!COSAS VEREDES! (2) CINE, LIBROS & MÁS
FURIOSA ESCANDINAVIA (Teatro)
8
1 h. 35 m.
Teatro Español - Sala Margarita Xirgu / 2017
Antonio Rojano (Autor) / Víctor Velasco (Dirección)
Reconozco que he tardado más de lo habitual en ponerme a escribir sobre esta función tan sorprendente y desconcertante como ese paisaje en blanco que contemplan dos personajes que nos dan la espalda inmersos en sus propios pensamientos, quizás recuerdos. El porqué de la tardanza, intuyo, es que el texto de Antonio Rojano a través de su traslación a la escena de Víctor Velasco es de los que dejan poso. Poso de sensaciones, más que de certezas que se tienen que asentar sin prisas más allá de lo vivido dentro del teatro. Volveremos sobre ello.
Premio Lope de Vega 2016. Prestigioso galardón instituido por el Ayuntamiento de Madrid desde 1935 que como el río guadiana aparece y desaparece según los vientos de la historia, queda en blanco 16 años, lo ganan nombres tan relevantes como Buero Vallejo o Fernán Gomez..., o simplemente no se estrenan a los premiados vaya usted a saber porqué razones, casi siempre ajenas al arte. Esta nueva administración cultural madrileña lo recupera y acierta de pleno.
Afirma Rojano que no pretende que su texto "se entienda sino que se sienta". Lo consigue. El puzzle que compone el autor, requiere de un espectador que olvide la razón y mire con el corazón como propugnaba Saint Exupery en "El Principito". El espacio y el tiempo se funden en una evocación de aromas proustsianos que a falta de olores son sustituidos por una puesta en escena valiente, arriesgada e inteligente de Victor Velasco donde la música de Luis Miguel Cobo y la iluminación de Lola Barroso son esenciales.
El amor, el desamor, los recuerdos, lo real, lo inventado, el dolor, los miedos, la amistad.... surgen en un collage onírico donde los personajes principales desnudan sus cuerpos y su almas y nos permiten que ejerzamos de voyeurs a través de esa "ventana indiscreta" efectiva y efectista que ha creado Alejandro Andujar.
Los actores y actrices lo dan todo en la variada gama de recursos que habilitan con un sólido trabajo grupal donde para variar y a mi subjetivo juicio, los hombres ganan la partida.
Velasco ha cojido "el toro por los cuernos" y ha profundizado aún más en el aspecto onírico del texto sublimándolo. La presencia casi imperceptible del espacio sonoro creado por Cobo penetra en nuestro inconsciente de forma tan bella y sutil como esa luz que baña de sensaciones todo el conjunto, siendo acompañante, cómplice y protagonista al mismo tiempo en un alarde no solo artístico sino técnico de Lola Barroso dada la complejidad del espacio escénico.
Que lo disfruten, o mejor dicho que lo sientan.
CAPTAIN FANTASTIC
7
1 h. 58 m.
USA / 2016
Matt Ross
Esta divertida, entretenida, fresca, aleccionadora y excelentemente interpretada segunda película del actor Matt Ross, tiene algo de embaucadora, forzada y por momentos maniquea. Es poco o nada creíble, pero funciona como cuento o fábula para vernos reflejados en una sociedad donde nuestros logros mentales no se corresponden en absoluto con la vida que vivimos totalmente caótica y desastrosa, por no decir inmoral y toda la gama de adjetivos peyorativos que se nos ocurra.
Por otro lado si todos nos hubiéramos quedado en la selva, sabana o cualquier otro entorno, llevando una vida "sana" muchas de las cosas de las que presumen y utiliza esta familia no hubieran sido posibles. Amén de que el ser humano es "geneticamente" capaz de cagarla en cualquier situación.
En cualquier caso la cinta plantea cuestiones dignas como el sistema educativo, la relación con nuestros hijos, el consumismo desenfrenado, las religiones organizadas, etc, así como pinceladas sobre el pensamiento del prestigioso filósofo anarquista norteamericano (entre muchas más cosas) Noam Chomsky. Todo ello infrecuente en comedias de tinte formalista como estas. Se agradece.
A Viggo Mortensen el personaje le va como anillo al dedo y se nota. Es una actor que puede y sabe elegir sus personajes.
Me llama la atención que en los postulados naturalistas y progresistas de esta familia no entre el vegetarianismo y se siga apostando por la caza de animales así como el papel predominante masculino (son los varones los que centran la acción) dejando a las hijas, incluso a la abuela, en un discreto segundo término. A la postre si uno no es muy exigente con los entresijos del asunto la película se disfruta.
LOS SIETE MAGNÍFICOS
6
2 h. 12 m.
USA / 2016
Antoine Fuqua
A ver: no es que el remake de John Sturges del 60 sobre el original de Kuroshawa sea una obra maestra, pero tenía ese toque inmaterial que hace que ciertas obras permanezcan en nuestra memoria, sobre todo si las miramos con los ojos y el contexto social de la época en que se hicieron. Mucho, por no decir muchísimo contribuyó Elmer Bernsteín a ese toque con su inmortal tema principal de la bso que uno no se puede quitar de la cabeza y que personalmente a un servidor siempre le pone las pilas por mucho que una tabaquera intentara apropiárselo para vender sus cigarrillos como inequívocamente americanos.
Poco o nada de esto hay en la cinta de Fuqua aparte de homenajearla y ponerla al día. Un día mucho más oscuro, sucio y con otros espectadores que ya no miran a los actores como mitos sino como actores. El carisma de McQueen, el enigma de Brynner, la inquietante media sonrisa de Bronson, el cinismo de Coburn, la melancolía de Vaughn y la facilidad conque Wallace podía hacernos reír o pegarnos un tiro, apenas asoma en los caracteres de esta nueva versión. Oportunidad perdida para ahondar en los entresijos de unos personajes que se lo merecían. D´Onofrio y Hawke lo intentan con lo poco que les da el guion y solo Whasington está a la altura a pesar de ese final previsible y sobado.
Y el caso es que no es una mala película. Entretiene, hay buena acción y algunos momentos (pocos) emotivos.
EL HOMBRE DE LAS MIL CARAS
8
2 h. 3 m.
España / 2016
Alberto Rodriguez
"Y me hablaron de futuros fraternales, solidarios, donde todo lo falsario acabaría en el pilón", cantaba Aute allá por el 93. Es bueno que en tiempos de corrupción (¿cuando no?) el cine, ahora de la mano de Alberto Rodriguez, ejerza de la tan traída memoria histórica, en este caso reciente. En España somos muy desmemoriados. Para recordarnos que aunque dicha corrupción no entiende de siglas políticas, más delito tiene a mi juicio cuando viene de manos de aquellos que pregonaban la igualdad y la justicia social. Eran aquellos tiempos de cambio y de ilusión que acabaron despejándose en la misma X de siempre, en esa que nunca cambia sea quien sea quien la encarne.
Rodriguez, está en racha. Tras la estupenda "Grupo 7" (2012) y el pelotazo, a mi juicio sobrevalorado de "La isla mínima" (2014), regresa con un thriller didáctico sobre el llamado Caso Roldán y Los papeles de Laos. Tras una primera parte que peca de explicativa con esa narración en off del personaje de Coronado imitando una de las señas de identidad del noir, acaba por centrarse más en el aspecto humano de los personajes y el desarrollo de la trama con buen pulso en general. El dinero invertido en la producción se hace notar y los actores hacen un gran trabajo, con un Eduard Fernández inmenso al que le vendría bien el apelativo de "el hombre de los mil personajes con la misma cara"
FALCÓ
Arturo Pérez Reverte
Edit. Alfaguara / 2016
296 págs.
Reverte, entre otras cosas (periodista, académico...), le tiene cogido el pulso a las novelas, digamos menores entre comillas, de aventuras, ya sea en el siglo XVII o ahora en los años 30 españoles del pasado siglo. Su dominio del ritmo, personajes carismáticos, ligereza en la prosa, buenos diálogos, ambientes... y todo ello trufado con reflexiones sociales sobre esos barros que trajeron estos lodos en esta España nuestra funciona sin pretensiones de alta literatura, al alcance de todos para aleccionarnos a la vez que entretenernos. Sobre todo lo segundo.
Esta previsible saga no es, en principio tan deslumbrante como Alatriste, que suponemos está en barbecho, pero es un buen sucedáneo hasta que el capitán le de por asomar de nuevo su mostacho. "Falcó" parece escrita directamente para ser adaptada al cine o a esa televisión hambrienta de buenos materiales.
Otra vez la dichosa guerra incivil, pero en este caso son los servicios de "inteligencia" los que asumen el protagonismo en lugar del pueblo o los soldados.
Falcó con 37 años de los años 30 parece que ya está devuelta de todo y sabe por experiencia que a la postre todos son los mismos perros con distintos collares, así es que solo es fiel a su propios códigos entre los que se encuentra matar o morir por una buena causa: la suya. Aquella que el cuerpo, la curiosidad, o una sonrisa de más o de menos le haga seguir sintiéndose vivo.
Seguiremos seguro sus peripecias.
EL CARTERO DE LAS NOCHES BLANCAS
6
1 h. 40 m.
Rusia / 2014
Andrei Konchalovsky
A Konchalovsky en la recta final de su carrera (79 años) le ha salido su vena aristocrática rusa (le viene de familia de artistas) y renegando de su pasado hollywoodiense, que es el único que conozco lamentablemente, donde se dan título tan potentes como "El tren del infierno" (1985) y taquillazos comerciales como "Tango & Cash" (1989), dice descubrir la fascinación por el cine contemplativo.
En esta onda va "El cartero...". Cine, según sus palabras para aquellos que no comen palomitas mientras ven una película. Todo este "radicalismo soviético", incluso ha abierto una cadena de comida nacional para contrarrestar los fast food yanquis, se vierte en una mirada más que interesante sobre una pequeña población rural a orillas del lago Kenozero en el norte de Rusia.
Al endémico abandono rural se une la lucha por no caer en el abandono existencial de los diferentes personajes, en una U.R.R.S extinta y una nueva Rusia donde las diferencias sociales siguen siendo tan brutales como las existentes entre las cabañas de madera locales y la base de cohetes espaciales colindante.
Entre el documental etnográfico y la ficción dramática, una galería de personajes conviven en un paisaje tan bello como olvidado donde las historias de viejas brujas luchan para no perderse entre el vodka que adormece el paso del tiempo.
Actores no profesionales que ejercen de ellos mismos dejan su poso en un tempo estancado y un metraje excesivo sin que Konchalovsky consiga engancharnos animicamente salvo en breves ocasiones. León de Plata en la Mostra de Venecia a la mejor dirección. El esfuerzo y la intención lo merecen.
SUBURRA
7
2 h. 14 m.
Italia / 2015
Stefano Sollima
Es cierto que Suburra destila un ligero aroma televisivo de donde proviene su director y que por momentos sus notables pretensiones estéticas se convierten en pretenciosas, pero con todo y con eso es una cinta potente, que refleja un mosaico nada edificante sobre una ciudad y una sociedad donde las alcantarillas rezuman podredumbre y corrupción que corrompen los cimientos de un sistema de bienestar y democracia que no es tal.
Con una trama bien urdida donde donde las fichas del dominó juegan sus bazas arrastrándose unas a otra a un final de partida donde muy pocos ganan y donde no queda exento del juego ningún estamento político, religiosos o social.
Lo acompañan buenas interpretaciones y una excelente fotografía de Paolo Carnera.
Suburra era un barrio populoso y proletario de la antigua Roma pegada en parte a áreas monumentales y de servicio público, fue y es símbolo, de delitos e inmoralidad. De casta le viene al galgo.
RÍO GRANDE
7
1 h. 45 m.
USA / 1950
John Ford
Lo primero que se hace cuando se habla de esta cinta es encuadrarla dentro de la llamada "Trilogía de la Caballería". Es obvio que Ford hizo al menos dos películas más en el 59 ("Misión de audaces") y el 60 ("El sargento negro") cuyo núcleo también era la caballería de la Unión. Supongo que lo de la trilogía viene porque las tres películas que la componen, "Fort Apache", "Legión invencible" y la que nos ocupa se realizaron en años consecutivos, del 48 al 50.
A estas alturas de sus películas y con 56 años Ford tenía el "culo pelao de hacer western" y parece ser que el motivo principal de rodar esta cinta fue conseguir financiación para rodar "El hombre tranquilo" que era lo que a Ford le interesaba y compensar hipotéticamente en taquilla "con una del oeste" las perdidas economías que vaticinaba la historia irlandesa. Al final fue esta última la que triunfó no solo en la taquilla, quedando como una de las inolvidables de la historia cinematográfica.
Después de la guerra Ford se reencontró con Monument Valley de nuevo como escenario marca de la casa, tanto que repite planos de secuencias imposibles con el mismo e inmejorable fondo. Dicen que rodó con desgana y en poco tiempo. Pero el oficio de genio lo tienen muy pocos y la película independientemente de su argumento es una lección de cine con un puñado de escenas, una vez más, memorables.
En el año 50, con la reciente victoria en la Guerra Mundial y con unos USA amos del mundo, no tocaba como decía el ex-honorable Pujol, criticar al ejercito de la Unión por sus históricos desmanes ni utilizar a los indios Apaches, más que como el enemigo a derrotar en un momento dado para que funcione la aventura. Aún así y sin que sirva de descargo no es de las peores en este sentido. Incluso Ford se permite condecorar al "indio bueno" que trabaja dentro del ejercito. El genocidio sistemático de los nativos norteamericanos, su humillación y explotación quedarían postergados para ser reflejados en décadas posteriores.
A Ford lo que le interesaba es la historia "familiar" y los conflictos entre el deber y los sentimientos personales, que reflejan estupendamente Wayne O´Hara. La secuencia en que ambos aguantan a la cámara en plano fijo mientras escuchan una canción es sobresaliente. Y si de canciones se trata, aquí hay un buen puñado, que cobran significado si estuvieran traducidas, cosa que nunca les importó a los responsables de turno, tanto como a Ford le importaba que algunas de ellas fueran anacrónicas. El plantel de secundarios con Victor McLaglen ejerciendo de maestro de ceremonias para los jovencitos Ben Johnson, Claude Jarman Jr. (todavía vive) y Harry Carey Jr. cumplen a la perfección con los clichés de sus roles establecidos.
He leído por ahí, que la película es tediosa. Sobre gustos...; No es mi caso. Ford dijo de si mismo que solo era un señor que hacía películas del Oeste. No es cierto, pero las hacía muy bien.
MORGAN
5
1 h. 27 m.
USA / 2016
Luke Scott
Papa Scott produce a Scott hijo en su debut en una cinta que remeda las peores películas de su padre.
Lo poco interesante, que no novedoso del guión apenas da para la presentación de los personajes en la primera media hora con el apuntalamiento del siempre fiable Giamatti dándole algo de respetabilidad al asunto. Pero enseguida pasamos al thriller de acción convencional con un final que pretende justificar lo que era más que previsible desde que Kate Mara aparece en pantalla. Scott debería tener como referencia las otras (las buenas) películas de su padre. Veremos.
LOS HOMBRES LIBRES DE JONES
8
1 h. 39 m.
USA / 2016
Gary Ross
Gary Ross es otro de esos directores que se toma su tiempo entre película y película con tan solo cuatro largos desde el 98, alternando con su faceta como escritor y productor.
Después del borrón en su carrera (desde el punto de vista artístico que no económico), a mi juicio, de asumir el principio de la saga de "Los juegos del hambre" (menos mal que se desentendió de su continuidad), vuelve por sus fueros en ese estilo académico que le dio tan buenos resultados en "Seabiscuit..." para contarnos a través de la biografía de Newton Knight (1837-1922) que el fin de la esclavitud para los negros (lease afroamericanos) decretado por Abraham Lincoln a trancas y barrancas, no constituyó de hecho un punto y final a su segregación sino unos puntos suspensivos que se extienden hasta el día de hoy.
Aunque en lineas generales la cinta se atiene a la realidad la figura de Knight ha sido despojada de cualquier elemento que menoscabara el personaje que encarna, estupendamente por cierto, McConaughey. Aceptando estas y otras licencias (hijos, etc...) la cinta cumple su objetivo y se sigue con interés. Ross dosifica muy bien los tiempos, conjugando pasado y presente trufado de notas documentales, consiguiendo una abanico equilibrado entre lo didáctico, el drama y la acción.
BRIDGET JONES´BABY
5
2 h. 2 m.
Reino Unido / 2016
Sharon Maguire
La directora Sharon Maguire debería prodigarse más, a tenor del buen sabor de boca que nos dejó con "Incendiary" (2008) o incluso el comienzo de las aventuras de Bridget en el 2001. Desafortunadamente su regreso viene con este reestiramiento del entrañable personaje de Bridget, que al igual que el que se ha hecho Zellweger, es tan correcto formalmente como innecesario, por mucho que Emma Tompson meta mano en el guión y apoye actoralmente.
El trío protagonista con Zellweger como eje principal cumple y no desentona en un pálido reflejo de comedia de lo que fue la adaptación primera del libro de Helen Fielding que vuelve a colaborar en el guión.
Agradable, divertida en escasos momentos y completamente olvidable.
GERNIKA
3
1 h. 50 m.
España / 2016
Koldo Serra
Con la responsabilidad que conlleva el nombre emblemático a nivel mundial del pueblo vasco masacrado en la guerra incivil española, a Koldo Serra le ha salido una miniserie no muy afortunada de televisión (de la nuestra, no de HBO). Quizás no ha podido sustraerse a la inercia de llevar los últimos diez años trabajando precisamente para la televisión.
La cosa no funciona ni épicamente ni históricamente ni en el melodrama de tintes trágicos que también se podía sintetizar con el nombre de otra serie televisiva patria: "Amar en tiempos de guerra".
La corrección formal clásica por la que opta Serra aplana todo el conjunto y no consigue imprimir tensión con una dirección artística más impactante que efectiva. El vestuario, los coches, el mobiliario..., todo tan impoluto, "sin usar", huele a alquilado para la película. Los actores están desangelados en manos de un guión lleno de obviedades, previsible y a trompicones de frases sentenciosas y manidas en los peores momentos y si a algunos de los interpretes como Maria Valverde o Irene Escolar no los conociéramos de antes, probablemente no contaríamos con ellos en el futuro a tenor de su participación en esta superproducción de casi 6 millones de euros, que parece no querer molestar a nadie diluyendo la tragedia entre alemanes y rusos malotes.
Muy desafortunado James D´Arcy en su papel protagónico con el que no empatizamos desde el minuto uno. Sin embargo y a pesar de estar desaprovechado también su personaje, Ingrid Garcia Rubio demuestra que sigue pisando fuerte si consigue que confíen en ella para papeles de mayor enjundia dramática y por supuesto más desarrollados.
En fin, tremenda decepción y oportunidad perdida para demostrar que nuestro cine puede y debe narrar mucho mejor los hechos que han marcado su historia.
WINCHESTER 73
9
1 h. 32 m.
USA / 1950
Anthony Mann
Western absolutamente imprescindible. Ahí podría quedar todo pero sería solo una linea así que... Cuando se cayó del proyecto nada menos que Frit Lang, James Stewart recomendó a Mann con el que ya había trabajado. A partir de ahí, la leyenda. Ocho colaboraciones que han quedado para la historia, en las que ambos se beneficiaron mutuamente. Con la perspectiva de hoy parece impensable que en el año 50 se tuviera duda de la versatilidad como actor de Stewart. Fue con este film en el que quedó claro que si Jimmy quería podía ser un tipo duro como el que más. Como la productora no podía hacer frente a su sueldo aceptó parte de los posibles beneficios como pago. No solo triplico el salario que no podían pagarle sino que abrió la puerta a una nueva formula de contrato que empezaría a resquebrajar la tiranía de los contratos a largo plazo de los estudios.
A pesar de encabezar el cartel y ser el eje de la historia junto con el famoso rifle, el guion se subdivide en diferentes historias en las que el resto del reparto raya a gran altura, con la incorporación anécdotica de dos jovencitos de 25 años llamados Rock Hudson y Tony Curtis.
La historia de venganza con un personaje central que inicia la saga de personajes ambiguos moralmente de Mann es un lección magistral de ritmo y planificación. Cuando uno lleva tan solo media hora de película han ocurrido tantas cosas como para media docena de películas de hoy día. Me recordaba a las películas trepidantes de Raul Walsh donde se cuentan tanto en tan poco tiempo.
Calificarla con solo un 9 me sabe mal pero a los personajes en general (genial Sellley Winters por cieto en una cinta de hombres) les falta profundidad psicológica. Mann los desarrollaría mejor en un futuro. Y algunas inexactitudes históricas, en una cinta que saca personajes históricos como Wyatr Earp al que amén de la genial composición de Will Geer, se le presenta como sheriff maduro de Dodge City cuando en el año en que transcurre la acción Earp tenía 28 años y creo que solo era ayudante. Podríamos terminar diciendo que, parafraseando al famoso rifle, "Winchester 73" es un western de los que solo hay: "uno entre mil".
EL PRINCIPITO
7
1 h. 46 m.
Francia / 2015
Mark Osborne
Tercer largo que adapta la obra de Antoine de Sant-Exupery, las dos primeras en el 66 y el 74 a los que habría que añadir dos cortos en el 79, amén de discos, obras de teatro, televisión...
El texto "infantil" de Sant-Exupery, con tintes autobiográficos es uno de los inmortales de la literatura mundial. A su carácter poético, fantástico, divertido y dramático a la vez se le suma la lúcida reflexión metafórica sobre el ser humano, su sociedad y los auténticos valores.
Publicado en plena segunda guerra mundial en el 43, le toca al norteamericano Mark Osborne, que ya nos conquistó con el primer Kung-Fu Panda en el 2008, hacer que el pequeño príncipe siga siendo un referente en el siglo XXI, en este caso con una producción francesa. Lo consigue de forma notable, recurriendo a una muy cuidada animación en 3D, a pesar que los modelos de personajes parecen clonados en casi todas la películas de animación últimamente, y al siempre deslumbrante stop-motion, donde el alma y el espíritu del relato original brotan esplendorosos.
El guión de Irena Brignull conjuga en buena parte del metraje la historia original con otra más actual hasta que en su última parte la acción rompe un poco la magia de la poesía y navega por elementos muy trillados. Afortunadamente la coda final retoma el tono y se nos queda el cuerpo y el alma con la sensación de que "El principito" sigue muy vivo para que no olvidemos que las cosas importantes se ven con el corazón.
EL ESPEJO DE LOS OTROS
6
1 h. 59 m.
Argentina / 2015
Marcos Carnevale
De Carnevale recuerdo con agrado "Elsa y Fred" (2005) y "Corazón de León" (2013), comedias dramáticas bien elaboradas y mejor interpretadas. En este caso ha apostado por un guión propio eminentemente teatral y teatralizado donde la palabra ocupa todo el espacio por mucho que se esfuerce la dirección artística notablemente en el espacio y el vestuario. Tampoco está nada mal la música incorporada por esa banda que toca en el original espacio donde transcurre la mayoría de la escasa acción.
Para todo ello Carnevale se nutre de un elenco de lujo de la siempre excelente bancada argentina, que como se ha escrito son el mayor valor de la cinta, cuyo planteamiento original se ve muy lastrado por unos textos que rayan lo pretencioso, excesivamente forzados y subrayados y que no están a la altura de lo que pretenden, ni de sus interpretes. Quizás excepción hecha del segundo encuentro protagonizado magistralmente por Oscar Martínez y Julieta Díaz.
LA CASA DE LAS MINIATURAS
Jessie Burton / 2014
Edit. Salamandra / 2015
448 págs.
En el Rijkmuseum de Amsterdam se encuentra la casa de muñecas de Petronella Oortman. No es un juguete sino una pieza de orfebrería muy cara símbolo de estatus de quienes poseían estas reproducciones en miniatura de sus propios hogares, en la Holanda del siglo XVII.
La actriz y secretaria de dirección inglesa Jessie Burton al contemplarla decidió que tenía que contar una historia sobre ella. Hoy, después de 500.000 mil ejemplares vendidos en su país y a punto de ser traducida a 30 idiomas, su vida ha cambiado y la novel escritora ya posee los premios más importantes que reconocen la originalidad de su propuesta y su forma de narrar.
Dividida en cortos capítulos la novela se lee fácilmente aunque le sobran algunas páginas a mi juicio. Potentes personajes femeninos, autentico leitmotiv de la obra, en una época y lugar profundamente machistas (¿cuando no?). Mujeres de diferentes clases sociales, que viven y subsisten en torno a hombres en una ciudad de comerciantes, donde el dinero es el sol que alumbra dejando en la sombra de la injusticia la discriminación por raza, sexo y sus tendencias o religión. No hemos cambiado mucho. Bien documentada, Burton sabe crear la atmósfera social y opresiva de la época la cual denuncia y mantener en paralelo un misterio que no deja de ser un McGuffin no bien resuelto del todo, en torno al misterio real de cada uno de los personajes.
En todo caso brillante comienzo para una recién llegada que ha puesto el listón muy alto.
SPARROWS (GORRIONES)
7
1 h. 39 m.
Islandia / 2015
Rúnar Rúnarsson
Runarsson parece haberle cogido el gusto a las edades del hombre: Infancia (Ana/2009), vejez (Volcán/2011) y ahora la adolescencia. Solo he visionado esta última y su mirada me ha parecido muy interesante; fría, nórdica, meticulosa, respetuosa, objetiva y formalmente muy cuidada a pesar de su aparente sencillez. Una propuesta muy meditada cuyo ritmo puede no ser del agrado mayoritario pero que personalmente no me molesta en absoluto.
Esta es una de esas películas en que se reafirma que el cine básicamente es imagen y si esta se utiliza bien, la gama de sentimientos que provoca en el espectador es infinitamente mayor que las palabras. Aquello de que una imagen vale más que mil palabras.
Es cierto sin embargo que el guión somete al protagonista a un cerco de desdichas algo forzado potenciado además por la soledad ambiental del paisaje islandés.
El trabajo de contención de Atli Oskar consigue reflejar la angustia existencial de su personaje y el resto del elenco crea un entorno de credibilidad acertado.
Concha de Oro en San Sebastían. No fue una mala elección.
Esta es una de esas películas en que se reafirma que el cine básicamente es imagen y si esta se utiliza bien, la gama de sentimientos que provoca en el espectador es infinitamente mayor que las palabras. Aquello de que una imagen vale más que mil palabras.
Es cierto sin embargo que el guión somete al protagonista a un cerco de desdichas algo forzado potenciado además por la soledad ambiental del paisaje islandés.
El trabajo de contención de Atli Oskar consigue reflejar la angustia existencial de su personaje y el resto del elenco crea un entorno de credibilidad acertado.
Concha de Oro en San Sebastían. No fue una mala elección.
RASHOMON
7
1 h 28 m.
Japón / 1950
Akira Kurosawa
La puerta de Rasho ya desaparecida cuando se rodó la película, situada en Kyoto fue premonitoria, ya que está obra de Kurosawa fue, tras su premio en el festival de Venecia y posterior Oscar la que abrió la mentalidad occidental, incluso poniéndose de moda, al cine japonés y por ende al cine oriental.
Cine que aún conservando su "exotismo" se comprobó no era tan diferente al de occidente y más con un Kurosawa cuya influencia del cine americano, John Ford entre ellos, era latente.
La película por tanto marcó un hito y se la considera, en general una obra maestra. Con la perspectiva que da el paso del tiempo y pasada la fiebre oriental de la que siguen rescoldos, algunos piensan, entre los que me incluyo, que no llega a tanto y tampoco es la mejor de Kurosawa.
El caso es que la labor de dirección acompañada por una excelente fotografía de Miyagawa y el excelente trabajo de los actores está muy por encima de la historia que se nos cuenta basada en dos cuentos cortos de Ryonosuke Akutagawa publicados en 1915 (Rashomon) del que solo toma el entorno y 1922 (En el bosque) autentico sustento argumental.
Película de bajo presupuesto, Kurosawa es capaz de dar todo un recital magistral de dirección recreando atmósferas impregnadas del sabor de los cuentos del XIX, llenas de magia y lirismo tanto en el bosque como en el entorno de la puerta, como en el espacio donde declaran los testigos de los hechos. En cada una de ellos el director aplica diferentes técnicas con maestría, aunque a mi juicio abusa de los travellings iniciales en el bosque. Es admirable la composición en el espacio en las declaraciones basada en los jardines japoneses. Esta distribución de los elementos en el espacio influido también por la pintura que Kurosowa dominaba y había practicado no le abandonaría en toda su obra.
Amén de contar un hecho luctuoso desde los diferentes puntos de vista de cada personaje que en su momento fue novedad dando lugar a lo que se dio en llamar en su honor "efecto Roshomon", aquel que ahonda en la subjetividad y percepción personal de cada uno al contar la misma historia, Kurosawa lo utiliza para realizar una reflexión sobre el Japón de su época, dado que la férrea censura anterior al final de la guerra no se lo hubiera permitido.
Japón había perdido la contienda, su emperador ya no era un dios y los hechos y comportamientos durante el conflicto de ambos bandos habían abierto otra puerta. En este caso la de las preguntas de los ciudadanos a caballo entre la tradición y la modernidad. Entre un pasado de certezas y un futuro de interrogantes. El relato "en el bosque" habla de que esas certezas no son tales y de que todo el mundo tiene sus razones, que todo es relativo y que hay que pasar página y mirar hacia adelante. De ahí la coda final con el recién nacido , no muy afortunada narrativamente pero con su razón de ser. Los personajes dejan de ser arquetipos sociales para convertirse en personas.
Rashomon es para los estándares del cine oriental de la época un película corta que hoy en día, al menos para mi en este último visionado, se me hace un poco pesada, alargada por momentos y reiterativa por el lastre del hecho argumental en que se basa y la música trasunto del Bolero de Ravel. Todo lo demás rezuma genialidad.
Su estreno no solo puso a Kurosawa en el olympo del cine sino que encumbró al actor Toshiro Mifune. Pero eso es otra historia.
BEN-HUR
5
2 h. 4 m.
USA / 2016
Timur Bekmambetov
Me propuse antes de visionar esta nueva versión de la novela del general de la Unión Lewis Wallace publicada en 1880 que no la iba a comparar con la de Willer de 1959. Los mitos no se tocan. Pero es inevitable si uno la ha visto hasta la extenuación en pantallas grandes y pequeñas (siempre vuelve a tv por semana santa) descubrir que todo aquello que provocaba y provoca la cinta de Heston, Boyd, Harareet, Griffith, Hawkins...,etc, apenas es un pálido reflejo en esta nueva entrega, que podríamos resumir como una versión resumida para las nuevas generaciones, con cierto aire televisivo que pese a la trama de Wallace va enfilada prioritariamente al clímax de la carrera de cuadrigas. Carrera con aires de videojuego tan espectacular como poco creíble y por supuesto sin la magia del Cinemascope. El cartón piedra que pudiera haber en la del 59 se sustituye por el nuevo cartón piedra de la infografia que a veces canta tanto como aquel.
Cuando la MGM y la Paramount se les ocurrió la audacia de volver a revisionar Ben-Hur, no parecia, a priori, apropiado que confiaran tan delicado proyecto a un director cuyo curriculum hasta la fecha deja mucho que desear.
Por lo demás la historia sigue estando ahí, con las consabidas, alteraciones de cada versión y se consume con facilidad sin que pase a la estantería de las inolvidables. Donde por supuesto está la versión del 59.
MASAAN
7
1 h. 43 m.
India / 2015
Neeraj Ghaywan
Bollywood junto con las productoras en otra lenguas hindúes son la mayor industria cinematográfica del mundo debido a su propio consumo interno. Tal como van las cosas pronto será superada por China. Su cine esencialmente de evasión con temas musicales y mitológicos pocas veces traspasa las fronteras de su entorno geográfico.
A raíz de su independencia algunos directores a partir de los años 50 empezaron a realizar films de corte social. Siguen siendo minoría, como esta entrega opera prima del director Gaywan nacido en el 80.
Tradición y modernidad se dan la mano o más bien se anteponen en dos historias paralelas. En la primera de ellas la denuncia social parece ser el leitmotiv de la cinta pero Gaywan no incide demasiado en ella y desnivela la balanza con la otra historia que abunda en el melodrama romántico. Ambas acabaran cruzándose trufadas de otras subtramas.
A pesar de este desequilibrio argumental, ambas historias están cohesionadas lo suficiente para que la cinta se vea con agrado. Buenas interpretaciones en un realismo social bien fotografiado y que nos acerca a los occidentales a un mundo que a pesar de la globalización posee un sustrato lastrado por las religiones que le preña de contradicciones.
Como siempre la mujer sigue siendo la peor parada en todo esto. Gaywan no ha empezado con mal pie.
JUEGO DE ARMAS
7
1 h. 54 m.
USA / 2016
Todd Phillips
Todd Philipps, se ha salido del carril de resacones y pringaos que tan buenos dividendos le ha dado (algunas incluso no estaban mal) y aplica su formula y a algunos de sus actores con producción de Bradley Cooper a la historia (verídica) de un par de jóvenes que en el país donde todo es posible se forraron traficando con armas yendo por libre hasta que el diablo enredó y tuvieron que rendir cuentas con una justicia que tampoco les exigió demasiado.
Philipps y Smilovic guionistas, se traen la historia a su terreno modificando lo que haga falta para hacernos pasar un rato entretenido y de paso denunciar, sin pasarse que tampoco es eso, que las diferentes administraciones USA suministran armamentos a tuti plen como les viene en gana y a quien les viene en gana.
La factura es notable al igual que el ritmo, guiños al "Precio del poder" de Scorsese, cartel incluido, el reparto no desmerece y de vez en cuando algo nos hace reír o nos pica en la conciencia. Todd has cumplido.
PD: Si uno quiere ahondar con más seriedad en el asunto: "El señor de la guerra" (Andrew Niccol / 2005)
BLOOD FATHER
5
1 h. 28 m.
Francia / 2016
Jean- Françoi Richet
Es normal que después de acabar de revisionar "La jungla de asfalto" (John Huston / 1950) uno no preste demasiada atención a este thriller de serie B mil veces visto y cuyo mayor interés es seguir constatando que Gibson es un actor desaprovechado encasillado en personajes de acción que los puede hacer sin bajarse del autobús, usando un símil futbolístico.
Algunos diálogos sonrojantes, muchos tópicos, acción apañadita y algún que otro plano del desierto bien fotografiado es todo lo que carga en sus alforjas el francés Richet y como dice el refrán no hacían ni falta para este viaje.
La culpa es de Huston, lo sé.
GARY COOPER. EL HÉROE AMERICANO
Jeffrey Meyers / 1998
T & B editores / 2001
370 págs.
Pocos datos he podido encontrar sobre el autor más allá de los de la solapa. Profesor de literatura neoyorquino y reputado biógrafo, no solo sobre estrellas del cine, con 47 libros publicados y numerosos artículos. Contaba con 59 años cuando se publicó esta biografía sobre Cooper. El estilo de Meyers es metódico y riguroso y consigue un equilibrio entre la parte artística y personal del personaje al tiempo que aporta la información necesaria sobre las épocas, la profesión y los personajes que rodearon al "chico de Montana". El balance sobre la figura de Cooper acaba siendo positivo pero no oculta Meyers sus debilidades y sombras.
Cooper, Frank James Cooper (1901-1961) nació en Montana, USA. Su ascendencia inglesa y posterior educación acabó por convertirle en híbrido entre un genuino cowboy y un gentleman inglés. Mezcla antagónica y explosiva que unido a su belleza física y su simpleza de carácter lo convirtió en un ídolo americano al que era fácil querer. Su atractivo sexual y simpleza gestual innata a la hora de interpretar lo hicieron idóneo para un cine donde se sobreactuaba en demasía. Había nacido para el cine, la cámara lo quería y las aparentemente decepcionantes actuaciones en el plató, acababan siendo perfectas en la pantalla. Muchos, actores y directores lo consideraron en su momento el mejor actor de cine del mundo.
Nunca quiso ser actor ni se formó para ello. Comenzó ganándose un dinero como extra, especialista en montar a caballo y una cosa llevó a la otra. El hubiera querido ser dibujante.
Mañoso, callado y aparentemente tímido se dio cuenta que esa imagen aunque criticada ("Cooper lleva varios años en el sonoro y no nos hemos enterado), le funcionaba a las mil maravillas y supo explotarla con inteligencia. Prefería escuchar a hablar y solo con una élite de allegados daba rienda suelta a sus múltiples conocimientos en diversas materias alejadas del celuloide como coches,armas o la historia del Oeste (se quejaba de que los western no eran realista sino historias de gansters del Este en tierras del Oeste).
Empedernido cazador, disecaba sus propios trofeos y podía llegar a ser cruel e indiscriminado a la hora de disparar o cazar a cualquier animal que se le pusiera por delante. Contó con Hemingway como su mejor amigo personal y compañero de cacerías. El actor mejor pagado de los USA adolecía de tacañearía y a pesar de encarnar al honesto prototipo de americano supo residir fuera de los USA para ahorrarse impuestos.
Proverbial y compulsivo amante no tuvo que esforzarse lo más mínimo para cumplir sus deseos con la lista de mujeres, famosas o no, que hacían cola para obtener sus favores. A pesar de que su matrimonio y su familia se resintió por ello consiguieron llevarlo lo mejor posible y acabó su vida junto a su mujer y su hija.
Nunca fue muy exigente con sus películas más allá de preservar a sus personajes de las características que le dieron la fama y el éxito. Al final de su carrera arriesgó con personajes diferentes cuando ya nada tenía que perder y obviamente a nivel popular no funcionó. Encarnó al americano medio, honesto y valiente y apenas le bastaron un puñado de títulos para consagrarse como un mito del celuloide ("Adiós a las armas", "El secreto de vivir", "Sargento York", "Juan Nadie", "El Virginiano", "Solo ante el peligro". En muchas de ellas él estaba por encima de la película. Buenas, malas o regulares funcionaron en taquilla y le hicieron estar siempre en lo alto del pedestal.
Al final un cáncer se lo llevó con 60 años. Su nombre acabó siendo el paradigma del héroe cinematográfico mundial. Y como dijo Pilar Miro: "Gary Cooper que estás en los cielos".
LA JUNGLA DE ASFALTO
9
1 h. 52 m.
USA / 1950
John Huston
Al igual que con su primera película "El halcón maltés" (1941) Huston dio el pistoletazo de salida para el género negro, aquí vuelve a ejercer de pionero e inicia el subgénero de robos, con toda la parafernalia que constituirá el molde a imitar, dentro del género de gansters.
Película sin estrellas de la cual Luis B. Mayer llegó a decir que no cruzaría ni una habitación para ver a gente fea y desagradable haciendo cosas feas y desagradables, está copada por una pléyade de secundarios, algunos sin acreditar, con un nivel actoral excepcional, que continuarían con éxito sus carreras como secundarios con la excepción notable por supuesto de Marilyn Monroe a quien le costó hacerse con el papel que le sirvió como trampolín (está estupenda) para lanzarse al estrellato.
La película es de una solidez casi perfecta, a excepción de un par de secuencias, una de ellas impuesta para no dejar en tal mal lugar la corrupción policial y otra, único falló a mi juicio del guión, en la que el personaje que encarna el magnífico Louis Calhern rompe la coherencia del mismo al sincerarse con su detective. Por lo demás el guión es para enmarcar, el estudio de personajes, autentico interés de la cinta, soberbio, con unos delincuentes profesionales muy humanizados, casi de andar por casa que como dice en un momento dado Louis Calhern, tienen un concepto equivocado de la vida.
Huston consigue el tono y la atmósfera perfectos, con un lírico final al servicio todo el metraje de el "fatum" o destino que en este caso se convierte en fatalidad; parafraseando a otra película: una serie de catastróficas desdichas.
A destacar también la relevancia de los personajes femeninos con una Jean Hagen inmensa y que la industria no supo ofrecerle en el futuro el lugar que merecía como actriz.
Un puñado de nominaciones a diferentes premios reconocieron la valía de la cinta, aunque solo Sam Jaffe se llevó el de mejor actor en el Festival de Venecia. Se lo merecían todos. Mankiewicz le arrebató el Oscar a Huston por "Eva al desnudo".
Eran tiempos de grandes películas.
PD: (traducción libre de las palabras de Doc.) Por experiencia, no te puedes fiar de los policías. Cuando menos te lo esperas se ponen del lado de la ley.
LEJOS DEL MAR
4
1 h. 45 m
España / 2015
Imanol Uribe
Desde hace ya más de una década Uribe no anda muy fino. Sus títulos emblemáticos quedaron en la memoria hace un cuarto de siglo. Vuelve o lo intenta a contarnos una historia arriesgada y eso se agradece, sobre el entorno de ETA y el peliagudo drama de aquellas personas que cometiendo un crimen de sangre, sea bajo banderas o no, cumplen su pena con la sociedad y vuelven a intentar reinsertarse. !Ahí es nada!.
No acierta Uribe ni el fondo ni en la forma con una historia que cuesta creerse por lo extremo del planteamiento aunque la realidad siempre supere a la ficción y tampoco funciona como metáfora de la imposibilidad de reconciliar polos opuestos.
El director se deja muchas cosas en el tintero que si bien incitan al espectador a interrogarse por las respuestas debería plantear mejor y con más datos las preguntas. Cada caso es un mundo.
Pero sobre todo está dirigida con sensación de desgana. Fernández y Anaya hacen lo que pueden para tirar de un carro que se demora muchos minutos en hechos banales que poco aportan al interés general, por no hablar del desnudo integral de Anaya que podría ser el paradigma de ese eufemismo tan de moda en los tiempos del destape: "exigencias del guion".
Las similitudes de algunas escenas y puntos en común con "Almas desnudas" (Max Olphus / 1949) no hace sino desmerecer con la comparación. En fin, oportunidad desaprovechada en manos de un director al que le deseamos vuelva a encontrar el pulso de otras décadas de su carrera.
LA ESPERA
7
1 h. 40 m.
Italia / 2015
Piero Messina
La influencia de Sorrentino en la composición formal es más que evidente. No en vano Messina fue su ayudante de dirección en "La gran belleza". Messina apunta o mejor dicho confirma más que maneras en este su debut sobre una historia basada en un hecho real ligado mediante la inspiración de dos piezas de Pirandello. El resultado es notable si le añadimos la excelentes interpretación de La Binoche (como siempre) y el futuro cinematográfico, ya casi presente que atesora Lou de Laage, que no desmerece ante la maestra. Lou de momento es una de las actrices mejor pagadas del mundo.
El caso es que la cinta sin acabar de cuajar como debiera bebe del mejor cine silente en su primera parte, aquel que busca la esencia de la imagen depurandola para transmitir emociones y sensaciones sin necesidad de la palabra. A posteriori el tono teatral se va apoderando del drama de una madre que niega la desaparición de su hijo utilizando la presencia de su novia para mantenerlo vivo en una espera imposible, donde el existencialismo acaba imponiendo su ley vital.
TARDE PARA LA IRA
8
1 h. 32 m.
España / 2016
Raúl Arévalo
Hay algo en Arévalo actor, que personalmente nunca acaba de convencerme a pesar de que el resultado final no desmerezca. Como si la composición de cada personaje la tuviera muy pensada y se nota. Supongo que los ocho años que le ha llevado darle vueltas a su debut como director también le ha hecho tener claro lo que quería contar y cómo (abundantes influencias reconocidas de otros directores patrios y foráneos), que él ha sabido encauzar y amalgamar con acierto sin que se le note demasiado su rol de primerizo.
Este "tenerlo claro", saber a donde va, imprime un tono arrítmico controlado a la narración, consigue la atmósfera adecuada, y sobre todo sabe potenciar con la cámara las estupendas interpretaciones de cada uno de sus intérpretes, tanto principales como secundarios. Estos últimos bien elegidos y cuidados. Una historia de venganza que invita a la reflexión, donde un burgués acomodado desciende a "la calle" impulsado por un demonio que todos llevamos dentro: la ira. Fuerza atávica e incontrolada que nos impulsa de forma ciega a ser jueces, jurado y verdugos, con consecuencias imprevisibles y casi siempre trágicas.
Arévalo ha cosechado dos Goyas: dirección novel y película por encima de la superproducción de Bayona. Está en la cresta de la ola viviendo un dulce momento que le debería facilitar su siguiente proyecto en menos tiempo que el anterior. Supongo que Arévalo sabe que en este país, siempre hay que estar examinándose y que somos muy dados a encumbrar y despeñar con la misma facilidad. Por el bien del cine le deseo lo mejor.
ORFEO
7
1 h. 42 m.
Francia / 1950
Jean Cocteau
A sus 60 años Cocteau, artista polifacético encara su quinto largometraje en pleno auge del existencialismo francés de mediados del siglo pasado. El film se encuadra en su llamada Trilogía Órfica junto con "La muerte de un poeta" (1930) y "El testamento de Orfeo" (1960).
Obra como decimos de madurez donde el compendio de experiencias artísticas y personales de Cocteau se entremezclan en una cinta poética, preñada de efectos e imagineria de un autor multidisciplinar como es Cocteau que no se atiene a ninguno de los cánones del cine de su época. El amor, los celos, la bohemia de la época, el artista y su relación con el arte, y la fascinación y presencia constante de la muerte se dan cita en una obra personal e inclasificable, plena de hallazgos sobre todo estéticos y donde el ritmo y la caracterización de los personajes tiene sus altibajos.
Cocteau reelabora el mito clásico de Orfeo y lo lleva a su terreno creando una atmósfera onírica, de influencias surrealistas, aprovechando de forma más que notable las ruinas de la academia militar de St. Cyr para enmarca el submundo.
Los 28 años de la coruñesa Maria Casares lucen esplendidos dando "vida a la muerte". Francois Perier roba protagonismo al propio Jean Marais, pareja de Cocteau que siempre impone su gran presencia física en la pantalla.
Cocteau ya sin su mano derecha artística Christian Berad fallecido el año anterior consigue mantener su imaginario en buen parte gracias a la fotografía de Nicolas Hayer.
PEAKY BLINDERS (TV)
8
18 capítulos de 60 m. 3 temporadas
Reino Unido / 2013-14-15
Steven Knight / BBC
Pongamos el símil de un combate de boxeo. Ante nosotros un adversario con una planta excepcional cada uno de sus aderezos es perfecto y detallista: los guantes, el calzón, las botas. Su mirada fría nos hiela la sangre al tiempo que una sonrisa autosuficiente nos hechiza al compás de un baile que nos hipnotiza y casi sin enterarnos han pasado los tres minutos, hemos recibido media docena de golpes no letales pero que sumados uno a uno han terminado por tumbarnos en la lona o en el sofá dejándonos plácidamente grogis.
Pasada la experiencia, vemos la moviola tranquilamente en casa y descubrimos que si no nos hubiéramos dejado embaucar por las apariencias, ni los golpes eran tan fuertes, ni tan precisos y que cada uno de ellos dejaba al descubierto muchos puntos flacos que podríamos haber aprovechado.
"Peaky Blinders", es atractiva, clásica y moderna, entretenida, con grandes interpretaciones y muy adictiva, pero una vez visionada cada temporada uno tiene la sensación de que hemos sido muy permisivos y que los personajes y las tramas se toman demasiadas licencias.
Este nuevo Michael Corleone medio gitano de Birminghan en los "felices 20", en un papel que Cillian Murphy se merecía, rodeado de un elenco que no le va a la zaga con una composición de personajes sobresaliente (inmenso Sam Neill). Todo se enmarca en la siempre impecable puesta en escena de la BBC, acompañado de una banda sonora de ponerse firmes con Nick Cave a la cabeza.
A mi juicio la tercera temporada no esta a la altura de las dos primeras y en todas ellas muchas situaciones se resuelven de forma apresurada y poco creíble repitiendo en exceso planos muy similares.
Da igual, como en el combate de boxeo que servia de ejemplo ya nos ha ganado antes de que termine el tiempo y si las vemos venir no tenemos ganas de pararselas en las próximas dos temporadas que de momento restan y que esperamos impacientes con un cierto masoquismo.
KUBO Y LAS DOS CUERDAS MAGICAS
9
1 h. 41 m,
USA / 2016
Tavis Knight
Los estudios USA "Laika", junto con los británicos "Aarmand" son las dos columnas que sostienen el fascinante mundo de las películas realizadas con la laboriosa y costosa técnica del stop-motion.
Todos sus films, hasta ahora cuatro, son autenticas obras de arte en el apartado técnico pero tras el "pinchazo" a nivel de guión de su anterior trabajo "Los boxtrolls", Chris Butler guionista de "ParaNorman" segundo de los proyectos de Laika regresa y el propio presidente del estudio (hijo del dueño de Nike) toma las riendas de la dirección para conseguir, a mi juicio, la mejor de las cuatro propuestas, que teniendo en cuenta el nivel anterior, es mucho. Paradojicamente es la que menos taquilla ha cosechado.
"Kubo...", es una auténtica gozada para los sentidos, ambientada en el japón de los samurais, esta historia de superación, de mirar hacia adelante en la vida sin olvidar el pasado y nuestros antepasados esta llena de ternura, amor, amistad, camaradería, humor, espectacularidad y emoción.
La animación, sea cual sea su técnica está deviniendo en una repetición de estructuras narrativas donde la acción y los personajes disparatados comienzan a repetirse. Historias como la de Kubo nos retrotraen a los cuentos y leyendas que desde que el hombre camina sobre la tierra han entretenido y enseñado. Kubo posee todo ello y sus niveles de lectura son amplios. En el debe una cierta claudicación a esquemas más trillados en su tramo final y una falta de mejor explicación de aquello que quiere transmitirnos.
Película de más larga duración en stop-motion, nominada a mejor película de animación y efectos especiales, esperemos que el auténtico premio sea que consiga más espectadores. Ellos se lo merecen y nosotros lo agradeceremos.
EXPERIMENTER: LA HISTORIA DE STANLEY MILGRAM
7
1 h. 30 m.
USA / 2015
Michael Almereyda
"Experimenter...", podría considerarse en si misma un experimento del director de Kansas Almereyda que a sus 60 años posee una ecléctica carrera al margen de la comercialidad con algún que otro éxito. Almereyda se sale de los cánones convencionales para sorprendernos visualmente, con una propuesta austera donde un elefante puede aparecer por los pasillos sin propósito ni explicación aparente o los fondos ser proyecciones fijas en blanco y negro de corte teatral. Rupturas de la cuarta pared..., todo vale al servicio de contarnos la vida y la obra de este psicólogo de Nueva York, que aportó la famosa teoría de los seis grados de separación y que investigó la obediencia debida a la autoridad a raíz de las teorías de la banalidad del mal de Hannah Arendt a tenor del juicio contra Adolph Eichmann el nazi encargado de organizar la infraestructura para desplazar a miles de personas a los campos de exterminio.
Tanto las teorías de Arendt como los experimentos de Milgram resultaron incómodos y fueron atacados por las diferentes implicaciones que conllevaban amén de la pausible presión que Milgram pudo inducir a los sujetos con los que realizó sus experimentos. En cualquier caso dignos de suscitar reflexiones sobre la naturaleza grupal y particular del ser humano.
Buenas interpretaciones, algo confusas las explicaciones, una Winona Ryder que vuelve por sus fueros de calidad actoral en una propuesta a contracorriente que se agradece y nos hace pensar en lo que somos o podemos convertirnos.
Milgran murió a los 51 años de un ataque cardíaco privándonos prematuramente de una de la mentes más inquisitivas de la psicología del siglo XX.
UN DÍA EN NUEVA YORK
8
1 h. 38 m.
USA / 1949
Gene Kelly / Stanley Donen
Arthur Freed marcó un antes y un después en la producción de musicales, en su caso para la MGM e impulsó la carrera de muchas de sus estrellas. Les daba, cosa inusual, libertad creativa a los directores y el resultado fue un puñado de los mejores musicales de la historia. Ahora que "La, La Land" vuelve a poner al musical de moda, no viene mal revisar algunos de los clásicos como este "On the Town", en el que Gene Kelly pidió y se le concedió que algunos números fueran rodados en exteriores de la propia ciudad, con la consiguiente dificultad y revuelo. Frank Sinatra estaba en lo más alto de su popularidad.
Kelly se estrenó como director con su ayudante coreográfico Stanley Donen, repitió con Sinatra con el que ya había trabajado en "Levando anclas" (1945 / George Sidney) y un resto del elenco equilibrado y divertido consiguiendo una adaptación de la obra teatral del mismo título a su vez inspirada en un ballet. La mayoría de la música de Bernstein perteneciente a la obra teatral se quedó por el camino; se consideró demasiado operística para el tono desenfadado que se le quería dar a la comedia y se compuso nuevos temas para la película.
La ciudad de Nueva York es la auténtica protagonista. Unos marineros pasan su día de permiso en ella y encuentran a sus tres medias naranjas en una serie de escenas donde el baile y la comedia se dan la mano de manera fresca y con buen ritmo. Es destacable la importancia de los personajes femeninos que son las que llevan las riendas de los encuentros, fruto del papel protagonista que había ejercido la mujer durante la guerra. Ya nada podía ser igual. Ellos podían haber empuñado las armas pero en casa ellas habían trabajado duro y ocupado muchos de sus roles que ya no abandonarían.
Fue un gran éxito y se consideró uno de los mejores musicales hasta el momento. Visto con la perspectiva de los que vinieron después, entre ellos "Cantando bajo la lluvia" del mismo dúo de directores se nos antoja algo simple. No es óbice para que 68 años después se siga disfrutando sin complejos.
 |
| QUE ESTÁS EN LOS CIELOS (2017) |
.JPG) |
| CHUCK BERRY (1926-2017) Músico |
 |
| CURTIS HANSON (1945-2017) Director |
 |
| JOHN HURT (1940-2017) ACTOR |
 |
| EMMANUELLE RIVA (1927-2017) ACTRIZ |
ELVIS & NIXON
7
1 h. 26 m.
USA / 2016
Liza Jhonson
En el 90 y en el 2000 ya se hicieron dos películas sobre este singular encuentro, cuya fotografía testimonial es una de las más solicitadas en los Archivos Nacionales USA.
Que el "King" se presentase de improviso en el 70 en las puertas de la Casa Blanca solicitando una entrevista con el Presidente, con el fin de ser nombrado agente de la DEA no deja de ser algo surrealista y con unas posibilidades que el cine no podía desaprovechar.
Nixon y Elvis, que en la cinta no se encuentran hasta los últimos 25 minutos, tenían el denominador común de haber alcanzado lo más alto de sus profesiones y estar tremendamente acomplejados por no ser valorados por ellos mismos, acabando como sus propias caricaturas en una soledad existencial de nefastas consecuencias personales.
Nixon y su equipo aprovecharon la ocasión para promocionar la imagen de su administración y la lucha contra las drogas y lo que podía estar pasando por la cabeza de Elvis, paradojicamente hasta arriba de drogas legales con las que se medicaba, es un misterio. Se sabe que criticó a The Beatles como anti americanos y poco más. Al final consiguió su medalla de agente de la DEA.
La estadounidense Liza Johnson nacida una semana antes del famoso encuentro, nos lo cuenta con solvencia narrativa en su cuarto largometraje consiguiendo a veces el equilibrio entre la comedia satírica, la caricatura y el drama personal entre lineas de unos personajes necesitados de amistad y aprobación.
Shannon es tan bueno que nos hace olvidar que se parece a Elvis como un huevo a una castaña y Spacey se lo pasa en grande imitando a "Dick el tramposo", bien secundados por el resto del elenco. La trama se sigue con interés y alguna que otra sonrisa.
BIAGIO
7
1 h. 30 m.
Italia / 2014
Pasquale Scimeca
La extensa carrera de Scimeca como director de cine independiente italiano, alternando documentales con ficción apenas es conocida a nivel popular y menos en España y se mantiene saltando de festival en festival donde sus propuestas suelen ser bien acogidas. Parece casi un milagro que su último trabajo sobre la vida de Biagio Conte se halla estrenado, supongo que muy brevemente, a nivel comercial.
Conte nacido en el 65 en Palermo abandonó su acomodada familia y despojándose de todo lo material inició una búsqueda espiritual en los 90 en contacto con la naturaleza que le llevó a Asís siguiendo los pasos de San Francisco. A partir de ese momento inicia una labor de ayuda a los más necesitados, fundando la "Misión de Esperanza y Caridad" que permanece en activo con más de 200 personas implicadas.
Scimeca no ha compuesto una película religiosa y su mirada sobre Bagio es respetuosa, sin tomar partido. Apenas nos cuenta como fue consiguiendo el apoyo para fundar su "Misión" y se centra en el personaje donde Marzello Mazzarella es la gran baza de la película. Su mirada limpia, su amor por la naturaleza, plasmada con belleza por Scimeca, los animales y sus "hermanos" es filtrada por el rostro de Mazzarella que lo hace todo suyo y nos atrapa en su dolor por el mundo y en su alegría por disfrutar del regalo de la vida. Emotiva sin subrayados, simple en su concepción y nada comercial, se disfruta como ese agua limpia y fresca de un manantial escondido que nos conforta cuando ya estamos muy cansados de tanto caminar perdidos en un mundo artificial y egoísta.
Dicen que Biagio terminó en una silla de ruedas y que se recuperó visitando las aguas de Lourdes. Un "milagro" ocurrido mientras se rodaba la película que esta no refleja. Aunque el autentico milagro es que personas como Biagio Conte aún den testimonio de que otra vida es posible alejada de lo material.
NOS VEMOS ALLÁ ARRIBA
Pierre Lemaitre / 2013
Edit. Salamandra / 2014
443 págs.
A los 61 años y con un bagaje de cinco novelas policíacas de éxito en su curriculum, el parisino Lemeitre cambia de registro con una novela ecléctica en torno a la I Guerra Mundial en su país y sus derivadas de enriquecimiento de unos pocos a costa del sacrificio más allá de la contienda de la mayoría. Esos que eufemisticamente se les considera héroes de la patria y que no fueron y siguen siendo en cualquier país otra cosa que carne de cañón.
Con un comienzo trepidante "in media res" que nos engancha y presenta a los principales protagonistas Lemeitre sabe dosificar las peripecias existenciales de las diferentes clases sociales representadas por sus personajes en un mundo donde el refrán de: "el muerto al hoyo y el vivo al bollo" toma todo su trágico sentido. Las miserias que padecieron aquellos que sobrevivieron a un conflicto brutal y despiadado y los tejemanejes de esos otros que se enriquecieron, algunos aún más, a costa de él se ven reflejadas en un enfrentamiento donde cada cual saca tajada de la situación. Con sutil humor, brillante narración y una galería de personajes bien delineados, el autor va dando giros que impulsan la narración hacia adelante y nos mantienen atentos a un desenlace en donde todo puede ocurrir. La aventura, el humor y el horror se dan la mano con la crítica social basada en hechos reales.
Ganadora del Gouncourt, éxito de ventas en Francia y alabada por la crítica, "Nos vemos allá arriba", hereda buenas dosis de Dumas y Balzac para actualizarlos a nuestros días y que sigamos disfrutando de una buena novela.
CAFÉ SOCIETY
6
1 h. 36 m.
USA / 2016
Woody Allen
El maestro cumple 80 años y para celebrarlo acude puntual a su cita anual con el cine. Sus fans ya nos hemos acostumbrado a que cantidad y calidad guardan un equilibrio con obras maestras alternando con otras, llamesmolas de transición, de mantenimiento para no perder el tono y el ritmo. Esta última entrega preñada de nostalgia sobre una época dorada, los treinta, en ambas costas donde el lujo y el glamour dejaban su huequito para ponerle a "descansar" en los cimientos de un edificio a cualquiera.
La propuesta es básicamente estética y Allen cede buena parte del merito, por no decir casi todo, a Vittorio Storaro que lo borda con una fotografía preñada de dorados y una paleta de colores para enmarcar. La dirección artística y la mirada elegante y sutil de Allen hacen el resto. Es una bella película.
El guión es otra cosa. A la historia de amor le va perfecto el adjetivo que más se le ha adjudicado: lánguida. Y a un servidor, sin desmerecer el curriculum actoral de sus protagonistas, se me antojan fuera de lugar, desubicados en un tipo de película y unos personajes que nos cuentan lo que les pasa pero que no veo ni siento que les pase. El afilado ingenio humorístico de Allen con sus chistes de judíos, gansters y la parca no está tampoco a la altura de otras ocasiones y así el metraje va pasando para goce visual y desencanto emocional.
A Eisemberg, trasunto de Allen, sale perdiendo en la comparación y se pasa toda la película encorvado como Ricardo III sin lucir el vestuario de época. A Kristen Stewart le viene grande un personaje con el que parece nunca sentirse a gusto. Carrel da el tipo y Blake Lively pasaba por allí.
Aquellos espídicos y turbulentos años tenían un nervio mucho más duro que esta nostálgica postal. Aunque ya se sabe que un poco de Allen es mucho.
EL TERCER HOMBRE
8
1 h. 44 m.
Reino Unido / 1944
Carol Reed
Carol Reed tuvo una carrera desigual pero nos dejó un puñado de títulos para la historia y junto con Hitchcock ocupa una lugar en el Olimpo de los directores británicos. Buena parte de su éxito en un momento clave de su trayectoria la tuvo el escritor Graham Green que le puso la base con sus historias en la estupenda "El ídolo caído", "Nuestro hombre en la Habana" y este "El Tercer hombre" que le consagró a nivel mundial. Green siempre creyó en él como director y el binomio funcionó a la perfección.
Personalmente he de reconocer que me gusta más "El ídolo caído, me parece más personal. En "El tercer hombre" la influencia del cine de Hitchcock y del propio Welles, que por otra parte no son malas influencias, acaban por restarle algo de protagonismo a su propio estilo.
La película es hoy día un mito clásico y algunas de sus escenas paradigmas. El reparto es fantástico, destacando las breves intervenciones de Welles que en magistrales y pequeños trazos compone todo un arquetipo de cinismo y maldad heredero de una nueva sociedad que ya no cree en nada después de los desastres de las dos guerras. Green se luce en sus diálogos, escribió el texto para la película y después la novela, y sus reflexiones existencialistas sobre el amor la muerte y la amistad de seres humanos faltos de referencias religiosas y sociales son de lo mejor de la cinta.
Por supuesto Reed deja su impronta en esa Viena de posguerra desolada, vestigio de un falso esplendor que nunca volvería, sus primeros planos de gentes que están siempre a la espera de algo o de alguien y la persecución final en las cloacas con todas las metáforas que le queramos poner. Sobresaliente la fotografía de Robert Krasker que ya se lució en "Larga es la noche" (1947) donde Reed casi que hace un borrador previo de "El tercer hombre", y por supuesto la inmortal música de Anton Karas con esa melodía pegadiza que todos acabamos sabiendo tatarear.
Cotten que al final sustituyó a los Cary Grant o James Stewart inicialmente propuestos cumple con un personaje que va evolucionando a lo largo de la cinta en una lucha interior entre la lealtad a su antiguo amigo y el amor no correspondido de una Alida Valli cuya imagen refleja esa triste belleza de aquellas mujeres de posguerra que acabaron perdiendo un futuro que se llevó otro viento de guerra como en la famosa película.
El mundo aventurero y romántico de las novelas del oeste que escribe el personaje de Cotten ha muerto. Ya solo le queda "perder el tiempo", mientras ve alejarse la encarnación de sus sueños. Como aportó Welles en boca de Harry Limes, del fango de la tragedia humana desgraciadamente es de donde surgen los genios.
MARTE (TV)
6
6 episodios de 45 m. aprox
USA / 2016
Everardo Gout / National Geographic tv
National Geographic televisión, se aventura con el mundo de la ficción sin acabar de desprenderse del documental en un híbrido que no acaba cuajar ni en uno ni en otro sentido a pesar de lo interesante de la propuesta y de una digna producción con Grazer y Howard detrás.
Siempre he pensado que el rigor divulgativo de la revista de la que soy subscriptor desde su edición en España no se correspondía con su hermana televisiva donde primaba la espectacularidad y un cierto sensacionalismo, con el fin lógico de atraer a esa parte del público que prefiere la imagen a la palabra escrita.
La promoción de la carrera espacial abandonada, teniendo como objetivo el planeta rojo apelando a la épica y al espíritu explorador del ser humano es el mantra repetitivo durante los seis episodios en la parte documental. En la ficción prima el aspecto dramático a medio hervor entre aquellos que hubieran preferido mayores cotas de desarrollo en la historia y aquellos que echamos de menos más rigor científico.
El resultado no deja de ser interesante pero no (y nunca mejor dicho) para tirar cohetes.
Uno acaba por tener la sensación de tristeza que le provoca el empeño por conquistar y poblar ese árido desierto que es Marte y el abandono y deterioro de la inigualable maravilla que es la Tierra.
PETER Y EL DRAGÓN
7
1 h. 42 m.
USA / 2016
David Lowery
Muy agradable sorpresa por partida doble este remake de la cinta musical del mismo título del 77, esta vez sin canciones, y con un director que es la segunda sorpresa. Lowery después de dejarnos su notable tarjeta de presentación con "En un lugar sin ley" (2013) de tono y temática que nada tienen que ver con este producto familiar Disney, nos sorprende con un cambio de registro donde deja su impronta personal no solo en el estupendo guión al servicio de una historia más que previsible, sino que Lowery construye la atmósfera y el ritmo narrativo perfecto para que nos atrape y nos emocione de principio a fin. Muy acertado el reparto, que de forma equilibrada no toma excesivo protagonismo siendo la amistad entre Pete y Elliot el auténtico motor de la trama. Tanto el niño como el diseño del Dragón son impecables y merecen nuestro recuerdo.
Alguna rama de Disney está apostando, aunque con desigualdad de presupuestos por historias entrañables y didácticas en sus mejores tradiciones pasadas: "Mi amigo el gigante" (Spielberg / 2016) y este "Peter y el Dragón" son dos buenos ejemplos que nos dan un respiro de las historias trepidantes y alocadas que vienen copando con diferente éxito el cine para compartir con los pequeños. La magia y la fantasía de los cuentos brota de nuevo cíclicamente como no podía ser de otra manera. La llevamos en nuestro genes.
STARK TREK: MÁS ALLÁ.
5
2 h.
USA / 2016
Justin Lin
La industria pura y dura, esa que según Meryl Streep hace que el público inteligente vaya cada vez menos al cine, pero que por contra da pingües beneficios de ese otro público menos exigente (y más con el mercado chino sino se lo carga Trump), ha encontrado en J.J. Abrams su rey midas. Abrams que es un lince en esto del entretenimiento de masas y que pretende correr al rebufo del Spielbeg y Lucas de los ochenta ya ha conseguido monopolizar las dos grandes franquicias galácticas que cada vez más se parecen la una a la otra en un tono preadolescente, sin ningún tipo de pudor argumental y no digamos ya de mínima credibilidad. Supongo que alguien se entretendrá en hacer un listado bajo el epígrafe de: "no hay quien se lo crea" en el que cada tres minutos hay que añadir alguna escena.
Como el hombre (Abrams) está muy liado entre tanto curro de masas delega en la dirección de Justin Li que hace muy bien aquello que sabe hacer y que repite una y otra vez en la saga "Fast & Furious".
¿No existe en la Galaxia cinematográfica un grupo de rebeldes que ataquen a Lord Abrams en su "estrella de la pasta" y lo teletransporten "más allá" tomando las riendas del nuevo Enterprise o del Halcón Milenario".?
 |
| Larga vida y prosperidad |
EL PROFESOR DE VIOLÍN
6
1 h 32 m.
Brasil / 2015
Sergio Machado
La historia transita por caminos ya muy trillados y como se ha escrito Sergio Machado intenta no subrayarlos en demasía amortiguando el efecto, pero la cosa sigue siendo previsible. Tanto la situación personal del maestro como la social en las favelas han sido ampliamente y mejor desarrolladas en otros films de profesores con alumnos conflictivos o de la propia realidad de esos ghettos de miseria que se extienden en las colinas de las grandes ciudades brasileñas como algo endémico en un país con grandes recursos cuyos gobiernos dan pocas soluciones. Machado dirige con corrección aprovechando la dualidad de espacios que marcan de forma brutal y vergonzosa la linea entre la vida y la muerte.
ALFRED HITCHCOCK
LA CARA OCULTA DEL GENIO
Donal Spoto / 1983
Edit. RBA / 480 págs.
Publicado en el 83 ha sido reeditado desde los 90 en varias ocasiones en nuestro país. La publicidad dice de Spoto que ha confeccionado otras biografías sobre gentes famosas del mundo del cine, pero la publicidad debería ser inversa ya que fue está biografía extensa y profunda sobre la personalidad del director la que le dio la fama y le animó a seguir por la misma senda con otros actores y directores, la mayoría curiosamente también muy relacionados con Hitchcock.
Es cierto que antes había publicado otra biografía sobre Stanley Kramer pero fue está la que le consagró como un importante biógrafo de los personajes de la época dorada del cine. También ha escrito sobre la dinastía Winsord, Jacquelin Kennedy, Francisco de Asís o el propio Jesús. Spoto no en vano es teólogo.
El caso es que su primer libro también fue sobre la obra de Hitchcock y aquí se emplea a fondo en casi 500 páginas analizando pormenorizadamente la psicología del maestro del cine psicológico más que del suspense.
La dualidad del personaje, maestro también en auto promocionarse y dar la cara en público según sus intereses al mismo tiempo que se encerraba cada vez más en un soledad autoimpuesta, recogido bajo el ala de su esposa con quien mantuvo una relación de dependencia absoluta y cuya pasión común por el cine sustituyó la ausencia de pasión marital.
Sus sibaritismos, su compulsión irrefrenable por la comida y la bebida, el sentimiento de la culpa cristiana, su falta de interés en los actores y en el proceso de rodaje (creaba la película mucho antes de comenzar a rodarla), sus bromas pesadas, su vena tacaña y ruin, su ego desmedido, sus comentarios obscenos y escatológicos, su escaso agradecimiento y reconocimiento a quienes trabajaron con él y sobre todo sus fantasías reprimidas con "las rubias" actrices que intentaba poseer y modelar a su antojo de forma patológica componen un personaje lleno de represiones infantiles y adolescentes que encontró su forma de expresarse y ser querido a través de una mirada privilegiada para hacerlo con el cine.
Sus sibaritismos, su compulsión irrefrenable por la comida y la bebida, el sentimiento de la culpa cristiana, su falta de interés en los actores y en el proceso de rodaje (creaba la película mucho antes de comenzar a rodarla), sus bromas pesadas, su vena tacaña y ruin, su ego desmedido, sus comentarios obscenos y escatológicos, su escaso agradecimiento y reconocimiento a quienes trabajaron con él y sobre todo sus fantasías reprimidas con "las rubias" actrices que intentaba poseer y modelar a su antojo de forma patológica componen un personaje lleno de represiones infantiles y adolescentes que encontró su forma de expresarse y ser querido a través de una mirada privilegiada para hacerlo con el cine.
Dominador absoluto de la técnica, heredero de la concepción del cine mudo donde la imagen valía más que todas las palabras fue capaz de manipular los sentimientos del público apelando a su subconsciente valiéndose solo de su genio con la cámara.
Encasillado por voluntad propia o preso de su propio éxito con el thriller de asesinatos, falsos culpables, persecuciones y humor negro su cine es como un gran McGuffin al que él mismo apelaba para expresar sus propios miedos, inquietudes y deseos. Spoto lo analiza y justifica con profusión de documentación, en una lectura densa, abierta a todo tipo de lectores sean o no cinéfilos.
Hitchcock fue en vida alabado y reconocido aunque Hollywood nunca se lo tomara en serio. Su obra, sus películas (más de 50) son el legado inmortal de si mismo para quien, con la ayuda de libros como este, pueda descifrarlo o simplemente disfrutarlas.
El cine de autor y el de entretenimiento se mezclan como nunca en ellas. Junto con la mítica entrevista que publicó Truffaut en el 66 el libro de Spoto cierra el circulo sobre "Hitch".
NERVE, UN JUEGO SIN REGLAS
6
1 h. 28 m.
USA / 2016
Henry Joost / Ariel Schulman
En "Nerve" existe una voluntad estética y narrativa que funciona razonablemente bien, con unos protagonistas atractivos. El problema es que está al servicio de una historia (ya contada por cierto en "Black Mirror") que por inquietante que sea no da para un largometraje. O al menos no da con el previsible y frío guión que firma Jessica Sharzer sobre la novela de Jeanne Ryan en el 2012. Dirigida básicamente a un público juvenil, que si están tan enganchados a las redes como los de la película no creo que inunden las salas. Su dosis de profecía no la hace menos olvidable.
ALMAS DESNUDAS
7
1 h. 22 m.
USA / 1949
Max Olphüs
El trasvase de directores básicamente centroeuropeos al Hollywood de los años treinta cimentó la industria, creó géneros y aportó arte a lo que generalmente era solo entretenimiento. Algunos de ellos sin embargo no acabaron de cuajar por unas u otras razones y solo se habla de "su etapa" en Hollywood. Eso no significa que no hicieran buenas e incluso magníficas películas. Es el caso de Renoir, Claire y Olphüs como más destacados.
Olphüs, alemán nacionalizado francés se exilió en Norteamérica en el 41 y tras cinco años en el dique seco los tres siguiente realizó sus cuatro películas americanas en las que dejó huella de su maestría como realizador. Las dos últimas, "Atrapados" y la que nos ocupa, etiquetadas dentro del llamado cine negro, aunque en el caso al menos de "Almas desnudas" (título español inapropiado) no deja de ser una simplificación.
Producida por el acertado productor independiente Walter Wagner para la Columbia, coloca a su mujer Joan Bennett en un cambio de registro en el que la acostumbrada femme fatale se convierte con acierto en una gran interpretación, en una abnegada matrona norteamericana que en ausencia de su marido (en la novela original por la guerra) saca adelante su familia y lo que le echen. En este caso proteger a su hija de una sospecha de asesinato. El argumento escrito en tiempos de guerra en una revista para mujeres, cuya finalidad era ensalzarlas y animarlas durante el conflicto, no le gustaba nada a Mason, y como se ha dicho paga peaje a las estrictas normas sociales que imperaban en la época y se hace inevitablemente previsible.
A Olpüs sin embargo la trama policial no es lo que le interesa sino el propio personaje de la mujer y como se desenvuelve en su ambiente teniendo que salir "al exterior" para enfrentarse a un mundo sórdido que le es extraño. La señora Harper, deja de ser la "señora de" y empieza a descubrir que existe otra vida más allá de su reino familiar, en el que se siente sola y a tenor de los numerosos planos en que aparece tras rejas o barrotes, enjaulada. La ambigüedad que Olphüs le da al tono de la cinta y al personaje hace que sobre todo con el paso de los años la película sea más interesante que en su momento. El melodrama se entrevera con el noir, las luces con las sombras y se superpone una historia de amor asimétrico en la que el personaje de Mason adopta el rol de héroe romántico y trágico en una composición que a mi juicio aún siendo clara es algo forzada y precipitada.
La película gusta más analizándola que viéndola. El director mantiene el suspense razonablemente y sobre todo se luce con sus acostumbrados y geniales movimientos de cámara, utilización de los espacios, el atrezzo y la figuración, que son clases magistrales de cine.
Siempre quedará la duda de si a la idea inicial de la novela de ensalzar a las madres de familia norteamericanas no habría añadido subliminalmente Olphüs una denuncia de su sacrificada explotación por un sistema a todas luces machista. El personaje "liberal" de la hija puede prefigurar el camino de emancipación de la mujer que una década después florecería desde la misma California donde transcurre la acción y el magnifico final abunda en la ambigüedad. ¿Por qué llora la Sra. Herald?
THE WALKING DEAD (TV. 7ª temporada)
7
8 episodios de 1 h. aprox.
USA / 2016
Frank Darabont / AMC
Poco se puede decir ya de esta serie que cumple 6 años en la primera mitad de su séptima temporada, salvo que sus guionistas son equiparables a los zombies que habitan este mundo desolado, no hay quien acabe con ellos y son capaces de reinventarse una y otra vez con el mismo esquema haciendo que las cosas vayan cambiando para que todo siga igual.
A pesar del constante goteo de perdidas de personajes cada vez nos identificamos más con esta disfuncional familia de supervivientes. Ahora tenemos un malo malisimo, más simple en su concepción pero igual de eficaz que "el Gobernador" que interpretaba David Morrissey, del que a mi juicio se abusa un poco, pero que te intranquiliza y mantiene el suspense. Y más teniendo en cuenta que la cadena ha dado barra libre para que el gore no solo afecte a los zombies con algunas escenas que a servidor le han parecido pelín excesivas. Todo sea por la audiencia.
Las crisis también afectan a las series y ahora en vez de tener temporadas de 12 o 16 capítulos, dicen que las dividen en dos tandas, que no es otra cosa que decir que ahora las temporadas reales son de la mitad de capítulos. En cualquier caso estos "odiosos ochos" me han gustado más en su simplicidad argumental que la temporada anterior y en conjunto la serie sigue contentando a sus fans, a los comiqueros en los que se basa y a foráneos de las aventuras apocalípticas que no sean alérgicos a los zombies.
"The walking dead" no fue ni es una serie de Champions, pero gana todas las "Copas del rey" y llena los estadios. Por algo será.
EL CASO FISCHER
7
1 h. 54 m.
USA / 2014
Edward Zwick
Zwick en su ya extensa carrera desde el 83 nos tiene acostumbrados a un cine variopinto de corte comercial que con mayores y menores aciertos contenta al gran público pero que parece tener un techo que le impide ir un poco más allá en las historias que plantea.
Este biopic sui generis sobre el ajedrecista, nacido en Chicago, Bobby Fisher, moldea la historia del personaje a su conveniencia para, manteniendo lo esencial de su vida, que el espectador se identifique con una historia de superación de un chaval conflictivo que acaba imponiendo su genio ante sus fríos y despiadados contrincantes donde el campeón soviético Spasky salva la cara reconociendo y aplaudiendo la maestría del americano.
Como aproximación al personaje y al mundo del ajedrez el guión se sostiene gracias a la contrastada solvencia narrativa de Zwick y la labor de los actores donde Tobey Maguire vuelve a demostrar su nivel actoral.
Fisher no fue un niño prodigio en el ajedrez, despuntó en su adolescencia, tuvo derrotas sonadas que no aparecen en la cinta y a pesar de ser judío su antisemitismo radical y paranoico junto con sus traumas personales, convierten su perfil en algo menos atractivo de lo que se nos plantea en la cinta, sin restar por ello merito a sus inigualables logros sobre el tablero.
AL FINAL DEL TÚNEL
8
2 h.
Argentina / 2016
Rodrigo Grande
No se prodiga mucho por las razones que fueren el director y guionista argentino Rodrigo Grande. Tres films desde que comenzó hace veinte años a rodar cortos. Aún es joven, 42 años y puede que este tipo de coproducciones con España que están dando buenos resultados impulse su carrera.
Aquí toma las riendas de un thriller que va sorteando con habilidad los tópicos del género de atracos con una historia de personajes y algo más. Grande consigue que los giros de su guión no chirríen demasiado y la historia avance con las dosis justas de violencia y suspense para que la sigamos con interés sin que miremos el reloj en las dos horas de metraje.
Al buen hacer habitual de los actores argentinos se suma una Clara Lago que a pesar de sus éxitos comerciales aún no acaba de quitarse el lastre de chica mona. Se nota que lo intenta y que sin duda le llegará esa oportunidad para demostrar que su calidad como actriz va más allá de lo que le ofrecen. Grande desecha su interesante personaje una vez pasada la introducción y acaba por transitar terrenos más convencionales, sin que por ello deje de conseguir un resultado notable.
REGRESO A CASA
9
1 h. 49 m.
China / 2014
Zhang Yimou
Que Yimou es un maestro en esto del cine a estas alturas de la película o mejor dicho de sus películas (esta es la 19 y las que le quedan a sus 65 años), es incuestionable. Por lo tanto cada uno de sus nuevos trabajos es esperado con gozo prematuro. Eso no quita para que en toda una vida haciendo cine y tocando varios palos, unos trabajos nos gusten más que otros e incluso algunos nos decepcionen personalmente como la anterior "Las flores de la guerra". Incluso en estás decepciones detrás siempre está todo el saber de este chino norteño de Xi´an que se comió en su infancia y juventud la revolución cultural y que ha sabido amoldarse a caminar junto con su cambiante país, para poder expresarse con la censura o el beneplácito del mismo, aquello que llevaba en su interior.
Después de un paréntesis para asumir toda la parafernalia de los juegos olímpicos de Beijing, su cine viene oscilando entre pequeñas joyas intimistas que remiten a sus orígenes como cineasta con grandes superproducciones a mayor beneficio de la patria.
Es en las primeras en las que se encuadra esta historia de amor que, para un servidor, junto con "Amor bajo el espino blanco" (2010), tocan el alma de forma tan bella y sutil que si uno creyera en eso que llaman amor, sería en la forma y en el fondo que nos lo presenta Yimou.
Encuadrada en la revolución cultural y sus consecuencias sobre millones de personas, Yimou denuncia implícitamente sin tener que explicitarlo el sufrimiento de aquellos que la padecieron. No es eso lo que le interesa contar y probablemente no le hubieran dejado hacerlo en el statu quo que mantiene con el gobierno de su país. Así que vuelve a hablarnos de amor con mayúsculas, preñado de sacrificio, de aquel que da y no espera recibir, en una historia magistralmente rodada y con unos actores en estado de gracia, en el que vuelve a reencontrarse con la maravillosa Gong Li, regalandole otro personaje inolvidable.
Una auténtica joya que no ha tenido la repercusión que merece. No le hace falta.
EL VERANO DE MAY
6
1 h. 39 m.
USA / 2013
Cherien Dabis
Nacida en Ohio, USA, de padres Jordanos y Palestinos, sus dos films desde el 2009 tienen el común denominador de aquellos que teniendo lazos con dos tierras siempre son considerados extranjeros en cada una de ellas. Un cine de mirada sencilla, intimista, pausado, con ligeros toques de humor que en ambos casos y hasta la fecha reflejan vivencias personales. Directora, productora y guionista, aquí incluso debuta como actriz protagonista sin desentonar en el intento, en una historia de búsqueda de identidades, de relaciones familiares que no entienden de geografías, religiones ni políticas pero que inevitablemente se ven lastradas por ellas.
La película no acaba de encontrar el tono, pasando de forma ligera sobre las posibilidades dramáticas que plantean en mayor o menor medida cada uno de sus personajes, desde la dependencia del otro, el miedo a la soledad, la libertad individual y sexual... Correctas actuaciones en un elenco multicultural para una cinta que se queda a medio camino, dividida y confusa con su propia razón de ser, quizás como la propia protagonista.
AL ROJO VIVO
8
1 h 44 m.
USA / 1949
Raoul Walsh
A pesar de que Cagney era y siguió siendo un todoterreno, el público le adoraba en los papeles de tipo duro o de ganster. A principios de los cuarenta se desligó de la Warner con quien siempre tuvo una relación de amor-odio y trató de desencasillarse del matón que maltrataba a las mujeres, creando su propia compañía. No tuvo éxito y después de siete años tuvo que volver bajo el ala de Jack Warner que inmediatamente le encasquetó otra de gansters.
El pequeño bailarín tenía ahora cincuenta tacos y una figura más tirando al cuadrado que al rectángulo, pero quien tuvo retuvo y a regañadientes consiguió una más de sus memorables actuaciones. Afortunadamente a los mandos estaba Raoul Walsh con el que ya había trabajado en el 39 en "Los felices años veinte". Walsh, otro genio, tenía a esas alturas de su vida el culo pelao en esto de hacer películas y su habitual energia se unió a la de Cagney dando lugar a un film entretenido, vertiginoso, donde ocurren como en casi todos los films de Walsh muchas cosas a un ritmo constante. La visión de los gansters y de la policía había cambiado con los tiempos y eso se nota en la cinta. El personaje principal de Cagney se basa en un delincuente real que a su vez es encuadrado en otra familia de delincuentes reales donde "Ma Parker", ejercía su apoyo logístico y maternal a sus hijos delincuentes.
Todo esto le sirvió a Cagney para dar volumen psicológico a su personaje más allá del violento, cínico y desalmado estereotipo al uso, con una interpretación vivida.
La cinta, quizás algo larga, va marcándose objetivos argumentales que va soltando, a veces sin acierto, (la desaparición de la madre de forma abrupta), empujando la trama hasta el apoteosico final con frase para la historia incluida. Película de estudio con toda su artillería artística trabajando a pleno rendimiento, dando sus últimos coletazos ante la bomba televisiva que se avecinaba.
Virginia Mayo con 29 años, en la cumbre de su carrera está estupenda como la mujer de Cody, al igual que Edmon O`Brien como el eficiente policía infiltrado y sobre todo Margaret Wicherly que dejó su huella en la historia del séptimo arte con su composición de "Ma", orgullosa seguramente de que su hijo Cody le dedicara sus últimas palabras en la cima del mundo.
MASCOTAS
7
1 h. 27 m.
USA / 2016
Chris Renaud / Yarrow Cheney
Después de Gru, nuestro villano favorito, sigue habiendo vida en su productora aunque sea a costa de revisitar y mezclar otras películas ya vistas con similares estructuras, desde la mítica "La dama y el Vagabundo" (Disney / 1955), hasta los film de Pixar "Buscando a Nemo" o "Toy Story". Todo está inventado.
Así que Renaud director habitual de la productora junto con Cheney recurren en los primeros veinte minutos y lo diez finales a los millones de personas que comparten su vida con una mascota apelando sin pudor a nuestra relación con ellos y ya nos tienen ganados (Servidor tiene 5 gatos y dos perros). Lo demás es una buena y generalmente divertida ración de "buscando a...", con un diseño de personajes variado y acertado y una sucesión de gags que funcionan de forma razonable.
Se pasa un buen rato con o sin peques y estaría bien recordar (en la película lo hacen) que cientos de miles de mascotas son abandonados o mantenidos en condiciones inhumanas (atados, en jaulas, a la intemperie, mal alimentados...) infringiendo las escasas leyes que los protegen sin que los gobiernos de turno, sobre todo ayuntamientos rurales tomen medidas al respecto.
ESCUADRÓN SUICIDA
2
2 h. 3 m.
USA / 2016
David Ayer
Doy fe de que David Ayer no es tan malo como director y guionista como pudiera parecer a tenor de este suicidio de escuadrón. Al menos con el género policial con el que se labró el principio de su carrera. También es cierto que una vez que abandonó dicho género hace tres años no acaba de dar en el clavo. Pero es que aquí se machaca los dedos y nos machaca nuestro paladar cinéfilo con una adaptación del cómic de DC cuyos orígenes se remontan al 59, mucho antes que la cinta "Doce del patíbulo" (1985) cuya similitud es evidente y actualizados por John Ostrander en el 87.
Una explicación a tamaño despropósito es que a Ayer no les guste el género de superhéroes, haya cogido la pasta gansa y firmado lo visto para que no le vuelven a llamar. No lo ha conseguido. El éxito de taquilla gracias a su promoción le garantiza una inminente secuela. Desde aquí compartimos el pésame con todos aquellos aficionados al mundo del cómic que pensamos que se merece algo más que acción descerebrada.
MALAS MADRES
5
1 h. 41 m.
USA / 2016
Jon Lucas / Scott Moore
Cuarenta y cinco minutos han sido más que suficientes para constatar que el concepto de comedia y lo que me puede llevar a sonreír poco tiene que ver con estas madres estresadas e injustamente tratadas que buscan liberarse igualándose con los hombres por la parte más baja del rasero.
La linea Apatow y sus derivadas como la que nos ocupa donde lo escatológico y el sexo son las dianas donde acertar con los gags para que los 20 millones de presupuesto se conviertan en más de 100 de taquilla no cuadran mucho a mi juicio con la tímida denuncia de lo sufridas que son las madres de clase media acomodada americanas, aunque puede que por contraste nos haga reflexionar sobre esos otros millones de madres que luchan solo por subsistir en el mundo.
El caso es que las actrices parecen pasárselo bien y el dúo de directores "progresa adecuadamente" en su segunda cinta "alocada y gamberra".
Gustará a muchos. El problema lo tenemos aquellos para los que Keaton, Chaplin, Lloyd, Tati... y tantos otros nos mal acostumbraron a reírnos de forma inteligente.
MILES AHEAD
8
1 h. 40 m.
USA / 2015
Don Cheadle
Descubrí a Don Cheadle allá por el 95 en "El Demonio vestido de azul" de Carl Franklin donde le daba la replica a Denzel Whasington y casi se llevaba la película. Desde entonces la carrera de este actor de Kansas ha ido en crescendo sabiendo conjugar colaboraciones en cintas comerciales con personajes de calado como el interpretado en "Hotel Rwanda" (Terry George / 2004) entre otras.
A sus 52 años se inicia en la dirección de forma arriesgada y notable con un biopic que rompe las reglas del género sobre el mítico músico de jazz Mile Davis (1926-91). La apuesta narrativa es ágil, con una utilización de los flashbacks muy interesante en la que combina casi dos géneros, el biopic y las buddy movies, uniéndolos siempre al limite para sorpresa y desconcierto en general positivos. Todo ello refuerza el carisma y el carácter experimental que siempre acompañó a Miles en su carrera como músico.
Para ello Cheadle se centra en un periodo de la vida de Miles a finales de los 70 en que desapareció de la escena durante cinco años con una crisis creativa y personal acuciada por las drogas y en la que el director incide en la ausencia de su primera esposa Frances Taylor .
El resultado es una mirada muy personal e interesante al músico y sus demonios interiores entreverada de una subtrama (el robo de unas grabaciones) que la hacen más asequible al publico general. El propio Cheadle hace un buen trabajo junto con Emayatzy Corinealdi como Miles y Frances, secundados por el siempre eficiente McGregor y un casting de secundarios acertado. La música del gran Herbie Hancock no les va a la zaga. A tenor de lo visto esperamos pues con interés próximos trabajos como director de Cheadle.
SUNSET SONG
6
2 h. 15 m.
Reino Unido / 2015
Terence Davis
"Sunset song" (1932) es el primer libro y más considerado de una trilogía "A Scots Quair", referente de la literatura escocesa escrita por Lewis Grassic Gibbon (1901-1935). En ella se nos narra la vida de una mujer, Chris Guthrie de principios del siglo XX identificada con la tierra escocesa, sirviendole a Gibbon para reflexionar sobre el paso del viejo mundo al nuevo y tecnológico siglo pasado, la situación social de la mujer y las ideas socialistas sobre la guerra. Todo un melodrama social que a tenor de lo vislumbrado por la cinta de Davis promete ser un novelón desgarrador e impresionante.
Davis hace una adaptación de algo más de dos horas en la que, a mi juicio, le sobra la mitad llevándolo a su terreno que es la belleza formal, en una serie de cuadros pictóricos que van ilustrando el devenir de las vicisitudes de esta mujer a ritmo lento y pausado donde los actores se esfuerzan por hacer creíbles con desigual fortuna situaciones y personajes desencuadrados con la forma de narrar de Davis.
Los ecos de las canciones populares y los campos sembrados con los que el director de Liverpool (muy alejado de Escocia) pretende tocar el alma de la tierra escocesa se quedan escasos en un marco que podría ser cualquier parte.
La BBC hizo en el 71 una versión de la trilogía para televisión. Davis, en esta primera parte no pasa de la superficie de una brillante composición estética.
JASON BOURNE
6
2 h. 3 m.
USA / 2016
Peter Greengrass
Uno sale con la sensación de que está película ya se la he visto en más de una ocasión a Greengrass. El Correcaminos es perseguido una vez más incansablemente por el Coyote de turno y sus secuaces pero este que es más listo que el hambre y McGuiver juntos acaba siempre huyendo con el consabido Bib-Bib y hasta la próxima en que se repetirá la misma persecución con diferentes, bombas, yunques o tecnologías como es el caso.
Greengrass esto lo hace muy bien y tan depurado que aquí hasta suprime todo lo demás dejando solo las idas y venidas a ritmo vertiginoso entre mamporro y mamporro.
Matt Damon vuelve al hogar, para reclamar su personaje y ya que lo hace, actúa, produce y guioniza, faltaría más. Damon sabe que no descansará jamás de ser Bourne y Bourne como el famoso Dr. Richard Kimble (El Fugitivo) será siempre perseguido por los poderes fácticos hasta que la taquilla los separe.
Si hasta Howard Hawks se plagiaba a si mismo porque no lo iba a hacer Peter Greengrass.
LA LEYENDA DE TARZÁN
6
1 h. 49 m.
USA / 2016
David Yates
Yates debería saber, por experiencia propia, que Harry Potter siempre será Daniel Radcliff al igual que Tarzan siempre será, Johnny Weissmuller, o al menos la versión del buen salvaje en que lo convirtió la Metro en el 32, muy alejada del personaje y la novela original publicada en 1912 por el estadounidense Edgar Rice Borroughs.
Antes y después múltiples versiones de todo tipo de un personaje que siempre regresa con o sin Chita (tampoco figuraba en el original). El caso es que ahora vuelve sin tener que explotar a los animales de turno gracias al CGI (Imágenes generadas por ordenador), con pantalones y conciencia social y ecológica. Desde el genocida y esclavista rey Leopoldo de Bélgica a la matanza indiscriminada de elefantes se enredan con las aventuras en tierras exóticas de aromas pulp que nos evocan a las sesiones dobles de cine de barrio con el bueno, la chica, el amigo del bueno y un malo muy malo. Atentos al detalle de que el arma mortal del malvado sea un rosario.
El caso es que la nostalgia juega para bien y para mal en aquellos que ya peinamos canas y que sin quitarle a Weissmuller y la O´Hara lo que es suyo tenemos que reconocer que los años pasan y que los chavales de 10 años ya no son lo que fuimos y que el cine ya no ejerce en ellos la misma fascinación de aquellos que jugábamos en la calle, teníamos pandilla y los fines de semana la paga era para ir al cine en cuya oscuridad podíamos ser lo que quisiéramos y de paso cortejar a la Jane de turno.
Así pues este Tarzan, con un musculado como no podía ser de otra forma, Skarsgard, que por cierto no es un recién llegado y lleva en esto de la actuación desde los ocho años, tiene aires de videojuego y como se ha escrito y a mi juicio con razón intenta tender un puente generacional en el que se encuentran algunas virtudes y su general fracaso.
Fiel a la historia de Borrougsh, con hermosos paisajes que carecen del misterio de lo salvaje, con indígenas acostumbrados a turistas o guerreros de diseño, Yates hace que pasen los minutos y a veces consigue entretenernos.
"Ankawa, Yates, Ankawa".
EL DEMONIO DE LAS ARMAS
9
1 h. 27 m.
USA / 1950
Joseph H. Lewis
Algunos directores, siempre a sueldo de los estudios, trabajaban a destajo en las películas de Serie B (menor presupuesto y sin estrellas) que mantenían engrasada la maquinaria de una industria popular sedienta de evasiones de la vida cotidiana. Algunos como Tourneur por citar un ejemplo hicieron de la necesidad virtud y demostraron que el talento podía suplir con creces la falta de presupuesto.
El neoyorquino J.H.Lewis (1907-2000) fue uno de ellos hasta la década de los 60 que se pasó a la televisión. Olvidado y rehabilitado por Bodganovich su amplia carrera con 44 títulos tiene como uno de sus emblemas este "Deadly is the female" (Mortal es la mujer) o "Gun Crazy" o "El Demonio de las Armas", un noir que bebe directamente de títulos anteriores de Lang y Raoul Walsh, en cuanto a temática y ritmo trepidante pero que saca el género a la calle, a la luz del día y lo aleja del ambiente urbano clásico. Lewis da un recital de asimilación de sus predecesores y de recursos técnicos que la convierten en preludio de un cine más moderno en el que tendría inspiración la nouvelle vague e influenciaría a muchas cintas posteriores como el "Bonnie and Clyde" de Arthur Penn en el 67. La novela de Mackinlay Kantor en la que se basa se inspiraba también en la famosa pareja de delincuentes estadounidense de principios de los 30.
Lewis sin prisa pero sin pausa va cambiando de registro sorprendiéndonos a lo largo de todo el film, desde los comienzos de lo que parece va a ser una historia de adolescentes, hasta un drama de amor fou, pasando por una road movie de previsible y trágico final. Las apuestas formales siguen la misma tónica con soluciones ingeniosas que confieren a la cinta su sello personal. Abundancia de planos donde también se nota la influencia de Welles y unas interpretaciones convincentes por parte de dos no estrellas que pasaron a la historia con un par de películas entre ellas esta.
Una pequeña joya, fracaso comercial en su momento y que ya tiene por derecho propio un lugar destacado en la historia del cine.
HATFIELDS & McCOYS (TV)
10
3 episodios de 1 h. 30 m. aprox
USA / 2012
Leslie Greif / Kevin Reynolds / HISTORY CHANNEL
Si todavía algún aficionado a las series televisivas (aunque sea en canales de pago) no ha visto este hito de la televisión por cable, no solo en su canal original, con más de 13 millones de audiencia por capitulo y con cinco Emmys en el 2012, aún puede disfrutar de ella por la red. Siempre y cuando le guste el western y la historia. Porque H&M es desgraciadamente historia real, encargada para un canal de historia y respeta con rigor los hechos objetivos que ocurrieron entre estas dos familias a finales del XIX en los limites fronterizos del rió Tug Fok en los Apalaches entre los estados de Kentucky y Virginia Occidental, aunque la serie este rodada en Transilvania, en los Montes Cárpatos en Rumanía.
Se vuelven a reencontrar en ella después de 17 años de desencuentro tras "Waterworld" (1995) los dos Kevin, Reynolds y Costner. Ambos con menos humos que antaño tras el desastre de la megaproducción y con mucho mayor éxito en esta miniserie en la que Reynolds dirige y Costner actúa y produce. Su desencuentro profesional no ha durado ni ha sido tan cruento como la historia de estos dos patriarcas de origenes ingleses e irlandeses que lucharon en su juventud en la confederación y cuyas desavenencias personales e intereses arrastraron a sus familias a un caos de odio, venganza y sangre que duró 28 años y cuya reconciliación formal se produjo en nuestros días.
Con grandes proles 12 (Hatfield) y 16 (McCoy) hijos respectivamente los últimos salieron peor parados con ocho fallecidos y la "locura" de la esposa de McCoy.
La serie consigue la atmósfera de la época lejos del estereotipo de los hillbillys montañeses, con una cuidada producción y un reparto coral impecable en sus roles. Reynolds impone un buen ritmo en las casi cinco horas y sabe equilibrar la acción de los hechos con la ficción de las complejidades psicológicas de los personajes.
Al igual que el nombre de las familia se constituyó como un modelo de referencia al hablar de odio entre familias y tuvo una gran influencia en la cultura popular con todo tipo de versiones de cine, televisión, animación...,etc, así la serie debería ser también un modelo a seguir de buen hacer en estas décadas doradas de la televisión que estamos viviendo.
ICE AGE: EL GRAN CATACLISMO
5
1 h. 34 m.
USA / 2016
Mike Thurmeler / Galen T. Chu
Uno se obliga a no abandonar a este grupo heterodoxo de animales prehistóricos que tan buenos ratos nos han ofrecido desde el 2002 en sus cuatro entregas anteriores. Auténticos sobrevivientes en el competitivo mundo de la animación con cada entrega han ido perdiendo un poco de su carisma original y han tenido que recurrir a los "refuerzos" de nuevos personajes que les roban protagonismo y cuyo tono dista mucho de los presupuestos iniciales con los que comenzó la saga.
Esta última entrega, quizás la más floja de todas, es un compendio de gags y sketchs hilvanados con mayor o menor acierto que aguantan lo justo para justificar la entrada. Seria bueno dejarlos descansar una buena temporada y que volvieran en un futuro con un guión como se merecen. Hasta entonces...
INFIERNO AZUL
7
1 h. 27 m.
USA / 2016
Jaume Collet-Serra
El autentico protagonista de la historia, aparte del notable trabajo actoral de Blake Livey, es Collet-Serra, que como he dicho en alguna ocasión le tiene tomada la medida al cine de entretenimiento USA y consigue en esta parcela hacerse un hueco por encima de la media. Aquí brilla por mantener a flote y nunca mejor dicho una historia predecible e imposible que requiere que el público acepte pulpo como animal de compañía, ingeniándoselas para mantener el interés con una variedad de planos y recursos, algunos muy bellos, en un rodaje como todos los que ocurren en el mar, complicado.
Por otro lado se agradece la mesura en la utilización del tiburón y que se lo trate como un animal herido que defiende su territorio donde se encuentra su comida y no como el asesino implacable al que nos tienen acostumbrado el cine comercial. Las millones de especies que el ser humano está extinguiendo por avaricia comercial, cuando no por capricho, entre ellas los tiburones, nos da la medida de quien es el autentico depredador insaciable.
La comparaciones con la película de Spielberg no tienen sentido, aunque la cinta de Collet-Serra está muy por encima de las múltiples secuelas de la obra de Peter Benchley.
PREMONICIÓN
6
1 h 41 m.
USA / 2015
Afonso Poyart
Desconozco la opera prima del brasileño Poyart anterior a este trabajo y que le ha servido de trampolín para desembarcar en el cine USA con un proyecto que iba de mano en mano hace unos años como secuela de "Seven" (David Fincher / 1995). Este hecho y ciertas analogías tomadas por los pelos con el personaje de Hopkins y la policía que interpreta de forma algo desangelada Abbie Cornish no justifican su comparación ni para bien ni para mal con la obra de Fincher ni con "El silencio de los Corderos" (Jonathan Demme / 1991). Esto es otra cosa.
Así pues y dada la división de opiniones de la crítica especializada me gustaría romper una lanza por el esfuerzo a mi juicio conseguido en buena parte de la cinta de Poyart por dotar a la historia de un sello visual personal y mantener la tensión y la atención lo máximo posible. El guión por otro lado plantea una interesante reflexión sobre la eutanasia y quien tiene el derecho y el poder de decidir sobre su propia vida y las implicaciones sobre los demás.
Hopkins como casi siempre fagocita la pantalla y si uno no le busca mucho las vueltas a un tema tan peliagudo y lleno de contradicciones como es que los protagonistas puedan conocer lo que va a ocurrir, la cosa entretiene que ya es mucho.
MI AMIGO EL GIGANTE
8
1 h. 57 m.
USA / 2016
Steven Spielberg
Roald Dahl (1916-1990) fue un Gales de orígenes noruegos cuya agitada vida como combatiente aéreo en la segunda guerra mundial y co-creador de una válvula para aliviar la hidrocefalia corrió paralela después de la contienda con su faceta de escritor de literatura infantil, relatos fantásticos para adultos e incluso guiones cinematográficos. En todas las vertientes alcanzó el éxito. El cine y la televisión han adaptado buena parte de sus obras con buenos resultados en general.
Dahl siempre se manifestó abiertamente contra el estado de Israel y es ahora curiosamente un judío de 70 años nacido en Cincinnati, Ohio, quien vuelve a adaptar una de sus historias.
En su trigésimo primer film como director Spielberg vuelve a su lado infantil con el sabor y regusto a esos cuentos clásicos de antes de dormir, llenos de fantasía y misterio, humor, amistad y bondad, alejados del ritmo vertiginoso lleno de acción y persecuciones al que el cine "infantil" desde hace décadas nos tiene acostumbrados, sin renunciar, todo lo contrario a la cada vez más depurada técnica que está permitiendo que cualquier cosa se haga "real" en la pantalla.
Spielberg, el Midas de Hollywood, por sus resultados en taquilla no siempre acierta en lo artístico, pero solo con la mitad de su obra es más que suficiente para hacerle un hueco en el Olympo del séptimo arte.
El abuelo Spielberg supongo que tenía a sus nietos en mente como Dahl tenía a su nieta Sophie en la que se inspira el personaje protagonista de esta historia que funciona admirablemente en su primera mitad (las apariciones del gigante en Londres son deliciosas) y en la amistad entre la niña y su amigo, ambos marginados en sus respectivas vidas donde soñar es la única posibilidad de escapar de sus mundos.
El último tramo pierde fuelle con las escenas ante la realeza pero los personajes ya han tocado nuestra fibra. Al menos la de aquellos que aún añoramos con nostalgia los cuentos ilustrados y sobre todo a aquellos que nos los leían y a quien se los leíamos.
MONEY MONSTER
4
1 h. 50 m.
USA / 2016
Jody Foster
Mira que me cae bien Jodi Foster, ya casi como de la familia desde aquella inolvidable adolescente de "Taxi Driver" (Scorsese / 1976) ya con 54 tacos en su menuda espalda y una carrera como actriz notable y premiada (2 Oscars entre otros) pero como esporádica directora ( 4 films en 25 años) no está, de momento a la altura, siendo el que nos ocupa sin lugar a dudas el peor de todos.
El guión del trío de guionistas que pretende estar a la última en cuanto las perennes estafas financieras y sus consecuencias sociales y el mundo despiadado de los medios huele sin embargo a antiguo, a rancio, con unos personajes acartonados en los que Clooney y La Roberts no pueden encontrar ni un resquicio para no dejar de ser ellos mismos y unas situaciones tan sobadas y previsibles que sonrojan en muchos momentos. El pobre malvado estafador que ¿interpreta? Dominic West (que tiempos aquellos de "The Wire") es todo un poema.
Comenta La Foster que "Tarde de Perros" y "Network" (Sidney Lumet / 1975 y 1976) le han servido de inspiración. La verdad es que se agradece la cita para que cualquiera que no las haya visto no deje de verlas y olvide cuanto antes este Monstruo del Dinero, que algo dejará en taquilla con apellidos tan ilustres.
OCHO SENTENCIAS DE MUERTE
10
1 h. 46 m.
Reino Unido / 1949
Robert Hamer
Tanto el director Robert Hamer como el protagonista Dennis Price malograron con sus desafortunadas vidas personales sus innegables talentos artísticos, pero nos dejaron para su recuerdo esta pequeña joya impagable de humor negro, muy "british" en los preludios de tantas y tan buenas producciones británicas posteriores a cuya industria cinematográfica le costó arrancar y siempre fue con retraso y a remolque de otros paises en las primeras décadas del séptimo arte.
Los estudios Ealing, que reclaman ser los más antiguos del mundo, bajo la batuta Michael Balcon que supo confiar en Hitchcock en sus inicios, produjo en la posguerra comedias satíricas y nos dejó media docena de grandes títulos como "El quinteto de la muerte" (Alexander Mackendrik / 1955) y la que nos ocupa entre otras.
En ambas se añade el placer de contar con el posteriormente investido Sir, Alec Guinnes al que en esta comedia le ofrecieron interpretar cuatro papeles diferentes y tanto le gustó la propuesta que pidió que fueran ocho. Su composición de los ocho personajes es un hito en su larga carrera y un ejemplo para actores. Guinnes estuvo a punto de morir al igual que uno de sus personajes, el almirante, cuando es engullido por las aguas y se negó a montar en el globo en su personaje femenino. Fue doblado y efectivamente el globo perdió el rumbo y acabó en un río.
Anécdotas aparte la película está rodada con admirable precisión y tanto"savor fair" como el personaje principal, con una excelente fotografía del Douglas Slocombe fallecido este año. Destaca la sensualidad considerada atrevida para la época de Joan Greenwood, actriz habitual de los estudios Ealing, la ácida critica social y la ambigua moral con un final que en algunos países se consideró inaceptable.
Todo el reparto está fantástico consiguiendo Hamer las atmósferas idóneas en cada situación gracias al notable trabajo de producción, dirección artística y vestuario.
Lo dicho una joyita.
DEMOLICIÓN
6
1 h. 40 m.
USA / 2015
Jean-Marc Vallée
Vallée es un director ecléctico que pone su saber cinematográfico al servicio de diferentes proyectos y le gusta arriesgar. Se agradece. Desde adaptaciones a guiones propios y ajenos se la juega con desigual fortuna pero siempre dejando su impronta personal. En sus últimos trabajo apuesta por descargar todo el peso en el actor o actriz principal y aquí Gyllenhaal no le falla, en una de sus mejores composiciones. Un actor que no para de crecer y que al igual que Vallée procura no encasillarse en ningún modelo. La factura es notable y la primera media hora entronca con una poética surrealista no exenta de humor que promete mucho (las cartas a Champion y sus encuentros con Watts) pero poco a poco el guión de Bryan Sipe se va encasquillando cada vez más en un trasfondo evidente cuyo desarrollo no acaba de encontrar el norte, se torna repetitivo por momentos y se rinde a un final complaciente alejado de la propuesta inicial. Entre medias personajes que buscan su identidad y en distintos grados deben atreverse a romper muchos miedos interiores para poder encontrarla y como decía Aute: reivindicar "el espejismo, de intentar ser uno mismo".
TODOS QUEREMOS ALGO
8
1 h. 56 m.
USA / 2016
Richard Linklater
¿Y después de "Boyhood" (2014) qué? Pues su film número veinte en el que sigue demostrando que desde hace algún tiempo se encuentra en estado de gracia. A Linklater le gusta seguir la evolución de sus personajes a través de su vida sean estos los mismos como en la saga de "Después de..." o vayan variando como es el caso de la que nos ocupa, continuación natural de "Movida del 76" (1993), o trastocandole la época. No olvidemos que dejamos al protagonista de "Boyhood" antes de su ingreso en la Universidad ya en el siglo XXI. Estaría bien que Linklater hiciera una película sobre ello. En la forma lógicamente sería diferente pero en el fondo las ansias de vivir el momento de estos universitarios beisbolistas del 81 puede que no difirieran en absoluto de los actuales.
El caso es que la nostalgia por esa divina juventud que se va para no volver con tintes autobiográficos le sirve al director para cortar con mano firme, de cirujano, un buen pedazo de un pastel sabroso, desenfadado, colorista y trufado de pulsiones vitales, y servirnoslo para disfrute general sin miedo al empacho, con una maestría narrativa impecable, diálogos ágiles y un grupo de actores cuyos caracteres bien definidos perduraran en la memoria. Además Linklater se las apaña para que sin darnos cuentas formemos parte del grupo a pesar de las diferencias generacionales y sociales.
La vida pasa muy deprisa pero podemos hacer que cada momento sea eterno. El cine es una buena herramienta para ello.
ESPERANDO AL REY
6
1 h. 38 m.
Alemania / 2016
Tom Tykwer
Desde hace una década Tykwer anda rondando una buena película que le remita a éxitos como "El perfume" (2006) o "Corre Lola, corre" (1998) pero no le acaban de cuajar las cosas. Ahora cambia de registro y después de una superproducción con los Wachowski y Tom Hanks, versiona la novela del norteamericano Dave Eggers. Una comedia dramática de segundas oportunidades de tintes globales que nos remite al "Lost in traslation" (Sofia Coppola / 2003) sustituyendo Japón por Arabia Saudi.
Todo adopta un tono amable y ligero sin que la comedia, la crítica social y los miedos de este americano a recorrer el tramo final de su vida con la sensación del fracaso existencial acaben por engancharnos como debieran.
Aún así consigue sustentarse con la suficiente dignidad gracias a un Tom Hanks entregado con su personaje que se gana el sueldo en un papel de americano medio que encarna como nadie.
BUSCANDO A DORY
7
1 h. 43 m.
USA / 2016
Andrew Stanton / Angus McLane
Hay tanto talento en las gentes de Pixar que incluso pueden permitirse el lujo de descansar de hacer obras maestras y "relajarse" estirando las aventuras de personajes con los que no nos importa volvernos a encontrar (incluso alguna segunda y terceras partes son mejores). Aquí no es el caso y personalmente Nemo y cia no son de mis preferidos, pero lo dicho, las gentes de Pixar siguen en cabeza de un estilo de animación (no se olvide que hay otros de gran calidad) que después de 17 films en 21 años sigue dándonos muchos alegrías y buenos ratos. Es cierto que la formula de las aventuras se repite y que la tentación de la venta de mechandising es un lobo al que se le ven las orejas..., pero aún así.
Pues eso que ahora no buscamos a Nemo sino que nos encontramos con Dory y nuevos amigos, aprendemos cosas con nuestros peques del mundo submarino y la hora y cuarenta y tres se pasa "la mar" de bien.
El futuro pasa por mas secuelas en este caso de "Toy Story" e "Increibles". Allí estaremos.
LA HEREDERA
10
1 h. 45 m.
USA / 1949
William Wyller
A partir de mediados de los años 30 (las anteriores no las he visto) no recuerdo una mala película de William Wyler, ni siquiera mediocre; 22 films de todo tipo de géneros. De muy pocos directores se puede decir lo mismo. A aquellos respetables críticos franceses que le tacharon de no tener estilo quizás habría que decirles que su estilo sería no hacer malas películas.
Buen ejemplo de ello es este monumento impagable. Uno de los últimos vestigios, antes de la caída de los estudios por la emergente televisión, del poder de dichos estudios preñados a estas alturas de grandes profesionales en cada uno de los campos artísticos que en manos y al servicio de un director que sepa coordinarlos no puede dar sino obras maestras.
Sobre un relato de Henry James de mediados del XIX basado en una historia real, los hermanos Goetz consiguieron con habilidad adaptarla al teatro con notable éxito. La Havilland que ya había conseguido su libertad artística supo ver sus posibilidades y que el papel principal era para ella y que Willer que ya había demostrado con "La loba" (1941) que dominaba el género era el ideal para dirigirla. Así se lo pidió y además tuvieron la suerte de que los derechos de la pieza no estaban adquiridos.
A partir de ahí la leyenda. Willer se trajo a Sir Ralph Richardson de Inglaterra para inmortalizar al padre y como no pudo conseguir a Errol Flynn (este con buen criterio no se veía en el personaje) le dio la oportunidad a un emergente Montgomery Clift que a pesar de no encajar con el equipo ni el método de trabajo, no desaprovechó la oportunidad y bordó su personaje. El resto del elenco está igualmente impecable. La puesta en escena, el ritmo narrativo, la luz, el vestuario, la música...., todo encaja como esos guantes de cabritilla que Clift se deja olvidados y en los que Olivia proyecta sus sueños y esperanzas de forma magistral.
La película es dura, cruel, sus personajes lo son con un final aún más duro que en la novela. Ello contribuyó a aminorar su éxito en taquilla en su momento. Havilland que aún vive, consiguió su segundo Oscar. La película tres más de ocho nominaciones.
%2BCollage.jpg)
THE PROGRAM (EL ÍDOLO)
6
1 h. 43 m.
Reino Unido / 2015
Stephen Frears
A sus 75 años y con una carrera variopinta y notable (25 films) Frears tiene poco que demostrar. Con retraso nos llega, después de su último film, este atípico biopic a ritmo vertiginoso y desapasionado del sr. Armstrong, un ciclista de Texas que decidió apostar fuerte por el éxito en el deporte de la bicicleta sin importarle los medios fraudulentos para conseguirlo y que tuvo engañados durante una década a los aficionados necesitados de ídolos y a buena parte de unos profesionales que sospechando que aquello no era normal decidieron mirar para otro lado en beneficio del show y de los dividendos que reporta.
Lance que superó un cáncer de testículos encontró en ello la coartada perfecta para blindar su imagen ante cualquier suspicacia y presionó a compañeros y periodistas con su poder económico y mediático para mantenerse en lo alto de un podio deportivo y moral que no merecía.
Friars "se limita" a narrar los hechos conocidos sin profundizar en el personaje lo que hace que el interés decaiga y se convierta en un documental, eso sí, notablemente realizado, solo animado por la excelente composición de Ben Foster.
Tampoco quiere Frears indagar en todo el entorno que rodea a este deporte que no deja, al igual que otros como el atletismo de estar siempre en el punto de mira de los tramposos.
Aquellos que entrenan a diario, en condiciones muchas veces precarias, aún a sabiendas de que no alcanzaran el podio son los auténticos superhéroes olvidados que merecen todas las medallas del mundo.
MI PERFECTA HERMANA
7
1 h. 45 m.
Suecia / 2015
Sanna Lenken
Un escarabajo negro se pasea por la mano de una niña. El contraste entre lo que la mayoría consideraría un bicho (no es mi caso) y la tierna mano de la niña con la que se inicia la cinta ya es toda una declaración de intenciones. Una metáfora sobre los ideales de belleza preconcebidos que condicionan y frustran muchas vidas adolescentes. Al final otro escarabajo similar es liberado de su prisión aceptándole tal como es y no como queremos que sea.
La directora sueca Sanna Lenken se estrena en el largo, igual que en su corto anterior, reflexionando sobre la anorexia y sus implicaciones, pero no solo eso, sino también sobre el paso a de la infancia a la adolescencia y de esta a la madurez, de la condición a la que están sometidas las mujeres en cuanto a los cánones de belleza y a la relación entre dos hermanas. Basada en su propia experiencia autobiográfica Lenken construye una historia sencilla de miradas, de dudas, de miedos, de silencios y de mucho amor. Para ello ha sido necesario encontrar a dos actrices capaces de hacer creíble todo ello, consiguiéndolo en el caso de las dos hermanas protagonistas con una sorprendente, por su madurez interpretativa, Rebecka Josephson.
El humor, el amor y el drama encuentran el equilibrio en esta opera prima dejando que sea el espectador quien reflexione sobre una enfermedad cuyo desencadenante es claramente social.
WESTWORLD (TV)
6
10 episodios de 1 h. aprox.
USA / 2016
Jonathan Nolan / Lisa Joy / HBO
Cuando uno dispone (servidor no todos los días) de 100 millones de dólares para los diez primeros capítulos de una serie de televisión, debe dar un poco de vértigo. Y más si te la encarga la HBO. Y más si tienes, según dicen, que llenar el enorme hueco que va a dejar "Juego de Tronos".
Así es que el matrimonio Nolan, hermano y cuñada de Christopher se ponen al oficio de resucitar, con perdón, al gran Michael Crichton, que no lo hizo nada mal en el 73 rodando su propia novela del mismo titulo con un presupuesto infinitamente inferior y en menos de hora y media.
Los Nolan, huelga decirlo, no tienen a George R. R. Martin a quien David Benioff y D.B. Weiss no tienen nada más y nada menos que seguirle los pasos y la trama principal de Crichton no da más que para dos o tres buenos capítulos de "Black Mirror". ¿Que hacemos entonces con 100 millones y once horas de metraje a parte de imitar el logo de la desprestigiada Wolswagen?. Que no cunda el pánico, tenemos a J.J. Abrams en la producción, maestro del relleno, del buñuelo de viento del misterio y de los flashbacks a granel. Nos va a faltar tiempo en 7 temporadas más.
Nota: en la biblia del buen cineasta debía ser pecado mortal utilizar más de un flashback por hora rodada.
Dicho esto, una vez presentados los personajes y lucido el presupuesto en vestuario, gadgets y un inconmensurable Castle Valley en Utah digno del mejor Ford comienza el laberinto.
La oportuna trama existencialista dado los tiempos que corren hoy día con la robótica y de la que Crichton fue visionario comienza funcionando bien hasta que se le acaban las pilas o nos cansamos de que los muñecos (ninguno le hace ni sombra a Yul Brinner, del que vemos la silueta de su personaje en el episodio 5 como pálido homenaje) repitan una y otra vez su cantinela de quien soy y a qué he venido y el mito de Frankenstein se perpetúe una vez más de forma más que previsible.
Lo demás es paja, relleno marca Abrams por mucho que Hopkins sea capaz de hacernos creer en la guía telefónica si es preciso y el gran Ed Harris se vista del hombre del saco.
Las subtramas de western son penosas y el casting de secundarios muy desequilibrado y con poca empatia en general. Los giros de los personajes están cogidos con pinzas, machaconamente repetitivos, y con justificaciones que rayan el absurdo cuando las hay, cosa que a Abrams se le suele olvidar.
Las dosis de violencia y sexo imprescindibles para los canales de pago y poco más.
"Westworld" si nuevas temporadas no lo remedian, podrá hacer tanta o más caja que cualquiera de las series de calidad de HBO, pero no creo que Tony Soprano, los policías de "The Whire" o incluso las familias de los Lannister y cia le dejen un hueco en sus tronos.
PD: De lo mejor, un Hopkins aburrido tomándose unos whiskys en el subsuelo con el viejo y destartalado Will Bill Hickok que ya no está para parques temáticos al estilo del show de Buffalo Bill.
MI HIJA, MI HERMANA
9
1 h. 54 m.
Francia / 2015
Thomas Bidegain
Los viejos cowboys nunca mueren a tenor de las últimas oleadas de los llamados neo-westerns y de la perenne influencia que el género tiene en otros géneros en una época en la que estos se fusionan sin pudor.
Bidegain después de su consolidación como guionista de prestigio se pasa a la dirección y sobre la base de la mítica "The Searches" ("Centauros del desierto" / John Ford / 1956) nos relata un viaje entre mundos y culturas colindantes y opuestos. Aquí los nuevos americanos herederos de los colonos europeos y los indios autóctonos se sustituyen por el llamado primer mundo occidental y el mundo oriental árabe musulmán.
Al igual que en la película de Ford una joven ha sido "capturada" por el otro bando y su padre y su hermano inician un largo periplo de búsqueda donde acabarán encontrando algunas respuestas y muchos más interrogantes, trufados de peripecias en las que su propia vida física y mental se pondrá en juego.
Todo ello nos lo cuenta Bidegain con un aplomo fílmico impresionante, una maestría narrativa impropia de una opera prima, usos de las elipsis sin temor y una belleza formal pareja al tratamiento Fordiano del Monument Valley. La fotografía y la bso se complementan a la perfección dejándonos en su conjunto y a mi juicio una de los mejores films del año.
Otra cosa es la reflexión que plantea, sobre el choque traumático de ambas civilizaciones y como la balanza puede estar desequilibrada a favor del lado occidental con escasa autocrítica. Los cruentos atentados producidos desde el 11-S en todo el mundo se van intercalando a lo largo de la narración como punto de referencia de contra quien nos estamos jugando los cuartos y Bidegain apenas deja espacio para esa mayoría de árabes que también son victimas, en este caso dobles, del fanatismos de propios y extraños.
CAPITÁN KÓBLIC
7
1 h. 32 m.
Argentina / 2016
Sebastian Borensztain
Borensztain cambia de registro después de que hace ya 5 años nos ofreciera una buena comedia dramática ("Un cuento chino") también con Darín como protagonista. Aquí el asunto es más espinoso. Tanto como el horror (uno más) de los asesinatos crueles que comete el ser humano en este caso la dictadura Argentina a finales de los 70 (antesdeayer).
Uno de esos pilotos huye de su conciencia y de aquellos que no le quieren como testigo hacia un lugar indeterminado del vasto país. Aqui Borensztain se sirve de la estructura del western y el forastero será acosado por el sheriff maloso (genial Oscar Martínez), conocerá a la chica atrapada por su destino y acabará con el "so long" de turno.
El director consigue mantener el suspense, saca partido al entorno y rueda con solvencia un guión con situaciones algo forzadas, sobre todo la relación con la chica (estupenda Inma Cuesta) y Darín se luce un poco menos de lo habitual en su, a mi juicio, acertada composición que busca el equilibrio entre sus demonios interiores, la situación comprometida y su impronta de militar. Uno se queda con la sensación de que a "la fruta" se le podía haber sacado más jugo, pero el que hay tiene buen sabor.
LOUISIANA STORY
7
1 h. 18 m.
USA / 1948
Robert J. Flaherty
Al padre del documental en general y del documental de ficción y a su mujer Frances como escritora aún le quedaban algunos cartuchos en su recamara artística apenas tres años antes del fallecimiento de ambos en el 51.
Frances fue nominada al Oscar como guionista con este encargo de la compañía petrolera Standard Oil y Flaherty se llevó el premio al mejor documental en el 50 con "El Titán: La historia de Miguel Ángel".
En la cinta que nos ocupa la ficción engulle en su totalidad al documental, aunque el maestro se las ingenia para "echar un vistazo" lleno de lirismo al laberíntico mundo de los pantanos de Louisiana y rodar unos cuantos metros de celuloide a la vida y su belleza siempre en salvaje equilibrio donde el ser humano, en este caso un chaval de la etnia cajún (descendientes de franceses) habita con su familia. La fotografía de Richard Leacock en blanco y negro es tan buena como la banda sonora inspirada en la cultura cajún de Virgil Thomson, quien a la postre marcaría un hito siendo la primera premiada con el premio Pulitzer.
Actores no profesionales, como es habitual en Flaherty, soportan los escasos diálogos y presencia que se centra en el chaval y su mirada complaciente con "el progreso" que llama a su puerta y los buenos petroleros que darán beneficio a su familia. Petroleros que asumen los riesgos de su trabajo con profesionalidad y alegría.
La ingenuidad, suponemos que forzada de Flaherty, aunque él era ingeniero de minas, hace que la contaminación medioambiental y el accidente que se produce en la torre de extracción desaparezcan o apenas queden en el capitulo de las anécdotas. Hay también un simpático mapache y un temible cocodrilo.Todos al servicio de la Standard Oil.
SI DIOS QUIERE
7
1 h. 27 m.
Italia / 2015
Edoardo Maria Falcone
Ya quisieran muchas comedias actuales estereotipadas y llenas de clichés hacer con ellos una buena comedia como esta, sencilla sin demasiadas pretensiones pero con un solido y coherente guión y una interpretación más que brillante del personaje central encarnado por Marco Giallini, bien secundado por el resto del elenco.
Falcone en su opera prima consigue un difícil equilibrio siempre al borde del abismo sin llegar a caer en él a base de mesura y contención. La emotividad y la crítica aflora en una clase media acomodada e hipócrita cuyos logros son solo materiales y cuyas carencias "espirituales" vienen a despertar gracias a ese curita de tantas otras películas que pone el dedo en la llaga.
Con un buen ritmo, las situaciones de gags se suceden con efectividad a pesar de lo previsibles y la moraleja final consigue caer en el campo del espectador con un acertado final. Gracias a Dios.
GREEN ROOM
6
1 h. 34 m.
USA / 2015
Jeremy Saulnier
Con semejante cartel y una vez leída la sinopsis del asunto a un servidor no es el cine que le apetece ver, generalmente espero una sucesión de sustos y gore trillado. Pero en este caso lleva la firma de Jeremi Saulnier cuyo anterior film "Blue Ruin" (2013) le puso en mi lista de directores a seguir.
El primer problema de esta, su tercera entrega es precisamente ese que viene después de un film realmente notable y este no lo es. Saulnier sigue siendo notable en cuanto a la forma en como rueda pero el fondo (es el guionista de sus tres películas) no tiene la profundidad ni el poso de la anterior. Tampoco los personajes poseen volumen y son meras fichas intercambiables en el desarrollo de la acción. Porque realmente de eso va la cosa de acción, y suspense en una situación comprometida donde Saulnier no da respiro y el hecho de no centrarse en ninguno de los personajes hace que se cree una incertidumbre en el espectador que es la mejor de sus bazas.
La violencia vuelve a ser el telón de fondo en una América marginal y oscura lejos de las grandes urbes donde se mueven sus personajes. Esperemos que al guionista le vuelva la inspiración al servicio del buen director.
DOS BUENOS TIPOS
7
1 h. 56 m.
USA / 2016
Shane Black
Shane Black tenía claro lo de las "buddy movie" (ya había participado como guionista en la serie de filmes de "Arma letal" a finales de los 80 y lo intentó con el noir con su film "Kiss Kiss Bang Bang" (2005) pero ahora en colaboración con Anthony Bagarozzi les ha salido algo mejor: una comedia llena de referencias cinéfilas al género, gamberra, personal, alejada de la corrección planificada para hacer caja y donde la implicación evidente del dúo protagonista es una de sus mejores bazas. Goslin se destapa como buen comediante y Crowe que parece querer emular en lo físico a John Goodman puede con todo y siempre con solvencia. La niña Angourice Rice no es que me entusiasme demasiado pero pone el contrapunto entre ambos protagonistas y rompe los clichés al uso. No obstante seguro que habrá que seguirle la pista.
Aunque inicialmente estaba pensado como serie para televisión y no ambientada en los 70 el resultado final puede crear una saga para la gran pantalla y la atmósfera setentera con un buen repertorio de éxitos musicales de la época funciona con eficacia.
La disparatada y enrevesada trama evoca con nostalgia los grandes mitos del género noir y las imperfecciones, que las hay, irritaran a muchos que les hubiera gustado tomarse más en serio este desenfadado y cariñoso recordatorio de otras películas, otros actores (Peter Sellers) y otras épocas que parecen ya muy lejanas. Grata sorpresa.
STEVE McQUEEN: THE MAN & LEMANS
6
1 h. 52 m.
Reino Unido / 2015
Gabriel Clarke / John McKenna
Probablemente desde el punto de vista del documental hiperrealista y en el año 71, "Las 24 horas de Le Mans" firmada que no filmada por Lee H. Kazin, sea un hito de amor y pasión por las carreras de coches y los aficionados al motor tengan una deuda impagable con McQueen. Fuera de esto, al resto de los mortales y sobre todo al inmenso público que idolatraba a McQueen en papeles inmortales les debió parecer un truño de mucho cuidado.
Lo que ocurrió en ese rodaje y porqué es lo que pretenden contarnos sin demasiado acierto ni profundidad Clarke y Mckenna. El problema es que no se centran en nada concreto. Al ídolo lo tocan de refilón y sin hacer sangre de su conflictivo carácter. Tampoco sabemos su opinión sobre como se desarrollaba todo el desaguisado, la imágenes de la carrera son un muy pálido reflejo de la película, y los entresijos profesionales con los directores y la mujer y el hijo de McQueen acaban siendo meras anécdotas.
Al final el accidente sufrido en el que perdió una pierna uno de los pilotos que colaboraba en el rodaje y como le trató la productora (que era de McQueen) es lo más interesante de la cinta.
Se quiere justificar a la estrella con una carta que este escribió a los jerifaltes para indemnizar al piloto y que no obtuvo ningún resultado. McQueen era lo suficientemente rico para que su amor por las carreras y sus gentes le hubieran hecho rascarse su propio bolsillo y compensar a este hombre.
El McQueen de la ficción seguirá siendo uno de mis héroes preferidos. El de verdad es otra cosa.
IDOL
6
1 h. 40 m.
Palestina / 2015
Hany Abu-Hassad
Abu-Hassad en su quinto film continua centrado en los conflictos en su Palestina natal, aunque posee la nacionalidad israelí, tras su paso desastroso por el cine USA (lo vuelve a intentar el próximo año). De momento con un registro mucho más complaciente en esta historia con base real de superación de un niño de Gaza, Mohammad Assaf, que soñaba con cantar y lo consiguió llegando a ganar el "Arab Idol" algo así como "La Voz" en el mundo árabe.
Dividida en dos partes diferenciadas: la infancia y la llegada al concurso ya en su juventud, le sirve al director para utilizar la vida de este cantante como metáfora y símbolo de su pueblo y su futuro.
La primera parte con un grupo de chavales, estupendo actores, en la que destaca la joven Hiba Attalah como hermana del cantante, que consiguen empatizarnos a pesar de unos diálogos y actitudes imposibles y un Abu-Hassad que no tiene empacho en recurrir al sentimentalismo más descarado. Aún así entendemos el juego con final feliz y entramos en él porque de vez en cuando necesitamos ídolos, cuentos donde todo sale bien, donde poder coincidir en la esperanza con los que nos rodean y sufren como nosotros. Mohammad Assaf a través de su éxito y su voz da un respiro orgulloso a mucha gente que solo le queda soñar con otro mundo mejor antes de volver a la lucha cotidiana.
La escenas donde vemos los estragos de la guerra, edificios derruidos, escombros conviviendo con la amplitud de ese cielo y mar tan luminoso y azul redimen en parte el que por algo más de una hora nos olvidemos de la verdad.
FÁTIMA
7
1 h. 19 m.
Francia / 2015
Philippe Faucon
"Fátima" nos desarma y nos atrapa con su descarnada sencillez. Directo al grano. Sin florituras ideológicas y formales mueve la cámara al mismo lado de nuestro día a día para enfocar a esas miles de Fátimas sin las que nuestra vida sería diferente. Hombres y mujeres (aquí Faucon apuesta por las mujeres) de otros países, etnias y culturas, que abandonan su tierra natal, generalmente forzados por conflictos en los que no podemos negar nuestra parte de responsabilidad, o simplemente porque aspiran a compartir ese "mundo mejor" que tanto nos pavoneamos que hemos logrado en nuestro parte del planeta.
Fátima antes que árabe o cualquier otra consideración social, religiosa o cultural es una madre que quiere lo mejor para sus hijas, que lucha por su dignidad como cualquiera y trabaja en condiciones generalmente de explotación en trabajos que no queremos. Fátima y sus hijas son tan iguales y diferentes como nosotros, con los mismos problemas familiares, laborales, etc agravados por la condición de ciudadanos de segunda que les otorgamos por nuestros miedos, intolerancia y desconocimiento, incluso en países tan orgullosos de sus sistemas sociales como Francia, que en un ejercicio de autocrítica loable le ha concedió el Cesar a la mejor película.
El reparto está estupendo, el ritmo no es nada "comercial", la emotividad desborda y el final es magistral. Cine social imprescindible.
EL TESORO DE SIERRA MADRE
10
2 h. 6 m.
USA / 1948
John Huston
1925, aún faltaban cuatro años para la gran depresión. En el interior del México profundo pululan algunos norteamericanos cuyo pasado presumimos turbio o aventureros en busca de fortuna convertido en poco menos que mendigos, parias sociales. Otros como el interpretado por el propio Huston a instancias del misterioso escritor de la novela original, B. Traven, intentan hacer negocios aprovechando el nuevo periodo de paz con el presidente Elias Calles (Villa había muerto dos años antes), en un México convulso que al años siguiente ya estaría embarcado en la Guerra Cristera, otro conflicto interno.
Todo ello constituía el marco de la novela de "aventuras" y retratos psicológicos que se constituyó en imán inevitable para la personalidad de Huston, que sentía debilidad por los perdedores y los lugares exóticos.
El proyecto venia de antes de la guerra con un reparto diferente pero fue aparcado por esta y un Huston ya consolidado como director le vendió la moto a Jack Warner que presumía de no leerse los guiones y con la promesa de rodar en exteriores rapidito y matizando una de serie B, le sopló 3.800.000 dólares de la época y cinco meses y medio de rodaje. Warner llegó a declarar que efectivamente los protagonistas estaban buscando oro: el suyo.
A pesar del éxito de la crítica su recaudación inicial fue exigua aunque llegó a dar mucho más de los gastado con el tiempo y sus reposiciones. El reparto final exigía que la estrella del momento que era Bogart encabezara el cartel, pero los tres (Holt y el padre del director, el consagrado Walter Huston) estuvieron magníficos. A la postre el zorro de Walter se llevó el mejor trozo del pastel con una interpretación soberbia que le valió el Oscar. Bogart arriesgó en un personaje a contracorriente del que sacó una composición memorable aunque a veces excesivamente subrayada por el guión. Y Holt se quedó a la sombra de los dos monstruos pero sin desmerecer un ápice con su trabajo.
Con una primera parte en la que el ambiente y la presentación de los personajes es modélica comienza la aventura (el rodaje fue tan duro o más como la ficción) con tintes de western crepuscular que tanto influiría posteriormente en Peckimpack, en busca del oro. Una vez alcanzada la meta, cada uno de ellos deberá contestarse a la pregunta de si es un fin en si mismo, un medio para alcanzar una felicidad personal e intransferible o una puerta abierta a la codicia y al precipicio sin retorno.
El desierto, la arena, los bandidos, la montaña, la noche y sus fantasmas danzando al resplandor de la hoguera, los indios nativos, peleas de bar, empresarios corruptos, justicia somera y la burla final del destino con el que los dioses se divierten con los humanos para que comprendan donde radica la verdader felicidad hacen en la mirada de Huston una obra maestra.
Excelentes secundarios (el niño Robert Blake se haría famoso al protagonizar en los 70 la serie de televisión " Bareta" y más tarde por ser acusado y absuelto del homicidio de su mujer), todo encaja en esta película imprescindible y mítica.
Al final se llevó el Oscar a mejor película y Huston hijo al mejor director haciendo doblete por primera y única vez en la historia con su padre. Las penalidades, como en la película acabaron en risas. Bien está.
SHOW ME A HERO (TV)
7
6 episodios de 1 h. aprox.
USA / 2015
David Simon / Paul Haggis / HBO
En plena madurez personal y creativa, David Simon, 56 años periodista de sucesos en Baltimore, desencantando de su profesión decidió abandonarla y escribir. Sus libros le llevaron a la televisión y hoy por hoy es uno de los guionistas y productores más reconocidos a la sombra de la HBO, con un curriculum envidiable entre el que figura la mítica "The Wire".
Cada uno de sus nuevos proyectos genera grandes expectativas dentro de las series de corte social enraizadas en comunidades concretas, como es el caso de "Treme" en Nueva Orleans.
Con "Show mi a hero", basada en el libro del mismo título de la periodista del New York Time, Lisa Belki. Simon y William F. Zorzi nos cuentan la historia basada en hechos reales del concejal y alcalde demócrata Nick Wasicsko a finales de los ochenta y la situación de segregación racial derivada de la construcción de viviendas sociales en la ciudad de Yonkers.
El guión narra en paralelo las vicisitudes personales y políticas del concejal y las vidas de un puñado de familias afroamericanas que optaron por dichas viviendas.
Dirige el oscarizado Paul Haggis. No tengo claro que episodios ha guionizado Simon y cuales Zorzi pero los tres primeros episodios son lentos y muy repetitivos, con un Oscar Isaac de probada solvencia probablemente en su actuación más sosa y desangelada de su carrera pero..., a partir del capitulo cuarto el ritmo cambia y todo cobra sentido, los actores tienen donde agarrarse y el magnífico elenco lo aprovecha, el conflicto social se pone de relieve y "los metros finales" elevan todo el conjunto a un gran nivel.
Oportuna dado los tiempos que corren pone de manifiesto los entresijos y las mezquindades de la burocracia política, y la brecha manifiesta que seguía y sigue existiendo entre las comunidades wasp y las diferentes etnias que pueblan el país, en este caso los afroamericanos.
EL CAZADOR DE LA OSCURIDAD
Donato Carrisi / 2014
Duomo Ediciones / 2016
475 págs.
No me gusta la portada. Me resulta embarulladay no hace justicia al claro y conciso estilo narrativo de un Carrisi cuyo bien elaborado thriller da más de lo que sugiere su título. Uno que ya peina canas sigue echando en falta más literatura en la prosa de los escritores/as de género, pero los tiempos que corren parece que cuando estos escriben, consciente o inconscientemente les sale algo más parecido un guión para las pantallas pequeñas o grandes. Este nueva entrega de Carrisi no es una excepción a los tiempos y tiene mimbres y material para una gran serie o miniserie.
No solo es adictiva, contiene abundantes y bien hilvanados giros y una coda final que si bien adelanta el clímax, trasciende y va más allá de la mera resolución del misterio para insistir en la reflexión sobre el mal y su impronta indisoluble en nuestra naturaleza humana.
Pertenece a una serie cuyo protagonista es Marcus, un cura penitenciario "invisible" encargado de detectar las "anomalías" que desvelan las sombras de los hechos execrables. Sandra, una fotógrafa forense se encarga del aspecto criminológico del asunto. Carrisi esta especializado en ello.
Aspectos suficientes de sus personalidades se equilibran con la trama donde va aflorando por capas bien dosificadas una trama con diferentes aristas que contiene suspense, reflexión y pinceladas didácticas a partes iguales. No rehuye Carrisi, aunque con moderación, pasajes escabrosos y se maneja bien con la acción.
En definitiva buen material para los amantes del género que invita a recuperar y seguir leyendo a este autor.
FRANCOFONÍA
8
1 h. 27 m.
Francia / 2015
Aleksandr Sokurov
He leído por ahí que el film nace de un encargo del propio museo del Louvre. Sokurov, 65 años, autor donde los haya con el sanbenito ni más ni menos de ser el heredero de Tarkovsky y que considera que el cine apenas esta empezando a ser arte hace de su capa un sayo y poniendo el inmortal museo en el centro cuenta lo que le da la gana y como le da la gana. Sus obsesiones sobre el arte, la especie humana, los conflictos de la guerra, su rusia natal...en un documental de ficción o en una ficción documental que probablemente es las dos cosas y ninguna a la vez. Cine personal con vocación universal en las manos y la mirada subyugante de un genio que va por libre y le da igual si lo odias o lo adoras.
Servidor acaba de descubrirle. Su obra, a excepción de las premiadas en algún festival recientemente es poco conocida y menos distribuida. En el "Arca rusa" (2002) ya le había metido mano al Hermitage. Eso sí, a su manera: una sola toma de 90 minutos. Su fascinación por la pintura en general es manifiesta.
Una de las cosas maravillosas del cine es que puede ser entretenimiento puro, duro y banal y el más sofisticado ensayo filosófico artístico sobre la esencia de cualquier cosa y ninguna desmerece a la otra.
Dice el subtítulo que "Francofonia" es una elegía por Europa. Lo es como muchas otras cosas que Sukurov va sugiriendo y que cada espectador procesa de forma individual en reflexiones, sensaciones y sentimientos difíciles, como la película, de clasificar. Puro cine.
WARCRAFT: EL ORIGEN
6
2 h. 3 m.
USA / 2016
Duncan Jones
Le han llovido tantos palos a este salto a la gran pantalla del videojuego como los que reparten estos orcos hipervitaminados de este universo que ha mantenido y mantiene enganchados a millones de jugadores en todo el mundo desde el 94 como juego de estrategia y su derivación al rol en linea.
Hombre, la cosa no es para tanto y las comparaciones con obras de escritores de la talla de Tolkien o de la eficacia narrativa de George R. R. Martin no ha lugar. Esto es otra cosa. Puro y duro entretenimiento de serie B con buenos y malos a los que Duncan incorpora con acierto y en la medida de lo pausible personajes intermedios.
No sé si los adictos a las historias en papel de Warcraft o los jugadores están satisfechos con su desarrollo o la recreación de sus personajes. De todo habrá.
Personalmente creo que le faltan actores de carisma en la parte de los humanos.
Para los neófitos que no esperamos otra cosa que ver como un director apreciado como Duncan le mete mano a este blockbuster de Blizzard para entretenernos un rato sin más con los tópicos de siempre en espera de proyectos más personales, es suficiente.
LOBO
7
1 h. 50 m.
Jordania / 2014
Naji Abu Nowar
El afán de poner etiquetas hace que "Theeb" sea señalada como un "western jordano" o "una película de aventuras", incluso se habla de Sergio Leone como referente. Si uno va a verla con estas referencias se encontrará que la distancia con esos géneros y ese director es notable, sin que ello desmerezca esta historia donde el desierto jordano, en toda sus belleza y crudeza (excelente fotografía) es el auténtico protagonista donde un niño se ve obligado a hacerse hombre a marchas forzadas. La palabra árabe theeb, traducida como lobo, tiene el significado de ese paso a la madurez.
El director británico-jordano trasmite amor en su mirada por esa dura y fascinante tierra y sus gentes. Pasó un año con la tribu beduina para empaparse de su vida y costumbres y elegir a los actores, no profesionales, que protagonizan con acierto la cinta.
El niño theeb se convierte en dramático espectador de las partes en conflicto durante la caída del imperio Otomano en la primera contienda mundial: las tribus que apoyan a los ingleses, lo guías locales de peregrinos a La Meca desplazados por el ferrocarril y reconvertidos en mercenarios y el propio ejercicio otomano. Podría considerarse un "spin off" (derivación) del "Lawrence..." de Lean.
Abu Nowar mantiene la tensión y el interés con un ritmo que se ciñe al tiempo y el espacio particular de esos lugares milenarios donde la esperanza de vida es tan milagrosa y escasa como los pozos de agua que salpican sus rutas.
La cinta ha sido bien acogida, ha puesto al cine jordano en el mapa ganando premios y una segunda parte ya está en camino.
LAS ZAPATILLAS ROJAS
9
2 h. 13 m,
Reino Unido / 1948
Michael Powell / Emeric Pressburger
6 semanas, un cuerpo de baile de 53 bailarines y 130 pinturas de Hein Heckroth para rodar los 15 minutos que han quedado como un referente clásico en la cinematografía sobre el mundo de la danza. 15 minutos donde cine, teatro y danza se funden con el cuento de Andersen de manera prodigiosa. Solo por estos 15 minutos los sacrosantos críticos de Cahiers du Cinema deberían haber valorado mejor el cine de "Los Arqueros".
Pero es que el resto en el que asistimos a un homenaje al mundo de la farándula, sus entresijos y el sacrificio profesional de los bailarines en concreto a un ritmo tan trepidante como ocurre en la realidad, tampoco esta nada mal. El magnífico Anton Walbrook se encarga de elevar la interpretación con ese arquetipo de empresario que tanto podía ser Sergei Diaghilev, introductor de los ballets rusos en París o el propio productor Alexander Korda con el que Powell y Pressburger habían trabajado y al que tuvieron que medio engañarle para comprarle los derechos del guión del propio Pressburger del 37 con el que Korda quería impulsar la carrera de su esposa Merle Oberón, a la que lógicamente doblarían en las escenas de baile.
La guerra impidió el proyecto y "Los Arqueros" lo recuperaron en el 47 por 12.000 Libras, ocultando a Korda su intención de rodarlo.
Al final y tras dudar inicialmente de su aceptación por un público mayoritario fue un éxito y consagró a sus autores y a Moira Sheare, bailarina que se estrenó en la actuación con esta película. Sheare tuvo una escasa carrera como actriz y siete años de éxitos hasta su retirada en el 53 como bailarina.
El color, en este caso el Technicolor siguió siendo seña de identidad de sus directores del que sacaron buen partido tanto en interiores como en los exteriores en la Costa Azul.
El presupuesto se les fue de la mano pero es que una vez calzadas estas zapatillas rojas ya no se puede parar.
IMPAGABLES
 |
| NICK CRAVAT (El temible burlón) |
 |
| HATTIE McDANIEL (Lo que el viento se llevó) |
| PEPITO GRILLO (Pinocho) |
 |
| CLAUDE RAINS (Casablanca) |
 |
| ENZO STAIOLA (Ladrón de bicicletas) |
 |
| JUDY HOLLIDAY (La costilla de Adán) |
BLACK MIRROR (TV. Sesión 3)
8
6 episodios de 1 h. 25 m. aprox.
Reino Unido / 2016
Charlie Brooker / Netflix
A finales del 2011 comenzó su andadura esta serie heredera de series como "En los límites de la realidad" o "Cuentos asombrosos". Con dos temporadas de tres episodios cada una y un especial de Navidad se ha convertido en una serie de culto sobre las implicaciones de las nuevas tecnologías en nuestro devenir cotidiano. Obviamente es dramáticamente más interesante y rentable que las mismas sean negativas y alarmantes. Dado la naturaleza humana puede que no anden muy desencaminados pero se agradecería más episodios positivos como el de "San Junipero".
Mientras tanto Netflix aprovechando su éxito con sus producciones propias se ha hecho con los derechos y lanza una tercera temporada con 6 episodios, manteniendo, si no mejorando el nivel de calidad en la producción. Actores y directores de prestigio siguen pasándose al auge y buen nivel de las series televisivas que hoy por hoy poco o nada se diferencian con sus hermanas de la gran pantalla, permitiéndose el lujo de dar mayor desarrollo en tiempo a sus personajes.
De esta última hornada destacaríamos el poder de las redes sociales y como pueden condicionarnos y amargarnos la existencia, el acceso y la manipulación por parte de hackers y nuestros propios gobiernos para controlarnos y manipularnos con todo tipo de fines o la utilización de mundos virtuales para paliar en determinadas circunstancias el dolor de la vida real. La verdad es que da miedo la irresponsabilidad con que desnudamos nuestras almas ante el resto del mundo de forma inconsciente sin valorar los riesgos que ello puede traernos. Cada nueva aportación tecnológica es un arma de doble filo que hay que utilizar con cuidado y responsabilidad.
La realización es notable destacando a mi juicio "Caída en picado", "San Junípero" y "Odio nacional".
"Black Mirror" se nutre cada día de nuevas posibilidades que le auguran una larga y exitosa vida entretenida, didáctica y muy inquietante.
 |
| CAÍDA EN PICADO |
 |
| PLAYTEST |
 |
| CÁLLATE Y BAILA |
 |
| SAN JUNIPERO |
| LA CIENCIA DE MATAR |
 |
| ODIO NACIONAL |
MAGALLANES
7
1 h 49 m.
Perú / 2015
Salvador del Solar
En la historia de "Magallanes" hay mucha tela que cortar. Salvador del Solar en su debut ha tomado una cierta distancia en su mirada y no ha querido subrayar lo que en otras manos hubiera sido una galería de horrores. Como en todos lados Perú tiene su cuota de horrores, con los que películas como esta tratan de expiar culpas, reconocer a quienes los sufrieron y denunciar a quienes los ejecutaron.
La guerra contra Sendero Luminoso en los 80 y 90, como todas las guerras ha dejado un poso de dolor que tardará generaciones en ser superado. Aunque el conflicto terminase, algunos siguen añorandolo, otros por enfermedad o edad (genial Luppi) ya ni lo recuerden y otros hayan cambiado de aspecto, de trabajo o quieran olvidar, el pasado de una u otra manera sigue condicionando sus vidas.
Magallanes quiere remediar lo irremediable, Celina es una victima no solo de el abuso de unos hombres sino de una sociedad que olvida a las minorías y las aboca al desastre. El desahogo en quechua de la joven y su huida en la noche son un acierto conceptual y poético desgarrador que hay que apuntar en el haber del director.
Algo dispersa en sus inicios y con giros bruscos en el tono pasando del mero thriller al drama "Magallanes" es digna merecedora del premio al mejor film en el festival Iberoamericano de Huelva y a Salvador del Solar, reconocido actor, hay que seguirle la pista como prometedor director.
UN DOCTOR EN LA CAMPIÑA
7
1 h. 42 m.
Francia / 2016
Thomas Lilti
Lilti sigue depurando su cine y hablando de lo que entiende, la medicina, no solo para reivindicar la noble profesión y sus carencias sino como plataforma para hablar de temas universales, como el amor, la soledad, el respeto y el miedo a la muerte sin olvidar el humor. Una muerte que debe ser cuando menos digna. En "Hipocrates" (2014) el epicentro estaba en las ciudades y los hospitales, ahora es la medicina rural, donde el contacto con el paciente es más personal y el sr. o la sra. doctora forman parte de la propia comunidad.
Trabajo el de la medicina rural hermoso, imprescindible, poco valorado y escaso de recursos. Françoi Cluzet está espléndido, como casi siempre, en un trabajo de contención admirable, al igual que Lilti con la cámara, donde los sentimientos afloran sin una mueca ni un plano de más. Marianne Denicourt no le va a la zaga.
Ha sido un gran éxito en Francia. Se lo merece.
ALICIA A TRAVÉS DEL ESPEJO
6
1 h. 53 m.
USA / 2016
James Bobin
Si uno se olvida de Lewis Carrol, no se cabrea con la banalización de su universo y no ha leído el original, esta apropiación de "su mundo" que básicamente pretende hacer caja como secuela del pelotazo en taquilla de la fallida versión de su antecesora dirigida Tim Burton (aquí solo produce) entretiene lo suficiente y cumple su cometido como blockbuster.
La segunda parte de las aventuras de Alicia original ("A través del espejo y lo que Alicia encontró allí), excepto una propuesta de John Henderson en el 98 no ha suscitado el interés de los realizadores, quizás eclipsada por el éxito de la obra precedente o su desarrollo menos "asequible". Así es que el guión de Linda Woolverton aplica la plantilla hollywoodiense y con un James Bobin dándole un ritmo frenético y la maquina de hacer efectos a pleno rendimiento nos dá un producto que justifica su entrada, se puede ver en familia y por momentos mantiene un interés en que acabé saliéndose del molde. Pero no.
¿QUÉ INVADIMOS AHORA?
7
2 h.
USA / 2015
Michael Moore
¿Simplista y en cierta medida manipulador?: obviamente sí. Pero no creo que este bufón contemporáneo, mosca cojonera de las miserias y los poderosos de su país pretenda grandes análisis sociológicos. Más bien y a modo maquiavélico justifica sus medios con el fin, loable en este caso, de enseñar al más obtuso que muchos aspectos esenciales con los que manejamos nuestra vida pueden y deben mejorar. Para ello busca ejemplos de alternativas que en mayor o menor medida funcionan en sus entornos y las pone sobre la mesa para sus conciudadanos y el mundo en general.
Evidentemente la cosa no es tan sencilla y son muchos los factores que inciden en la aplicación y el desarrollo de ciertas propuestas para que acaben llegando a buen término pero por algo hay que empezar y Moore por lo menos lo intenta con su particular ironía y humor que hacen que las dos horas no sean tiempo desaprovechado.
MÁS ALLÁ DE LAS MONTAÑAS
9
2 h. 11 m.
China / 2015
Jia Zhang Ke
Este es mi tercer encuentro con la obra de Jia Zhang Ke. Tanto "Historias de Shangai" como "Un toque de violencia" me descubrieron un director potente comprometido con la historia reciente de su país y el vértigo que supone su actual estado social en contraste con su milenaria historia. Ninguna de las dos acabò por convencerme de que Zhangke había logrado lo que buscaba.
Dicen que el que la sigue.... "Más allá de las montañas" ha dado, al menos en mi caso en el centro de la diana. Sin lugar a dudas una de las películas del año. Premiada en San Sebastian pasa por derecho propio a estar tocada con ese don al alcance de muy pocos de sintonizar en la misma frecuencia que la vida, dejarse llevar por la corriente de ese tiempo tan efímero que se nos ha regalado y poder buscarle el denominador común a lo que somos según vamos cambiando en consonancia o disonancia con lo que nos rodea.
Drama o melodrama familiar por ponerle una etiqueta muy por debajo de lo que nos ofrece, en el que el director es capaz de plasmar los sentimientos hacia su propia madre expiando la culpa desgraciadamente muy común de suplir con dinero y bienes materiales aquello de lo que realmente estamos necesitados, que más que el amor es el reconocimiento a que hemos vivido, reído y sufrido y podamos compartirlo en el tramo final con aquellos que queremos.
El ejemplo de Tao, magnificamente interiorizado por Tao Zhao, actriz fetiche y esposa del director, es un ejemplo universal. Las diferentes encrucijadas y toma de decisiones casi siempre marcadas por la búsqueda de la seguridad en un referente económico que nunca es garante de la felicidad condicionan al personaje y nos ofrecen una escala de valores. Concepto este de la felicidad por otro lado discutible y efímero. A Tao, con un uso magistral del tempo narrativo por parte de Jai, se le pasa la vida en las dos horas de metraje tan rápido como se nos va a todos, mientras que China va cambiando al mismo ritmo integrándose en un mundo global que se cobra el alma de muchos de sus habitantes.
EL REY TUERTO
7
1 h. 27 m.
España / 2016
Marc Crehuet
Marc Crehuet en su primer largo, lleva a la pantalla su obra teatral con eficacia narrativa y simplicidad de medios. Sustentada por el notable trabajo de sus actores y tirando de humor, aunque sea negro, nos enfrenta a la realidad social y se pregunta, nos pregunta donde está el auténtico problema, si no estará en nuestro propio adn y donde está la solución.
La reflexión queda encima de la mesa, traspasa la pantalla para que la risa como decía Moliere acabe por clavarse en la razón.
LA LLAVE MAESTRA
Agustín Sánchez Vidal
Edit. Suma de las letras / 2005
565 págs.
Apasionante y muy ambiciosa en su planteamiento esta "novela de aventuras" según su autor, se va enredando tanto y tanto que acaba por perder su sentido y termina, al menos a un servidor, defraudando en su conjunto.
Opera prima en la narrativa de ficción del Catedrático de Historia del Arte Sánchez Vidal con la que se estrenó también Suma de Libros. Dice su autor desconocer "El nombre de la Rosa" o "El código Da Vinci", pero es evidente que son los títulos de referencia del lector interesado en esta novela.
En ella, en una narración paralela en dos momentos de la historia, la actual y la España de Felipe II se sigue la pista de un emblema, talismán con forma de laberinto que a lo largo de los siglos viene siendo la "llave maestra" o "el código fuente" con el que desentrañar la clave de los secretos del Universo. !Ahí es na!.
Las primeras 200 y pico páginas a pesar del desequilibrio en su concepción entre los protagonistas de cada una de las épocas se devoran con interés y Sanchez Vidal nos cuenta en su faceta de catedrático muchísimas cosas históricas más que interesantes sobre el arte, la arquitectura y los personajes que fueron reales que la pueblan. Es precisamente en la ficción, paradójicamente motivo de la obra donde la cosa languidece con sobreabundancia de repeticiones sobre la importancia de lo que se busca y una saturación descriptiva de lugares laberínticos donde acaba por perderse el autor y el lector.
No le vendría mal una buena revisión en su conjunto. Tanto Umberto Eco como Dan Brown, salvando las inmensas distancias si supieron encontrar la llave maestra del éxito narrativo de sus obras. A Sánchez Vidal se le perdió en algún lugar de la casi 600 páginas de su novela.
THE GREAT TRAIN ROBBERY (TV)
7
2 episodios de 1 h. 30 m. aprox.
Reino Unido / 2013
Julian Jarrold / James Strong
Obviamente no estamos hablando de esas "joyita" del año 1903 pionera del lenguaje cinematográfico. En este caso se trata del famoso robo al tren correo de Glasgow en el 63 que tantos ríos de tinta hizo correr y que desde entonces ha dado mucho juego tanto en la literatura ("Señal roja" de Robert Ryan en el 2010 es la novela en la que se inspira la miniserie) como en el cine.
Dos episodios, el primero desde el punto de vista del cerebro de la operación, Bruce Reynolds, en la que se describe la planificación y ejecución del robo y la segunda desde el punto de vista del implacable inspector de la policía encargado del caso Tommy Butler.
Con la factura de calidad, habitual de la BBC, Julian Jarrold dirige el primer episodio centrado en los hechos y es en el segundo, a mi juicio más elaborado donde el factor humano y las derivaciones sociales tienen un hueco de la mano de James Strong y de la notable actuación de Jim Broadbent.
La mayoría de las 2.600.000 libras de la época no fueron recuperadas y los condenados por el robo a 30 años cumplieron una media de 10 o 12 para el que fue considerado como el robo del siglo.
LA DAMA DE SHANGAI
6
1 h. 27 m,
USA / 1947
Orson Welles
Cuenta la leyenda que andaba Wells desesperado por conseguir 55.000 dólares para pagar las deudas contraídas con su espectáculo "La vuelta al mundo en 80 días", sin lo cual no podría estrenar y agarró la primera novela que le pareció sugerente en un puesto de libros de la estación ("Si muero antes de despertar" / Sherwood King / 1938). Acto seguido le sacó los 55.000 a Harry Cohn, preboste de la Columbia a cambio de rodar la novela con él como director y actor, a lo que "el bueno" de Harry añadió a su estrella Rita Hayworth que para mayor inri y morbo estaba casada con el propio Welles aunque hacia ya dos años que ni se hablaban.
No confundir esta novela con otra del mismo título de Cornell Woolrich sobre la que se hizo una película argentina en el 52.
El caso es que ya que Welles tenía que cumplir lo prometido hizo lo que le vino en gana, como casi siempre, aplicando su genio e ingenio sobre una trama enrevesada cuando no disparatada en la que al director solo le interesaba seguir experimentando con su peculiar forma de rodar.
El resultado es un caos que refleja muchos de los despropósitos que acontecieron durante el rodaje y los excesos del director. Dicen que Welles rodó 155 m y como le solía ocurrir le enmendaron la plana en el montaje dejandole solo 86 con muchos planos (sobre todo primeros planos de la Hayworth) añadidos a posteriori o incluso no rodados por él. Hubo un ayudante de cámara que falleció por insolación en el rodaje y que un Errol Flynn borracho (alquilaba el velero "Zaca" que aparece en la cinta, incluso sale su perro) trató de lanzar al mar en una bolsa de lona. Rita Hayworth disparó el presupuesto por su caché y por estar un mes enferma.... El desaguisado era tal que se cuenta que el propio Cohn ofreció mil dolares a quien le explicara de que iba la cosa.
La química negativa entre Welles y su casi ex mujer es tan palpable como la positiva de Bogart y Bacall en "Tener y no tener", y a pesar de que la Hayworth enganchó uno de sus mejores actuaciones no es Bacall, ni Stanwick y Welles tampoco es Bogart, y le puede más para bien y para mal su vena teatral shakespeiriana y su faceta radiofónica (su personaje narra en off la historia como mandan los cánones del género) quedando menos airoso repartiendo mamporros y ejerciendo de trotamundos vividor.
Pero lo que no puede evitar es seguir siendo un genio y entre tanto despropósito afloran multitud de planos y escenas irrepetibles y antológicas que han quedado grabadas en la historia del cine y el imaginario colectivo. Solo por ellas vale la pena dejarnos engañar por los trucos del mago Welles.
 |
| DEBBIE REYNOLDS (1932-2016) Actriz |
| CARRY FISHER (1956-2016) Actriz |
| GIL PARRONDO (1921-2016) Director Artístico |
 |
| HÉCTOR BABENCO (1946-2016) Director |
| GARRY MARSHALL (1934-2016) Director |
 |
| MICHAEL CIMINO (1939-2016) Director |
 |
| ZSA ZSA GABOR (1917-2016) Actriz |
 |
| ABBAS KIAROSTAMI (1940-2016) Director |
 |
| PEDRO COSTA (1941-2016) Productor, guionista, director |
 |
| LEONARD COHEN (1934-2016) Músico |
 |
| FRANCISCO NIEVA (1924-2016) Autor, escenógrafo. |
RED RIDING (TV)
6
3 episodios de 1 h. 30 m. aprox.
Reino Unido / 2009
Julian Jarrold / James Marsh / Anand Tucker / Canal 4
En el 94 el inglés David Peace a sus 27 años se aburre dando clases de inglés en Tokyo. En una librería descubre en ejemplares baratos la obra del maestro de noir James Ellroy y se propone la meta de superarlo, (sigue sin conseguirlo según sus palabras) escribiendo en un cuaderno aunque solo sea para si mismo. Para ello toma como referencia su tierra el West Riding, una de las subdivisiones en que se divide el extenso condado de Yorshire y al ambiente sucio, oscuro y deprimente de una época y un lugar donde la policía "hacia lo que quería", Pete Sutcliffe "el destripador de Yorkshire" mataba a 13 mujeres, que se sepa, entre el 75 y el 81 y los mineros se ponían un año en huelga entre el 84 y el 85.
Todo ello fue el caldo de cultivo para una tetralogía (la serie prescinde del año 77) en la que Peace se salta todas las barreras narrativas, formales y sociales y escribe de forma caótica, brutal, obsesiva, repetitiva y todo lo que se le ocurra una historia desagradable, turbia y deliberadamente cruel de vilezas y corrupción donde no siempre ganan los "buenos". Poco le importa que queden cabos sueltos o que no sea para todos los públicos y estómagos.
El caso es que se le publican, le dan fama y prestigio como escritor y se adaptan a esta televisión que se puede permitir hoy por hoy lujos que no se puede permitir la gran pantalla.
Con tres directores, cada uno de ellos aporta una visión y un estilo diferente respetando la atmósfera común para intentar trasladar el maremágnum narrativo del autor y suavizar en parte sus crudezas. El resultado aburre tanto como interesa, te gusta tanto como lo odias. La fotografía siempre es notable sobre todo en el primer episodio y en general transmite la indefensión y el desasosiego que se podía vivir en ese condado y en esa época donde la corrupción y los crímenes más terribles eran perpetrados por aquellos que juraron ser garantes de combatirlos.
No se la recomendaría a cualquiera.
DR. STRANGE (DOCTOR EXTRAÑO)
7
1 h. 55 m.
USA / 2016
Scott Derrickson
Se me hace difícil valorar esta última entrega de MARVEL. Junto con el Capitán América, el Dr. Extraño siempre fue mi personaje de superhéroes favorito. De Stephen Extraño tengo todo lo que se ha publicado..., pero entiendo que el cine es otra cosa y que los tiempos, las modas y los intereses comerciales no son los mismos que cuando Stan Lee y Steve Ditko convocaron al Hechicero allá por el 63. Han pasado cincuenta y tres años.
Es cierto, como se ha escrito que el "típico" humor Marvel, a los que conocemos el personaje en papel, nos sorprende a veces con agrado y otras está tan forzado que sonroja. También es cierto que la sombra del Tony Stark de Robert Downey Jr. es alargada y que su éxito se pretende mimetizar en parte con Cumberbatch (por otro lado una gozada que haya sido el elegido para el personaje) y le hace perder parte de la propia personalidad del Hechicero Supremo.
La historia es muy simple y paga el debido peaje de los consabidos orígenes sin acertar, a mi juicio, en la precipitada transición del aprendiz al de guardián supremo del mundo mágico, banalizando el asunto y poco coherente por otro lado con los tempos necesarios para alcanzar la sabiduría mística. Personajes tan emblemáticos como El Anciano y Wong también distan mucho del peso especifico que a lo largo de los años han tenido en las andanzas del Dr. No es que la siempre eficiente Tilda Swinton esta mal, todo lo contrario sino que el Obi wan del universo Marvel esta desdibujado y al menos en esta entrega poco aprovechado. Wong cumple funciones de divertimento que poco tienen que ver con las desempeñadas en los cómics. Una vez más el humor vence a la magia cuando Extraño se aparece a la doctora interpretada por Rachel McAdams que asume con infinita rapidez, aunque ponga caras, cosas que a cualquier mortal nos dejarian en estado de shock.
En fin, ¿decepción?: no. Las dos horas pasan en un suspiro, ver la estupenda imagen de Cumberbatch enfundado en la capa ya te hace salivar, los efectos especiales no desmerecen aunque ya este casi todo inventado y Extraño merece que se mojen más en el aspecto psicodélico del asunto, la banda sonora es apropiada, tiene buen ritmo y sobre todo, como pasó con la primera entrega del Capitán América, que tampoco fue como para tirar cohetes, abre la puerta a, quizás otros directores que se mojen más y exploren las infinitas posibilidades que tiene este personaje y sus aventuras. Para jóvenes ya disfrutamos de Harry Potter, denle un poco de cancha a los adultos con el portador del Ojo de Agamotto. !Por las bandas carmesí de Cyttorak y el Eterno Vishanti!
LAS ESTACIONES
7
1 h. 37 m.
Francia / 2015
Jacques Perrin y Jacques Cluzaud
Perrin y Cluzaud parece que desde el comienzo del nuevo siglo se han impuesto dar un repaso educativo por tierra, mar y aire ("Nómadas del viento" y "Océanos") a lo que queda de ese mundo que en teoría compartimos con el resto de seres vivos y que en realidad estamos extinguiendo en un despropósito egocéntrico y absurdo que terminará con nuestra propia extinción.
Notablemente resuelto desde el punto de vista cinematográfico se queda algo corto y blandito a la hora de mostrar el mundo de los bosques,sus seres y su preocupante futuro, con una primera parte meramente contemplativa y selectiva de aquellos animales con los que más podamos empatizar y un último tramo en los que la presencia del hombre, hábilmente planteada deja claro en su vertiente más simplista (quizás no haya otra) quien ha destruido el equilibrio.
MILDRED PIERCE (TV)
8
5 episodios de 1 h. aprox.
USA / 2011
Todd Haynes
Entre "Lejos del cielo" (2002) y "Carol" (2015) dos hitos del melodrama contemporáneo emulando al Douglas Sirk de los años cincuenta, Haynes retrocede dos décadas para adaptar la película de Michael Curtiz del 45 del mismo título ("Alma en suplicio" en España), basada en la novela de J.M. Caine que relanzó la carrera de La Crawford llevándose un Oscar de paso.
La historia de esta madre coraje y su desagradecida hija tuvo que pasar por el peaje del género negro en boga en los años cuarenta y a pesar de ello y de que La Crawford en uniforme laboral con hombreras era todo un poema funcionó a la perfección y la cosa quedó redonda con unas magnificas Anne Blyth y Eva Arden dando la replica a Joan como su hija y amiga respectivamente.
Haynes dispone de cinco horas nada menos para contar la historia con una dirección artística impecable y un banda sonora en sintonía, amén de un reparto de lujo, en el que Kate Winstley, omnipresente, lo borda. Y sin embargo...
La cosa no acaba de empastarse como debiera, los personajes secundarios (el amante, el marido, la hija mayor) van desarrollando sus roles como a trompicones, de forma forzada parecen comportarse más como lo requieran las diferentes lineas argumentales que como un proceso coherente con sus personalidades. Las situaciones se repiten y en los dos últimos episodios la cosa se hace larga y cansina.
Dedica Haynes demasiado tiempo a algunas facetas de Mildred y poco a otras descompensando la narración, y por el camino deja escapar a personajes como el de la amiga que interpreta la estupenda Melissa Leo, personaje al que Eva Arden y Curtiz en el 45 le sacaron más que petroleo con muchisimos menos minutos.
A la postre un trabajo de calidad, premiado por ello al que se le va parte de la fuerza por las costuras de un espléndido vestuario de época.
NOCHE REAL
6
1 h. 37 m.
Reino Unido / 2015
Julian Jarrold
Esta inverosímil comedia que explota el siempre gratificante argumento del príncipe y el mendigo de Twain aunque no haya dobles en este caso, se deja ver y no molesta en absoluto. Los que están arriba se dan un baño de multitudes y los de abajo un paseito por los oropeles encorsetados. En fin que ahora que su graciosa majestad ya cumplió los 90 se pone de moda de un tiempo a esta parte contarnos los entresijos más que menos edulcorados de la familia real inglesa.
Amor y humor y muy poco rollo social que por ahí no van los tiros. La espléndida Bel Powley pone lo segundo y Sarah Gadon lo primero, sin pasarse, que la autentica Elizabeth Alexandra Mary aún esta vivita y coleando a pesar de sus pasados annus horribilis.
La producción cumple y Julian Jarrold ya está muy curtido en estos lares como para no sacar la cosa adelante con dignidad a pesar de que la subtrama de esos dos soldados guardianes de las correrías reales hubiera sido mejor que los guionistas los hubieran dejado en el tintero y le hubieran dado más minutos a la Powley.
ONE OF US (TV. miniserie)
8
4 episodios de 50 m. aprox.
Reino Unido / 2016
William McGregor / BBC Scotland
Esta estupenda serie de la BBC Escocesa pasará probablemente desapercibida para el gran público a la sombra de las emitidas por las poderosas cadenas de pago USA, aunque todos sabemos que la marca BBC es casi siempre sinónimo de productos bien elaborados.
Como si se tratara de una moderna historia de J.B. Priestley o de Agatha Christie un reducido grupo de personas pertenecientes a dos familias se verán envueltas en un suceso donde, como suele suceder en las buenas historias nada es lo que parece y a lo largo de los cuatro episodios cada uno de los personajes tirará de un hilo de la madeja que se irá desenrollando dejando al descubierto los problemas y miserias de cada cual. Perfectamente interpretados por el elenco los personajes están encuadrados en un ambiente rural del que el director William McGregor saca un partido notable.
A sus 29 años McGregor se está labrando un curriculum más que interesante en la televisión y promete en su paso a la gran pantalla. Su voluntad estética con tomas de gran belleza, guarda un ejemplar equilibrio atmosférico con la trama en un ritmo suave y continuo que hace que la narración y la tensión fluyan de manera muy armónica.
Un notable trabajo que merece la pena descubrir.
X-MEN: APOCALIPSIS
6
2 h. 23 m.
USA / 2016
Bryan Singer
Llegados a esta alturas en el cine de género de superhéroes ocurre como con los cómics de grapa, que la sorpresa ya está amortizada y que ahora dependemos de las historias y de como nos las cuenten. Singer con mayor o menor acierto esta claro que con los mutantes sabe como hacerlo.
Así que la cosa está básicamente en el guión que considero bastante más flojo, a pesar del prometedor comienzo que la anterior entrega. El todo poderoso Apocalipsis va de más a menos y acaba diluyéndose como le pasó a Ultrón con los Vengadores, los chavales que encarnan a los básicos x-men (¿donde está el hombre hielo?) en general (me gusta el descaro de quicksilver y rondador promete) tienen, o poco carisma o poco donde rascar más allá de ejercer de percha para el traje y los maquillajes. La falta de química entre Jane (Sansa Stark en Juego de Trono) y Scott es alarmante y los pesos pesados, o pasan de visita como Lobezno o adoptan un perfil bajo en función de la historia, que para mi disgusto personal se pasa tres pueblos y ya cansan con destrucciones masivas a tutiplen. Siempre me gustó más la acción más de andar por casa o ya puestos el desparrame. dimensional del Dr. Extraño (aún no he visto su estreno).
Añadamos los guiños de rigor... y a otra cosa mariposa (mental). Debería llegar un punto en que hubiese barra libre para que guionistas avezados crearan nuevas historias al margen de las referencias del papel o se curraran más a base de trilogías los arcos argumentales de algunas de ellas.
A lo mejor la tele es la solución para su evolución.
HIGH-RISE
2
1 h. 58 m.
Reino Unido / 2015
Ben Wheatley
Dejo al criterio de los seguidores o conocedores de la obra de Ballard en su vertiente de Ciencia Ficción, si esta adaptación de su novela del mismo título publicada en el 75 cumple las expectativas al respeto. Servidor solo conoce su obra a través del cine: la irregular "El Imperio del sol" (Spielberg/ 1987) y la inquietante "Crash" (Cronenberg / 1996). Esta última me dejó un poso de curiosidad e interés sobre la faceta apocalíptica de la sociedad en parte de la obra de Ballard.
Todo lo contrario que esta insufrible puesta en escena setentera cuyo deliberado caos y soluciones visuales no me justifican el sobado trasfondo del asunto y el aburrimiento supino que me produce todo el conjunto.
Wheatley cumplió y poco más con aquella comedia negra romántica "Turistas" (2012) y ahora, según algunos, parece que se consagra con esta cinta como uno de los directores de élite.
Siempre es bueno que sobre gustos pinten colores. A mi estrecho circulo de amistades les ahorraré las dos horas de esta "obra maestra" del cine contemporáneo.
NIDO DE VÍBORAS
7
1 h. 48 m.
USA / 1948
Anatole Litvak
Este verano Olivia de Havilland cumplió 100 años. Junto con Kirk Douglas que los cumplirá en Diciembre son los últimos vestigios de una época irrepetible de la cinematografía, donde los actores eran estrellas idolatradas por las multitudes y sojuzgadas por los dioses del reducido grupo de productores dueños de los míticos estudios, hasta que llegó la televisión y nada fue como antes.
Olivia, aparte de excelente actriz y sus trifulcas con su hermana Joan Fontaine se rebeló contra esos dioses que encerraban a sus estrellas en jaulas de oro. Ganó y tuvo que pasar el purgatorio de tres años en el dique seco, pero al final dejó de ser la "chica de Flynn" en las películas y pudo acceder a papeles de mayor enjundia. La nominaciones y los Oscar (2) llegaron enseguida y de paso arregló el futuro del resto de sus compañeros. La ley que lo consiguió lleva su nombre para la posteridad.
Así es que no está demás para celebrar su onomástica visionar esta cinta del ruso Litvak formado en Alemania y que acabó en tiempos de guerra recalando en Hollywood y fue precisamente nominado como mejor director por esta cinta.
La Havilland carga con todo el peso de la misma y ya con un Oscar en sus vitrinas volvió a ser nominada teniendo que esperar al año siguiente para llevarse su segunda estatuilla. No obstante se llevó la Copa Volpi en el festival de Venecia y el del Círculo de Críticos de Nueva York
La cinta versiona la novela semiautobiográfica de Mary Jane Ward en la que pone de manifiesto el estado deficiente de las instituciones de salud mental en el país y que a raíz de su novela algunos estados comenzaron a mejorar.
El psicoanálisis estaba de moda y aquí asistimos a como es la mejor formula después de fracasar con electroshocks y drogas para que la protagonista identifique sus males y pueda superarlos.
Mientras tanto y sin hacer demasiada sangre del asunto Litvak nos da un paseo bien estructurado por las distintas salas del saturado centro con una muestra coral de sus sufridos pacientes y algunas escenas notables de conjunto.
Havilland consigue plasmar la desorientación de su personaje hay una cierta tensión sobre su futuro y poco más. La cinta quedará como un documento social de la época
EL HOMBRE QUE CONOCÍA EL INFINITO
7
1 h. 44 m.
USA / 2015
Matt Brown
Desgraciadamente el poco conocido Matt Brown (segundo trabajo después de 15 años) no es al cine lo que Ramanujan a la matemáticas, pero eso no quita que su propuesta academicista y más que correcta en este biopic sobre el genio indio sea nada fácil de realizar con la dignidad y la eficacia formal con que lo hace. Últimamente la crítica especializada a puesto en desgracia el sustantivo Académico a la hora de narrar historias como si fuera tan sencillo. Opinión que como todo extremismo no comparto. Hay películas académicas malas y buenas como en todo y esta no es de las primeras.
La producción es solvente, refleja la atmósfera de la época y del ambiente académico (que casualidad) del Trinity College y los actores y en particular Irons construyen personajes interesantes y atractivos para que el espectador medio entre los que me incluyo den por bien empleado el dinero de su entrada.
Explicar o sentirse arrebatado por los logros matemáticos de Ramanujan no está al alcance de todos. Baste de momento con dar a conocer al personaje, su peripecia humana y la relevancia posterior de su obra de forma agradable, emotiva y en la medida de lo posible didáctica.
Lo dicho, Matt Brown no es un genio pero como espectador de a pie he pasado un buen rato con su película.
EL OLIVO
7
1 h. 34 m.
España / 2016
Iciar Bollain
Nuestra Ken Loach particular sigue empeñada (afortunadamente) en ese cine social, reivindicativo, con fuertes presencias femeninas y de denuncia que con mejor o peor acierto le ha dado un curriculum notable: 7 películas, un documental, numerosos cortos...
Emotiva y entrañable con personajes cercanos y "de verdad" (Gutierrez va camino de la excelencia) nos narra la historia de un hombre y la tierra, en este caso un olivo milenario, que ve como los intereses humanos a corto plazo no acaban de convivir con el entorno y los seres con los que comparte la vida.
Su nieta se embarca con ayuda de sus seres queridos y amigos en un viaje desesperado, un paso necesario sin garantías encarnando la esperanza, la semilla rebelde e inconformista de un probable fruto futuro en el que la unión de las personas tenga la fuerza suficiente para enderezar el rumbo de este desaguisado que hemos construido y al que nos resignamos con el silencio de los corderos. El resultado de la mano del guionista Paul Laverty (habitual de Loach) es realista con lo mucho que queda por hacer.
LA BRUJA
7
1 h. 32 m.
USA / 2015
Robert Eggers
Notabilisima opera prima (premiada a tal efecto en Sundance) de Robert Eggers, donde su formación como escenógrafo y labores de producción se pone de manifiesto con un rodaje en tan solo tres semanas y una atmósfera naturalista de la Nueva Inglaterra del XVII realmente brillante con apenas un entorno bien elegido, un acertado diseño de vestuario y un aluvión de referencias pictóricas desde la pintura tenebrista a la luz de las velas de De La Tour a las brujas y machos cabrios de Goya. No menos influencias fílmicas (Haneken, Bergman, Tarkovsky...).
Todo ello nos apabulla para contarnos como dice su subtítulo un cuento popular de Nueva Inglaterra, cuento que Egger preña de simbolismos y reflexiones sobre la superstición y la delgada linea que la separa de la religión (en este caso puritanismo calvinista), el sentimiento de culpa que acarrea, la familia, las durísimas condiciones de vida de la época, el despertar sexual, la violencia...
El plantel de actores lo da todo (sorprenden los actores jóvenes) en una historia catalogada de terror pero que dista mucho favorablemente de ese terror comercial de casquería barata y sustos clonados a que nos tiene acostumbrados la industria palomitera de público mayoritariamente adolescente.
Otra cosa es que a pesar de la conseguida atmósfera dé miedo. Parece que a la crítica en general le ha dado mucho. Servidor ha reconocido desde hace tiempo que me cuesta mucho en el cine actual que me hagan reir y que me asusten. Esta bruja no es una excepción.
Por otro lado y a pesar de las muchas virtudes antes citadas creo que cojea por la parte del guión y me impide darle una calificación más alta que en muchos aspectos se merece. El ritmo se resiente por momentos y la historia no avanza como debiera. A veces uno tiene la sensación de que las cosas ocurren porque tienen que ocurrir sin un proceso que lo justifique o aclare en el devenir de los personajes. Ya en el inicio no queda claro porque la familia es desterrada de la comunidad.
El alabado final una vez más me confirma que Egger está más pendiente de lo pictórico y su fuerza expresiva que de cualquier otra consideración.
ESPIAS DESDE EL CIELO
8
1 h. 42 m.
USA / 2015
Gavin Hood
En el 2013 Gavin Hood se metió en un berenjenal al intentar adaptar a la pantalla la prestigiosa novela de ciencia ficción "El juego de Ender". Ahora se resarce con una impecable cinta sobre una ciencia de la guerra que ya no es ficción sino muy real, donde el grueso de los soldados están a miles de kilómetros del conflicto manejando artilugios robóticos (todo tipo de drones) para matar a distancia. Soldados que ya no necesitan tanto una preparación física sino psicológica y técnica para obedecer las ordenes con eficacia tecnológica y distanciamiento moral.
Con un montaje de precisión, un ritmo perfecto y un buen plantel de actores (última presencia del gran Alan Rickman) Hood nos mantiene en vilo en una de las mejores cintas de suspense de los últimos años. La perfecta fotografía tanto en exteriores como en interiores de Zambarloukos pone el contraste dramático necesario, con una banda sonora que no le va a la zaga.
La implicaciones no solo militares sino políticas y personales de cada una de las decisiones bélicas se ven reflejadas en aquellos que tienen que tomarlas y ejecutarlas en un amplio abanico en que los intereses de cada cual crean la reflexión posterior del espectador y la tensión paralela a la acción.
Los "daños colaterales" que con demasiada frecuencia hacen que como casi siempre en todas las guerras la población civil sufra mas bajas que los soldados suelen achacarse a fallos humanos. Hood pone claramente de manifiesto que hoy en día efectivamente la responsabilidad es humana pero la tecnología deja poco margen de fallos. Son decisiones cuyas responsabilidades suelen quedar inmunes y diluidas en la cadena de mando. Aún deja el director a alguno de los personajes un resquicio para seguir creyendo que se intenta evitar el mayor daño posible por convicciones éticas y morales. Algún día puede que las decisiones y ejecuciones las tomen inteligencias artificiales, para bien o para mal la presencia humana todavía sigue siendo un factor determinante.
MAÑANA
7
1 h. 58 m.
Francia / 2015
Cyril Dion / Mélanie Laurent
Uno, que a tenor de la historia de la relación de la especie humana con el planeta que habita, se considera más que pesimista, en su afán de autodestrucción, acoge con alegría y buenas dosis de escepticismo este educativo y necesario documental donde, sin filigranas formales se plantan unas cuantas semillas de esperanza y reflexión.
Se agradece que se ocupe mayormente de aquellas minorías que aportan o tratan de aportar soluciones en diferentes aspectos, al desaguisado que hemos montado para beneficio de unos pocos que a la postre acabaran sucumbiendo a su propia avaricia. El tono positivo no oculta sin embargo, por contraste, aquello que se quiere remediar: lo mal que lo estamos haciendo con el planeta y nuestra propia existencia.
Dice el estudio que da lugar al film que en el 2100 buena parte de la humanidad puede desaparecer. Lo raro es que no hayamos desaparecido ya. Nos lo hemos ganado a pulso.
RÍO ROJO
8
2 h. 13 m.
USA / 1948
Howard Hawks / Arthur Rosson
El comerciante de pieles, de sangre Cherokee, Jesse Chisholm (1805-68) estableció una ruta desde Texas a Kansas pasando por Oklahoma para la distribución de sus productos. Esta ruta fue la que utilizaron a partir de 1867 (en la película se dice que en el 65) los ganaderos de Texas para poder dar salida a su ganado de cornilargos (en la época de la película prácticamente extinguidos). Traslado de más de dos meses por territorios indios y barreras orográficas complicadas.
La épica de este traslado iniciado por el "Coronel" O.W. Wheeler que a sus 25 años transportó 2.400 cabezas de ganado fue la base para el relato en el que paralelamente se encuentra, reconocido por Borden Chase, guionista, la historia de "El motín de la Bounty", amén de la lucha generacional de tintes freudianos entre el ganadero Dunson interpretado por Wayne y su hijo adoptivo Matt, encarnado por el debutante Montgomery Clift.
Rodada en el 46 tuvo que esperar dos años para ser estrenada por problemas legales con Howard Hughes que consideraba que era similar a su película "El Forajido" (1943) en la que también estaba implicado como director y guionista Hawks.
Fue el primero de los cinco western que rodó Hawks. Cary Grant y Burt Lancaster rechazaron por diversos motivos su participación y un debutante Montgomery Clift en las antípodas ideológicas, laborales y sociales del Duke se convirtió en estrella dándole la réplica en la probablemente mejor interpretación de Wayne hasta el momento. Conocida es la anécdota de Ford que con esta película "descubrió" que ese "hijo de puta" que él había promocionado sabía actuar. La profundidad de los personajes que Wayne interpretó para Ford a partir de entonces nacen de esta película. "Centauros del Desierto" es un buen ejemplo de ello.
La película considera hoy día un clásico del género y taquillera en su momento posee una ambivalencia o mejor dicho trivalencia. Por un lado la épica del traslado del ganado y sus peripecias (estampida, paso de ríos, etc), aquí es donde el veterano director Arthur Rosson encargado de la segunda unidad se gana el derecho de figurar como codirector.
Por otro lado el problema generacional ente Dunson y Matt con tintes de tragedia griega, que si bien no tiene el desarrollo que debiera es más que suficiente para dotar de empaque dramático y actoral a la cinta.
Y como tercera pata del banco el aspecto comercial de cara a la galería donde peleas con indios, gracietas del siempre genial Walter Brennan y las imprescindibles gotas de romance (a mi juicio poco satisfactorias y metidas con calzador) hacen que las mas de dos horas sean digeribles para todos los públicos sacrificando la obra maestra dramática que pudo ser por la acción y la aventura.
Tras un prologo irregular, la cinta alcanza su tono y mantiene el interés y la tensión hasta ese discutido final precipitado que facilita el que todos salgan contentos con el The End (Wayne no podía acabar la cosa como el malo de la película).
Hawks prefirió el blanco y negro al color, según él demasiado saturado por entonces para la historia pero no puedo contar con el maestro Gregg Tolan para ello. El plantel de secundarios es notable aunque parece que John Ireland le dio problemas al director y suprimió algunas de sus escenas. Según el director porque siempre estaba borracho o fumado y según otros porque le levantó a la chica Joanne Dru con la que acabó casándose.
A Clift no le quedaron ganas de volver a conformar el trío con Wayne y Brennan en "Rio Bravo" (1959) años después, sustituido por Dean Martin en el quizás mejor Western de Hawks. Pero eso es otra legendaria historia.
LA VENGANZA DE JANE
5
1 h. 38 m.
USA / 2016
Gavin O´Connor
Actores (Fassbinder) y directores ( Lynne Ramsay) que abandonaron el proyecto, baile de actores que van saltando de uno a otro personaje y un retraso de tres años desde su rodaje con un estreno fallido en París hacen que la producción de la propia Natalie Portman no haya tenido el resultado esperado en este western de apañada factura que no acaba de cuajar con un guión que solo funciona a ratos.
Ewan McGregor pasaba por allí y el resto del elenco tiene muy poco a lo que agarrarse. La coda final sonrojante.
6
1 h. 55 m.
USA / 2016
John Hillcoat
Parece ser la marca de la casa de este director Australiano criado en Canadá el no acabar de rematar la faena con un cine de buenos e intensos momentos visuales (Hillcoat tiene una amplia carrera en videos musicales) pero que no dejan de ser piezas sueltas de un puzzle que no termina por encajar como debiera o que si lo hace descubrimos que el resultado final no merecía tanto la pena.
Tuvo su gran oportunidad con la impresionante novela de Cormac McCarthy "La carretera", ganadora del pulitzer y se le fue entre los dedos al igual que este thriller de acción con pretensiones plagado de caras conocidas encarnando personajes que se quedan a medio cocer.
Se deja ver y algunas de sus escenas podrían pertenecer sin desmerecer a otros proyectos más elaborados. Es una lastima que esa imponente e inquietante rusa que encarna Kate Winslet se quede solo en la fachada exterior.
AURORA
Kim Stanley Robinson / 2015
Edit. Minotauro / 2016
446 págs.
La especie humana a día de hoy y tal y como la entendemos tiene fecha de caducidad, al igual que todo lo existente aunque nuestros átomos vayan a recombinarse con otro átomos para formar otra cosa.
El caso es que mientras eso ocurra más pronto o más tarde soñamos con viajar a otro lugar y expandirnos, quizá evolucionar y conquistar la utópica inmortalidad aunque sea de forma colectiva.
En "Aurora" Robinson se encarga, con enconada reiteración durante muchas páginas de desengañarnos al respecto. En su linea de ciencia ficción dura, es decir aquella que da relevancia a los aspectos científicos y técnicos de la narración deja claro que viajar fuera de nuestro sistema solar dada nuestra fragilidad temporal conlleva una serie de problemas poco menos que insolubles desde amplios puntos de vista, tanto técnicos, como sociales y ecológicos. Aboga por la teoría de que la vida es especifica en cada lugar y situación y el ser humano seria considerado un agente externo, invasor a merced de los
"anticuerpos", lease tipo de vida, de cada lugar que intentasemos colonizar.
Por no hablar de que el viaje hasta allí seria, por supuesto, generacional, en una nave que sirviera de arca (si fuéramos capaces de construirla) donde seguro que se produciría una involución natural derivada de siglos en espacios cerrados. Cualquier objeto de un metro que chocara con la nave la pulverizaria, encontrar un planeta similar implicaría que las diferencias de gravedad o condiciones climáticas tendría consecuencias a medio y largo tiempo, los problemas de la hibernación que tanto se utiliza en las películas, etc, etc, etc, y un larguísimo etc mas. Robinson nos remite como única posibilidad a los rincones de nuestro sistema solar como lo más pausible si queremos salir de nuestra casa la Tierra.
Para todo ello cede en poner en marcha ese hipotético viaje y contarnos muchas de las cosas que ocurrirían, entre ellas y creo que el mejor personaje de la novela, ser controlados por una inteligencia artificial que pusiera orden y concierto en ese grupo de viajeros que dado la condición humana acabarían por matarse entre ellos y echarlo todo a perder.
La sociología, la técnica y la ciencia funcionan mejor en la narración que el aspecto humano, a veces poético y literario que el autor quiere conjugar sin conseguirlo en la medida que hubiera sido deseable, con unos "protagonistas" con los que no empatizamos engullidos por el inmenso e inabarcable universo que atraviesan.
Comentarios