro mundo si bien imperfecto sea al menos más justo y decente con la belleza y el privilegio de vivir. 





















BROOKLYN

 7
1 h. 51 m.
Irlanda / 2015
John Crowley



"Brooklyn", la adaptación a la pantalla de la novela publicada en 2009 del periodista y novelista irlandés Colm Tóibín tarda en arranca más de una hora. Su director John Crowley se toma su tiempo en los dos primeros tercios con una narración lineal, bastante plana y sosita que me recuerdan a esos alimentos bajos en esto y aquello y aptos para tener un aspecto tan saludable como las mejillas de Saoirse Ronan (actriz a la que adoro). Es solo gracias a Ronan que el entramado se sostiene en una visión light de los emigrados europeos, en este caso irlandeses a esa tierra de promisión que no se lo puso nada fácil ni siquiera a los pocos que llegaron a triunfar generalmente por medios políticamente  nada correctos. La deliberada y estudiada fotografía que va cambiando en cada tercio de la película por muy justificada que esté creo que ayuda mucho a esa sensación de que poco o nada tiene relieve en lo que nos están contando.
Es en el último tercio cuando el asunto toma color y nunca mejor dicho y paradojicamente el romance, que funciona a la perfección, sienta las bases para que otros temas como el auténtico amor, la libertad individual y social, la familia, la religión, la patria, y el saber hasta donde podemos llegar a sacrificar para seguir nuestro propio camino cobran vida y la película se redime en parte. Por supuesto Saoirse da el do de pecho en las duras y las maduras bien secundada por el resto del elenco, con el hijo del gran Gleeson a la zaga de su padre y un prometedor Emory Cohen, por citar solo a dos de ellos.
El poso, ambiguo a mi juicio, que me deja la decisión final  de Eilis, me provoca un montón de interrogantes sobre el futuro anímico de esta "nueva americana" y si lo que pudo ser y no fue, se debió a las circunstancias de la vida, el miedo al enfrentamiento social y el estigma familiar o a un sentimiento, creo que mejor explicado en la novela, que se va fraguando en su niñez y adolescencia ante el lado más opresivo de una tierra encorsetada en sus tradiciones.
Si todo ello le pasará factura a Eilis dá y debería dar para una segunda parte más que interesante. A un servidor no le importaría esperar, como pasó con esta película, a que Saoirse tenga la edad suficiente para interpretarla.     









LA HABITACIÓN

 9
1 h. 58 m.
Irlanda / 2015
Lenny Abrahamson



Parafraseando un anuncio de una cerveza de los que realizó el propio Abrahamson, este es probablemente el número uno de los directores irlandeses actuales. Ya asomó la cabeza "al exterior" en Cannes en el 2004 con "Garaje" y nos sorprendió con la estupenda "Frank" en 2014. Ahora acaba de rematar la faena consagrándose a nivel internacional con esta adaptación de la novela de su compatriota irlandesa Emma Donoghue guionizada por ella misma y que tiene como referencia el caso real de Amanda Berry y otras dos cautivas de Ariel Castro en Ohio entre los años 2003-04.
La cosa daba para un museo de los horrores pero Donoghue y Abrahamson han sabido sabiamente mostrar lo ocurrido y sus consecuencias a la madre y el hijo con mesura, tacto y delicadeza hacia el sufrimiento y trauma de los personajes, sin enmascararlos.
Dividida en dos partes con dos tonos diferentes pero complementario la primera es realmente sobrecogedora, tanto por el empeño de la madre en construir un mundo bello donde su hijo pudiera desarrollarse, la adaptación inocente del niño y la angustia que te deja clavado al asiento cuando intentan escaparse. No se puede hace mejor.
La segunda habla sobre el día después y las consecuencias y aquí puede que el foco se divida y pierda concentración en varios frentes, aunque nunca deja de tenernos enganchados. Buena culpa de ello lo tienen las actuaciones estelares de Brie Larson y Jacob Tremblay que debieron llevarse el Oscar ex aequo (Tremblay ni siquiera estuvo nominado).
Afortunadamente el buen cine aún es capaz de sacar la cabeza a flote entre un mar de productos banales de fácil y rápido consumo y perdurar en nuestro recuerdo.











...QUE ESTÁS EN LOS CIELOS.










DARIO FO (1926-2016)


Dramaturgo / Actor



ANDRZEJ WADJA (1926-2016)


Director



RONIT ELKABETZ (1964-2016)


Actriz / Directora



GUY HAMILTON (1922-2016)


Director





PACO ALGORA (1948-2016)

Actor



ENMA COHEN (1946-2016)

Actriz

ETTORE SCOLA (1931-2016)

Director



JAQUES RIVETTE (1928-2016)

Director



DOUGLAS SLOCOMBE (1913-2016)

Director de Fotografía


JEAN RABIER (1927-2016)

Director de Fotografía




EL LIBRO Y LA HERMANDAD
Iris Murdoch / 1987
Impedimenta / 2016
652 págs.


No conocía a Irish Murdoch (1919-99) a pesar de que en el 2002 Jim Broadbent se llevó el Oscar como mejor secundario por "Iris" (Richard Eyre) la adaptación a la pantalla de la vida de la novelista y filósofa desde el punto de vista de su marido también escritor y profesor John Bayley con quien decidió compartir su vida desde los 37 años. Parece ser que Bayley interpretado precisamente por Broadbent se encargó en esta visión de labrarse una imagen notable para la posteridad a la sombra de su mujer lejos de la auténtica realidad. Murdoch fue interpretada por Kate Winslet en su juventud y por Judi Dench en el tramo final de su vida afectada de alzheimer.
Murdoch está considerada como una de las mejores novelistas inglesas del siglo XX. Escribió 25 novelas así como obras de filosofía, teatro y poesía. 
Y dicho esto y sin saber nada de ello previamente me sumerjo en la novela descubriendo un mundo y un estilo de escritura desconcertante para los tiempos que corren. El rechazo inicial que ello me produce se va tornando página a página en un hechizo donde el placer de leer por el simple hecho de leer como escribe esta mujer me hace no poder abandonarla hasta la última coma. Degustar un universo tan británico como atemporal y universal donde el melodrama y las relaciones de un grupo de "amigos de toda la vida" se condensan, se repiten y se comprimen toda una serie de filosofías existenciales, tan elevadas como personales y egocéntricas. 
Es difícil hacer una sinopsis de una obra en la que el argumento carece de importancia. Pasan cosas, que marcan profundamente la vida de unos personajes intelectuales, indecisos, acomodados, aburridos, eternamente insatisfechos que especulan con lo que pudo ser y no fue o todavía puede ser de sus vidas, donde el amor se convierte en pasión tan destructiva como salvadora, que buscan y no encuentran su propia huella para la posteridad en un mundo acomodaticio, cruel, aburguesado y donde el futuro acabará en manos de la fría y calculadora tecnología.
"No podemos imaginar el futuro, y no puede existir una sociedad perfecta, solo una sociedad decente, y eso depende de la libertad, el orden, de las circunstancias y de un esfuerzo incesante que no se puede programar en la distancia. Todo es accidental pero los valores son imperecederos. Podemos darle cuantas vueltas queramos pero a eso se reduce la vida", dice Rose, uno de los personajes.
De niño Gerard tenía un loro llamado Gris que fue apartado de su vida por sus padres a sus espaldas. El vacío de su ausencia y su relación con el animal quizás sean lo único auténtico de su vida.
No es un best-sellers, llega con treinta años de retraso, a contra mano, le sobran páginas y sin embargo...




EL ABRAZO DE LA SERPIENTE

 8
2 h. 5 m.
Colombia / 2015
Ciro Guerra


Pocos, por desconocimiento, y gratos recuerdos de la filmografía colombiana. "La estrategia del caracol" (Sergio Cabrera / 1993) y la inolvidable "Los colores de la montaña" (Carlos Cesar Arbeláez / 2010) directores de desigual recorrido, el primero no llegó a superar la película que le puso en el mapa internacional y el otro lleva siete años sin volver a dirigir.
Ahora nos llega, avalada por su nominación a los Oscars y su buen aceptación en Cannes, esta mirada personal, serena y profunda a un mundo primigenio que sigue existiendo dando sus últimos estertores recónditos y mágicos contaminado de muerte por aquellos parientes de especie que evolucionaron técnicamente para depredar codiciosos todo aquello que se pusiese a su alcance.
Hasta que punto el entorno crea sus propias mitologías y el brujo-chamán-sacerdote descubrió con la ingesta de alcaloides naturales que podía comunicarse con los dioses y responder en la medida de su imaginación a las eternas preguntas de la autoconsciencia humana. ¿Cuando descubrió el poder que ello le daba e inventó la religión y la forma de entender y relacionarse con su entorno, en nombre de los dioses?
Buena parte de todo esto me sugiere este recorrido por ese Amazonas-Serpiente, cordón umbilical de un pasado posible y de un futuro imposible. El río, la selva, los sonidos, y esos hombres y mujeres desnudos de todo aquello que no es importante me hacen sentir lo alejada que está nuestra existencia de la madre  tierra que nos parió.
Ese tono es el que admiro de la película que sin embargo tiene otros, que me parece que no por menos interesantes desenfocan sus intenciones y alargan el metraje innecesariamente y me hacen distraerme con los hechos históricos, influencias de Conrad o Herzog y los personajes en detrimento de los sentimientos.
No me subyuga la fotografía notable en blanco y negro, no acabo de entender su significado a contracorriente más allá de lo puramente estético. Valoro la dificultad del rodaje, la actuación de los auténticos indígenas, y la asunción del punto de vista de los mismos, pero la emoción va y viene como esos exploradores, alemán y americano, que con cuarenta años de diferencia en la primera mitad del siglo pasado fueron a buscar sabiduría en la simplicidad.
El caucho sobre el que se mueve el mundo está hecho del genocidio del alma de unos seres humanos  y una tierra por la codicia de unos y el fanatismo "salvador" de otros.
Necesaria e imperfecta el abrazo de esta serpiente no es amenazador, sino desesperado en busca de ayuda ante su propia muerte.












COMO DEFENDER A UN ASESINO (TV. Sesión 1 y 2)

7
15 episodios de 42 m. aprox.
USA / 2014-15
Peter Nowalk / ABC







Ya era un hecho que Shonda Rimes tenía y tiene muy claro la formula del éxito televisivo. Las series de esta afroamericana de Chicago la han llevado a lo mas alto del poder y la popularidad en el mundo de la televisión, sin que ninguna de ellas alcance los estándares de calidad de las "grandes", dominan una franja media amplisima enganchando a millones de espectadores en diferentes géneros notablemente elaborados.
"Como salirse con la suya", título original toma como base el genero de abogados, pero va mucho mas allá en un cocktel explosivo y adictivo a más no poder que combina con acierto las rutinas más trilladas con el drama y el suspense, la crítica social y un elenco que en la misma medida funciona entre personajes tipo y notables interpretaciones que cristalizan en una Viola Davis estupenda en su rol de la sufrida y despiadada profesora de derecho y jefa de su propio bufete.
Shonda Rimes delega aquí en Peter Nolwak, colaborador habitual dándole el poder creativo. Nolwak imprime un ritmo trepidante con constantes giros y esos finales de episodio al borde del abismo (clifhanger) que dan sentido al mítico "continuará" y que nos hacen sorprendernos en cada capítulo.
En definitiva Shonda Rimes nos ha vuelto a poner delante un pastel apetitoso del que no podemos resistirnos a abusar aún a sabiendas que no es todo lo bueno que parece pero que nos deja satisfechos y relamiéndonos.










DIOSES

 6
2 h.
Polonia / 2014
Lucasz Palkowski



Avalada por los premios conseguidos en su país, aunque con dos añitos de retraso nos llega este biopic, mas social que personal sobre el cirujano cardiólogo el doctor Religa (1938-2009) pionero de los trasplantes de corazón en una Polonia donde la presión religiosa católica, aún hoy como en otros países, sigue condicionándolos negativamente en la eterna lucha entre ciencia y religión.
El desconocido por estos lares Palkowski en su cuarto film consigue recrear la atmósfera de la Polonia sovietizada de los 80 con escasos elementos y lo dota del ritmo suficiente para que sigamos con interés el desarrollo de unos hechos históricos que siguen invitando a la reflexión. Por contra no se toma el suficiente tiempo para definir con claridad esos mismos hechos ni ahonda en la compleja personalidad del cirujano que pretende ensalzar, como dando por sentado unas claves que fuera de Polonia no están tan definidas.







NARCISO NEGRO

 6
1 h. 40 m.
Reino Unido / 1947
Michael Powell / Emeric Pressburguer



Desde el punto de vista "artístico" es innegable que la propuesta es una obra maestra donde probablemente los colores saturados del Technicolor inventado hace ahora cien años nunca se explotaron con mayor acierto. El mérito de Powell, Pressburger parece que pasaba de los rodajes, debe mucho, muchísimo a su director de fotografía el excelso Jack Cardiff que se llevó el Oscar junto con la dirección artística de Alfred Junge, que supo recrear el exótico ambiente del Himalaya en estudio.
Solo por el trabajo de Cardiff y Junge la cinta es de obligado visionado. Otra cosa es el desarrollo de la historia y sus personajes tomada del bestseller de la escocesa que vivió en la India Rumer Godden.
No hay un solo plano en que Powell no apueste por el esteticismo a ultranza, tanto que al final la imágen y buena parte de las actuaciones del elenco nos retrotraen al cine mudo con excesivos subrayados de intenciones en primerísimos planos en detrimento del texto y del proceso actoral, con un montaje sincopado que resta credibilidad al proceso psicológico de los personajes, por mucho que se esfuercen Deborah Kerr y Kathleen Byron en aflorar sus pasiones con la escasa química que mantienen, probablemente por culpa de la dirección, con David Farrar. El melodrama no es creíble y pasamos directamente al ambiente  de terror, una vez más magistralmente expresado mediante la fotografía y las posibilidades de la escenografía, que desembocará en un clímax más que previsible, que supongo funcionaría en la época mejor que ahora.
Podemos buscarles las vueltas y decir que lo que consiguen Powell y Pressburguer es que sea la propia propuesta estética la que conduzca el drama de estas monjas católicas que tuvieron que convertirse en protestantes por la censura, de mundano pasado, que se suprimió en los USA por lo mismo, en un serrallo hindú propicio para el choque de culturas y la suelta de las pulsiones sexuales, más apropiado para los melodramas ingleses de la factoría Gainsborough Pictures.
Si esta hubiera sido la auténtica intención de los "arqueros" a un servidor no le funciona. No empatizo con los personajes ni con sus bondades y miserias y la mirada sobre la forma de entender la vida de la cultura autóctona acaba por parecerme un expositor de vestuario y complementos que intentan competir sin lograrlo, por supuesto, con la belleza impagable de Jean Simmons.   












HAPPY VALLEY (Sesión 2)
8
6 episodios de 55 m. aprox.
Reino Unido / 2016
Sally Wainwright / BBC One




Sally Wainwright y el resto de guionistas han sabido mantener el excelente nivel que nos regaló la primera temporada, sin grandes giros argumentales, dando la sensación de que la vida personal y profesional de esta abuela continua su curso donde el poso de su traumática experiencia sigue teniendo consecuencias.
 Los nuevos personajes y subtramas se engarzan de forma natural en torno al día a día de la sargento (¿cual sera su mote?) Catherine con una Sarah Lancashire en estado de gracia sobre la que pivota todo un microcosmos que ella se esfuerza por ordenar y ayudar conjurando así sus propios fantasmas. El "Valle feliz" se ha ganado a pulso un lugar preferente en las series de nuestra vida.









ANOMALISA

 7
1 h. 30 m.
USA / 2015
Charlie Kaufman / Duke Johnson





Si no fuera por estos muñecos creados con impresora 3D y la siempre virgueria gratificante del stop motion, en este caso adulto e hiperrealista, lo que nos cuenta Kaufman no es nada más y nada menos que otra vuelta de tuerca al vacío existencial de ese hombre prototipo de cumplir las normas y triunfar en ellas, que se mira en un espejo y no sabe quien es, ni si algo tiene sentido y busca aquello que se salga del patrón y le haga sentirse lo suficientemente vivo como para apurar el tramo final de una vida que se le escapa sin entenderla. Ya lo hemos visto antes y lo seguiremos viendo.
Reconozco que el idolatrado, guionista Kaufman no me pone como a algunos de sus admiradores y sus surrealistas reflexiones sobre la existencia en mucha ocasiones me aburren soberanamente, pero le agradezco que él mismo sea una anomalía entre tanto guionistas de pesebre. La obra de teatro de la que proviene la cinta en la que lo que se escucha no coincide con lo que se ve  y tres actores representan 50 personajes promete ser más interesante que este "Lost in translation" animado.
No hay nada tan clarificador como metáfora existencial que la soledad ante la televisión y el minibar de un hotel clónico, aséptico y funcional para descubrir que seamos quienes seamos y estemos aquí por lo que sea, lo estamos haciendo mal. 








EL INFILTRADO (TV)
8
6 episodios de 1 h. aprox.
Reino Unido / USA / 2016
Susanne Bier / AMC




Quien le iba a decir a esta danesa pionera del Dogma que ya cercana a los 60 acabaría realizando para la televisión (si es de calidad hoy es todo un lujo) una serie del best seller Carré con una factura artística y narrativa dentro de los estándares más trillados y comerciales postulándose incluso para ser la próxima directora Bond.
El caso es que al menos recuperamos buena parte del talento de Susanne exhibido con "En un mundo mejor" (2010), Oscar incluido y aquella comedia refrescante que fue "Amor es todo lo que necesitas" (2012). Desde entonces andaba un poco de capa caída en sus dos siguientes proyectos´
Se redime en parte aquí con esta adaptación de la novela del maestro de los espías de hace más de veinte años que estuvo en el dique seco para pasar a la pantalla grande y que la nueva televisión rescata en coproducción anglo americana con dinero en la producción y reparto de campanillas.
El guión forzado en muchos momentos no evita que el resultado final entretenga y funcione y de paso nos regale la vista con el consabido tour por esos rincones privilegiados llenos de glamour donde van a realizar sus chanchullos de altos vuelos y bajos instintos los magnates del mercado del crimen.
El elenco no defrauda en sus roles, con una Olivia Colman que da carácter a su personaje inicialmente masculino de la novela original y un Tom Hiddleston que ensaya su previsible futuro en la piel de 007 (al servicio de su majestad, por supuesto).  








!AVE, CÉSAR!

 6
1 h. 46 m.
USA / 2016
Joel y Ethan Coen



Que bonito hubiera sido que a los hermanisimos, tanto monta monta tanto, hermanos Coen, en su cincuentena ya, les hubiera salido bien esta sátira homenaje cargada de nostalgia y humor de los últimos años del sistema de los grandes estudios de Hollywood. Pero no ha sido así.
Había tanto que parodiar y se lo pasa uno tan bien en la profesión con los chascarrillos y anécdotas de la misma que se les ha ido el santo al cielo en el guión y no han sabido hilvanar con acierto la sucesión de gags y escenas evocadoras, rodadas con su impronta personal, de aquellos años en que no solo había que ser bueno en el trabajo artístico sino parecerlo en la vida real para que el hombre y la mujer corriente, al menos, pudieran seguir soñando con otros mundos posibles.
No han querido hacer sangre y han sido benevolentes con la trastienda esquizofrénica y desenfrenada de unos productores y estrellas que consideraban que sus altares populares les daban carta blanca para todo tipo de excesos.
La cosa pues se ha quedado desinflada con un desfile de caras conocidas sin apenas relevancia argumental y una tripleta protagonista en la que Brolin a la cabeza, Clooney y el nuevo Hans Solo, certifican su pasado, presente y futuro actoral.
Meno mal que parafraseando el anuncio del coñac: un poco de Coen es mucho.













NAHID

 7
1 h. 46 m.
Irán / 2015
Ida Panahandeh



La "joven" (36 años) iraní Ida Panahandeh debuta en el largo con una cinta notable donde la denuncia social de la situación de la mujer en su país se encabalga en un drama personal universal sobre la maternidad y la libertad individual sin dejar de lado, al contrario potenciarlo, la belleza formal con una fotografía y una banda sonora sobresalientes.
A pesar de que el cine iraní está reconocido internacionalmente y es uno de los destacados de su conflictiva zona geográfica, no es nada fácil dedicarse a ello y más si eres mujer, en ese país. Bienvenida sea por tanto, esta realizadora que se guarda mucho de criticar abiertamente en ruedas de prensa lo que en su película es patente, dejando que sea su obra la que hable y el espectador lo interprete. Sabe lo que se juega. El futuro prometedor que auguran los mimbres que demuestra con su dominio del lenguaje fílmico podrán desvelar aquello que de verdad quiere contarnos.
Mientras tanto, a la sombra de "Nader y Simin, una separación" (Asghar Farhadi / 2011), la estupenda Sareh Bayat asume con brillantez un personaje imperfecto y contradictorio que lucha instintivamente con su rol de madre contra las tradiciones casi siempre machistas de todas las sociedades y las particulares y discriminatorias leyes de su país, acentuadas por la siempre mano opresora de las religiones de turno. 








ENCADENADOS

 10
1 h. 41 m.
USA / 1946
Alfred Hitchcock



Selznick que necesitaba pasta para "Duelo al sol" la vendió a la R.K.O. por 800.000 dólares y la mitad de los beneficios ( y dio bastantes), esta joya producida por el propio Hitchcock, donde a Ben Hecht le sale un guión redondo y equilibrado en el que la historia de amor y pasión marida a la perfección con el suspense y la tensión emocional que como siempre cocina a la perfección el maestro inglés.
La Bergman tras unas primeras escenas titubeantes impone su ley (física y actoral) y nos hace sentir su desgarro amoroso y existencial ante un Cary Grant que sabiamente cede terreno ante la sueca para complementar el binomio a la perfección.
La estilización formal y aparente simplicidad de la narración le bastan a Hitchcock para crear la atmósfera, lucirse en un puñado de planos marca de la casa y cerrar con broche antes de que el McGuffin de turno entorpezca el asunto.
Claude Reins y Leopoldine Konstantin están a la altura como contrapunto, sacando el máximo rendimiento a las propias vicisitudes de sus personajes. La fotografía, la música y el diseño de vestuario ponen la guinda por si faltaba algo.
"Notorious" cumple sesenta años en perfecto estado de revista.












DEADPOOL

 5
1 h. 46 m.
USA / 2016
Tim Miller




Hay que reconocer que el personaje original en algunas de sus versiones tiene su gracia, que no es otra que la de reírse de uno mismo. En este caso del propio universo Marvel.
Deadpool es el contrapunto marginal, la "extravaganza" y las posibilidades que ello da para hacer con él una propuesta interesante pueden dar mucho juego. No es el caso. Por otro lado esta el riesgo en caer en lo facilón, en el humor de garrafón, en lo chabacano y soez dentro de un personaje que lo es y complacer solo a aquellos que les parece muy divertido que alguien se tire un pedo o eructe en publico. Es el  caso.
Se mire por donde se mire la peli es mala y el guión peor. Previsible en sus señas de identidad de violencia, lenguaje soez y el recurso nada sorprendente de la ruptura de la cuarta pared, más sobado que el escudo del Capi, me aburre a los diez minutos y ya no levanta cabeza.
A la crítica le ha hecho gracia que se ria de su propio género y siempre ha habido publico para todos los gustos. Servidor, por edad recuerda aquellos años pretéritos del cine español más casposo en que cuando un personaje soltaba un taco, al personal automáticamente le daba la risa floja. La vida sigue igual.










LA LEY DEL MERCADO

 5
1 h. 32 m.
Francia / 2015
Stéphane Brizé



Cuesta creer que este Stéphane Brizé es el mismo de la sutil y profunda mirada de "Mademoiselle Chambon" (2009).
Aquí Brizé que repite por tercera vez con Lindon, toma una distancia de sus personajes, o personaje tan fría y excesiva que su mirada social se queda a años luz de propuestas similares como la de los hermanos Dardenne o la propuesta española de Juan Miguel del Castillo ("Techo y comida" / 2015).
Tediosa durante muchos minutos, el careto compungido de Vincent Lindon es apenas suficiente para mantener el interés durante algunos escenas. Lindon ha sido premiado por este papel, que a mi juicio no es lo mejor de su brillante carrera.
Apenas unos esbozos y apuntes de corte documental sobre la situación a la que estamos abocados la mayoría para poder remendar por enésima vez las tropelías y derroches, cuando no nuevas oportunidades para aumentarlas de los que manejan eso que viene a llamarse mercado y en el que se venden nuestra almas al mejor postor.   





LA VERDAD DUELE

 5
2 h. 3 m.
USA / 2015
Peter Landesman



Pues supongo que a Will Smith le habrá dolido que este proyecto comprometido con una buena causa y a mayor lucimiento personal, haya terminado pareciéndose más a un telefilm de sobremesa y se haya quedado fuera de las nominaciones a los Oscars. Este año ningún actor de color.
Pero esa es la verdad. Aparte de gozar como siempre con las apariciones  estupendas de David Morse, constatar lo previsible (en deportes violentos la consecuencias no pueden ser buenas) y el esforzado trabajo de Smith poco más nos deja la rutinaria dirección de Landesman, que a la postre ejerce de su antiguo oficio de periodista de investigación.
Desde Roma y antes por supuesto, el Circo, siempre dio buenos beneficios económicos y políticos aún a costa de la sangre de los gladiadores. Los tiempos han cambiado pero en estas cosas muy poco y el "respetable" siempre disfrutó, con los autos de fé, las ejecuciones públicas, el maltrato animal y todo tipo de violencia catártica que canalizara sus odios y frustraciones. La NFL lo sabe cada Domingo y la encefalopatía traumática crónica descubierta por el Dr. Omalu de momento ganará partidos, que ya es mucho, pero desgraciadamente aún le queda perder muchas ligas.  











CADENAS ROTAS

 8
1 h. 58 m.
Reino Unido / 1946
David Lean






Ya le vale a quien fuere enmendarle el título al maestro Dickens. El caso es que "Grandes esperanzas" una de sus obras más populares publicada por entregas de 1860 al 61 ha tenido más de 250 adaptaciones para cine, teatro y televisión.
La de David Lean fue la tercera para la gran pantalla. Las dos anteriores en el 17 (muda) y el 34.
A Lean que no leía mucho y menos a Dickens hubo que llevarle a ver una versión teatral para convencerle de las posibilidades del asunto. Su anterior y maravilloso trabajo "Breve encuentro", había gustado a la crítica pero no tanto al publico y Dickens podía ser una garantía de lo segundo. Quizás por ello, a instancias de su mujer y como también le sucedió al genial novelista retocaron, desafortunadamente el final, a gusto del consumidor.
El trabajo de Lean tras la cámara y de su equipo artístico que se llevó dos Oscars (Fotografía y Dirección artística) es sobresaliente. La atmósfera, el ritmo y las actuaciones recogen la esencia del mundo Dickensiano sin lugar a dudas y la película se contempla con admiración y agrado. Pero...
"Grandes esperanzas" es mucho más de lo que nos ofrece Lean, bastante más. Lean la novela. El guión adaptado, que obtuvo una nominación al Oscar, escrito a 5 manos se queda corto y se apresura por motivos de metraje en su recta final. Se cercena un personaje tan importante como Biddy, y se eligen a sus principales protagonistas pasados veinte años de edad. John Mills tenía 38 interpretando a un Pip de 20. Eso no quita para que Mills y Valerie Hobson defiendan con solvencia sus roles, pero la Estella y el Pip adolescentes les ganan con mucho la partida con una Jean Simmons esplendorosa en la que si atisbamos la inmisericorde y desgarradora alma del personaje.
Muy acertado sin embargo el casting de los personajes secundarios que conforman el universo Dickensiano, con un Alec Guinnes en su primer papel con dialogo, lejos aún de ser Sir y de su fructífera colaboración posterior con el director, pero dejando su particular impronta.
El infierno interior de cada uno de los personajes principales queda apenas vislumbrado en beneficio de la historia lineal y superficial de amores, herencias, bailes y misterios.
La versión que hizo la BBC en el 2011 en tres episodios de una hora, sin dejar de lado la factura impecable marca de la casa, atiende más y mejor al interior de unos personajes que ya son inmortales.












HELL ON WHEELS (Sesión 5 Final)

 9
9 episodios de 45 m. aprox.
USA / 2016
Joe y Tony Gayton / AMC



Se ha hecho esperar el final de esta quinta sesión que a su vez es el final de la serie, pero el resultado ha merecido la pena. Los hermanos Gayton y la AMC han apostado por ella a pesar de que su audiencia ha sido irregular y han sido capaces de darle un final brillante, dejando atrás los titubeos del comienzo, en una progresión de menos a más notable.
La epopeya del ferrocarril transcontinental nos ha dejado una vez más la lección de que todos los grandes empeños humanos llevan sangre, sudor y lágrimas de una mayoría desfavorecida y explotada para mayor enriquecimiento y corrupción de una minoría espabilada o dominante.
La galería de personajes han terminado con honor sus diferentes caracteres, bien definidos a pesar de las licencias históricas e interpretados y los guionistas han sabido ir cerrando todas las historias sin perder la tensión y la emoción. Un buen colofón para una de esas series que no acaparan premios pero que merece la pena haber seguido.







ZOOTROPOLIS

 7
1 h. 48 m.
USA / 2016
Byron Howard /Rich Moore / Jared Bush



Disney ha devenido en un monstruo descomunal del entretenimiento, su absorción de PIXAR y MARVEL, hacen que el trozo del pastel a repartir que le queda a la competencia sea mínimo. Incluso se permite el lujo de fusionar señas de identidad. "Zootropolis" podría bien ser un borrador sobre el estilo de Disney y Pixar juntos. De momento el resultado ha quedado solo apañadito con una película entretenida de amplio espectro, que se sostiene en un guión acertado que va de más a menos en el que el thriller de detectives y las "buddy movies" (películas de compañeros policías), se parodian con mayor o menor acierto a lo largo del metraje. Por supuesto no podía faltar la moraleja social de igualdad entre todas las razas, el espíritu de superación, etc, etc, que siempre vienen bien y más cuando conectas la tele y ves que no todos los policías han debido ver la película por como se comportan con los "hermanos negros".
"Enredados" (2010) y "!Rompe Ralph!" (2012) les salieron más redondas a Byron Howard y Rich Moore. Dicen que les gustaría que "Zootropolis" perdurara en la memoria del Olympo Disney. Mucho me temo...

 P.D.: si les gustó la intención lean BLACKSAD el genial cómic en un tono más adulto creado por los españoles Canales y Guarnido.







CAROL

 10
1 h. 58 m.
Reino Unido / 2015
Todd Haynes





En 1952 una tal Claire Morgan publicó la novela "El precio de la sal", a pesar de su tema homosexual entre mujeres en la conservadora sociedad de los años 50 norteamericana. Y además se permitía el lujo de un final feliz para ambas mujeres ahuyentando la posibilidad de una condena moral.
Treinta y siete años después se volvió a publicar. Esta vez con el título de "Carol" y con el autentico nombre de su autora, la ya por entonces consagrada novelista texana afincada en Nueva York, Patricia Highsmith que había saltado a la fama con la versión que realizó Alfred Hitchcock de su novela "Extraños en un tren".
Partiendo de su propia experiencia homosexual y de un hecho real con el que arranca la película, Highsmith construyó esta historia de amor y crítica social que se convirtió en un clásico de la literatura no solo homosexual.
Con tan brillante material Todd Haynes como ya hizo rememorando a Douglas Sirk en "Lejos del cielo" (2002) y la serie para televisión "Mildred Pierce" (2011) talla una joya exquisita y elegante donde, como se ha dicho no parece faltar ni sobrar nada en una composición de época donde su habitual director de fotografía Edward Lachman se vuelve a lucir con la paleta de colores al igual que los responsables de la dirección artística y el vestuario. Apartados en los que el cine inglés siempre ha destacado.
La hermosa y complicada historia de amor (Carol está casada y con una hija, Therese es mucho más joven) en la puritana y machista sociedad de los años 50, trufada de leyes discriminatorias hacia la mujer, se desarrolla con una intensidad y tensión sexual contenida que se trasluce maravillosamente en sus actrices protagonistas, dejando que el espectador imagine y sienta el calvario y la pasión interior así como las dudas existenciales de dos mujeres de diferentes capas sociales.
Blanchett hace tiempo que está por encima del bien y del mal y es un expreso imparable que batirá todos los récords. Rooney Mara hace una composición memorable de un personaje en las antípodas estéticas de su Lisbeth Salander, con ese look que no deja de recordarnos a Audrey Hepburn y cuyo personaje Therese se me ocurre que bien podía ser la abuela de la que Salander hubiese heredado su particular personalidad.
No he visto reflejado en ningún comentario el "abuso" de planos en los que las dos mujeres son observadas a través de diferentes cristales (ventanillas, de coches, escaparates, ventanas...). A la fuerza debe ser intencionado. A un servidor le sugiere desde el respeto a la propia intimidad de los personajes a una metáfora sobre bellos peces en hermosos acuarios más para ser observados que no dejan de estar encerrados y limitados en su libertad.

















EL RENACIDO

 9
2 h. 36 m.
USA / 2015
Alejandro González Iñárritu



Algo le falta y algo le sobra para quedarse a las puertas de ser una obra maestra. Para todos aquellos que la critican con dureza, ya quisiéramos que tan solo un diez por ciento del cine de grandes presupuestos como este estuviese a su altura. Iñárritu ya estaba y aquí lo confirma en el Olympo de los grandes directores, Oscars incluidos, de la historia del cine y como todos ellos con su propia personalidad y sus propios defectos como tiene que ser.
Puede que sea cierto que le falte mayor desarrollo psicológico de los personajes, pero esos tramperos de principios del XIX en simbiosis con un entorno natural inmenso y desbordante, bello, mágico y amenazador vivían más de sus instintos animales primarios que de otras consideraciones "más modernas". Sus ensoñaciones y pensamientos entreverados de nuevas y antiguas religiones hacen que las escenas oníricas a veces no muy bien encajadas en el ritmo no sean tan descabelladas como parecen.
Hardy está a la misma altura que un excelso Di Caprio. Dos actuaciones de gran calado que requieren de métodos, más físico el de DiCaprio, diferentes en consonancia con las vicisitudes de cada uno de ellos.
El tandem Iñárritu / Lubezqui (director de fotografía) es impagable, sobre todo a la hora de conjugar sensibilidad artística con técnica. El resto del equipo de infografía y la música aparentemente inexistente de Nicolai y Sakamoto están a la altura de una naturaleza, auténtico Demiurgo de la cinta, que contempla omnipresente, quizás con tristeza y curiosidad a unas criaturas insignificantes preñadas de las semillas que acabarán arrasándolo.
El McGuffin de la venganza del clásico western mueve una historia de supervivencia real en la que se basa y en la que se ha modificado, como casi siempre, sin pudor la auténtica realidad de los hechos que le ocurrieron a Hugh Glass (1780-1833) un curtido trampero y explorador que nunca se casó ni tuvo hijos y que sobrevivió al ataque de un oso, paradojicamente gracias, a Fitzgerald y Bridges que posteriormente le abandonaron dándolo por muerto. Glass consiguió recorrer los 320 Km en circunstancias extremas que le separaban del fuerte Kiowa y encararse con aquellos que le abandonaron sin llegar a matarlos. Hass moriría diez años después en una refriega con los indios Arikara. Su historia fue popular, relatada en libros y posee un monumento cerca de donde le atacó la osa.
La película "El hombre de una tierra salvaje" (Richard C. Sarafian / 1971) protagonizada por Richard Harris ya había versionado la historia.
El metraje es excesivo, pero entiendo que es una opción artística donde la abundancia de planos secuencia que retrasan la cinta, marca de la casa, potencia la dureza del esfuerzo que un montaje más ágil, más cómodo para el espectador traicionaria la esencia de lo que se cuenta.
Iñárritu podría haber hecho otra película en la que empatizáramos más con el protagonista y fuera menos "fría", pero el artista, sea de la disciplina que fuere, si se lo puede permitir, no debe pensar en contentar al público 














HOMELAND (Sesión 5)

 7
12 episodios de 48 m. aprox.
USA / 2015
Howard Gordon / SHOWTIME




Hay que reconocerle a "Homeland", la capacidad de reinventarse temporada a temporada después de las dos primeras sesiones que seguían la serie original israelí "Hatufin".
Para ello ahora los guionistas y los productores nos trasladan a Europa, concretamente a Berlín, donde ruedan y transcurre la acción, una acción desgraciadamente casi en tiempo real con los acontecimientos terroristas que vienen golpeando a Europa.
La temporada va de más a menos y aunque la trama es más convencional, la inclusión de personajes fuertes como Allison, la jefa de la CIA en Berlín con un excelente trabajo de Miranda Otto, han supuesto un plus de calidad importante.
Carrie Mathison sigue haciendo equilibrios entre su caótica vida privada y para lo que realmente a nacido que es ser un miembro destacado de la "inteligencia" de su país.
Lo más destacable e inquietante a mi juicio es la brutal lucha interior para enterrar los sentimientos de humanidad personal en función de lograr objetivos al servicio de un bienestar mundial, sin cuestionarse que detrás de dichos objetivos, en ambos lados, hay intereses mucho más oscuros y menos altruistas.
"Homeland" sigue en la brecha y habrá próxima temporada en la que seguro volverá a engancharnos con nuevas propuestas.






A VIDA O MUERTE

 5
1 h. 44 m.
Reino Unido / 1946
Michael Powell y Emeric Pressburger



Obviamente este encargo político para mejorar las relaciones USA-Reino Unido después de la II Guerra Mundial no es la carta de presentación ideal de "Los Arqueros" Powell y Pressburger, aunque el guión del segundo fuera el comienzo de un filón que con su variantes dió y sigue dando mucho juego en el celuloide. Lastrada pues con el imperativo de glosar todo aquello que une y no separa a estas dos naciones, con la escusa del juicio y del amor humano que todo lo puede, la historia que al final funcionó, queda entonces y ahora muy ingenua y rayando la cursilería. Se puede destacar su prometedor inicio, los juegos con el color, y la discutible puesta en escena de ese paraíso donde abundan los uniformes militares y no están todos los que debieran. Por supuesto el "toque" siempre elegante de Los Arqueros se deja ver en una narración atípica y falta de ritmo en la que Niven sobresale haciendo muy bien lo que siempre  hace muy bien y una Kim Hunter recomendada por Hitchcock que no prefigura ni de lejos sus encarnaciones posteriores como Stella en "Un tranvía llamado deseo" o la científica simia Doctora Zira en "El planeta de los simios".  











THE KNICK (1ª y 2ª sesión)

 10
10 episodios por sesión de 50 m. aprox.
USA / 2014-15
Steven Soderbergh / CINEMAX



Parece ser que Clive Owen no se lo dudó un instante a la hora de aceptar y producir la "nueva serie de hospitales", cuando se lo propuso Soderbergh. Claro que "The Knick" es mucho más que eso.
El eje central es el hospital de Nueva York Knickerbocker que se mantuvo en activo desde 1862 a 1979. La acción se sitúa recién estrenado el siglo XX cuando los USA y su nueva Roma todavía no eran el epicentro mundial que les otorgó su poderío económico creciente refrendado por su éxito en las dos guerras mundiales. Comenzaba el germen de lo nuevo en nuevas tierras de promisión para los excedentes humanos de una vieja Europa a punto de estallar. La desigualdad social, el racismo, las nuevas tecnologías, la discriminación de la mujer y toda la gama de ambiciones, virtudes y vicios del ser humano se dan cita en esta nueva Babel, donde lo que somos por dentro y lo que somos por fuera están en perpetua lucha, intentando equilibrar la balanza entre la fragilidad de la que estamos compuestos y nuestras ansias de poder e inmortalidad.
La producción es impecable, al igual que los diálogos y guiones que arrasan sin ningún tipo de piedad ni concesiones al espectador acomodado. La vísceras reales y existenciales salen a la luz en un galería de personajes por los que cualquier actor o actriz mataría. 
"The Knick" es una de las grandes, a la altura de "Los Soprano", "The Wire" o "Breaking Bad" sin lugar a dudas.
Soderbergh dice que la ve para seis temporadas. La verdad es que el listón ha quedado altísimo en estas dos primeras sesiones cerrando una obra maestra que, por mucho que queramos más, puede que no haya ni que tocarla.  














RESPIRA

 6
1 h. 40 m.
Alemania / 2015
Christian Zübert



Sexto largo de un director alemán cuya filmografía desconozco, pero que no parece hasta la fecha muy relevante, al menos internacionalmente. Aborda aquí las relaciones interculturales en una primera parte notable, en la que aún encuentra hueco para las relaciones personales de pareja en diferentes contextos sociales, al igual que deja entrever que la Europa de los comerciantes aún está muy por encima de la Europa de sus gentes. Bruscamente Zübert de un golpe de timón cambiando radicalmente el enfoque hacia otra película, que aunque consigue angustiarnos por razones diferentes deja colgado el discurso inicial y deja que pasen los minutos sin que sepamos muy bien que es lo que quiere contarnos. Al final intenta engarzarlo todo sin demasiado acierto.
Todo ello contado con eficacia formal y unas estupendas interpretaciones de sus actrices protagonistas, para un guiso que no acaba de cuajar como debiera.








FORAJIDOS

 10
1 h. 43 m.
USA / 1946
Robert Siodmak




Absolutamente redondo este thriller noir de Siodmak. Un Siodmak que en el 29 había formado parte junto con otros jóvenes prometedores en su Alemania natal en un proyecto revolucionario como fue "Hombres en Domingo", un semi documental sin actores profesionales que quería devolver al cine su contacto con la realidad cotidiana sin artificios de ficción. Paradojicamente los integrantes de dicho grupo se convirtieron en abanderados de la ficción como Billy Wilder, G. Ulmer, Zinneman o los propios hermanos Siodmak.
Para ello aplicaron la receta expresionista que habían mamado en el cine centroeuropeo y que constituye uno de los pilares del llamado género negro en el que Siodmak destacó especialmente.
La historia basada en un relato corto de Hemingway (The Killers / 1927) a quien le gustó el resultado, con la que se inicia la cinta en un prodigioso arranque visual da lugar a una historia con una planificación y un guión ejemplar firmado por Veiller pero con John Huston y Richard Brooks detrás, a base de flashback subjetivos sin orden cronológico que van desenredando una trama que dosifica con habilidad sus cartas hasta el final. La fotografía de Elwood Bredell nunca estuvo mejor y la música de Miklós Rózsa, candidata al Oscar, empasta a la perfección en un conjunto coral donde el estupendo Edmond O´Brian no consigue imponer su personaje protagonista, similar al de G. Robinson en "Perdición", dejando el recuerdo para la historia en manos de dos "embaucadores" de la cámara, dos monstruos insaciables, el debutante Burt Lancaster con 33 años y una esplendorosa y contenida "Ava Gardner", en los que se nota la mano de dirección de actores de Siodmak.
"Forajidos" es un clásico con aroma de clásico que 70 años después aún se encuentra en plena forma.
PD: (Por sacarle punta). La ejecución del robo que se dice perfectamente planeado, demuestra las pocas luces del "cerebro" del asunto.  


















RESPIRA

 8
1 h. 30 m.
Francia / 2014
Mélanie Laurent



Tres años parece el periodo que se concede la actriz, cantante y escritora Mélanie Laurent para avanzar con paso firme en su otra faceta de directora de películas. En este su segundo largo repite con su anterior director de fotografía Arnaud Potier en un trabajo conjunto notable, en una historia aparentemente sencilla: el encuentro existencial entre dos almas atormentadas en ese periodo de formación siempre inestable que es la adolescencia. Dos almas que como el símil vegetal que en un momento dado se ofrece en la cinta trepan en simbiosis para alcanzar la luz vital, inconscientes que una de las dos tendrá que vencer en esa lucha por la supervivencia.
El formidable trabajo de las jóvenes actrices y el acertado pulso narrativo de Laurent crean la atmósfera natural y creíble para avanzar en un desarrollo desasosegante donde la suma de elementos, familiares, sociales, emocionales va abriéndose camino, atrapandonos en cada giro hasta el inesperado desenlace. A la Mélanie Laurent, directora, hay que seguirle la pista. 









SPOTLIGHT

 7
2 h.
USA / 2015
Thomas McCarthy



Uno que se considera fan de McCarthy, se alegra de que su película haya sido galardonada como la mejor en la pasada edición de los Oscars, incluido el guión del propio McCarthy.
Aunque uno no tiene por menos en sus últimos trabajos de seguir buscando reencontrarse con las sensaciones maravillosas de las dos primeras joyas de sus inicios ("The Station Agent" (2003) y "The Visitor" (2008) ).
No es el caso de la que nos ocupa. La dirección y el guión si bien son impecables adolecen a mi juicio de un excesivo esquematismo y falta de cariño sobre el fuerte de McCarthy, que son los personajes. Aquí estos, muy bien interpretados por cierto, incluido breves papeles secundarios están al servicio de la historia. Historia denunciable y desgarradora que se ve en cierta medida enmascarada y rebajada en su tono de drama personal y de denuncia por la mecánica del trabajo periodístico que acaba siendo el auténtico protagonista. Se queda así a medio camino sin mojarse más de lo necesario en un tema tan espinoso, sin el compromiso radical de cintas como "El club" (Pablo Larrain) que en este mismo año tocan el mismo tema de fondo.
La iglesia católica encubrió y probablemente lo sigue haciendo los casos de pederastia que se dan entre una parte significativa de sus ministros. Parece que el nuevo Papa promete cambiar las cosas. Dios mediante.







EL SUEÑO ETERNO

 9
1 h. 54 m.
USA / 1946
Howard Hawks



Solo con echar un vistazo al cartel debería quedar claro cual fueron las intenciones de Hawks y de la Warner con esta cinta. El enigmático titulo queda literalmente aplastado por los nombres de la pareja de moda Bacall y Bogart, que a punto de casarse estaban en el "candelabro" como suele decirse. Bacall había pinchado con "Agente confidencial" (Herman Shumlin / 1945) después de su arrasador estreno en "Tener y no Tener" también con Bogar y Hawks apenas dos años antes, así que a todos les venia muy bien relanzarla con el morbo de Bogart por mucho que Hawks estuviera mosqueado con su "creación" al haberle "abandonado" por Humphrey.
Tres guionistas de lujo, Faulkner entre ellos, se pusieron manos a la obra sobre la novela del 39 de Chandler y lo hicieron tan bien que se pasaron de frenada, al menos en la segunda versión en la que se cortaron algunas escenas que aclararían mejor la trama y se añadieron otras para darle aún más protagonismo a la Bacall. Sortearon la censura regalándonos unos diálogos y unas escenas inolvidables cargadas de sensualidad entre Bogart y un elenco de mujeres que nada tienen que envidiar a las realizadas entre el matrimonio. La de Dorothy Malone (aún viva) en la librería ACME no tiene precio. Martha Vickers tampoco se chupo el dedo (a pesar de no parar de hacerlo) y su sensualidad le hacia sombra a la Bacall. Incluso la breve escena en el taxi con Joy Barlow, nos deja la miel en los labios. Y por supuesto Bacall y sus vertiginosas replicas cargadas de miradas a su futuro marido como nunca nadie le ha mirado. Otra cosa son las cancioncitas de turno que se podía haber ahorrado.
Howard Hawks deja su sello personal a la altura de lo mejor del posteriormente llamado cine negro y el espectador sale apabullado y con necesidad de volver a ver la cinta porque el enredo es tal que si estás desconcentrado con las palomitas o la pareja de turno ya no sabes quien es quien y quien mato a quien.
A pesar de la famosa anécdota en que ni director, ni guionistas ni el mismo autor sabían quien mató a Owen, el chofer, creo que no es tan difícil suponerlo y que lo enrevesado de la trama es uno de los alicientes de la película.
En esta enésima revisión de la cinta sigo disfrutándola como el primer día. 
   















MIA MADRE

 7
1 h. 42 m.
Italia / 2015
Nanni Moretti



Apoyado en la magnífica interpretación de Margherita Buy, Moretti vuelve a encontrar su tono después de la fallida "Habemus Papam" (2011). En esta ocasión para rendir un homenaje a su propia madre Agata fallecida en el 2010. Buy se convierte pues en el alter ego de propio Moretti y su desconcierto vital ante la perdida.
Lo hace con mesura, sin estridencias y rebajando el drama siempre universal con las sonrisas que provoca un acertado Torturro en su papel de "estrella" extranjera en la película social que está rodando Margherita, excusa que también utiliza Moretti para hablar de los entresijos de su profesión y probablemente conjurar sus propios demonios.
A base de pinceladas dispersas y siempre emotivas el director italiano consigue que empaticemos con el tránsito inevitable de aquellos que fueron, fuimos y seremos, polvo de estrellas.








JOE
7
1 h. 47 m.
USA / 2013
David Gordon Green



Joe pertenece a uno de esos mundos que como capas de cebolla conviven y conforman la sociedad que hemos creado. Escalafones en los círculos de la existencia, peldaños inferiores que se rigen por sus propias reglas en los que un colectivo de personas se ve atrapado por nacimiento o por reveses que les hacen descender a ellos. Están ahí, enquistados entre los oropeles de las sociedades más "avanzadas", que los desprecian o miran para otro lado. Joe y sus gentes se mueven entre los detritus económicos, entre la chatarra tecnológica y la violencia, en un mundo rural donde el televisor y las armas son los puntos de referencia para subsistir en el engaño de una falsa libertad.
Gordon Green ha dado con el tono y la atmósfera. Joe, hace lo que puede o le dejan, luchando a impulsos y sacrificios para que su historia no se repita, para que alguien pueda subir el peldaño y empezar a cambiar las cosas, aunque sea de forma individual. Nicolas Cage vuelve a recuperar su dignidad como actor en un personaje con mimbres, bien secundado por el resto del elenco en el que Gary Poulter un auténtico indigente sube el peldaño para conformar un inquietante y miserable personaje que quedará en nuestro recuerdo. Poulter no fue capaz de soportar el salto existencial y lo pagó con su propia vida.
Al final el director añade una coda para que al personal no se le indigesten las palomitas.







BLACK SAILS (sesión 3)

 8
10 episodios de 50 m. aprox.
USA / 2016
Jon Steimberg / Robert Levine / STARZ




Los piratas ficticios e históricos siguen haciendo de las suyas en esta  tercera temporada que mantiene los mismos estándares de calidad con la que nos asombró en las dos anteriores. La productora STARZ ya anticipó que la cuarta sesión seria la última con lo cual esperamos que la serie finalice de forma redonda. Se lo merece.
En la sesión de este año se ha incorporado con gran acierto el actor Ray Stevenson, encarnando a Edward Thatch alias "Barbanegra", otro de los históricos.
Con un comienzo algo forzado en el que el Capitán Flint conjura sus demonios más recientes, la acción y sobre todo los diálogos vuelven a tomar protagonismo en unos personajes acorralados desde uno y otro bando en lucha por sobrevivir en una batalla entre el imperialismo inglés y español y unos hombres y mujeres que ansían el tesoro de ser libres e independientes en un nuevo mundo que se está configurando a marchas forzadas.
Ya lo decía Sabina: "entre todas las vidas yo escojo la del pirata cojo, con pata de palo y parche en el ojo". 








ALFREDO EL GRANDE.
VIDA DE UN CÓMICO.
Marcos Ordoñez / 2008
Edit. Aguilar. 368 págs.




La autobiografía de Landa es ante todo amena y ágil en el repaso exhaustivo de la apretada agenda profesional de un currante destajista que amaba su profesión y tuvo la suerte y la capacidad para demostrar que valía y mucho para lo suyo, aunque solo pudiera demostrarlo en un 15 por ciento de su trabajo, con aquellos personajes que tenían la categoría  para permitírselo.
Marcos Ordoñez ha sido eficiente al transcribir las 40 hora de entrevistas con el actor y narrarlo como si fuera el propio Landa quien en una charla informal con el lector nos desvela los condimentos de un guiso suculento, improvisado y algo chapuzas de la industria teatral y sobre todo cinematográfica de la última mitad de pasado siglo en España, marcada por unos empresarios dictatoriales hijos de su tiempo franquista y una picaresca endémica y enquistada en el adn del propio país desde tiempo inmemorial.
Si uno no es de la profesión o no tiene la edad suficiente para identificar a la galería de personajes que aparecen por las páginas, el interés decae bastante. En mi caso su lectura me ha durado menos que un caramelo a la puerta de un colegio.
Desde sus inicios en el TEU navarro, su llegada a Madrid, su paso exitoso por los teatros públicos de la capital, el doblaje y su inmersión en un cine divertido y cutre a partes iguales en el que él mismo generó su propio género: el landismo, hasta el antes y el después de "El puente" (J.A. Bardem / 1977) donde ya cumplidos los cuarenta llegan los grandes papeles que le darán el prestigio y reconocimiento que se merecía a este cómico nacido para encarnar el prototipo magistral y tragicómico del gracioso de las comedías del siglo de oro español. Todo lo cuenta Landa con humor desde un retiro que se empeña en subrayar feliz y autoimpuesto, por haber llegado a ese punto donde la pasión por su oficio está en sus cotas más baja.
De su vida privada poco. De su carácter e ideas más allá de las profesionales, más que suficiente, pero siempre entre lineas y aunque ejerce autocrítica nunca hay que olvidar que una biografía no esta completa sin la parte de aquellos que nos ven desde fuera.
La prensa ha resaltado que no se ha cortado un pelo y ha puesto pingando a diestro y siniestro. No es verdad. Ha sido respetuoso con todo el mundo a nivel profesional y siempre en su contexto, aunque un poco "bocas" y se ha dejado llevar por aquel que ya no tiene nada que perder y puede decir lo que le venga en gana. Además uno puede constatar (conocí personalmente a muchos a los que se refiere) que lo que dice lo sabíamos todos de todos y que no cuenta la mitad de la mitad de las mezquindades y miserias de aquellos cuya imagen publica no corresponde y a veces se confunde con la de sus personajes.
Landa nos dejó en el 2013 a sus 80 años. Un año terminado en tres, número significativo en la vida de un señor bajito que nos regaló personajes muy grandes.

EL CAMINO ESTRECHO AL NORTE PROFUNDO.
Richard Flanagan / 2013
Edit. Random House / 2016
446 págs.



El viaje que de 1689 a 1691 hizo el poeta japonés Matsuo Batsho, padre del Haiku (poema breve generalmente de tres versos), junto con su discípulo Kawai Sora, dio lugar a su obra maestra "Oku no Hosomichi", de cuya traducción del titulo toma prestado Flanagan para titular su sexta novela.
Autor reconocido en Australia y premiado con esta novela con el prestigioso galardón internacional del Man Booker, Flanagan impregna su relato bipolar Amor-Horror, de la filosofía Zen presente en la obra de Batsho, en la que la vacuidad de la vida es el eje central de la existencia.
Este sentimiento de que nada queda por muy intensa que halla sido la experiencia tanto en sentido negativo como positivo en la vida, rezuma por todas las páginas de una narración a mi juicio desigual y a veces repetitiva en la que apenas empatizamos con un personaje central Dorrigo Evans en el que coinciden ambos polos de Amor-Horror en su experiencia personal con una mujer y su supervivencia en la segunda guerra mundial como prisionero de los japoneses que esclavizaron a miles de hombres en condiciones infrahumanas para construir un ferrocarril imposible a través de la selva tailandesa en su camino a Birmania.
Cualquiera de la dos partes que se entremezclan y complementan dan lugar a vívidas descripciones de los sentimientos que provocan páginas sobresalientes donde los personajes "secundarios" se convierten en principales. El punto de vista del contrario, el enemigo japones, y su concepción de la vida en torno a uno códigos estrictos cuya cadena es prácticamente imposible de romper en beneficio de un Emperador-Dios sobrecogen, al igual que la resistencia humana para sobrevivir en condiciones dantescas.
"El puente sobre el río Kwai" viene inevitablemente a la memoria como un pálido reflejo de la brutal realidad que vivieron prisioneros de todas las nacionalidades que acabaron sembrando de cadáveres olvidados por la historia, las junglas tailandesas. Flanagan, cuyo padre fue uno de los supervivientes, los rescata del olvido aún a sabiendas de que también él y su novela serán olvidados en el devenir de los tiempos.
  



LA BELLA Y LA BESTIA

 8
1 h. 30 m.
Francia / 1946
Jean Cocteau




El polifacético artista francés Jean Cocteau, a sus 56 años decide repetir experiencia cinematográfica después de su primer film "La sangre de un poeta"en 1930.
En plena influencia del realismo, Cocteau apuesta por la fantasía surrealista con el cuento clásico versión de Marie Leprince de Beaumont para mayor gloria de su pareja en ese momento el actor Jean Marais que cubre los papeles de la Bestia, el príncipe y Avenat.
Al escaso presupuesto Cocteau y su equipo derrochan talento e imaginación con una puesta en escena donde lo cinematográfico y lo puramente teatral conviven en perfecta simbiosis. El planteamiento quizás demasiado inocente del cuento queda arrinconado ante el maravilloso despliegue artístico debido a la confluencia de genios en cada uno de sus apartados: el realizador René Clément (sustituyó a Cocteau durante su enfermedad), la escenografía de Christian Bérard y  Lucien Carré, el director de fotografía Henri Alekan, por no hablar del espléndido vestuario (supervisado por Pierre Cardin) y maquillaje al que Marais se sometía de 3 a 5 horas diarias para no tener que utilizar el más fácil recurso de una máscara.
El resultado es un poema visual inolvidable, cargado de simbolismo freudiano. Las escenas oníricas del castillo se contraponen con una deliciosa recreación de la vida rural plasmada con eficacia basándose en las pinturas de Jean Vermeer, donde las intrigantes hermanas de bella se llevan el protagonismo de la acción, estupendamente interpretadas.
El sorprendente final en el que Bestia se convierte en príncipe con el rostro del taimado Avenat nos deja un tanto desconcertados sobre las intenciones de Cocteau al respecto y en cualquier caso no tenemos más remedio que unirnos al famoso comentario de Greta Garbo: "Devuelveme mi Bestia".















FARGO (Serie TV. Sesión 2)

 8
10 episodios de 55 m. aprox.
USA / 2015
Noah Hawley / FX



A priori parecía  complicado una serie que iba a tener como referencia y lastre estar  a la altura del original en pantalla de los Coen, aunque ellos mismos estuviesen en la producción. Sin embargo la primera temporada no solo lo consiguió sino que se ganó su propia entidad independiente de la película. Que la segunda temporada volviera a conseguir algo parecido ya era rizar el rizo. Pues nada que se han empeñado y lo han vuelto a conseguir.
Si la segunda es mejor o peor que la primera me parece un discusión banal. Ambas son estupendas, diferentes y sin embargo con los suficientes elementos comunes que la entrelazan y les dan unidad.
Esta segunda es más coral y cede en sus últimos episodios el protagonismo a la lucha de bandas más convencional por encima del desarrollo de unos personajes muy interesantes, bien definidos y mejor interpretados (genial Kirsten Dunst).
La factura técnica es impecable y los directores que se encargan de los episodios consiguen unidad de estilo en la diversidad de cada uno de ellos. "Fargo", sin lugar a dudas es una de las grandes entre el buen puñado que nos están dando estas décadas de oro de la televisión de ficción.










THE END OF THE TOUR

 6
1 h. 45 m.
USA / 2015
James Ponsoldt




Descubro con esta cinta al norteamericano Ponsoldt (su cuarto trabajo) y al escritor David Foster Wallace (1962-2008) sobre el que gira la trama: los días que pasó el periodista David Lipsky entrevistándole para la revista Rolling Stones en la última semana de promoción de su obra capital "La broma infinita" en el 96.
Alguien a escrito por ahí que si te quedan ganas de conocer a Wallace o de leer su obra es que la película ha funcionado. En mi caso ha funcionado.
El breve encuentro de estos dos escritores, uno en la cima y otro anhelando alcanzarla provoca un choque sutil de egos e inseguridades que acaban por engancharse en una amistad fugaz e intensa. Jason Segel en su mejor trabajo y Eisenberg destilan verdad y apuntalan lo efímero del asunto consiguiendo plantear muchos más interrogantes, sobre todo sobre Wallace y su obra que respuestas. Ponsoldt tiene el acierto de desaparecer tras la cámara y narrar con soltura un guión sobre literatura y vida que huele a muy escaso sobre la personalidad compleja y depresiva del escritor de Nueva York que acabó ahorcándose en el 2008.
Se habla mucho y hay que escuchar tranquilamente para tamizar y encontrar algunas de las pepitas lo suficientemente interesantes como para no abandonar el filón.







EL EXTRAÑO

 6
1 h. 35 m.
USA / 1946
Orson Welles



Termina la guerra y Welles andaba un poco descolocado en el mundo del celuloide. A su prematura fama por "Ciudadano Kane" (1941) le había seguido un año 42 desastroso con el caos de la genial "El cuarto mandamiento" y otros dos films, uno inacabado y otro desaparecido sin pena ni gloria. Los productores no se fiaban de él y de la rentabilidad de sus proyectos.
Aparece un independiente como Robert Siodmak, otro centroeuropeo que se hizo las américas, especializándose en el cine negro y le propone este thriller con la condición de que sea bueno y se deje manipular. Welles traga. Si la cosa funciona le prometen cuatro película más con libertad creativa. Funcionó pero de lo dicho nada de nada.
El propio Welles que también se encarga del malvado nazi de la cinta en un argumento propio de la época con un guión algo disparatado sobre la novela  del ruso Victor Trivas, reconoció que era su película más impersonal. La verdad es que Welles lo intentó pero le cortaron y se la apañaron como les vino en gana y solo algunas escenas para el recuerdo salteadas entre una narración que olía a un  Hitchcock de segunda, nos recuerdan la mano del genial director, que por otra parte compone un personaje imposible y algo teatral en su actuación. Loreta Young tiene algún momento (al año siguiente ganaría el Oscar con "Un destino de mujer") y como casi siempre Edgard G. Robinson se hace con el control en un personaje tipo de los que dominaba sin mucho esfuerzo.
Lo mejor de la cinta es el ambiente de Harper, un pueblecito de Connecticut con esa tienda para todo y las partidas de damas del dueño el señor Potter (estupendo Billy House) con los protagonistas. Potter fue uno de los personajes que por encima del guión original Welles sabiamente supo potenciar y consiguió que le dejaran en una cinta fallida que a la postre viene a reconocer que aunque solo sea un poco de Welles es mucho.   







LA JUVENTUD

 8
1 h. 58 m.
Italia / 2015
Paolo Sorrentino



Hubiera sido todo una sorpresa, por mucho que lo desearamos, que después de una película esplendorosa e irrepetible como "La gran belleza" (2013) el siguiente trabajo de Sorrentino estuviese a su altura.
Los ecos o rescoldos de la misma sin embargo si que revolotean por esta reflexión sobre la fugacidad de la vida y lo efímero de nuestros actos por mucho que pensemos que de alguna forma hemos dejado nuestra huella personal o profesional en ella. Huella que tarde o temprano desaparecerá o quedará archivada en un olvido, sustituida por la nuevas y jóvenes huellas condenadas al mismo destino.
La belleza formal que Sorrentino busca en cada plano acaba por hipnotizarnos al igual que Caine y Keitel dos mitos de la interpretación que aún son capaces de acaparar la pantalla solo con su presencia.
En una residencia de lujo en los Alpes un grupo de famosos consagrados, en diferentes momentos de su vida, muestran su auténtico rostro plagados de miserias e incertidumbres.
A veces errática, contemplativa, fluye siempre entre recovecos que no dejan indiferente, para bien o para mal.













HOUSE OF CARDS (Sesión 4)

6
13 episodios de 55 m. aprox.
USA / 2016
Beau Willimon / NETFLIX



Llegamos a la cuarta y vamos a por la quinta con Underwood y los suyos en la presidencia con sus tejes y manejes en la que no dejan apenas un resquicio para que ningún político de ningún signo se salve de mirar antes por sus propios intereses que por los del pueblo de su país.
Una visión cada vez mas dura la que acentúa la serie en la que uno tiembla si piensa en la consabida frase de que la realidad supera la ficción.
En esta nueva entrega sabemos un poco más del pasado familiar de la pareja protagonista, asistimos a sus propias refriegas inmisericordes y al mayor protagonismo de una Robin Wright que hace uso de su cargo de productora ejecutiva y dirige algunos capítulos centrados en su personaje. Todo ello enmarcado en la ya redundante y consabida lucha entre republicanos y demócrata por hacerse con el poder en las próximas elecciones presidenciales. Los cargos de responsabilidad siguen siendo figuritas intercambiables de tablero en función de los intereses del dúo protagonista que acaban por acudir al miedo y el terror de su país cuando empiezan a sentirlo ellos mismos ante el peligro de ser desenmascarados.
He de reconocer que a pesar de que la factura sigue siendo eficiente y el elenco estupendo, no me ha despertado mucho interés esta temporada en la que el resumen general podría ser: más de los mismo.   









PASIÓN DE LOS FUERTES

 9
1 h. 37 m.
USA / 1946
John Ford



Antes que nada hay que ponerse en pie y quitarse el sombrero aunque sea metafóricamente ante la sublime fotografía del mexicano Joseph MacDonald incomprensiblemente no premiada.
Oscar honorifico también a las nubes, nunca tan bellas, de Arizona y Utah donde se rodó.
Dado que la historia se sustenta sobre personajes reales, hay que decir que a pesar de que Ford llegó a conocer a Wyatt Earp y que coreografió el famoso duelo en el O.K. Corral según sus indicaciones la ficción se parece a la realidad tanto como Henry Fonda a sus hermanos en la trama, Tim Hold y Ward Bond: nada.
El conflicto de intereses entre los ganaderos demócratas de los Clanton y los McLaury que controlaban Tombstone y los empresarios republicanos a los que representaban los Earp queda muy lejos de la justa detención de los asesinos de sus hermanos por parte de Wyatt. Hermanos que por cierto acabaron muriendo y quedando invalido por la venganza de los Clanton mucho después del mítico duelo en el que no participó el padre de los Clanton ni murió Doc Holliday que no era cirujano sino dentista.
Dicho todo lo cual a Ford le importa tres pimientos la Historia con mayúsculas, el solo sabe hacer como nadie películas del Oeste, y vuelve a ellas para reengancharse después de la guerra en la que ha filmado varios documentales.
El título original "My darling Clementine" refleja mucho mejor de que va la cosa, que no es de los hermanos Earp ni de Tombstone ni del tiroteo del O.K. Corral. Es del Oeste, aquí sí con mayúsculas, de sus gentes, que luchan por sobrevivir lo más civilizadamente posible en un entorno hostil, con sus hoteles, salones, diligencias (!Ah, las famosas diligencias de Ford!), barberías, iglesias, bailes..., etc, y del amor que se hace hueco entre todo ello con gentes rudas que son capaces de jugar a columpiarse en una silla, que temen sacar a bailar a una señorita mas que  liarse a tiros y que creen en el orden y la ley aunque sea sui generis para prosperar como nación.
Ford lo borda y lo reborda. La cantidad de escenas y planos memorables es impagable. Los actores y actrices, incluido Mature, están a la altura aunque algunos tengan que defender escenas para la galería como la de la operación. Walter Brennan demuestra que como le des minutos te roba la película y Fonda esta inmenso en su serenidad y en esos andares que según Ford definían el cine.
Hasta Zanuck acertó ejerciendo su poder enmendando la plana a Ford añadiendo escenas que acabaron siendo míticas como la charla ante la tumba y ese final tan romántico con el Monument Valley (que en realidad está muy lejos de Tombstone) al fondo, aunque servidor prefiere el original de Ford donde la dulce Clementine brilla por su ausencia y el rudo, cazador de búfalos, tahúr, alguacil y marshall se pierde solo en el horizonte. So long. The End.    
















LA GRAN APUESTA

 8
2 h. 3 m.
USA / 2015
Adam McKay



No es la primera ni será la última propuesta sobre la enésima estafa vital a lo largo de la historia de la humanidad en que los de siempre nos hacen el truco del almendruco a los otros de siempre. Vivimos tiempos en los que el truco cada vez es más sofisticado y paradojicamente nos conceden la gracia del recurso al pataleo viendo películas como esta que sirven a la mayoría como válvula de escape, de canalización del cabreo pensando que la palanca de las conciencias se moverá lo suficiente para cambiar algo, o por lo menos para que seamos conscientes de que una vez más la bolita del trilero no estaba donde pensábamos.
Un puñado de listillos se huele la tostada y fiel a la condición humana decide sacar la mejor tajada posible del asunto. Ya que no puedes vencer al enemigo, únete a él.
Adam McKay nos lo cuenta con caras conocidas y en el género donde se mueve su carrera: la comedia (maldita la gracia). Contribuye así a que más gente se "entere" de la que pudo atraer el estupendo documental "Inside Job"(Charles Fergusón /2010) o el drama "Margin call" (J.C. Chandor / 2011).
No hay que haber estudiado en Harvard para entender la esencia de la terminología económica que McKay se esfuerza en explicar y su sentido: liarnos y estafarnos.
El notable montaje ayuda a que las dos horas no pesen lo que debieran en un tema tan áspero. Los auténticos culpables de que muchos millones de personas hayan perdido trabajo, hogar, dignidad e incluso la vida colgarán el dvd de esta película y las que vengan en la sala de trofeos de sus mansiones junto a las cabezas de esos pobres animales no humanos que también siempre pagan el pato. 







JUEGO DE TRONOS (Serie TV. 6ª temporada)

 9
10 episodios de 55 m. aprox.
USA / 2016
David Benioff / D.B. Weiss / HBO




Parece increíble y sin duda tiene mucho merito que al terminar esta sexta temporada uno tenga la sensación de que la historia o mejor dicho las historias de cada uno de los personajes que van sobreviviendo a ella no acaba más que comenzar.
El reto era difícil, toda vez que la leche materna de los libros de Georges R. R. Martin se había terminado y los guionistas empezaron a volar solos. El resultado ha sido impecable y después de diez episodios el alto esfuerzo de producción (la batalla de los bastardos es para enmarcar) ha merecido la pena, dándole a la historia de la televisión otro clásico.
El equilibrio entre las diferentes subtramas y los personajes principales esta muy logrado imprimiendo un ritmo ágil y entretenido donde la violencia explicita golpea con dureza en su justa medida dramática, con un Iwan Rheon que asusta en su encarnación de Ramsay Bolton.
Dicen que la séptima se retrasara y las temporadas posteriores tendrán menos capítulos. Abriguemonos bien porque el invierno ha llegado para quedarse. 












EL CARTERO SIEMPRE  LLAMA DOS VECES

 6
1 h. 43 m.
USA / 1946
Tay Garnett


Solo hay que echar un breve vistazo a la genial adaptación para la pantalla de "Double Idemnity" (Perdición), otra de las sórdidas novelas de James M. Cain con argumento similar, estrenada dos años antes para ver la enorme distancia entre una y otra y poner en su justa medida la mitificada "El cartero...".
El currante y esforzado Tay Garnett que acabó refugiándose en las series televisivas no es ni de lejos el maestro Wilder, en su doble faceta de director y guionista. La adaptación de Ruskin y Busch bastante tiene con eludir el código de censura de la época ante el vitriolo social que lleva la novela original y que fue rechazada por varias productoras antes de que la MGM se la jugara a la baza de una Lana Turner esplendorosa visualmente en su impostada belleza con la que apenas suple el carácter de un personaje que La Stanwick bordó en más de una ocasión. El inexpresivo John Garfield está a la altura del limitado Tom Neal en otra noir de culto de la época como fue "El Desvío" (1945) de Edgard G. Ulmer.
La celebrada "pasión" seguro que se produjo más entre Lana Turner y los espectadores que entre la pareja protagonista.
Garnett saca adelante la trama del thriller con dignidad siendo, a mi juicio lo mejor, la valentía y el descaro con la que aborda los diálogos insoportablemente  machistas del siempre eficiente Cecill Kellaway en el papel del marido, los policías corruptos y el cinismo brutal de los representantes de la ley que se toman el caso como un juego personal.
Es la tercera versión de la obra de Caine y la que ha quedado como película de culto, quizás porque como dice el refrán: "tiran más dos tetas que dos carretas". En este caso el cuerpo de diosa de la Turner enmarcado por su inmaculado e irracional vestuario.    













EL HIJO DE SAÚL

 6
1 h. 47 m.
Hungría / 2015
László Nemes



Es inevitable no partir desde el respeto y la congoja ante cualquier propuesta artística que nos recuerde necesaria y periódicamente las atrocidades que somos capaces de cometer de forma sistemática y organizada los "civilizados" humanos.
Dicho esto no significa que dichas propuestas sean artísticamente obras maestras.
La evidente y notable voluntad formal de László Némes de contar el horror desde un punto de vista muy subjetivo recurriendo a opciones técnicas como desenfocar el segundo término, abrir muy poco los planos, cerrar el formato de pantalla y sobre todo el audio fuera de campo, a mi juicio no funciona como debiera, lastrada además por una historia particular a la que le sobra metraje, un ritmo narrativo que apenas avanza una vez planteado el conflicto del personaje y un actor que se ve preso de su propia expresión ausente, sin matices, que le obliga a reflejar su aislamiento exterior y su lucha interior. Una vez más el que todo esté justificado no significa que funcione hacia un espectador consciente  de la propuesta desde los primeros minutos y al que le sobran muchos minutos más si no se propone nada nuevo.
Ocultar al monstruo siempre ha funcionado mejor en las películas de terror que no enseñarlo. El espectador utiliza su imaginación que siempre es más terrorífica que el propio monstruo, pero aquí el problema es que el espectador ya conocemos la fisonomía del monstruo y en este caso del holocausto, desgraciadamente su imágen, su realidad es mucho más pavorosa que aquello que podamos imaginar. Por ello la propuesta formal de Nemes no funciona más allá de atisbar rincones de los campos de exterminio donde la burocracia del horror lleva acabo su macabra labor con hombres y mujeres capaces de lo que sea por sobrevivir por encima de los demás.
Tildada  de obra maestra y multipremiada, "El hijo de Saul", para mi es una necesaria y sobrevalorada propuesta que no consigue provocarme y renovarme las emociones que ya tenía y sigo teniendo de antemano ante la vergüenza y el miedo que me da la especie a la que pertenezco. 







LOS ODIOSOS OCHO

 5
2 h. 57 m.
USA / 2015
Quentin Tarantino




En los primeros minutos el primer plano de un cristo de madera se va abriendo progresivamente hasta la cruz en que esta tallado y en un glorioso Panavisión surge la inmensidad nevada en la que un punto en la distancia se va transformando en una icónica diligencia que cabalga aupada sobre el pentagrama del maestro Morricone.
Uno no puede dejar de salivar ante lo que huele a obra maestra del género. Luego la inmensa y brutal decepción.
Tarantino a partir de entonces no nos regala ni un solo plano que no pudiera haberlo firmado cualquier imitador banal de su maestría como director, sus diálogos siempre brillantes acaban por empacharnos en un metraje desaforado donde invocar a Agatha Christie es mentar el nombre de la diosa en vano, cosa que se viene haciendo mucho últimamente cada vez que alguien confunde alguna incógnita en la trama con un misterio bien elaborado. El personaje de Samuel L. Jackson sería el hazmerreir de la prima segunda de la Srta. Marpple. Conoce a la perfección la mercería  de Minnie y sus dueños, sospecha de todo y no se acuerda de que la chistera por donde salen los conejos tiene doble fondo...
El reparto de lujo ejerce básicamente de maniquíes para lucimiento de vestuario y aderezos armamentísticos y rascan con profesionalidad contrastada los retazos del Tarantino más inspirado. Un Tarantino pagado de si mismo que seguro que se lo ha pasado en grande jugando a masacrar a sus muñecos en la consabida fiesta de la sangre que en esta ocasión no viene precedida de todo aquello que, visualmente o no, lo justifica con el acierto que nos tiene acostumbrados este  niño grandote que ha sublimado las series B con una maestría irreverente  y gozosa que en este caso se le ha ido de las manos.







PAISÁ (CAMARADA)

 9
2 h. 5 m.
Italia / 1946
Roberto Rossellini





En 1946, un año después de que su cuarto film "Roma ciudad abierta", triunfara internacionalmente dando comienzo al rupturista neorrealismo italiano, Rossellini "estrenó" dos películas: "Desiderio" y "Paisá". Aunque la primera la empezó a rodar en el 43, fue interrumpida por la guerra y la terminó Marcello Pagliero al final de la misma cambiando el guión. Su temática sobre una mujer promiscua sexualmente  hizo que la censura la hiciera desaparecer. El propio Pagliero había contribuido con Rossellini en "Roma..." y colaboró en el guion de la que nos ocupa.
"Paisá", voz italiana con la que se denominaba a los soldados americanos que liberaron Italia de la ocupación nazi, es un mosaico de seis episodios con seis guionistas diferentes entre ellos Fellini que tomando como hilo conductor  el periplo de las tropas americanas en Italia refleja la realidad del país desde distintos puntos de vista, partiendo de lo individual para y casi anecdótico para llegar a una generalidad que va más allá del conflicto y de las relaciones entre liberadores y liberados para acabar siendo una reflexión sobre la fragilidad humana y el sinsentido de cualquier guerra.
Rossellini sigue  ahondando en el neorrealismo: espacios reales y ausencia de actores profesionales. El resultado a pesar de ser alabado por la crítica no gusta a todo el mundo y se critica el bilingüismo de la cinta y la falta de emotividad ante unos actores excesivamente simples y esquemáticos que no potencian el drama y los dialogos de sus personajes como lo harían los profesionales.
Personalmente pienso que la cinta es una maravilla y que cada uno de los episodios esta rodado con maestría, un ritmo y unos movimientos de cámara precisos que imprimen belleza y desolación a cada uno de ellos en su justa medida. Los personajes son en su desgarradora simplicidad inolvidables y Rossellini acertadamente no enfatiza ni subraya la tragedia que conlleva cada uno de ellos. No creo que se pueda comparar con "Roma...", es otra mirada que bebiendo de las mismas fuentes ahonda en las raíces del desastre.
Las escenas documentales enmarcan el contexto de cada uno de los episodios, impregnados de una fatalidad solo rota por la esperanza del episodio en que los frailes son capaces de sugerir esperanza en aras de algo o alguien superior a las mezquindades humanas.
Rossellini contó con el apoyo de la MGM para la financiación que quizás esperaba otro tipo de film y no una obra tan genial con un tratamiento tan especial como esta.



















SECRETOS DE GUERRA

 7
1 h. 34 m.
Holanda / 2014
Dennis Bots



Las series de televisión y películas de corte familiar parecen ser lo que sustenta la carrera hasta la fecha de este director nacido en Zambia y cuya imagen me recuerda mucho a Iniesta.
Sin abandonar del todo estos presupuestos decide con este film dar un salto cualitativo tocando un tema tan espinoso como el colaboracionismo de buena parte de la población de muchos países ocupados por los nazis en la segunda guerra mundial y que como es lógico dichos países han procurado y procuran esconder lo más posible.
Todo ello visto a través de la mirada inocente de tres chavales que van a descubrir por las bravas el mundo que sus mayores han construido o mejor dicho destruido. Los valores sin etiquetas ni prejuicios que de forma natural atesoran son la semilla de una esperanza en un mundo mejor por la que acaba por apostar un guión bien ejecutado y producido que peca de cierto subrayado sentimental en su tramo final.
El excelente trabajo actoral de los tres chavales protagonistas y el substrato del asunto hacen que ocupe un digno lugar en una cartelera plagada de estrenos mejor promocionados y de inferior interés.







NO ES MI TIPO

 7
1 h. 51 m.
Francia / 2014
Lucas Belvaux

Una gratisima sorpresa que nos llega con dos años de retraso. Un drama romántico vestido de comedia que hila muy fino y que, a mi juicio, da en el clavo del fracaso de una gran parte de las relaciones entre humanos en el capítulo que hemos dado en llamar amor y cuya complejidad suele banalizarse tanto como sobrevalorarse. Un planteamiento sin lugar a dudas de corte filosófico entre canciones de karaoke con una Emilie Dequenne en estado de gracia.
Hay que tener mucho valor, fuerza y una lucidez mental a prueba de todo tipo de bombas emocionales para mantener firmes las riendas cuando hay que elegir entre los cantos de sirenas, los refugios de cobardes, el miedo a la soledad, la pasión de la carne y las fantasías propias de cada cual para optar por el camino que bordeando el precipicio nos salvará del fracaso y nos llevará a la salida donde nos encontraremos con nosotros mismos.
Balvaux nos lo cuenta con corrección, alguna falta de ritmo y una mirada cómplice con Dequenne que acaba por enamorarnos.  












LEGEND

 6
2 h. 11 m.
Reino Unido / 2015
Brian Helgeland



Helgeland ha escrito grandes guiones merecedores de Oscar y otros que se han llevado el Razzie. Aquí se queda a medio camino en una cinta que dirige con solvencia y una notable puesta en escena del east end londinense donde destaca la labor de Caroline Harris como diseñadora de vestuario.

El periodo de los años 60 en que los ex-boxeadores hermanos Krey ejercieron su actividad gansteril da mucho juego para un biopic no muy esclarecedor basado en el libro "The profession of violence" de John Pearson. El esbozo de los personajes se queda en su fachada exterior, amén de que Tom Hardy se luzca con un doblete actoral memorable, y la película de gangsters queda en un pálido remedo de las obras maestras de Scorsese, derivando hacia una historia de amor que merecería un mayor desarrollo y que a la postre es lo que mejor funciona con una Emily Browning destacada.  








HABLAR

6
1 h. 15 m.
España / 2015
Joaquín Oristrell



Cristina Rota y su escuela de teatro afincada en la Sala Mirador, sacan su ejercicio de final de curso a la calle e invitan a ilustres conocidos a participar en su fiesta privada reivindicativa y promocional.
A los mandos Oristrell que sale airoso del plano secuencia total y escribe un guión de textos variopintos de mayor y menor fortuna, en unas vidas cruzadas sin apretar demasiado en ninguna, para que todo funcione con buen rollito teatral y pasemos un rato agradable en el que se reivindica la palabra como hecho sustancial del ser humano, mientras, por si no lo sabíamos, nos enteramos de lo mal que esta todo y que "all you need is love, love, love. Y si bien es cierto que en el principio fue el verbo, (Sófocles)  no es menos cierto que todo cobró sentido cuando se dijo; "hágase la luz" (Hnos. Lumiere).
Teatro filmado a la postre con actores pasándoselo bien. Lo justo  para que la "catarsis del tomatazo", emblema de la Mirador no tenga efecto. 






BREVE ENCUENTRO

 10
1 h. 25 m.
Reino Unido / 1945
David Lean





El británico David Lean inició su carrera de director de cine en simbiosis con el afamado dramaturgo Noël Coward con el que realizó sus cuatro primeros films desde el 42 al 45. La que puso fin a su relación artística fue esta adaptación de una pequeña pieza de Coward "Still Life" (1936). La cosa no pudo salir mejor compartiendo la Palma de Oro en la primera edición del festival de Cannes.
El guión a tres manos es milimétrico y ejemplar, escrito por el propio Coward, Lean y Anthony Havelock Allan. Así como las sinceras y estupendas interpretaciones de un novato Trevor Howard y la experimentada actriz teatral Celia Johnson que ya venía colaborando anteriormente con Coward y Lean.
Este fortuito encuentro entre dos burgueses de mediana edad casados y con hijos, en la estación donde toman el tren todos los jueves, supone un terremoto en su vida emocional acotado por responsabilidades y prejuicios sociales que hará tambalear sus vidas y pondrá sobre la mesa el dilema moral de hasta donde  y a quienes estamos dispuestos a sacrificar si el tren de la pasión, la felicidad o el amor nos dan la oportunidad de subirnos en marcha antes de que quizás los perdamos para siempre, aún a sabiendas de que dicho tren pueda ser un espejismo y que tales dichas absolutas no existan en realidad. La implicaciones y consecuencias son apasionantes y vertiginosas, más en los años cuarenta y Coward y Lean, sobre todo Lean nos lo muestra con una contención y un cariño por sus personajes que no limitan ni un ápice la tensión centrada en una espléndida Celia Johson cuya narración en off de lo que va ocurriendo no impide que Lean de un recital de dirección, con un montaje ejemplar y un aprovechamiento fantástico de la estación y su entorno de estudio donde se desarrolla la mayoría de la acción. La fotografía Robert Krasker se luce con las sombras igual que en los exteriores y Rachmaninov hace lo propio con la música.
Capitulo aparte el contrapunto y desahogo cómico de los secundarios en el bar de la estación a los que Lean les concede todo el tiempo y mimo necesarios y los amigos que ejercen la presión social, todos estupendos.
Más tarde llegarán títulos míticos junto al río Kwai, la Rusia de Zhivago o la arenas de Lawrence todos ellos con trenes que nos llevarán de vuelta a la inmortal y ficticia estación de Milford Junction donde la arenilla desprendida de cualquier tren puede obrar un milagro. 
  












EISENSTEIN EN GUANAJUATO

 5
1 h. 45 m.
Holanda / 2015
Peter Greenaway




Greenaway es uno de esos directores a los que hay que darles de comer aparte. Su personal autoria siempre esteticista y provocadora, experimental, han dado una filmografía poco conocida para el gran público y de difícil paladar.
A sus 74 años  indaga con este film en el periodo de un año que el mítico director soviético Eisenstein estuvo en México tras su breve paso y fracaso en Hollywood por presiones políticas.
La desconcertante visión que el director británico da del genio cinematográfico, habla poco de su manera de entender el cine y usa y abusa de su hipotético despertar homosexual con su ayudante mexicano. El tono semidocumental y la inserción de imágenes reales de carácter didáctico se mezclan con los intereses estéticos de Greenaway apoyado en el mundo de los muertos mexicano, abundancia de desnudos masculinos, humor y situaciones inverosímiles que acaban por distorsionar al personaje central  del asunto y, al menos en mi caso, aburrir al personal. Uno de los pecados más graves de las tablas de la ley cinematográfica de las que Eisenstein fue escritor destacado. 










STEVE JOBS

 7
2 h.
USA / 2015
Danny Boyle



La biografía que escribió Walter Isaacson necesitaría y merecería una serie televisiva de calidad de al menos 10 horas de duración. Leanla.
La síntesis, el guión adaptado, que ha realizado Sorkin de la misma, demuestra lo bueno que es Sorkin para, dejándose  en el tintero más de tres cuartas partes de lo que se cuenta en el libro, (su mujer y sus tres hijos desaparecen al igual que su relación con Pixar) construir una semblanza de dos horas con diálogos intensos marca de la casa y emotividad dirigida al gran público. La formula debería haber funcionado como producto comercial, pero no lo ha hecho y ese gran público al que va dirigida le ha dado la espalda. Jobs como persona y el "juego de tronos" de la marca Apple son mucho más complejos y el ritmo vertiginoso que imprime Boyle no es lo que se dice esclarecedor si no te has leído el libro y con atención.
Paradojicamente ese ritmo, con un montaje sobresaliente hace que la narración sea original, excitante, frenética en ocasiones y visualmente reconfortante. Tanto director como guionista se lucen a costa de dejar al propio Jobs en segundo término.
Fassbender  sigue demostrando que esta en lo más alto de su carrera y que puede con todo, notablemente secundado por el resto del elenco. 
"Steve Jobs", del 2015 nos quita el mal sabor que nos dejó "Jobs" (Joshua Michael Stern / 2012). Ambas sin embargo no acaban de atrapar la esencia del encantador de serpientes que distorsionó nuestra realidad a su imagen y semejanza.  











MACBETH

 5
1 h. 57 m.
Reino Unido / 2015
Justin Kurzel



Si a uno le dan cuatro semanas, un presupuesto de serie B, y que se apañe con escenografía reciclada de otras producciones para llevar a la pantalla la inmortal obra del taimado rey escoces y su manipuladora señora, lo normal es que el fiasco sea tan grande como la fama de Shakespeare. A no ser que seas un genio y te llames Orson Welles.
El australiano Justin Kurzel no lo es, a pesar de que a la crítica en general le ha encantado la propuesta.
Personalmente me he aburrido. Cosa impensable con el bardo inmortal. Si uno se mete con un texto como este que ya ha tenido quince versiones en pantalla e infinitas en las tablas, es lógico que se intente hacer algo diferente y Kurzel realiza una propuesta interesante con esa mezcla textual y estética solapada y un tratamiento más asequible de los grandes personajes, a veces tan asequible que, como a Lady Macbeth, la pierde entre las innumerables nieblas de las Highlands. 
La innovación desgraciadamente no es sinónimo de que la cosa funcione y para mi, no funciona. Sobre todo cuando hay dos o tres versiones magistrales con las que comparar los que ya peinamos canas. La solvencia actoral de Fassbender y Cotillard está fuera de toda duda y sobre todo el primero realiza un gran trabajo.
Kurzal ha dado un salto arriesgado en su tercer film y primero fuera de Australia. Ha preferido la violencia de las batallas, la cámara lenta, los flashback al proceso que lleva a los personajes a sus crímenes y maquinaciones. Cercena partes del texto imprescindibles con la misma soltura con la que escamotea caballos en la batalla, castillo en Inverness o puesta en escena de las brujas. A cambio nos regala un asentamiento de tiendas de campaña en medio de la nada, mucha niebla y poca luz en general para potencia la oscuridad del alma de unos personajes a los que habría que dejar más maridaje con el texto para que fueran ellos los auténticos protagonistas y no el director.
El cine, el bueno, es cierto que puede sustituir y debería hacerlo más a menudo, la palabra por la imágen y hay que hilar muy fino cuando el texto es de primera. Con Kurzel, a mi juicio, no se da el caso.







THE AMERICANS (TV. Sesión 4)

6
13 episodios de 43 m. aprox.
USA / 2016
Joe Weisberg / FOX




"The Americans" vive de las rentas en esta cuarta temporada. El original planteamiento de estos espías ochenteros de la guerra fría y su dicotomía existencial ante lo que les llevó a donde están y lo que son en la realidad, produce una esquizofrenia adictiva que nos tiene enganchados y queremos saber como terminará el asunto. Asunto que en esta temporada flojea y da síntomas de cansancio argumental. Apenas algunas escenas de un puñado de los trece episodios mantiene la tensión de temporadas anteriores y todo se deja llevar en una prolongación algo forzada de las mismas en la que Page, la hija mayor toma el epicentro de las tramas resquebrajando la solidez de un entramado que empieza a hacer aguas por muchos sitios y personajes.
Hay renovación para una quinta y sexta y final temporada. Deberían aprovechar la fecha de caducidad para terminar a la altura de la propuesta inicial. 





BUD SPENCER (1929-2016)

Pura energía vital, la de este Napolitano que en su juventud la canalizó a través de la natación y el waterpolo ganando medallas para Italia en varios Juegos Olímpicos.
A caballo entre Sudamérica y Europa, Carlo Pedersoli casi en la cuarentena decidió probar suerte en el cine italiano donde la trilogía de los llamados "spaghetti western" de Sergio Leone con Eastwood a la cabeza ya había triunfado mundialmente.En su estela surgió la variante cómica, una screwball con toques absurdos en las que era obligatorio no solo aparentar que los desiertos almerienses podían ser territorio USA sino que los actores también lo eran. Y ahí se encontraron para la posteridad durante dieciséis films  Terence Hill (Mario Girotti), guapo y listo, con Bud Spencer (por la cerveza y Spencer Tracy) forzudo tontorrón.
Ambos tenían química, eran simpáticos y empatizamos con ellos en sus aventuras lineales y esquemáticas ya fuera en el Far West o en el Nueva York contemporáneo.
Bud tenía una bonita sonrisa y dominaba una de las mejores técnica de las legendarias comedias de dos rollos del cine mudo: repartir sopapos a diestro y siniestro. Eso si, con la mano abierta o el puño cerrado a modo de martillo en la cabeza como si de un gran muñeco de guiñol se tratara, dejando claro que todo iba de broma. 
Nos hicieron reír y mucho a todo tipo de público. Enzo Barboni fue el director que les sacó más partido desde la genial "Le llamaban Trinidad" (1970). "También los ángeles comen judías" (1973) la recuerdo con cariño.
A partir de los ochenta su presencia aún siendo constante ocupó un segundo plano en el que el inquieto Bud, fundo una linea aérea de carga, produjo, compuso y cantó.
Su rotunda imagen repleta de bonhomía forma uno de los perfiles icónicos del pasado siglo. 
Dicen que sus últimas palabras fueron: "gracias". Las que ud. tiene señor Bud Spencer.    






















CARLITOS Y SNOOPY

 8
1 h. 33 m.
USA / 2015
Steve Martino

en
Desde su nacimiento en 1950 de la mano de su creador el estadounidense de padre Alemán Charles M. Shultz, hasta su fallecimiento en el 2.000, la tira cómica diaria "Peanuts" ( traduzcase en sentido figurado como "pequeñeces") no ha dejado de ser un éxito en todo el mundo.
El niño Charlie Brown, sus amigos y su perro Snoopy no han dejado de emocionarnos y sorprendernos con sus pequeñas y grandes aventuras. Lo cotidiano se mezcla con las fantasías marxistas (de Groucho Marx) de Snoopy y Woodstock y los estereotipos humanos se ven reflejados en estos niños norteamericanos, primos hermanos de Mafalda y los suyos creados por Quino catorce años después.
Su traslado a la televisión, generalmente en especiales de Navidad siguieron manteniendo el éxito, entre chicos y grandes.
Ahora después de dieciséis años de la desaparición de Shultz dan el salto a la pantalla grande de la mano de Blue Sky Studios responsables de la saga "Ice Age" y de un Steve Martino, esta vez en solitario que ya demostró con "Ice Age 4" (2012) y "Horton" (2008) su solvencia en el campo de la animación.
Lo mejor de la cinta es que ha sabido capturar el espíritu de las tiras cómicas y que este niño torpe y acomplejado de gran corazón y su inclasificable y genial perro fisgón no le temen a pesar del paso del tiempo a los revolucionarios Pixar y cia.
Totalmente disfrutables. Te lo juro por Snoopy.











LOS MEJORES AÑOS DE NUESTRA VIDA

 10
2 h. 50 m.
USA / 1946
William Wyler


Algunos directores dejan su impronta como "autores", otros son eficientes artesanos, el centroeuropeo Wilhelm Weiller, nacionalizado estadounidense como William Wyler simplemente se limitaba a hacer películas maravillosas.
Una de ellas, probablemente entre sus mejores trabajos, es este  melodrama recién terminada la contienda mundial que se atreve a ir contracorriente y criticar de manera firme pero sin estridencias el amparo social que la nación más poderosa de la tierra dio y sigue dando a los ciudadanos que dieron y dan buena parte de sus vidas, cuando no la pierden, por ella.
El guionista Robert E. Sherwood a punto estuvo de ser procesado por el temible comité de actividades norteamericanas por ello.
El caso es que Wyller repitió el Oscar que ya se había llevado a comienzos de la contienda con "La Sra. Miniver" en el 42 más otras siete estatuillas por si quedaba alguna duda. 
El reparto está espectacular, todos y cada uno, destacando el veterano de guerra Harold Russell que sin ser profesional (no figuraba su imagen en la cartelería) se llevó dos Oscars, uno por su interpretación y otro honorífico por si acaso. El único que lo ha hecho en la historia. La estrella era Myrna Loy con el caché más alto.
Basada en la novela en verso libre de McKinlay Kantor "Gloria para mi" sobre un encargo del propio Samuel Goldwyn. A Kantor no le hizo mucha gracia el cambio de título ni la adaptación de Sherwood, pero el tremendo éxito en la taquilla dejó a todos contentos.
El humor y el amor están muy presentes y Wyller da una lección de ritmo narrativo y buen hacer con escenas memorables durante casi tres horas que se siguen sin que decaiga el  interés. La emotividad, la amistad, la camaradería, el papel de las mujeres como solido pilar y refugio para rescatar del horror a esos combatientes, sobrellevando el suyo propio..., todo encaja con una mesura y un gusto exquisito. Y por si fuera poco lo fotografía una leyenda como Gregg Toland. Indispensable.













EL DESAFÍO (THE WALK)

 6
1 h. 56 m.
USA / 2015
Robert Zemeckis



Si uno quiere realmente ver en tres dimensiones la historia de la increíble hazaña de Philippe Petit no debería recurrir al recurso de las maravillas tecnológicas como hace y muy bien Zemeckis sino acudir cuanto antes al oscarizado documental del británico James Marsh, "Man on wire" (2008) y de paso ir corriendo a ver "Proyecto Nim" (2010).
En "Man on wire" encontraremos las autenticas dimensiones: la de la hazaña en si, el planteamiento de la misma, y el rostro humano de los integrantes que la llevaron a cabo, sobre todo por supuesto el de Petit, mucho menos light que el que nos presenta un Zemeckis, que en base al espectáculo comercial edulcora todo el metraje a riesgo incluso de que no valoremos en su justa medida lo que se siente cuando lo vemos "pasear por las nubes" sin chroma que valga. La experiencia es desde luego inolvidable.
Así pues la propuesta de Zemeckis y su alarde tecnológico queda más bien en una y única dimensión: la del puro entretenimiento.   









INVISIBLES

 6
2 h. 
USA / 2014
Oren Moverman




Las inquietudes sociales de Moverman y Gere confluyen en una obra loable y desigual de excesivo metraje que si bien refuerza el paso del tiempo de aquellos que apenas es lo que poseen, no invita al espectador medio a permanecer en la butaca sin algún giro que movilice la historia.
Gere apunta que no hay más historia que la sensación de compartir la incertidumbre vital de esos miles de hombres y mujeres que los diferentes sistemas sociales van excretando cuando no se los necesita o cuando los dioses caprichosos hacen que se descuelguen del pelotón de cabeza y que mañana podemos ser cualquiera de nosotros.
Quizás la apuesta por un blando termino medio entre lo semidocumental y lo comercial no sea lo más acertado, con ese final para la galería, esperanzadora luz al final de un túnel para esos miles que ni siquiera tendrán acceso al film y que en caso de tenerlo, como en "Los viajes de Sullivan" (Preston Sturges / 1941), prefieran algo que les haga reir y evadirse.
Se agradece el esfuerzo interpretativo de Gere y Morevan consigue momentos de intensidad poética a través del filtro metafórico que supone el distanciamiento de la cámara, pero no creo que el planteamiento consiga remover demasiadas conciencias que a la postre debía ser el objetivo principal. 










45 AÑOS

 8
1 h. 33 m.
Reino Unido / 2015
Andrew Haigh



Este es uno de esos films que parece requerir que el espectador tenga una cierta edad para que el impacto emocional no solo se entienda mejor sino que se sienta.
Una sencilla y demoledora historia, rodada con exquisito tacto y gusto en la que descubrimos que por mucho que compartamos, nacemos y morimos solos. Conocer al otro en su totalidad es imposible y todos guardamos nuestros secretos particulares como una esencia secreta intocable y a veces inconfesable.
Por otro lado y no menos importante el camino que elegimos o por el que nos lleva la vida hace que nos amoldemos a él para poder subsistir con la estabilidad necesaria, renunciando a pequeñas o grandes cosas, quizás más arriesgadas, pero siempre más pasionales y que a la larga nos pasan factura emocional. El autoengaño hace que las aguas sean más calmas en las relaciones "para toda la vida".
Afortunadamente no siempre es así, pero esta mujer que encarna una Charlotte Rampling en estado de gracia actoral un día descubre la grieta por donde el pasado aparece de repente como un fantasma y empieza a resquebrajar un mundo de certezas imposible de remendar.







LOS IMPUNES
Richard Price / 2015
Edit. Random House / 2016
411 Págs.


La única referencia que tenía de Richard Price es su labor como guionista en algunos capítulos de la excelente serie de televisión "The Wire" y la del guión de "El color del dinero" (1986/ Martin Scorsese). Buena tarjeta de presentación.
Así es que de sus nueve novelas esta es la primera y espero que no sea la última que cae en mis manos. Price, niño criado en el Bronx, sabe de lo que escribe y describe y lo hace muy bien. Los ambientes urbanos, los diferentes distritos de Nueva York, esos ecosistemas particulares, junglas donde la biodiversidad de especímenes humanos se depredan entre si intentando sobrevivir bordeando todas las reglas son su especialidad.
El NYPD y sus hombres patrullan noche y día las calles, la ley dentro de la ley donde cada brigada o hacen piña cubriéndose las espaldas o pueden acabar perdiendo la razón o algo más. De esos hombres, de sus lealtades y sus miserias Price construye un entramado trufado de casos cotidianos por resolver que se acumulan sobre unos inspectores que luchan entre el deber  y el mirar para otro lado.
Una de esas brigadas ya desaparecida, "Los Gansos Salvajes" son el marco donde Price traslada a sus "capitanes Ahab". La culpa y la obsesión se vuelven a dar cita para perseguir hasta el final a sus "Blancos" (título original de la novela) basado en el color de Moby Dick.
Ambiguo moralmente, Price pone sobre la mesa la justicia divina y humana, el ojo por ojo o la ley por encima de todo. Los diálogos son brillantes y el ritmo intrincado y fluido te atrapa desde el primer momento. Es una gran novela en la que por debajo fluye un thriller más convencional. El thriller que bajo seudónimo Price quería escribir para recaudar pasta para escribir lo que quisiese. Al final no ha podido evitarlo y le ha salido lo único que sabe hacer que es escribir muy bien. 




PAPÁ O MAMÁ

 5
1 h. 25 m.
Francia / 2015
Martin Bourboulon






El planteamiento inicial no esta exento de atractivo. Un matrimonio burgués acomodado decide separarse porque se aburre de su regalada vida en común, sin importarles demasiado las consecuencias para sus tres maleducados, egoístas e insoportables tiranos que tienen como hijos. La lucha entre los padres para no cargar con la custodia de los hijos, le hará saltar la brecha generacional para putearles sin piedad en un abanico de situaciones provocativas y políticamente incorrectas, (algunas sangrantes socialmente como cuando el padre les lleva a una hipotética nueva vivienda, descubriendoles un mundo que para millones de personas es desgraciadamente real). Este cambio en el rol de papeles entre padres e hijos podría haber dado para mucho más, pero Bourboulon se queda en la parte facilona y la cosa deriva a una imitación de la "Guerra de los Rose" (1989 /Danny DeVito) sin más pena ni gloria.
La taquilla ha respondido y el director prepara una continuación. Para un servidor que siente vergüenza cuando lee por ahí cosas como: "una de las mejores comedias del 2015", la primera ha sido más que suficiente.










LA NOVIA

 5
1 h. 33 m.
España / 2015
Paula Ortiz



Con dos ovarios, Paula Ortiz tiene la osadía de meterle mano a "Bodas de Sangre" de García Lorca, en su segundo film después de su, a mi juicio, fallido debut, con la insufriblemente pretenciosa "De tu ventana a la mía" (2011). Menos mal que esta vez ha prescindido de la Verdú por una Inma Cuesta que parece haber nacido para este tipo de personajes y menos mal también que repite Luisa Gavasa, que nunca falla.
Ortiz, sigue con su estilo de marcado subrayado esteticista y pretenciosamente poético. Con Lorca, lo estético y lo poético da para mucho lógicamente pero es tal la altura de la obra del poeta granadino que solo un cineasta (quizás Saura lo consiguió en parte) que alcance un pálido reflejo del arte de Federico en su propio arte puede llegar a rozar el alma de sus versos. Y Paula Ortiz no es esa cineasta ni de lejos.
Solo puedo hablar de los primeros 40 minutos en los que he tenido que soportar un montaje chapucero y pegar el oído a la pantalla para poder medio entender lo que susurran los actores, que parece que son los versos de Lorca. Dicen que les pegaba el cierzo y no podían concentrarse en los diálogos. Pues vale.
Capadocia es muy bonita y el caballo negro y los torsos de armario ropero de Leonardo y el novio y la fotografía y la música, todo es tan bonito que raya en el tópico más cercano a la tarjeta postal que a la simplicidad mágica de esa tierra que absorbe y es testigo de  la sangre que derraman los hombres a base de cuchilladas de odio, rencor y pasión. Arrogarse la certeza de afirmar que a Lorca le hubiera gustado me parece tan pretencioso como la película.
En fin vamos a dejarlo.... Espero que el resto de metraje que no he visto sea del agrado del respetable y a otra cosa mariposa (lorquiana). 







THE SALVATION

 6
1 h. 32 m.
España / 2014
Kristian Levring



Quien le iba a decir a Levring, firmante del manifiesto "Dogma 95" que acabaría realizando un western tan convencional como este. Donde digo digo, digo Diego.
El caso es que desde presupuestos nórdicos y coproducción internacional el género sigue dando guerra y entreteniendo que no es poco. Todo no pueden ser revisiones maestras.
Levring se va a Sudáfrica a dar el pego en exteriores y filma con gusto y añoranza más de Leone que de Ford una historia mil veces contada, parca en palabras y tensión con el consabido tiroteo final. La fotografía acompaña y el dúo de pesos pesados nórdicos Mikkelsen y Persbrand cumplen vestidos al efecto dejando entrever que podrían formar una pareja interesante para mejores guiones. Casi que hubiera preferido a Persbrand en el rol principal. Eva Green siempre presencia inquietante, el buen hacer de Jonathen Pryce y un Jeffrey Dean Morgan que ensaya su malo malísimo de "The Walking Dead" conforman un elenco solvente para una cinta que sera fácil olvidar excepto su escena final.









DETOUR (EL DESVÍO)

 6
1 h. 7 m.
USA / 1945
Edgard G. Ulmer



No todos los centroeuropeos que recalaron e impulsaron el cine norteamericano en la primera mitad del pasado siglo fueron cabeza de león. Algunos como Ulmer acabaron siendo cabeza de ratón y ejercieron su arte en las películas de serie B o Z.
Ulmer puso todo su saber mamado de sus contemporáneos con los que trabajó como Max Reinhardt, Lang, Mornau, etc al servicio de dignificar cintas de presupuestos y guiones infumables donde su capacidad creativa como decorador y su imaginación expresionista sacaron petroleo de donde no lo había.
Una de estas cintas fue este noir atípico en la época de los grandes títulos del género que siendo indudablemente una mala película cuenta con los suficientes hallazgos estilisticos de Ulmer para conseguir una atmósfera desasosegante al servicio de un guión que probablemente sin pretenderlo es lo suficientemente ambiguo para que el espectador imagine la película que no es y se de por satisfecho. La escasez de medios hace que los clichés del noir tomen un rumbo que anticipa un naturalismo inspirador y que acaba a la postre por convertir la cinta en una película de culto.
El empujón que le dio Truffaut y cia al cine de Ulmer y la labor de revalorización de la obra por parte de su hija en los últimos años han contribuido a contemplar las series B de Ulmer con criterios al alza. 
Rodada en 6 día con un Tom Neal poco afortunado en su rol de hombre apocado e inocente manejado por los hilos del destino imprevisible que en su vida privada le llevó a ser condenado por el homicidio de su tercera mujer y una Anna Savage que es la que saca mayor rendimiento a un personaje por el que fue recordada con cariño en su longeva vida.







EL CUENTO DE LOS CUENTOS

 7
2 h. 13 m.
Italia / 2015
Matteo Garrone


Esta vez Garrone se ha ido de vacío del festival de Cannes. En cualquier caso el consolidado director italiano ha sorprendido con una propuesta tan diferente como eran entre ellas sus dos últimas cintas: "Reality" (2012) y "Gomorra" (2008), ambas con excelentes resultados.
Aquí apuesta por la fantasía impregnada de ciertos aromas visuales que pueden evocarnos a Pasolini y Fellini, recuperando el llamado "Pentamerón", cuentos napolitanos de Giambattista Basile, escritor nacido en el XVI, precursor de Perrault o los Hermanos Grimm.
Cuentos morales barrocos, tan educativos como sangrientos, fábulas de mundos mágicos y crueles, donde la belleza y la podredumbre física y anímica se dan la mano. Reyes, princesas, campesinos, brujos, animales imposibles y uno de los primeros ogros se entrecruzan en unas historias en las que Garrone y su equipo de actores internacionales (primera película en inglés del realizador), ejercen más que nada de bellos ilustradores en una muy cuidada producción.
La falta de ritmo general, y algún que otro bache en el desarrollo de las historias, hacen que la fascinación que producen no sea proporcional a nuestro interés y este decaiga durante el excesivo metraje.  














UN PASEO POR EL BOSQUE

 4
1 h 38 m.
USA / 2015
Ken Kwapis



Vaya por delante que mi libro de cabecera es "Una breve historia de casi todo", una obra maravillosa de divulgación científica que procuro regalar a todo aquel que creo se lo merece y que escribió Bill Bryson en el 2008.
Bryson, es famoso sobre todo por sus libros de viajes, como el que adapta la película del mismo título y que se basa en su propia experiencia por la ruta del Camino de los Apalaches cuando contaba 44 años. 
Obviamente las motivaciones de los personajes, a los 72 de Nolte y 75 de Redford cuando se rodó la película no pueden ser las mismas, pero el tema, el entorno, la aventura y el humor inherente en toda la obra eminentemente didáctica de Bryson prometian. Si a eso le añadimos que pudo ser el tan esperado reencuentro entre Redford y Paul Newman en la pantalla, pues...
Pero al final la cosa ha quedado en nada o casi nada, más allá de contemplar a estas dos leyendas del cine y ver como resisten cada uno a su manera el paso cruel del tiempo, tanto física como actoralmente. El guión es tan mediocre como la carrera profesional de un director que sorprende haya sido el elegido. Redford, que no es tonto ni mucho menos debía estar ya fallandole algo para no detectar el flojo telefilm de sobremesa que estaba produciendo. A parte de errores de bulto básicos como por ejemplo, mostrar un plano de la ruta supuestamente orientativo para los caminante que es más falso que Judas, sacar osos pardos cuando en los Apalaches solo hay Negros, etc, etc., y que el divulgador Bryson no debía haber permitido, Kwuapis no es capaz de sacarle partido ni limitándose  a rodar con algo de gusto al entorno de la ruta y rueda en estudio con sets de cartón piedra. Supongo que para poder iluminar mejor las arrugas de los actores y de paso ahorrar los gastos de sacar el equipo técnico a algún paraje escarpado.
La más lista es Emma Thompson que tiene la sabiduría de cobrar su sueldo y quedarse en su casa.  








DOPE

 6
1 h. 43 m.
USA / 2015
Rick Famuyiwa

Como su título (Droga), esta comedia con pretensiones sociales, producida por el gran Fores Whitaker, tiene algo de subidón en su planteamiento inicial que te mantiene atento hasta que progresivamente viene el bajón y descubres que no era oro todo lo que relucía. Mezcolanza de géneros adobada con buenas interpretaciones, y buen ritmo musical y narrativo, acaba por ser todo aquello contra lo que aparentemente se opone, convirtiéndose en una cinta comercial de guión algo embarullado, algunas situaciones cómicas y siempre provocativas sobre el mundo de los hermanos negros al que autoparodia con toda la galería de clichés al uso para terminar con la moraleja antidiscriminatoria de rigor.
En definitiva una forma light y a veces divertida de abordar un problema mucho más crudo y complejo de difícil solución. 










TECHO Y COMIDA

 7
1 h. 30 m.
España / 2015
Juan Miguel del Castillo



Más de 13 millones de personas en esta España del siglo XXI ni siquiera podrán ver esta película porque como Rocío su alma y su cuerpo bastante tienen con sobrevivir. A otros como Maria, su vecina, no les hace falta verla, para arrimar el hombro y lo que haga falta, muchos más se conformaran con darle un Goya a la actriz que representa a Rocío y mirar para otro lado. Unos pocos, aquellos que han hecho posible los millones de Rocíos, no creo que les interese el cine, la cultura y el arte en general a no ser que dé pingües beneficios y en general no es el caso.
Sálvese quien pueda, corrupto el que no lo sea, "España va bien" aunque sea en diferido, "Puedo prometer y prometo" que "unidos podemos". "Y de lo mio qué". Apuntarse a la cola de esclavos y soñar que "La roja" puede volver a ganar las primas por ganar que no renunciaron a cobrar ni donaron para meterle al menos un gol al Miseria y Pobreza F.C. (Felicidad Ciudadana).
Juan Miguel del Castillo lo intenta, que ya es mucho.












JESSICA JONES (TV)

 5
13 episodios de 50 m. aprox,
USA / 2015
Melissa Rosenberg / NETFLIX






Al rebufo de las exitosas  dos temporadas de "Daredevil", el desembarco de MARVEL en la televisión a través de NETFLIX ha encontrado un filón donde los superhéroes de bajo perfil, "de barrio", en la cocina del infierno neoyorkina sobre todo, pueden dar mucho juego. Superhéroes que tuvieron una acertada puesta al día con el sello MAX donde MARVEL de la mano de Brian Michael Bendis  los hizo más adultos y donde no escaseaba el sexo y la violencia en unas dosis que la televisión ha potenciado al limite.
Uno de estos personajes es Jessica Jones. Una detective a lo Philip Marlowe del siglo XXI dura por fuera, malencarada, cínica y alcohólica de traumático pasado muy blanda y de buen corazón por dentro que desface entuertos y resuelve casos con sus "dones" de super fuerza y vuelo (aquí lease saltos) sin tener que ponerse unas mallas de colores.
El perfil es muy interesante pero..., del dicho al hecho...
La serie ha acertado con la elección de Krysten Ritter como Jessica, una buena fotografía, la banda sonora con ecos de Blade Runner y una eficaz ambientación. Esfuerzo inútil que fracasa con una historia que no da para más allá de cuatro o cinco episodios y que es contada en 13 con rumbo errático, subtramas muy endebles, cuando no tediosas, y mucho metraje de Krysten luciendo trasero en sus perennes vaqueros gastados, y en un abuso indiscriminado de planos de acciones (pasear, subir escaleras, abrir puertas, coger taxis...etc) que eternizan los capítulos y que ignoran que hace tiempo que se descubrió la elipse como recurso narrativo. Todo suena a estirado para llegar al capitulo 13, las situaciones repetitivas se resuelven a base de picos de violencia inverosímiles y un malo que en manos de David Tennant como Killgrave podía haber sido excelso si el guión hubiese estado a su altura.
El capitulo de acción es más patético si cabe que el desarrollo de la trama y algunos secundarios.
Francamente me he aburrido más allá de los tres primeros capítulos que son los que únicamente se deben haber mirado los críticos para otorgarle los exagerados elogios que se ha llevado y más si la comparamos con el listón tan alto que se gastan muchas otras series en el panorama actual televisivo.
Al final me ha quedado la duda si Jessica Jones es un producto de serie B para sacar máxima rentabilidad sin quebrarse demasiado la cabeza o es la puerta que abre una senda por donde Luck Cage, Puño de hierro, la propia Jones y a la postre  "Los Defensores" tendrán el escaparate que se merecen. Veremos.  
    







LO QUE APRENDÍ DE MI PINGÜINO
Tom Michell / 2015
Edit. Plaza & Janes / 2016
256 Págs.





Si uno no está sobre aviso, la simpática portada del libro puede llevarnos a pensar que estamos ante literatura infantil o de humor, a lo sumo algo de divulgación de la naturaleza. Y aunque las tres cosas tienen cabida en el mejor de los sentidos en esta real, emotiva y aleccionadora historia de Tom Mitchell, nos encontramos ante un libro de un profesor británico que a los 23 años descubre que nuestro paso por el mundo no debería quedar constreñido al entorno donde nos haya tocado nacer y su circunstancia. Su afán de aventura vital le hace aceptar una plaza de profesor en Buenos Aires en la Argentina convulsa de los 70. Tom quiere que esta plaza sea el trampolín para para recorrer un territorio sudamericano donde aún el hombre puede ver las estrellas y sentir más que subsistir en la vida que nos ha tocado vivir.
Jamás podría sospechar que Juan Salvador o Salvado un pingüino de Magallanes entraría en su vida para enseñarle y  enseñarnos, a compartir una lección de vida que ni él ni nosotros, gracias a que a decidido ponerla sobre papel pasados cuarenta años, de forma sencilla, sin pretensiones literarias, deberíamos olvidar.
Es un libro que debería ser de cabecera y estar en la lista de todo sistema educativo, para situarnos en el mundo y no perder el norte de lo que somos. Los que compartimos la vida con otros seres no humanos sabemos que la balanza siempre esta muy desequilibrada en favor de ellos dándonos mucho más de lo que les damos.
No dejen de leerlo, regalarselo a quienes aprecien y poner en práctica lo que nos enseña este pingüino.

PD: Pueden ver un video de Juan Salvador/Salvado en youtube poniendo Juan Salvador pingüino y como muestra de que la historia de Juan no es una excepción ver el video de otro pingüino de Magallanes, Dim Dim, que fue salvado por un pensionista de morir asfixiado por el alquitrán y que regresa cada año del mar para convivir con su salvador durante unos meses.




EL CINE SEGÚN HITCHCOCK
François Truffaut / 1966-1983
Alianza Editorial / 2008
383 Págs.


Obra de referencia indispensable que se convirtió en un clásico no solo como vademécum de la obra de Hitchcock sino como declaración de intenciones sobre lo que debe ser el cine en las propias palabras de entrevistado y entrevistador, dos directores claves de la historia del séptimo arte separados por la brecha generacional pero coincidentes en su amor por el cine. Cine de autor según reivindica Truffaut para la obra de un cineasta al que siempre se le tildó de comercial e inverosímil por mucho maestro del suspense que fuera.
Entrevista donde se desgrana la obra de Hitchcock en riguroso orden cronológico, analizando sus aspectos puramente cinematográficos, no esperen ningún tipo de cotilleos morboso de su vida personal o de los actores, desde  el respeto mutuo de los dos directores y la evidente admiración de Truffaut por el maestro.
Un maestro que se revela permanentemente insatisfecho por su obra con buenas dosis de autocrítica y que encaja perfectamente las objeciones que Truffaut en ocasiones le plantea a determinados momentos de sus películas.
La carrera de Hitchcock permite ver la evolución del cine desde sus comienzos en el silente hasta la llegada de un sonoro, que según el maestro supuso una invasión de la teatralidad en detrimento del lenguaje de la imagen que solo unos pocos directores han intentado seguir manteniendo. Hitchcock no solo era un creador, un gran planificador sino que dominaba los aspectos técnicos que le permitían poder plasmar en mayor o meno medida, siendo pionero en muchos aspectos, lo que soñaba, preñado de cinismo y humor desde que era un niño gordito y solitario y observaba la vida a su alrededor sabiendo que un día sería el quien tomaría las riendas del juego. 
Su tema recurrente del falso culpable queda patente en el trauma que sufrió de pequeño cuando su padre le mando a una comisaria con una nota que debía leer  la policia y por la cual le encerraron unas horas en una celda sin que nunca, al menos eso dice él, supiera el motivo.
Leer en las propias palabra y de forma tan extensa la ilusiones y frustraciones de quien en sus 58 films supo manipular nuestras emociones y hacernos gozar con ello, supone compartir con el creador la pasión común por el cine.




DÍAS SIN HUELLA

 10
1 h. 41 m.
USA / 1945
Billy Wilder



A pesar del éxito un año antes de otra obra maestra como fue "Perdición", Wilder, aún no estaba plenamente reconocido por la crítica. A finales de la II Guerra Mundial apostar por un tema tan áspero y dramático tenía toda la lógica para ser, como fue, considerado un suicidio artístico. Wilder casi siempre a contracorriente se la jugó junto con Charlés Brackett y ahí comenzó la leyenda de la película ( 7 nominaciones y 4 Oscar) y el reconocimiento definitivo de Wilder como director.
Ray Milland, tercer actor en discordia después de que Cary Grant rechazara el papel y José Ferrer fuera descartado por el estudio, que ya había trabajado con Wilder en la comedia "El mayor y la menor" (1942) también se jugó su imagen interpretando magistralmente a un personaje atormentado y desagradable capaz de degradarse por una adición que nunca antes había sido tratada con tal realismo, en un tono semidocumental que Wilder maneja admirablemente. Milland también se consagró, hizo el mejor papel de su carrera y se llevó el Oscar.
La planificación, el guión, el ritmo..., no tienen desperdicio. Quizás Jane Wyman como la novia y Phillip Terry como el hermano resultan algo irreales y son fagocitados por Millan y las situaciones que crea Wilder sin pausa, con una angustia creciente que debió se más impactante en el público de esos años. El descenso y recorrido por los infiernos personales de este escritor frustrado que se esconde en la bebida si que deja una huella ardiente permanente en nuestra alma y un regusto exquisito en el disfrute del buen cine. Los hallazgos como los círculos que van dejando los vaso en la barra del bar son imborrables. Estupenda en su primer papel importante Doris Dowling que en ese tiempo mantenía una relación con el propio Wilder y que paradojicamente conoció a su mujer en el rodaje de la película.
Creo que fue el sindicato de bebidas alcohólicas el que ofreció a Wilder cinco millones de dólares de la época para que no hiciera el film. Hubiera tenido gracia que cuando el director los rechazó les hubiera dicho: Ni borracho. 










EN EL CORAZÓN DEL MAR

 7
2 h.
USA / 2015
Ron Howard


Si algo ha demostrado Ron Howard en su dilatada carrera es que es un todo terreno, ya sea por tierra, mar o aire, en las distancias cortas o en espacios abiertos, invirtiendo con buen ojo sus dineros como productor.
Al menos diez de sus veintiséis films hasta la fecha quedarán en nuestra memoria. No sé con seguridad si este será uno de ellos pero tiene opciones.
Poco a poco, voy desgranando Moby Dick (voy por el capítulo XXXVII) pero la cosa me está costando tanto como a Ahab perseguir su ballena blanca. Y es que la pasión de Melville por el mar y sus hombres a veces es tan descriptiva y didáctica que el ritmo se resiente.
Basado en los hechos que inspiraron al autor de Moby Dick su novela Howard nos lleva al principal centro pesquero de ballenas de Estados Unidos, Nantucket, a base de infografia a tuti plen para  embarcarnos en el "Essex", llenar los barriles de la codicia de los mercaderes y masacrar a diestro y siniestro a los grandes cetáceos, hasta que estos comprendieron que la mejor defensa es un ataque. Afortunadamente para ellos el petroleo vino a tomar el relevo de sus aceites esenciales y momentáneamente les dejamos en paz.
Al principio la cosa discurre por senderos marinos trillados: piques en los mandos del navío, mares bellos, tormentas furiosas y marineros curtidos. Tampoco podía faltar el grumete de turno. Más infografia que a veces me recordaba a la abundancia de las inefables transparencias del cine de épocas pasadas y a pesar de que Thor y Spiderman van en el barco, el cachalote moteado les da su merecido.
A partir de aquí la cinta toma otros derroteros, los actores empiezan a acercarse a personajes de carne y hueso y el rumbo del asunto toma cuerpo adulto y la aventura se tiñe de tragedia en una proeza, 95 días a la deriva y miles de millas náuticas que pusieron a prueba las mentes y las conciencias del puñado de hombres que sobrevivieron.
Melville no conoció el éxito de su obra inmortal. Howard disfrutará seguro de los parabienes de su película. 











LANGOSTA

5
1 h. 58 m.
Grecia / 2015
Yorgos Lanthimos



Al final no me va a quedar más remedio que admirar a este Ateniense que es capaz de venderle su moto a productores y actores de talla internacional e incluso llevarse premios de la meca de Cannes. 
Supongo que tal y como lo esta pasando Grecia y desaparecido Angelopoulos es bueno que cuente con una figura que al menos llame la atención fuera de su tierra. Y al cine en general tampoco le viene mal que alguien, aunque no acierte, remueva los conceptos.
Las pajas mentales de Lanthimos pasadas por una estilizada provocación visual donde no falta la violencia y el surrealismo dan lugares a situaciones de partida muy interesantes, sobre todo en la que nos ocupa. Pasado el planteamiento todo es banal y falsamente trascendente, donde lo importante parece ser ir encadenando una serie de ocurrencias metafóricas, cuyas claves no impiden el aburrimiento solemne.
En la primera parte, en la que transcurre en el hotel, las expectativas se mantienen, después es un quiero y no puedo. 









EL PUENTE DE LOS ESPIAS

 7
2 h. 15 m.
USA / 2015
Steven Spielberg



Huele a clásico, luce como un clásico, pero desgraciadamente, no es un clásico. Uno espera siempre con impaciencia los nuevos trabajos de un director que se ha ganado a pulso, eso sí, el título de clásico. En sus 27 películas, incluido esta, nos ha dejado una decena de ellos, en diversos géneros. Y en el resto al menos ha sabido reventar las taquillas y hacer industria.
"El puente de los espías" es un híbrido que refleja bien estás dos facetas, con un comienzo para enmarcar que nos hace retrotraernos a la época dorada del género y que progresivamente pierde fuelle narrativamente para terminar con un sprint en los últimos metros donde al padre de "Tiburón" y "E.T." se le ve el cartón sensiblero y acomodaticio pensando en el resultado de caja.
El diseño de producción es apabullante haciendonos viajar en el tiempo a pesar de estar plagadito de anacronismos impropios de tan magno presupuesto y tan  curtido equipo. Es cierto que el espectador no los nota, pero están ahí.
También los hechos reales, no son tan reales, como la diferencia de 20 años entre la edad de un Tom Hanks, 69, y el auténtico Donovan que por entonces tenía 40. Al final y no carece de importancia, nos deja el regusto sobre los títulos de crédito de que la U.R.R.S no concedió a su espía el reconocimiento que merecía, cuando es probado que fue todo lo contrario. Otro fallo y licencia imperdonable que huele a patriotismo barato.
En fin que Hanks  esta estupendo como siempre, que Mark Rylance le roba los planos llevándose el gato al agua y que Dios salve a América y la Constitución de los Estados Unidos dejándola en manos de esos hombre y mujeres íntegros que aún creen en sus principios honradamente.  











LOS CRÍMENES DEL MONOGRAMA
Sophie Hannah
Edit. Espasa / 2014
368 págs.


Los inmortales nunca mueren. Obvio. A pesar y por encima de sus propios autores Holmes ("El problema final") o Poirot ("Telón) que intentaron que no les sobrevivieran. Ambos vencieron a sus autores-asesinos, gracias a que los lectores de todo el mundo no podemos estar sin ellos.
Así que el detective Belga vuelve a emperifollarse sus atildados bigotes bajo la inmensa y doble responsabilidad de Sophie Hannah, poeta y novelista británica a la que los herederos de Agatha Christie le han pasado el testigo inmenso de evocar a su abuela.
Devoré la obra entera de Agatha Crhristie en mi adolescencia y comparar el estilo de la maestra con el de Hannah transcurridos más de sesenta años de su obra no tiene mucho sentido.
Hannah antes de asumir esta responsabilidad ya había demostrado con su trabajo de ficción que podía y ha podido insuflar nuevo aliento al personaje y evocar a su creadora. Lo más destacado a parte de una trama endiablada, no exenta de fallos "técnicos" no literarios y de explicación final algo farragosa, es el protagonismo del inspector de policía Catchpool como narrador de la historia y parte activa de la misma  descargando así a Poirot de los extensos interrogatorios omnipresentes en la obra de Christie. Se ha criticado cierta arrogancia del "nuevo" Poirot. Bueno..., Aghata  Christie lo definió así en los 60: "detestable, ampuloso, pesado, egocéntrico". La magistral interpretación que de él hizo Davis Suchet en las trece temporadas televisivas del detective, le dieron un aire más romántico del que tampoco es ajeno, aunque de forma sutil en la novela que nos ocupa.
La experiencia ha sido un éxito y Poirot otra vez de la mano de Sophie Hannah, volverá ("Ataud cerrado/2016) a ejercitar junto con los lectores sus famosas células grises.




EL ARDOR

 5
1 h. 30 m.
Argentina / 2014
Pablo Fendrik



La presencia hermosa y la mirada intensa del leopardo solitario que deambula por la selva, sabedor de que tiene perdida la batalla ante esa fiera inmisericorde que es el ser humano es la mayor aportación desoladora y poética que aporta Fendrik a un spaghetti western trasladado a la jungla donde todos los tópicos del género se dan cita en un ¿homenaje? carente de la pretendida profundidad que subraya el director con un mensaje ecologista y unos personajes arquetípicos mal dibujados. Algunas tomas intercaladas de la naturaleza expresan mejor la angustia por un paraíso herido de muerte.









THE DIARY OF A TEENAGE GIRL

 8
1 h. 42 m.
USA / 2015
Marielle Heller


La California Hippie, finales de los 60 y 70, despertar sexual, drogas, contracultura y su reflejo en el cómic underground con Robert Crumb a la cabeza, crearon un amago de revolución social, un camino no exento de riesgos, incertidumbres y peligros donde la mujer occidental dio un paso más en la búsqueda y reconocimiento de su propia identidad, en su independencia e igualdad ante el género opuesto que  viene sojuzgandola desde el principio de los tiempos.
El tiempo y el poder se encargó de comercializar, encauzar y dejar solo rescoldos, brasas de lo que pudo ser  y no fue. Los  acólitos de las "cosas como Dios manda" y los desastres de las drogas acabaron por trocar las ansias de libertad por un "bienestar social" atiborrado de cachivaches de consumo que prometían otra vida mejor.
En este marco la dibujante y novelista estadounidense Phoebe Gloeckner publicó en el 2002 su libro mezcla de prosa y cómic, sobre una adolescente, personaje recurrente en su obra, que inicia el camino anteriormente citado para después de vueltas y revueltas descubrir que quererse a uno mismo es la mejor manera de intentar ser feliz en el mundo.
Marielle Heller, hizo una adaptación teatral de éxito en el off-Broadway y de ahí a la gran pantalla con el mismo resultado.
El guión de la propia Heller es de una solidez notable, excelentes interpretaciones con una Bel Powley arrebatadora, que transmite con energía, emotividad y verosimilitud su despertar sexual y social y una atmósfera setentera de lo más kitsch, reflejada en la fotografía y el vestuario como elementos destacables.
Dibujante underground (Gloeckner) crea una adolescente que también es dibujante y que habla con el dibujo de otra gran dibujante como es Aline Kominsky casada con el padre del cómic underground Robert Crumb. Los tintes autobiográficos son evidentes y Heller plasma con belleza y acierto este mundo de psicodélicos y descarnados dibujos que no se cortaban un pelo en ir a contracorriente de todo lo políticamente correcto.
El tratamiento poco frecuente a la hora de abordar la adolescencia femenina contemporánea, alejado de las burdas comedias de colegialas, pone sobre la mesa, escandalizando a algunos, las verdades del barquero de nuestros hijos y las relaciones con ellos.
Minnie, la protagonista, viene a ser el reverso de la moneda de la Esther que interpretó La Garland en "Encuentrame en San Luis" (Vincente Minnelli / 1944). 


















THE ASSASSIN

 6
1 h. 45 m.
Taiwan / 2015
Hou Hsiao-Hsien



Desconociendo la abundante filmografia de este director Taiwanés de 70 años, uno lee por ahí que se ha mantenido siempre fiel a un estilo propio. Estilo insufrible para algunos e idolatrado por otros. "The assessin", intuyo, podría ser una muestra de todo ello.
Quienes se dejen influir por el título y la pinta del asunto sin más, pensando en una peli medieval de "acción de chinos", no saben lo que les espera. Aquellos que conozcan y degusten el buen wuxia, genero muy popular y en el que últimamente han dejado su impronta los más afamados directores chinos, también se sorprenderán, positiva o negativamente, depende de cada cual.
HHH (Hou Hsiao-Hisien), se lo lleva a su terreno, un cine más entroncado con los maestros japoneses Ozu y los samurais de Kurosawa. La sencilla historia, enrevesada por las elipses y la falta de explicaciones de HHH, es lo de menos. Aquí lo que importa y le interesa al director es crear con su pausada cámara una mirada contemplativa a la belleza de un mundo perdido (fantástico el trabajo de vestuario de Wen-Ying Huan y dirección artística de Ding Yang Wen) y las posibilidades que ello le ofrece para jugar con el color, los encuadres, el sonido (personalmente lo que más me ha gustado)..., elementos esenciales de la paleta de un cineasta más artista que narrador de historias.
La fotografía del laureado Mark Lee Ping Bin colaborador también de Wong Kar-Wai hace acto de presencia para rematar un espectáculo al que muchos habrán abandonado a los 15 minutos y otros revisitarán hechizados. Cannes le ha dado el premio a la mejor dirección. Sobre gustos... 













PAULINA

 6
1 h. 43 m.
Argentina / 2015
Santiago Mitre



Santiago Mitre continua con su discurso político-social que tan buen resultado le dio con "El estudiante" (2011). Lo que ocurre es que en esta revisión o puesta al día de la cinta homónima en su título original de Daniel Tinayre (1910-94) estrenada en el 61 en la que Mitre sustituye las convicciones religiosas de la protagonista por la conciencia social y de clases, su discurso narrativo a un servidor le aburre soberanamente.
Alabo por supuesto su descarada provocación y la reflexión que plantea, la excelente interpretación de Dolores Fonzi y los diálogos ético-filosóficos-sociales que mantiene con su padre, el también estupendo Oscar Martinez. Con buen criterio Mitre repite la estructura temporal de la cinta Tynaire..., pero con todo y con eso, el moroso ritmo y la falta de desarrollo de las motivaciones de una Paulina excesivamente hermética, hacen que el conflicto, más allá del fondo, sea laxo en la forma por mor de repetitivo.
Para la sociedad actual es más fácil buscar culpables de segunda instancia que hurgar en la dolorosa verdad que conlleva a los hechos que se juzgan y asumir su gran parte de culpa. Paulina, coherente con sus ideas es capaz de asumir el sacrificio que supone aceptarlo.







NADIE QUIERE LA NOCHE

 7
1 h. 58 m.
España / 2015
Isabel Coixet



No sé hasta que punto las auténticas Josephine Peary y la amante inuit de su marido Allakasingwat con la que tuvo un hijo, si aún vivieran, estarían encantadas con la libérrima versión que Coixet y su guionista Miguel Barros han realizado.
El caso es que dichos personajes dan pie para que Coixet dé un paso más en su carrera de excelente realizadora tomando equidistancia con el cine de sus comienzos y salga airosa, a pesar de recortar 20 minutos de metraje después de su pase en la Berlinale, con una película bella y angustiosa en la que La Binoche, como casi siempre se zampa el noventa por ciento del pastel.
Con dos partes bien diferenciadas. En la primera asistimos al empeño de una mujer que está dispuesta a sacrificar lo que sea con tal de seguir alimentando su existencia con el amor de un marido idealizado al que apenas ve. En la segunda, esta mujer descubre a la fuerza la realidad de un mundo donde las reglas se escriben de otra manera, quizás más autenticas, impelidas por una naturaleza bella y cruel que no entiende de normas sociales.
Todo lo narra Coixet o muy rápido y muy lento sin acabar de encontrar el ritmo adecuado, pero sin que ello impida que la historia nos sobrecoja por momentos y que al final demos por bien empleado el precio de la entrada. La realidad fue mucho más prosaica.
Gabriel Byrne apenas aparece para dejarnos unas gotas de la esencia de su arte.




EL VIAJE DE ARLO

 8
1 h. 40 m.
USA / 2015
Peter Sohn


Los niños probablemente no sepan que esta es la decimoséptima película de una compañía que revolucionó el mundo de la animación tomando el relevo a esa otra que ahora la posee económicamente.
Los niños seguro que no podrán compararla con aquellos referentes de los clásicos de una y otra compañía.
Los niños se emocionaran sin pensar que quizás haya personas detrás que acuden una y otra vez a escenas donde es imposible no soltar una lágrima.
Los niños aún no saben que hay un género llamado western donde la naturaleza siempre es el protagonista y que esta es tan bella como peligrosa.
Los niños saben que la amistad y el amor no se compartimentan en razas biológicas.
Los niños creen que los que se van empujan desde el más allá para  que consigamos  nuestro happy end.
Quizás por eso la entrega con retraso de tres años de las andanzas de este apatosaurio heredero de Gertie (Winsor McAy/1914) y su mascota humana en un prodigio de recreación natural sin precedentes, la he disfrutado como un niño.















ROMA, CIUDAD ABIERTA

 9
1 h. 40 m.
Italia / 1945
Roberto Rossellini



Aquí comenzó el neorrealismo italiano, una forma de hacer cine donde la historia está por debajo del sentimiento de sus protagonistas, donde se vuelve a mirar a los orígenes del cine silente para reflejar una realidad que nada tenía que ver con los mundos pseudohistóricos y musicales que entretenían al público hurtándole de esa misma realidad. Una realidad en plena guerra y posguerra de dolor y miseria pero también de sacrificio individual, de compromisos colectivos con la esperanza de un mundo mejor, de un sentido a la sinrazón que los rodeaba. La cámara se vuelve más libre y hace de la escasez de medios virtud. Los actores profesionales se mezclan con las gentes de la calle y los objetos y los entornos son aquellos donde ocurrieron los hechos.
Rodada apenas terminada la contienda, Rossellini la produjo como pudo y su reconocimiento con el premio en Cannes le catapultó a la fama y abrió un camino nuevo para contar historias, que Luchino Visconnti tres años después sublimaría con su "Ladrón de bicicletas".
Por aquí andaba ayudando en el guión un tal Fellini, actuando otro director Aldo Fabrizi  en el inolvidable cura que ayuda a la resistencia y sobre todo una Anna Magnani cuya presencia devora la pantalla encarnando a una mujer del pueblo que lo da todo por la piel de los suyos y que le serviría a la actriz para iniciarse como mito del celuloide.
Tiempos duros en blanco y negro donde hombres que se creen superiores imponen su ley alimentando las raíces del odio y la venganza en aquellos que los contemplan con ojos de niños que aprenden y nunca olvidan. 












MISTRESS AMÉRICA

 6
1 h. 24 m.
USA / 2015
Noah Baumbach



Noah Baumbach se ha afianzado con fuerza a partir del comienzo de siglo en el nicho de la comedia burguesa neoyorquina con toques de sofisticación intelectual al rebufo o mejor dicho a cierta proximidad del cine de Woody Allen, con un humor de incontinencia verbal cuyos frutos parecen ser más jugosos cuando le acompaña su musa, actriz y coguionista la estupenda Greta Gerwig. La fotografía de su habitual colaborador San Levy ayuda y mucho a enmarcar con gusto el ambiente urbano por donde deambulan sus personajes inquietos.
El problema a mi juicio es que solo se parece a Allen y salvo contadas excepciones en algunas escenas recordables la diferencia con el maestro siempre está presente. Así pues el cine de Baumbach, hasta la fecha, no encuentra su propia identidad ensombrecido por las similitudes con el maestro y sus historias y sus personajes se parecen mucho sin que las diferencias en las tramas prendan la chispa que marque la diferencia.
La comedia de esta treintañera que abarca pero no aprieta en su frenética vida se deja ver y se disfruta en sus interpretaciones con algunos momentos como la visita al vidente, estupendos. Al final uno sale con la sensación de que es más de lo mismo en el cine de Baumbach y que el techo que consiguió con la magnifica "Frances Ha", es un récord que le está costando batir.






I AM YOUR FATHER

 7
1 h. 22 m.
España / 2015
Toni Bestard / Marcos Cabotá



Impecable documental sobre el actor David Prowse que se encontraba tras la máscara del villano más universal: Darth Vader.
El dúo de directores ha sabido encontrar en él un buen tema con las suficientes aristas como para mantenernos interesados durante el metraje. Este hombre que fue culturista y campeón de halterofilia con sus 1.96 de altura se introdujo en el mundo del cine encarnando a diversos monstruos que le permitieron expresar corporalmente lo que no podía de otra manera al estar siempre enterrado por todo tipo de elementos de caracterización. Su fama le llegó a través de la televisión protagonizando a un superhéroe, Green Cross, que enseñaba a los niños normas de seguridad vial y por el que recibió la Orden del Imperio Britanico.
Pero fue su contratación para encarnar físicamente al archimalvado Vader, la voz la ponía James Earl Jones  en una película de ciencia ficción, Star Wars que acabó por ser un icono del séptimo arte, el que marcó un antes y un después en su vida.
A la biografía de tan singular personaje que en la actualidad cuenta con 80 años, y algunos entresijos del mundo Star Wars, se le une el hecho del conflicto que pone morbo al asunto cuando Lucasfilm acabó por hacerle la cama limitándose a utilizarle como simple percha del traje del malvado. Si bien es cierto que su voz no era la apropiada, que no se le daban bien las peleas con sable láser, en las que también fue sustituido y que al final también fue sustituido en la única escena en que aparecería su rostro, Lucasfilm parece que no tuvo ninguna consideración informándole de ello con antelación.
Los directores se proponen el reto de resarcirle de ello al cabo de los años a la vez que revisan con ecuanimidad los hechos (parece que Prowse hablaba demasiado con la prensa y acabó pagando los platos rotos de una filtración que no fue suya) y aportan alguna sorpresa en unas declaraciones del actor que fueron premonitorias y pudieran dar lugar a especulaciones que Bestard y Cabotá se guardan muy mucho de subrayar ante posibles querellas de la todopoderosa Lucasfilm.
Todo ello lo cuentan con buen pulso narrativo y notable eficiencia formal.
    




GRANDMA

 6
1 h. 19 m.
USA / 2015
Paul Weitz



Probablemente el mejor trabajo de Paul Weitz junto con aquella stravaganzza de vampiros que fue "El circo de los extraños" (2009) en una carrera por otro lado que nunca ha levantado el vuelo demasiado alto.
Parece que cuando escasean los recursos aumenta la imaginación y esta comedia dramática intergeneracional indie sin ser nada del otro mundo, roza algunos temas sobre el paso del tiempo, libertad de opciones vitales, y el amor familiar que invitan a la reflexión en un tono distendido y por momentos emotivo.
Para ello cuenta con un solido reparto encabezado por el alma mater del asunto, una Lily Tomlin reconocida actriz veterana que a sus 76 años está en plena forma creativa.










UN OTOÑO SIN BERLÍN

 7
1 h. 35 m.
España /  2015
Lara Izaguirre



Diecisiete películas y dieciocho obras teatrales es el carrerón de esta chica, nieta de la excelsa Irene Gutierrez Caba y que rezuma pasión por el arte de la interpretación que ha venido a desaguar del torrente familiar en su persona. Los premios, entre ellos un Goya ya han empezado a corroborar que su gran premio para ella, estoy seguro, es que su abuela y sus tíos se sientan orgullosos de ella como la gran actriz que es.
Y dicho esto, Lara Izaguirre, escribe y dirige un regalo de sentimientos que pone de lleno en sus manos sabiendo que Irene no le va a defraudar. La historia, plagada de silencios donde los sentimientos copan la pantalla nos habla de gentes diferentes que se aman y se respetan para en sus diferencias encontrar su camino en el mundo, superar sus ausencias y soñar con el Berlín de cada uno que puede estar a la vuelta de cualquier esquina. Izaguirre rueda con tiento, con el mismo respeto, con buen ojo y deja que el espectador colabore en la historia. Un recurso cada vez más utilizado por una minoría de realizadores que creen en una pantalla menos plana y hermética, abierta para  que la corriente de sentimientos fluya y la historia se cree en la propia sala, muchas historias, cada espectador con la suya. Buen trabajo.
P.D. Ya se ha empezado a experimentar con las películas interactivas. El futuro. 









LES ENFANTS DU PARADISE

 10
3 h. 10 m.
Francia / 1945
Marcel Carné






Entiendo que en el 45, año del estreno, el gobierno franquista español no estuviera para florituras literarias, poéticas y liberales, pero una vez instaurada la democracia, es imperdonable que esta joya no llegara a reponerse nunca.
Rodada en plena ocupación nazi de Francia, se pudo ver al terminar la contienda y supuso la obra maestra y al mismo tiempo el canto del cisne de la simbiosis entre el director Marcel Carné y el autor teatral, poeta y guionista Jacques Prevert, que nos dejaron un puñado de obras claves de la cinematografía.
Este canto al amor poliédrico y al mundo de la farándula que Prevert conocía muy bien está preñado de elegancia, sabiduría, humor y buen gusto con un reparto impecable y una ambientación exquisita. Amén de un notable equilibrio entre unos diálogos literarios sobresalientes, la acción cinematográfica de los entresijos teatrales y la vida en la calle y el teatro pura y simplemente filmado. El presupuesto de producción fue desorbitado para la época. Francia quería competir con el cine de Hollywood.
El éxito en su momento fue inmediato y la posteridad de su país la ha elegido como su mejor obra del pasado siglo.
Es cierto que el inmenso peso del afamado actor y mimo Jean-Louis Barrault que participó en la producción, desequilibra un poco la balanza en su favor, pero ello no desmerece el resultado final. Lo dicho, una joya imprescindible.
   









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